April 22, 1986

The third axis is the line of the Outside. It is the axis of our confrontation with the absolute Outside. And it is only this Outside of which we can say: yes, this Outside is more distant that any form of exteriority or external milieu, in other words, travelling won’t get you there. However far you go – far, far, far away, to the islands and to the moon – it will still be exteriority or, at most, if you ride pure forces, it will still be a relative outside.

Seminar Introduction

After Michel Foucault’s death from AIDS on June 25, 1984, Deleuze decided to devote an entire year of his seminar to a study of Foucault’s writings. Deleuze analyses in detail what he took to be the three “axes” of Foucault’s thought: knowledge, power, and subjectivation. Parts of the seminar contributed to the publication of Deleuze’s book Foucault (Paris: Minuit, 1986), which subsequently appeared in an English translation by Seán Hand (Minneapolis: University of Minnesota Press, 1988).

For archival purposes, the English translations are based on the original transcripts from Paris 8, all of which have been revised with reference to the BNF recordings available thanks to Hidenobu Suzuki, and with the generous assistance of Marc Haas.

English Translation

Edited

With the seminar here commencing discussion of subjectification, the third axis of Foucault’s thought (cf. Deleuze’s Foucault, chapter 5), Deleuze connects Foucault’s thought to Blanchot’s concept of “the Outside” (The Infinite Conversation), hence his third dimension as an encounter with an absolute Outside, Blanchot’s “the impossible”, a “non-relationship”, yet that also entails points of resistance in the diagram, about which Blanchot speaks in terms of “one dies” (on meurt), not personal death but death coextensive with life, in fact, a double death of the “I” and the “one”. Deleuze concludes that however close this line of the Outside moves toward death, we have to accept that it will pull back toward life, a kind of peristaltic movement that Deleuze depicts graphically (cf. the image in Foucault of the line and its foldings). Reflecting on how the inside is the double of the outside, Deleuze concludes that the inside is the fold (pli) of the Outside and, with Blanchot, that thought comes from the Outside. Deleuze draws on Michaux to suggest that the fold is like the eye of the hurricane, where we can live and breathe, and that for Foucault, the invention of the formation of the fold goes back to the Greeks. Deleuze points to other artists as thinkers of the fold: Artaud’s The Letters to Jacques Rivière; Raymond Roussel, the double and the doubling (doublure); Pierre Boulez’s compositions (cf. Pli selon pli); Melville and Ahab’s line of the Outside. Linking these approaches to Heidegger’s reflections on thinking, inflected by Foucault as a hallucinatory powerlessness through the theme of the double, of doubling inherent to a fold, Deleuze returns (with Foucault) return to the Greeks, their diagram of folding force onto itself, and Deleuze proposes different paths through the fold in works by Roussel and Leiris for the next session.

 

Foucault and Sartre demonstrating

Gilles Deleuze

Seminar on Foucault, 1985-1986

Part III: Subjectification 

Lecture 20, 22 April 1986

Transcribed by Annabelle Dufourcq; time stamp and additional revisions, Charles J. Stivale

Translated by Melissa McMahon; additional revisions, Charles J. Stivale

 

Part 1

So, today we are starting… the attempt to determine what has seemed to us to be a necessary third axis in Foucault’s thought. So, it is very elegant: we spent the first term on the axis of knowledge, we spent the second one on the axis of power, and then there is this third axis, which in a way we have always been moving towards, but which is still very mysterious, and, after all, it is mysterious. And the last time I was trying to say that this third axis had no doubt been present from the beginning, intermingled with the other two, but it is only later – and in relation to problems that were pressing, from the point of view of thought, problems that were pressing or that, for Foucault, appeared increasingly urgent – that the question emerges: under what conditions can this third axis appear for itself, disentangle itself from the others? So, I think in any case, on the subject of knowledge and power, I have said everything I was able to say, everything I could say, and so, before we finish up now with… and just focus on this third axis… I’ll ask if there are any questions, any points … No? All right.

So, axis, or dimension, we can now recapitulate, or recapitulate again, from the point of view we are concerned with. I would say that the first dimension is that of exteriority and forms of exteriority. And this dimension of the forms of exteriority constitutes knowledge. I mean… we have to try to explain what that means. What is exteriority and the forms of exteriority? The Archeology of Knowledge no doubt goes the furthest in the analysis of the forms of exteriority. And we can see that, if we… if we survey how Foucault uses the words “exterior” or “exteriority” in his work, we can clearly see that “exteriority” has two meanings. Sometimes “exteriority” means dispersion, dissemination. And sometimes “exteriority” means gap or disjunction. Something in a state of dispersion refers to a form of exteriority, something in a state of disjunction refers to a relationship of exteriority.

And, in a certain way, Foucault never stops reiterating or affirming a sort of primacy of forms of exteriority over any form of interiority. More than that: forms of interiority are in the end pure and simple appearances, or rather – correction – sometimes appearances, sometimes conveniences, sometimes subordinate means. Forms are fundamentally forms of exteriority. This already amounts to saying that exteriority is only a dimension. Exteriority, in my opinion, to my knowledge, is always mentioned in reference to forms in Foucault. So, what can we say about language, for example? We can say that, yes, language is a form of interiority, in relative terms. Relatively a form of interiority – in what sense? In the sense that language contains, comprises, words and sentences, but when I say that “interiority” is always subordinate – what does that mean? It means that while it is true that language is a form that contains words and sentences, it is also on the other hand a milieu for the dispersion of statements.

And, as we have seen – I won’t go back over it – words and sentences are only in a way the outer shell of statements. So, if I say that language is a form of interiority, yes, this is true, relative to words and sentences. But words and sentences, once again, are the envelope of statements, and language is not a form of interiority in relation to statements, it is does not comprise, does not contain statements, but statements are distributed, dispersed in language. It’s a form of dispersion and, in this sense, a form of exteriority. The same applies, as we have seen, to light in relation to visibilities. I can say that light contains or comprises things, states of affairs, sensory qualities, but visibilities, which aren’t reducible to things or states of affairs, or sensory qualities, light doesn’t contain visibilities, visibilities are dispersed in light. That’s what a “dissemination” exteriority is, then, and I can say at the same time that in so far as it is a form it is always relative. In the end, the same thing is both a form of exteriority and a form of interiority, but it doesn’t have the same status. What appears as a form of interiority in relation to words and sentences is in fact, and on a deeper level, a form of exteriority in relation to the statements that we can draw out of words and sentences.

And I’m saying that the other sense of the word “exteriority” is gap or disjunction – what between? Well, in this case the gap or disjunction implies the relationship between the two forms of exteriority, which is to say a twofold exteriority, because not only are there two forms of exteriority – language in relation to statements and light in relation to visibilities – but a relationship of exteriority between the two forms. There is exteriority between one form and the other. Exteriority, in this case, is disjunctive exteriority, a “disjunction” exteriority. Seeing is not speaking, speaking is not seeing. Disjunction between seeing and speaking. So much so that in a certain way I can say that interiority, in so far as it exists, is always, always subordinate, always secondary in relation to forms of exteriority. And that’s why we can see Foucault as carrying out a double critique: a critique of psychological interiority, of the supposed interiority of consciousness, and a critique of physical confinement.

There’s something I have often insisted on, which I can summarize as: no, Foucault is not a thinker of confinement – why? Because both psychological interiority and physical confinement are strictly subordinate to functions of exteriority. [Maurice] Blanchot, reviewing Madness and Civilization, puts it very well: what is it that is confined? It’s the outside that is confined – and we are not, we are not yet capable of understanding, at this point, we are not yet capable of understanding what “it is the outside that is confined” means. We can just have a sense, we will try to become capable of understanding what that means, but what we can have a sense of for the moment is that confinement, in fact, is a secondary function. Just like psychological interiority, physical confinement is a secondary function in relation to forms of exteriority. Confinement serves the forms of exteriority. An example: the confinement of lepers serves a function of exteriority, which is to exile. The confinement of the prison, confinement in prison, serves a function of exteriority, which is to establish a grid of control [quadriller] over the social field. To the point where functions like exiling or this other function – controlling the social field – can very well, in other conditions, take place independently of any confinement. Independently. A grid of control can be established independently of the prison… [Interruption of the recording] [12:09]

 

Part 2

… And, when we are no longer dealing with forms, but with forces, which is to say the second dimension, the second axis, the axis of power, I would say that in most cases –we will need to elaborate on this “most” – Foucault uses a different word to “exteriority.” And, indeed, the word “exteriority” reaches its high point, as I was saying to you, in The Archeology of Knowledge, namely insofar as it supposes and presupposes forms, qualifies forms, and refers to this first axis, this first dimension called knowledge. But when it is about forces, the new word that appears is the “outside,” a word Foucault borrows from Blanchot and which, in Blanchot, is very often capitalized: the Outside. But already in the particular way Foucault uses the term, there is something very foreign to Blanchot, namely that just as exteriority determined and presented itself as the element of forms, the Outside presents itself as the element of forces. Why? What the Outside describes in the first place is the relationship of force with force. The Outside is the non-formal element of forces, it is the informal element of forces; the Outside has no form. As a result, all forces are in a relationship with other forces, which, by their nature, are always forces that come from the outside. The Outside is the relationship of force with force.

So, on that point, you realize, it doesn’t matter if we come across texts where for example “exterior” is used instead of “outside.” I mean: there’s a broad way of speaking and then on the contrary in certain cases, each time it is necessary, the Outside is distinguished from simple exteriority – but in certain cases, “exterior” and “outside” are synonymous. Each time you have to ask yourself: is it about forces or is it about forms? If it is about forms, the correct word is “exteriority” or “exterior,” if it is about forces, the correct word is “outside.” But why this ambiguity? Why is it, at the same time, when you’re going quickly, when there is no need to make the distinction – there are all sort of cases where you don’t need to make the distinction, exteriority and the Outside are from the same family after all – why can they also be synonymous? I am asking you to reflect on this theme: the Outside, for Foucault, is the relationship of force with force, which is to say the informal element of forces.

And the relationship of force with force, as we have seen, is what he calls at least once “the diagram.” And, effectively, the diagram always comes from the outside. But already in saying that we can sense, on this second level – the outside as informal element of forces – that I still only have a relative outside. I still only have an outside that’s only relative – already this should suggest to us that this is not the last word, that there will be a third dimension. This outside is relative to the diagram that determines the forces of a relationship. The diagram comes from the outside. The diagram comes from the outside, which is to say the relationship of forces at a given moment comes from the outside. Yes, but comes from the outside in a relative sense. It is still an outside… how would we say it in philosophy? It is a mediated outside or, if you like, an indirect outside. And that’s why, if you’re going quickly, it can be considered as a synonym of exterior, of exteriority. It is already an outside, it is more than exteriority, but it is an outside that is still indirect, mediated by the diagram, mediated by forces in relationship with each other. It’s… Why? What I am saying is: all diagrams come from the outside. Yes, all diagrams come from the outside, but at the same time, there is never any first diagram. Every diagram, every relationship of forces refers to a preceding diagram. But, in so far as it comes from the outside, every diagram is, we might say, aleatory. It is an aleatory distribution of forces.

But insofar as there is no first diagram, every diagram is semi-aleatory, which is to say it depends on the previous diagram. And I was saying to you: the succession of diagrams in Foucault, I won’t go back over it, is rather like what mathematicians define as a Markov chain, which is to say, semi-aleatory connections, a succession of random draws, but where each draw receives the determined conditions of the previous draw. It is aleatory, because there are random draws, but it is only semi-random, because the previous draw sets the conditions for the next draw. It’s what we will call a succession of partially dependent phenomena, or semi-aleatory phenomena. It is in this sense that the outside on the level of forces is a kind of indirect outside. Forces always come from the outside, but they only give us the outside in an indirect and mediated form.

What would this third dimension be then? The third dimension is the encounter with an absolute outside. With what Blanchot himself calls an immediate outside. An outside which is no longer even mediated by forces, because it is force itself. A relationship with the outside that is absolute.

And, at the same time, relationship and absolute seem to be contradictory terms. Yes, they are contradictory, with the qualification that the relationship with the outside is also, as Blanchot says, non-relationship. It is the absolute of relationship. It is a non-relationship to the extent that non-relationship is still a relationship. What relationship? To the extent that non-relationship is the absolute of relationship. All of that seems extremely, ultimately almost a matter of words, but what is this relationship with the outside? Let’s say for the moment that we only know one thing about this relationship with the outside, which is that this outside is more distant than any external world. Which is to say, this relationship is more distant than any form of exteriority. This relationship is more distant than any external milieu, any form of exteriority. It is the immediate or absolute outside. No longer mediated by forces and represented in a diagram, but the outside for itself, the outside in itself. But how does the outside have an “in itself”? This outside, which is both relationship and non-relationship, absolute and relative, is what Blanchot calls… he gives it his own name: the impossible. The impossible. Good. That’s how far we have to go: to the impossible.

L’Entretien infini,[1] page 66 [Eng 46]: the “radical non-empirical experience,” the “radical non-empirical experience is not at all that of a transcendent Beingthis is Blanchot’s break with Heidegger. The “radical non-empirical experience is not at all that of a transcendent Being,”but is it a break? Doesn’t Heidegger say the same thing in another way? The “radical non-empirical experience is not at all that of a transcendent Being; it is ‘immediate’ presence or presence as Outside.“‘Immediate’ presence or presence as Outside” – why? Well, what do you know, we are actually in a position to understand this a little. Presence as Outside is in effect immediate presence because it is the relationship with the absolute Outside, as distinct from the relationship that is mediated by forces. In other words, we have crossed the line, or we have reached it, because this absolute Outside is the line of the outside, it is the line of outside or the line of the outside. So. “And here is the unexpected response,” Blanchot says, “And here is the unexpected response, radical non-empirical experience is not at all that of a transcendent Being; it is ‘immediate’ presence or presence as Outside. The other response is this: impossibility, which escapes every negativity….” Impossibility is what escapes every negativity… “Impossibility, which escapes every negativity, does not cease to exceed, in ruining it, every positivity; impossibility being that in which one is always already engaged through an experience more initial than any initiative, forestalling all beginning and excluding any movement […] But […] such a relation” – he means the relationship with the outside, which he talks about mysteriously because it is indeed mysterious – “But… such a relation, which is the hold over which there is no longer any hold...” – that’s pure Blanchot – “But we know, perhaps, how to name such a relation, which is the hold over which there is no longer any hold….” The relationship with the outside, which is the hold over which there is no longer any hold, we know perhaps how to name it “since it is again what we have tried to designate (confusedly) by the term: passion. So, we shall be tempted to say provisionally: impossibility is relation with the Outside; and since this relation without relation is the passion that does not allow itself to be mastered through patience, impossibility is the passion of the Outside itself.” [46 Eng]

You have to familiarize yourself with it, a text like that doesn’t really help us understand very much. But in the first place, it is a beautiful text, and then it introduces us to this idea: a relationship with the outside that is the absolute of relationship. And how does it prepare us, going back to Foucault now, how does it prepare us for this third dimension? You know my three successive dimensions: first dimension, the forms of exteriority and exteriority between the forms, that was knowledge; second dimension, the outside as informal element of forces, but this is an outside that is still relative, because it is represented in a diagram and mediated by forces in relationship with each other; and then the absolute Outside. This relationship, which is non-relationship, which is the impossible itself, but that’s how far we have to go – why? Because we no longer have the choice. That’s how far we have to go, to this impossibility itself. This third dimension is the line of the Outside. And I’m saying, in Foucault… coming back to Foucault now… there was something, we saw this last time, that prepared us for the necessity of going beyond the second axis, that of power and relationships between forces, what was it?

We’ve seen that there were points of resistance in the diagram. Points of resistance. And where did they come from? And we saw the difficulty they presented from within Foucault’s own perspective – where do these points of resistance come from? And that in the Will to Knowledge, he still hung on to the second axis, saying: these points of resistance are simply the counterparts of the relationships of forces. But that posed lots of problems for us: how can you say that they are simple counterparts, when the counterpart of an affecting force is the affected force? That is not resistance. Where could these resistances come from, if not from the outside? And while it is true that the forces in the diagram only refer to an outside via the intermediary of another diagram, the preceding diagram, a mediated, indirect outside, don’t the points of resistance indicate a direct outside? An immediate outside? The third axis is the line of the Outside. It is the axis of our confrontation with the absolute Outside. And it is only this Outside of which we can say: yes, this Outside is more distant that any form of exteriority or external milieu, in other words, travelling won’t get you there. However far you go – far, far, far away, to the islands and to the moon – it will still be exteriority or, at most, if you ride pure forces, it will still be a relative outside.

So, where will you find this Outside which is more outside than any outside, which is more distant than any form of exteriority, any external milieu? And what is it, what is this line of the Outside? This is where I say, well, that is the necessity of a third axis. Now, you know, when you read a great philosopher, you can always stop at some point. You can always stop, and you’ll have a very good reading. It is the reader’s right to say: well, no, that’s enough, I can only follow him to a certain point. I can only follow… What does that mean? I can only follow this to a certain point, it’s like this everywhere, we see it when… You could even say it is the critic’s favorite activity. Up to that point, sure… What happened there, was he hit on the head? There are two, there are two ways of reading, and this applies to literature or to… to everything, as much as philosophy. If you have a relationship… If you have a personal relationship, by personal I mean that… as a reader, if you feel that an author relates to you, then strictly speaking you are no longer in a position to be selective. You follow them, which doesn’t mean swearing allegiance, it doesn’t stop you from doing your own things.

But, you understand, to talk about Victor Hugo and say that such or such a period is good, another isn’t, this is the perpetual contamination of the whole of literary criticism, which has always confused itself with gastronomy and recipes. Because that’s what they are talking about in the end: Oh yes, Victor Hugo, there are places where it doesn’t work, you know. Or else in theatre… All that. I’ll talk about things closer to us: the criticisms of Godard: ah! Oh yes, up to ‘68 it was fine, but afterwards! They never ask themselves… you understand, the bad critics, they never ask themselves whether something is necessary for the author. Whether they had to go down that path, or whether the authors themselves had the choice. But when someone commits themself to a project that critics, by definition, have no idea about, you have to take on everything, you don’t have the right to pick and choose, you have to go all the way, follow them to the end, just to see, even if just to see.

So, I am nevertheless saying: it is possible… I’m saying the opposite of what I just said. Let’s imagine a reader who says: okay, Foucault, I completely understand what he is saying about knowledge. They say: up to the Archeology, fine. Up to the Archeology of Knowledge, fine, but after that, well, these things about power… And this reader, such a reader, in one sense, would not be wrong, why? He would be wrong because he is leaving out an aspect that is important and very original. He wouldn’t be wrong because he could point to Foucault himself who, at the end of his work on power, said: good God, what dead end am I running into, what dead end have I got myself into? How can I break through this line? Well, you won’t break through it any better by staying this side of it, will you? So, there are others who might say: ah, up to power, fine. Power as well, fine. Then… then he goes back to the subject, in his last books, he goes back to the subject after telling us that the subject was nothing at all, worse than nothing, now he rediscovers the subject!

Such things are very tedious to hear – why? Because you wonder: what’s the point of writing and… well. But you can see how strange it is, bad forces prevent us from participating in the whole of a given experience. So, we saw the last time, this is what I tried to say, actually I’m not sure of being right… well, any other answer… he really found himself, at the end of his period of reflection power, he found himself in an impasse, which isn’t his but that of power itself, namely: how to break through the line of power? Or, which amounts to the same thing, how to reach what I am now calling… how to reach an outside that is really an Outside? As though, precisely, none of the diagrams of power had given us this outside yet. Something beyond power that would be the relationship with the outside. Because power only gave us, once again, an indirect or mediated relationship. Okay. There, that’s my first point. So today, since it is relatively difficult, I mean… I will stop at each point: is everything okay? Okay? There’s nothing to…?

I mean: the important thing is that you follow the distinction between the three axes, with the option, for you – yes, even though this is the opposite of what I just said – with the option of stopping – it’s like there are stages – at a given stage. Of saying: I’m fine with everything he says about knowledge, I’m fine with everything he says about power. Obviously… those who tell themselves that knowledge seems to me…, there’s no reason for them to come any more, because we are talking about the other axes. So much so that, to the extent that you are still here, it is because you sense the necessity of the third axis: a relationship with the outside that is defined, just for the moment, as this Outside that is more distant than any external milieu, any form of exteriority. All right. So, what can give us an idea of this line of the Outside? This is my second point. And let’s keep going because in this respect, up until now I am looking for similarities, so we can then… afterwards, I will look for the differences but, once again, I think it is a good idea to proceed very carefully. If I focus on the similarities between Foucault and Blanchot, I can just as well say: since the notion of the Outside is so marked by Blanchot, how did Blanchot give us an idea of this relationship which is a non-relationship? Of this absolute relationship, of this line of the Outside?

The most concrete idea he gave us – but I don’t think we’ll leave it at this, because that would be extremely sad, but then Blanchot is not very cheerful – is: “one dies” (on meurt).[2] One dies. The line of the Outside is “one dies”. The expression “one dies” is important. He doesn’t say: “this is the line of death.” It is: “one dies” forms the line of the Outside. And Blanchot’s most moving passages, most… developed passages in this regard are in L’Espace littéraire. The “one dies” is the relationship with the Outside. Why? Blanchot, there… is endeavoring to make us understand that, according to him, death is fundamentally double. There is a death that is expressed as “I die” and a death that is expressed as “one dies.” And I would say: everything we need to understand is there, the text is extremely difficult, it is pages 160–161 (p. 153–154).[3] I would say: the death of the “I die” is death as an indivisible instant. It’s the death that can happen to me, that will happen to me. It is, in a way, the personal death. The death of the “one dies,” is the death that is coextensive with life. A death that has always already started and which is never done. It is coextensive with life. “The death which never happens to me…[4] – but that doesn’t mean it happens to others – “The death which never happens to me, to which I can never say yes, with which there is no authentic relation possible” – this is the non-relationship with death – “not the term, but the interminable” – interminable death – “not proper but featureless death”, “it is the abyss of the present, time without a present, with which I have no relationships[5] – the non-relationship again – “it is that toward which I cannot go forth, for in it I do not die” – in it, in this death, the death of the “one dies,” I don’t die – “I have fallen from the power to die. In it one dies; it does not cease, and it does not finish dying”,[6] who is this “one”? It is me. It is me, but it is not me as “I,” it is me as “one.” It is me taking my place in the funeral procession of the “one.”

I never stop and I’m never done with dying. I never stop… that’s Blanchot’s best formula. As “one,” I never stop and I’m never done with dying. One dies. And on page 104 (103), in a splendid passage, he explains how suicide is the vain attempt, according to him, page 104 (103), to make the double death, the death of the I and the death of the one, coincide. The “I die” and the “one dies,” which is to say to turn this death that never stops and is never done, to transform it, to turn the death coextensive with life into an indivisible moment: I kill myself. By committing suicide, I want to kill myself at a determined moment. I link death to now: yes, now, now. But nothing better indicates the illusion, the madness of this ‘I want,’ for death is never present. There is in suicide a remarkable intention to abolish the future as the mystery of death: one wants in a sense to kill oneself so that the future might hold no secrets, but might become clear and readable, no longer the obscure reserve of indecipherable death. Suicide in this respect does not welcome death; rather, it wishes to eliminate death as future, to relieve death of that portion of the yet to-come which is, so to speak, its essence […] One cannot ‘plan’ to kill oneself. One prepares to do so, one acts in view of the ultimate gesture which still belongs to the normal category of things to do, but this gesture does not have death in view, it does not look at death, it does not keep death before it.”

A vain attempt, once again, to merge the two deaths: the death of the I and the death of the one. The death of the “one,” the “one dies” defined as this death which doesn’t stop and is never done, which is to say the death that is coextensive with life and not the indivisible instant of death which is the death of the I. This is precisely, at the stage we are at, this is precisely what we will call the line of the Outside. And in the end, this is the form in which, in effect, the outside reaches its absolute form… I take back the word “form,” which isn’t appropriate. Why? The “one dies” is precisely what I was calling the line of the Outside before and the “ones” – quite a few now, both in Foucault and Blanchot. This a real reversal in relation to Heidegger, which is to say there is a valorization of the “one,” a real valorization of the “one,” compared to Heidegger who, in Being and Time, linked the “one” to so-called inauthentic existence. Here, on the contrary, there is an extraordinary valorization of the “one,” based on what?

What seems the most important thing in Blanchot to me, I was saying to you, is the way he reacts against all “personology.” And this is one of the reasons why, precisely… it is one of the greatest novelties in Blanchot. Once we understand that his era was characterized by a double personology, even when this personology was hidden, or disguised, masked. It was a masked personology. I say double personology because it was, on the one hand, linguistic and on the other, psychoanalytic. A linguistic personology that is most perfectly expressed – we have seen this and I won’t go back over it – in [Émile] Benveniste, but which runs through the whole of linguistics in the form of the theory of “shifters”.[7] The “I” and the “you.” Their special linguistic role as the instance that initiates the discourse, the I and you as linguistic persons and, as Benveniste says, remember there are only two persons, the I and the you, the third person, the he/it, is actually a non-person. And of course, they said: ah, but don’t confuse linguistic persons with you as a person, it isn’t psychology, it’s linguistics, these are shifters, they are… anything you want… they are self-referential, because the “I” is the one who says “I.” Okay, understood, but that’s all we are saying. It’s a… how would I say it, if I dared… it is a linguistic Christianism. A linguistic personology.

And psychoanalysis? Psychoanalysis, well, there as well, there are masks. In some places, it adopted a genuine personology, with [Daniel] Lagache, in other places, with [Jacques] Lacan, it denounces personology, only to put in place, it seems to me – and I say this cautiously – specifically psychoanalytic persons, which weren’t unrelated, for that matter, to the linguistic persons. But the case of Lacan is especially complicated, because if you look at his thesis, his first work, you will see that it explicitly appeals to the theme of the person, which is to say is explicitly personological. Now I don’t at all want, it would be a cheap argument to hold him to his first book, but the point of departure of Lacan’s thought was extremely personalistic, personological.

And what does psychoanalysis do? This is something that has always struck me, one of the points that has struck me the most, the most. It’s that, independently – I’m not talking about theory here anymore, I’m talking about practice – what do they do? Whatever you say to them, whatever you say, they have to refer things back to persons. Things from the unconscious are referred back to persons – I, you. And the analytic relationship itself is a personological relationship. What does that mean? Well, if you listen to a child… we have to listen to people after all… just a bit… if you listen to kids, what do they say to you, or what do children say? How does ONE grow? How is ONE born?[8] What’s A stomach for? All right.

What is the psychoanalytic practice? It is precisely, you’re in the situation, if you like, in psychoanalysis you are in the situation of someone who comes along saying: ah yes, people. Et on se fait reprendre en disant: les gens, les gens, non mais quoi! [I can’t quite work out the meaning here] My favorite text in all of psychoanalysis, is a comment of Jung’s, who says: it’s really bizarre… who says: Freud was bizarre – and Jung knew him well, you know – one day I told him about a dream,[9] there was an ossuary, Jung had dreamed about an ossuary. And the other, Freud, dissects his dream and says to him: that’s a worry my poor Jung, he says that it is about the death of the mother – he didn’t have to work hard for that one [il ne s’est pas fatigué] [Rires] – it is about the death of the mother and there was Jung, Jung was perfect, because he says: But, ah… an ossuary! He says, “Freud, it was an ossuary, you understand, an ossuary, it wasn’t a bone. Thousands of bones!” the “on” of the bone. [Laughter] Freud, literally… I suppose for that matter, it can only be true – he couldn’t give a damn, couldn’t give a damn, an ossuary and a bone, it never made the slightest difference to him. When there is a bone, it is your mother’s, a person. When there are ten thousand bones, things become more complicated, it is something else, isn’t it?

So, I am saying, with kids: how is ONE born? What do grown-ups do? But in analytic practice these terms are never heard, the “on” is never picked up on, the indefinite article, “A stomach” is never taken for what it is, which is to say an indefinite article. There is a splendid ignorance of the “on”, that’s where… I can think of only one text, one interesting text in this regard, which goes… It is the text by [Jean] Laplanche and [Jean-Bertrand] Pontalis, which is thus very inspired by Lacan, on “original fantasy, origin of fantasies”,[10] which precisely uses one of Freud’s great texts as an example, “A Child is being beaten.” A child is being beaten or they [on] are beating a child. They are beating a child… [Interruption of the recording] [58:47]

 

Part 3

… They explain at the end that we need to be very careful, we need to be very careful with these reductions. We need to be very careful with these reductions, but it is even better not to do it at all. It is even better not to do it, which is to say to at least entertain the hypothesis that the unconscious only knows “on,” indefinite articles, third persons, which is to say non-persons, and that, when children say “what is A stomach,” we need to hear “a stomach.” And that, when they say “how do people grow?,” that means people. And “how are children made” doesn’t mean “how was I, myself, made?” – given that I know, that I spied on my mom and dad – but really, in this case, to talk like Foucault, children are engaged in biopolitics: “how is one born?”

I am saying that Blanchot, to my knowledge, is the only one, the only one to have reacted, in any case the first one to have reacted against this personology, both linguistic and psychoanalytic, and to have considered that indefinite articles – which he… he doesn’t talk about that, given how similar these are – that indefinite articles aren’t reducible to definite ones. In the same way that the third person, which is to say the non-person, the “it” and the “on,” weren’t reducible to the persons “I” and “you.” And this will be the valorization of the third person as non-person, and Foucault will be able to carry on the work of Blanchot in this regard. He will carry it on with the three axes. Perhaps you remember: under the form of light, ONE sees. One sees. And one sees dispersed visibilities. And under the form of language, ONE speaks. And each subject will come to take its place in this line of the “one speaks.” This place is not the same, but, in any case, there isn’t a person, there is an instantiation of the “on” in relation to a given statement, in relation to a given family of statements. Even if there are proper names, proper names – why is there this arbitrary idea that proper names refer to persons? Perhaps proper names refer to something else entirely. Okay.

I just want, with that, for you to… develop a sort of criteria – without at all saying “these ones are right, the others are wrong” – between two very different forms of thought, one that tends towards a personology, however complex it may be, and those that tend towards the impersonal, what Blanchot will call the Neutral, the non-person, the “it” or the “on.” So already at the begin… at the… So already, at the level of the forms of exteriority, on the level of knowledge, you have the “one sees” and the “one speaks,” in Foucault. And on the level of power, the relationship of force with force, there as well you won’t find persons, you have the development of an “on,” the “on” of power. The thing as “one fights,” the impersonal “one” of strategy, the “one fights,” “one collides”. Force is in a relationship with force.

And now, with the third axis, there will be this “one dies,” once again this death which never stops and is never done and which isn’t reducible to my personal death, isn’t reducible to the “I die.” The “I die” is the instant where I as a person coincide with the line of the “one dies,” which is to say I take my place in the “on.” So, it’s not very cheery. So, there we have our first answer, what is the line of the Outside, beyond power? It is the line of this death, the line of this interminable death and, here – granted, the overall tone is completely different – but we find a similar answer in Foucault. The death that is coextensive with life, this is what he took from [Xavier] Bichat, the partial deaths that never stop and are never done and which lead us to say: but perhaps these points of resistance, these mysterious points of resistance… are these points of resistance not in the end perhaps all these partial deaths? Aren’t they like so many points on the line of the “one dies”? In other words, yes, there is a beyond of the line of power, yes, there is a breakthrough in relation to power, there is a line of the Outside, but this line of the Outside is the “one dies,” even deeper than the “one sees,” “one speaks” and “one fights”. So, obviously, it would be… [Deleuze does not finish the sentence]

There, that’s our second point. Obviously, we would be extremely happy if something came along that saved us from that, but what can happen on this line of the Outside if not something mortal? Which is to say: that brings us death, as though it were impossible to evade power except through death. Okay. And that… I mean, it would be very convenient of course if we had reason to think that the death coextensive to life doesn’t exhaust life. Even more, for everything to be, for everything to start up again – there again we don’t have a choice – the line of the Outside must be capable of certain movements that pull it back from death.

For the moment, and what I mean is… we can’t suppress that moment, I am saying: for the moment, the line of the Outside is necessary, but it is necessary in its strict identity with the line of the “one dies.” Is this line of the outside capable of movements that pull it back from death, and what are those movements? Namely, a vitalism, to go back to Foucault’s terms, is there a vitalism that can shake or escape mortalism? What he said in relation to Bichat: it is vitalism, but against a background of mortalism. Can this line of the Outside shake its affiliation with death, this death that is never done and never stops? In any case, we have to pass via this line of the Outside, it will remain the line of death, even if it manages the movement that pulls it back from death. Let’s be clear. We can’t suppress this moment we have passed through. This moment will stay, and I think perhaps that for many, for many people, the line of the Outside will always be marked by this macabre quality. To escape from power: yes, the only way to escape from power… It is like that, it is to cross, to cross the shallow stream. The shallow stream.[11] The shallow stream: death. Okay, okay, okay, okay.

Hence our third point today, which is: can we conceive a movement? I am saying… you see until now we have tried to isolate the line of the Outside. This absolute Outside, once again, deeper, more distant, more distant that any external world. And we say: well, yes, that’s death. So… But this line of the Outside, what can happen? It is fundamentally movement. So, is its movement exhausted in the passage from one partial death to another? Does it just form a chain of deaths? A string of deaths? What can happen on a line…? It is constantly in movement, this line of the Outside. Here we can try to use metaphor to guide us a little: it is as though it were constantly animated by peristaltic movements. Powerful and constant peristaltic movements travel along the line of the Outside. Or else there is a term used in embryology: invagination. An embryological tissue invaginates – what does that mean? It forms a hollow. [Pause; Deleuze writing on the board] Second stage, why not third stage? [Deleuze writes on the board] Okay, that’s… The line I have drawn is the line of the Outside. It is just to say: peristaltic movements, invaginating movements… so many movements are possible. As though it was pervaded with movement.

So, our third point will be: if it is true that the line of the Outside is pervaded with movement, how can we present this type of movement? What is it? What is it? Well, let’s start from the hypothesis – we’ll go back, we have to move very slowly, the line of the Outside is the line of the distant. The Outside is the distant. It is absolute distance. Further away, more distant than any external milieu. Don’t you get the sense, then, assuming these aren’t just words, that if it is more distant than any external milieu, it is, by the same token, what is closest? This furthest is the closest. We have to add: this distance, in so far as it is further away than any external milieu is by that very token closer, the closest, closer than any interior milieu. If the distant is more distant than any exteriority, it is closer, it is closeness itself. And if it is closeness itself, it is closer than any interior milieu. Exteriority and interiority are challenged at the same time, as we have seen, we already saw this with the first axis, the conversion of the distant to the close. Not the other way, the conversion goes in a particular direction.

We start from the distant, and we posit it as the closest. And necessarily as the closest – why necessarily so? It is necessarily the closest because, as distant, it is more distant than any external milieu. And in so far as it is more distant than any external milieu, it is closer than any interior milieu. I can only repeat this, either it registers, registers with you, it means something to you, or else it doesn’t mean anything to you. If it doesn’t mean anything to you, once again, just let it go; if you have the smallest glimmer, you will need to bide your time, mull it over, in order to give it a bit more of a concrete shape.

From the distant to the close, this recurs obsessively Foucault, in The Order of Things, in The Order of Things — but I need the reference… here we are — and this is a formula for… that is essential for Foucault’s thought: Les Mots et les choses, p. 350.[12]It is always concerned with…” – what is this “it”? …The analytic of finitude. Good — “It is always concerned with showing how the Other”, – capital O – “the Distant” – capital D – “is also the Near and the Same”. It is always concerned with showing how the Other, the Distant, is also the Near and the Same. In other words, it is a matter of showing how the line of the Outside is inside. But just as the distant was more distant than any external milieu, the inside will be closer, more intimate than any internal milieu. In other words, the outside has to be possessed by a movement or pervaded by a movement that allows it to form an inside. Or the Other must be possessed by a movement which allows it to make the same. From the Other to the same, never the other way around, never from the same to the Other. From the Distant to the close, never from the close to the Distant. The Distant, the absolutely Distant, precisely because it is absolute, must be closer than anything that is simply interior. What would that be?

Well, I’m moving ahead, I’m moving ahead, but I’m wrong to move ahead, it’s in order to… In other words, I am saying, this will be the major point of… this is what will remain for us to understand, it’s… I’m saying: the line of the Outside must be pervaded by a movement that is the fold. It must form a fold. This is invagination. It must form a fold, the fold constituting an inside that is more intimate than any interior milieu, closer than any interior milieu. It has to form this inside, this absolute proximity. The line of the Outside must fold, bend. There must be a fold in the line.[13]

And it is this fold that pulls the line back from death. How? Why? Well, for the moment, I’ll give you… so it’s simpler to follow the one after the other, so you can more easily follow the analyses to come that I’m telling you this: the line of the Outside is the “one dies” and we won’t revisit that, we won’t say: ah, no! We haven’t discovered something that cancels that out. But we are adding to that: yes, but this line is pervaded by a peristaltic movement, an invaginating movement that forms an inside. And this inside is closer than any internal milieu just as the line of the Outside was more distant than any external milieu. In other words, what is the inside? The inside is always the inside of the outside, it is not my interiority. Foucault does not reinstate an interiority in the sense of my interiority. There is simply a movement of the Outside by which an inside of the outside is formed, only the outside has an inside and this is what Blanchot understood very well already from the… in relation to Madness and Civilization, when he said: what is confined is the Outside. Which is to say: only the outside has an inside. Only the outside has an inside. Only the outside has an inside. We have to keep repeating it like idiots to see if it works, to see if it says something to us. Only the outside has an inside… Fine.

In other words, the inside is the inside of the outside. It is not the opposite of the outside, it is the inside of the outside. It is the fold of the outside. The inside is the fold of the outside. We are onto something here, you should sense that we are onto something, because… Okay, it is the fold of the outside. What is an inside? What is an outside? Let’s suppose that the outside… and in effect the line of the Outside, it should suggest something to you, it is something maritime. The outside more distant than any external milieu, what could that be if not the line of the ocean? Knowledge is of the land, and here we left land such a long time ago. Knowledge is a question of form, forms are terrestrial. But… okay. The line of the Outside is the oceanic line. What is the inside? The inside is the boat, it is the craft, the small boat. But what is the boat? The boat is a fold of the sea. The boat is the fold of the ocean. Whenever there is a boat, the ocean has made a fold. Good.

This is… This is interesting, I mean, are these things metaphors, are they…? No. Histoire de la folie, page 22,[14] Histoire de la folie, page 22, Foucault is telling us about the status of mad people in the Renaissance, before the classical age. He attaches a great deal of importance to the ship of fools. He says: it’s not the Hôpital Général yet, they were tossed onto a boat, or they went on their own… onto a ship and then they set off… they stopped and then they set off again. The ship of fools. And Foucault has a splendid passage about the madman thrown onto this boat, in L’Histoire de la folie, page 21, 22 rather, he says this, which I will read slowly: “he is put in the interior of the exterior,” “he is put in the interior of the exterior, and vice versa”.[15]I will set aside the “and vice versa”, we will have to get around to saying something about it, because the “and vice versa” could be held against me. I’ll just say that I am not able to comment on the “and vice versa” at the moment. I think that it will become… it will comment on itself all by itself, but rest assured that I am not ignoring it, I am just setting it aside. –

The madman is put in the interior of the exterior…” — there, when he is thrown onto his boat — “Prisoner of the freest milieu…” — No… I’m reading it wrongly — “prisoner in the midst,” “prisoner in the midst of what is the freest, the openest of routes: bound fast at the infinite crossroads. He is the Passenger par excellence: that is, the prisoner of the passage.” He is the Passenger par excellence, the prisoner of the passage. All right. In other words, he is put in the interior of the exterior – this is one of those texts where… that I anticipated, where there is no need to distinguish outside-inside, interior-exterior. It is one of… where the terms are equivalent. You could just as well say: he is put inside the outside. The inside is the inside of the outside. And there is no other inside than the inside of the outside, except… — [a cassette recorder plays suddenly, and Deleuze’s voice is heard] … But that’s from another session! [Laughter] That’s not even from this session! Well then, it’s like a reminder. That means: I was going too quickly! –The inside is the inside of the outside and the process of forming an inside of the outside, that is, invagination, is more ordinarily called: folding. The fold. The inside is the fold of the outside. And it is the fold of the outside that constitutes an inside, an inside closer than any interior milieu, any interior life. All right, so… We’re making a little progress.

My question is: is it enough for the line of the Outside to fold for it to escape death? That’s a question. Perhaps – if you attach to this fold, this folding, the importance and feeling of enormous effort necessary to obtain it. It doesn’t happen by itself. The ship is the inside of the outside. This is what Blanchot understood very well in Foucault because there I think the influence goes the other way, when Blanchot, still talking about Foucault, says… there is a splendid formula… Just as what I just read is pure Foucault, here there is a formula that is pure Blanchot: “to shut up the outside, that is… that is, to constitute it as an interiority,” “to shut up the outside, that is, to constitute it as an interiority of anticipation or exception.”[16] Which is to say, there, where the line of the Outside bends, folds, it forms an inside which is an interiority of anticipation or exception. Anticipation or exception: what does that mean? Is that what escaping death is? To escape death, the line of the Outside had to be folded, but what a labor of Hercules, to bend the line of the Outside. That’s the point we’ve reached.

I’m saying: why we facing something here that will be a veritable knot of ideas, which we will have to work out? It is because this idea of a bending, a folding will be a sort of shared zone, a place of confrontation between – whom? – a certain number of authors who are important to all of us, well, important to a large number of us, namely Heidegger, who never dissociated his ontology from an ontology of what he himself calls “the fold,” “the fold”, Blanchot, Foucault. So here we will be in a position to grasp both their differences and their similarities. And we may as well start with a specific point, namely: what is this relationship between the outside and the inside? What is it? I am told: the line of the Outside, in folding, forms an inside, an interiority of anticipation or exception. We have to try to find the note of originality of… I’m saying that, broadly, this could be written by Heidegger, it could be written by Blanchot, it could maybe be written by someone else we haven’t talked about yet and it could be written by Foucault. If we managed to identify the personal inflection that each one gives… I take back “personal”: the singular inflection that each one gives, his way of saying things… [Interruption of the recording] [1:33:05]

Part 4

A student: [Inaudible beginning] … I don’t understand why this Outside needs a fold. And to support me in an argument which [indistinct remarks] … the face which is at the same time immediate and very distant, which speaks to me, and which remains far from me. So, we’ve already posed the [indistinct word] issue as well, or the line to cross, and you were saying that we need to, I don’t know how to say it, somehow capture them or to [indistinct word] the Outside, and to make it, in one way or another, something like an integral part of the inside, and this is done by a folding. However, I’m blocked here… so I find it difficult to [indistinct words] …

Deleuze: That is a very good question. I’ll answer it…

The student: I don’t know why we don’t jump past death directly.

Deleuze: Why not jump past death directly? Because we’re staying here. [Laughter] Because we’re staying here. … It’s possible, I suppose that often happens… Blanchot constantly says that all of that is very dangerous, that you could for example lose your mind, or lose your life. The question is this… Your question is very good. I will just try to establish again where we are now – we’ll see in a moment, we won’t leave it there – but for the moment I’ll say, on a purely formulaic level, I’ll say: we thus have the idea of an outside – once more, I’m starting again – more distant than any form of exteriority and any external world. That’s one point.

Second point: we have the idea of an inside that is closer than any interior world or internal milieu. Third point: this inside, as we have described it, is the inside of the outside, it is not the opposite of the outside, it is the inside of the outside or, as Foucault says, the interior of the exterior. Right. Then you [the questioner] add: so, it is a very special inside that isn’t reducible to any interiority of consciousness; it is a very special outside that isn’t reducible to any physical exteriority. Okay. Then you add, and you say, in other words… yes, I’ll keep going with my formulas, my series of formulas: so, this inside that is the inside of the outside, we are calling it the fold of the outside, the folding of the outside, the outside must form a fold. And this operation by which the outside is folded, by which the line of the Outside folds, forms an inside, an inside that is closer, etc. etc.

Then you come in and say: what necessity is there for the line of the Outside to form a fold? And I say: that’s a very good question – why? Well, I see the necessity myself but it would be possible not to see it. I mean that one could, just as rightly, not see it. I’m saying that the line of the Outside must at all costs form a fold because otherwise it is unlivable. It is unlivable. It is the line of the “one dies,” it can’t pull itself back from death… the line of the Outside can only diverge from death if it makes a fold. And it is in this fold that we can live, breath and move. Because otherwise, at the places on the line where there is no fold – there aren’t folds everywhere – where there is no fold, the line of the Outside turns us over to the unbreathable, the vacuum, death. What is there, at that moment, beyond the relationships of power, there is indeed something, it is this line of the “one dies,” where nothing breathes, lives or moves anymore. You are all the more correct since you must sense that Foucault, at the level of this third axis, will again apply his new method, namely: it is not necessary for the line of the outside to form a fold.

That’s the only place we can live… to use a terrible metaphor, the fold is like the eye of the hurricane. Fortunately, the terrible metaphor isn’t from me, but it is for… a very great poet, Michaux… so I’ll take back “terrible,” in Michaux’s text it is very beautiful. Michaux wrote a collection, and it is very odd that Foucault, who certainly would have been very familiar with Michaux, doesn’t refer to it… he wrote a great collection: Life in the Folds, a great collection of poems.[17] He explains that the fold is where we can live and breathe. So, there is no necessity, but you won’t be able to breathe if there is no fold. It is an act of prudence, if you don’t bend the line of the Outside – and it is not easy, there is precisely a whole art of prudence involved… it doesn’t necessarily happen, because, even more… I’m getting ahead on things I plan to develop later –Foucault will… when I say, “he applies his method,” he asks himself: who invented the formation of the fold? Instead of confronting the unbreathable, the “one dies,” confronting the vacuum? And his surprising reply, but which, currently, except for those who have already read all that, cannot understand, is, I’m saying: Foucault’s answer is: it was the Greeks’ idea, it was the Greeks who folded, it was the Greeks who created the fold.[18]

This is a curious answer, the Greeks created the fold. You should sense always and again, on this point, the confrontation with Heidegger, Heidegger would never… say that, never… it is very very, it’s very strange, this business. But this is to say that… for Foucault… I’ll start again. He never wanted to talk about Eastern formations precisely because… because he didn’t think he was competent to do so, but I’m not competent either, so let’s go right ahead! It is… we could say: have they… have they made the fold in the East? Or else, have they invented techniques of the unbreathable, of breathing in the unbreathable? Surviving in the vacuum. They haven’t folded the line of the Outside, they’ve confronted the line of the Outside. Well, let’s imagine. Maybe someone will say to us: no, no, they have, they have created a fold, there is an Eastern fold, which is perhaps not the same as the Greek fold… these are all open questions, completely open…

But the answer to your question, for the moment, if we look at it like that, is… in my opinion, I would answer: if the line of the Outside must form a fold, it is not that it… that it does so necessarily, it is that, if we don’t manage to fold it, we die. One dies, really, in the sense… in the strictest sense. Blanchot… but the notion of the fold was not really familiar to Blanchot, however… what happens in Blanchot? Well, I think that, in effect, there we live in the unbreathable and… hence, Blanchot’s fascination for the madness of Hölderlin, for [Antonin] Artaud, etc… And there again, Artaud, for his part, created the fold, in a certain way. It wasn’t successful, but he made the fold, he was able to breathe, strictly speaking. You can’t breathe if you don’t create a fold. Life in the folds. Or else there’s one of Boulez’ works, Pli sur pli,[19] fold after fold. We should make a collection on this whole theme of the fold because these are people who aren’t influenced by Heidegger, obviously. I think that it is an… it is absolutely necessary or else one can’t live. It is the condition of life being able to break away from death.

All right… a little rest. A little rest. So, there are all those who, in effect… What happens, if there is no fold? It is Captain Ahab… I will try to talk about it later because there are a thousand literary connections to be made, even with authors that Foucault didn’t refer to or never referred to. The Captain has the line of the Outside, that [Herman] Melville, in the great novel Moby Dick, presents as the line of the Outside, the terrible line of the Outside. Well, Captain Ahab confronts it, he passes to the other side, “one dies”. The line of the Outside is also the whale, it’s Moby Dick. Well then, one dies, he didn’t make the fold, the ship is broken, or else there is a ship that is the inside of the outside, and it is broken… [Interruption in the recording] [1:45:04]

 

Part 5

… Boulez doesn’t give just any title to… to… to a musical work. Pli sur pli [Pli selon pli], what is that? Isn’t it also a way for music to survive and under what conditions… All right. I mean, ah yes, someone pointed out to me that another great text proceeded entirely along these lines, not just Moby Dick, but the text by Edgar [Allan] Poe…The Narrative of Arthur Gordon Pym. And they told me… for me, it has been too long since I read the text, I don’t know if I will have the time between now and next Tuesday, but those with the time from now should re-read it. They said that it is very typical that, each time, the process is: the confrontation with an outside, and this outside that folds in and, each time, there is an inside of the outside, and the inside where Pym takes shelter is always the inside of an outside. So, on every level. There are also rivers, the ship, the sea, etc… I think it can only be understood in oceanographic terms.

But, your question, it is almost ahead of where we are and… we’ll see as we go, but I think it is completely justified. Once again, I would say that strictly speaking there is no necessity to the fold. If you want to survive, it’s better to make one, otherwise… And otherwise, you have, as they say, zones that are too dangerous, zones… strictly speaking, zones that are too dangerous in terms of the psyche… Because either you take it as literature, or else you see in it the experience of Artaud, the experience of Melville, the experience of Hölderlin, or even Blanchot… Blanchot must have made a fold, because he lives and breathes… it’s not as clear with the others. Artaud, Artaud’s breathing, he had to invent a form of breathing to… to survive. All right. So… But let’s keep this question open because there are lots of open questions.

So, I would just like to finish there, or almost, because… so that you are not too… I’m saying: let’s try to clarify this relationship of the outside and the inside, in the conditions where the inside is just… is fundamentally the inside of the outside. Around that… there is a constellation we are quite familiar with. I mean which… whether we have read them or not, has more or less shaped all of us. And first of all, I’ll cite Heidegger. And I’ll say: if you take, well, we may as well take a specific text, it will be true for the whole of Heidegger’s work, but what is it about in Heidegger? First, it is about the proposition: thinking comes from the outside. Thinking always comes from the outside. The text I am referring to is: What is Called Thinking?[20] And it is a splendid text, right from the beginning. You can… read the first pages, the first twenty pages of the text, and you’ll find everything we need there. It’s not enough to read the first twenty pages, but you’ll find everything we need there.

Thinking comes from the outside, what does that mean? That means that of course we have the internal possibility of thinking. And Heidegger almost says: traditional philosophy has always been based on us having the internal possibility of thinking. But invoking the internal possibility of the thinking being to think says nothing about what prompts us to think. And we only think if something prompts us to think. We who have the internal possibility of thinking, we only think if something prompts to think. You can see the appeal to the outside, this something can only come from the outside. You don’t have to push it very far to say: and from an outside that’s further away, more distant than any external world. Why? Because what prompts us to think isn’t something that belongs to just any external world.

For those who know a little Heidegger, it is nothing that belongs to the domain of beings [l’étant]. What prompts us to think is the being [l’être] of beings, which is to say the Outside. An Outside more distant than any external world. Otherwise, we have the possibility of thinking, but this possibility remains eternally empty. Which Heidegger expresses by saying: yes, we have the possibility of thinking, the same one that was invoked by the traditional philosophers, the same one invoked in the seventeenth century, but having the possibility doesn’t mean we are capable of it. Capacity is not the same as possibility. The text is splendid: “Man can think,” “Man can think in the sense that he has the possibility to do so, but this possibility doesn’t yet guarantee that it is something within our power.” I remember another translation that I prefer, but which doesn’t change anything in the text: “this possibility does not yet guarantee that we are capable of doing so.” Okay, “not capable,” what does that mean? We are capable if we confront… We become capable of thinking if we confront what prompts us to think and which is more distant than any external world. But what prompts us to think, if we encounter it and confront it, here again: do we encounter it, do we confront it? Heidegger’s answer is famous: it happened once, it was the Greeks. It was the Greeks who confronted this outside, which is to say who discovered being as distinct from beings.

So, if what prompts us to think is in fact encountered, then we become capable of thinking, and of thinking what? We become capable of thinking this: that we are still not thinking. What does that mean? That we don’t yet think just because of the simple possibility of thinking. What does the thing that prompts us to think prompt us to think? It prompts us to think that we are still not thinking in virtue of the simple possibility we have of thinking. So much so that the “we are still not thinking” is the inside; that’s what is inside our thought. That we were still not thinking is the inside of our thought. As the inside of the outside, insofar as the outside prompts us to think. Why? Because the outside doesn’t give us cause to think without withdrawing in the same movement that it gives itself, a famous theme in Heidegger, so much so that the inside of this outside is the “we are still not thinking,” which Heidegger expresses in one of those formulas he does so well: “Most thought-provoking in our thought-provoking time is that we are still not thinking,” this is the splendid beginning of What is Called Thinking? I am trying to place the emphasis on… I would say that thought is no longer in a relationship with the thinkable. I am saying that thought is fundamentally placed in a relationship, in an essential relationship with something that is unthinkable and unthought. We are still not thinking. If you prefer, instead of the traditional possibility of thinking, which is a logical possibility, Heidegger gives us an impossibility which is – two words – onto-logical. The whole… the whole of traditional philosophy is founded on the logical possibility of thinking. See Descartes. Heidegger promotes an onto-logical impossibility of thinking.

And here is an author ­­­– very briefly – who unquestionably owes nothing to Heidegger. The connection to Heidegger goes via Blanchot: it is Artaud. And even though I say that one of the greatest contemporary texts on thought of the twentieth century is Heidegger’s What is Called Thinking?, one of the greatest texts is also Artaud’s: the letters to Jacques Rivière. And what does Artaud say? Thought is inseparable from a vital incapacity [impouvoir]. It is no longer an onto-logical impossibility, it is a vital incapacity. “It is part of thought not to be able to think, that is my drama,” says Artaud.[21] But what does that mean, “his drama”? It doesn’t mean his clinical case, since Artaud doesn’t experience himself that way; it doesn’t mean his psychological problem, it means that his drama is to have reached something in thought that eludes thought itself. It is not enough to have the possibility of thinking. You still need to have the vital power to think. I am saying that if we carried out a differential comparison, and the difference is fundamental, what Heidegger, who in this respect still conducts himself like a great philosophy professor, presents as an onto-logical impossibility becomes, in keeping with Artaud, a vital incapacity.

But if I’m looking for what they have in common, it is that the unthought is the inside of thought. And thought is fundamentally related, not to the thinkable, but to the unthought. And you can see how far removed this is from traditional philosophy. Traditional philosophy was not unaware of the unthought, but for traditional philosophy, the unthought is by its nature of a different nature to thought. The body, for example. The passions, for example. That which eludes thought. Here, in contrast, in these twentieth-century forms, the unthought, at a deep level, shares a nature with thought. It has the same nature as thought, it is the distant that is the closest, to the point where there is a strict identity between thought and this unthought, thought is fundamentally related to the unthought. And in The Order of Things, Foucault takes up this theme in its entirety, to the point where you don’t know whether, at first glance… you say to yourself: this is Heidegger, based on… certain expressions…. This is Blanchot, this is Artaud. It is Artaud when Foucault places the emphasis on the vital problem of the unthought. It is Heidegger when he places the emphasis on the onto-logical problem of the unthought. It is Blanchot when he relates it to this line of the Outside. Fine.

But then, wonder of wonders, it is Foucault. And what does it mean to say, “it is Foucault”? It means he gives it his own particular inflection as well. And that’s what I want to get to, to something that has no equivalent in Heidegger, nor in Blanchot, nor in Artaud. What is it? It’s that, for him, the relationship of the outside and the inside, the inside being always the inside of an outside, that is not what is original, but, this relationship in his work, or this relationship between thought and the unthought… you understand: if thought amounts to saying [Deleuze whispers, inaudible words] if thought confronts this outside, this Outside that is more distant than any external world, if thought confronts this outside, well, from that point, the closest thing to thought, what it discovers as its interior, is the unthought. But, in Foucault, it is – it seems to me, and I think this touches on something that concerns Foucault’s whole oeuvre – it is not an onto-logical impossibility, as in Heidegger, nor a vital incapacity, as in Artaud, it’s the specific contribution of Foucault – it’s not something he chose, we are not in the realm of… of theory, it is something that engages life, and thus thought as well – it is this sort of hallucinatory powerlessness. A hallucinatory powerlessness will be at the heart of this identity of thought and the unthought.

Why? I mean, what does it mean, in Foucault, that the inside is by nature the inside of the outside? It means an operation of doubles. The inside is the double of the outside. That is what I would say is Foucault’s singular inflection. It is to have reinterpreted a general theme which he, last in line, shares with Blanchot, Artaud, Heidegger, with differences between one author and the next, the fundamental difference is I think to have taken his interpretation in the direction of a hallucinatory double, the inside as the double of the outside. It’s a curious thing, what does that mean: the inside as the double of the outside? And which is, by that token, the unthought as the double of thought. And the whole end section of The Order of Things, even though there are often echoes of Artaud, even though there are… it’s the theme of the double. It is the theme of the double that is specific to Foucault and what allows him to reinterpret what he shares with Artaud, what he shares with…

And it’s on this point, which I would like you to reflect on between now and next time, because that’s where we will have to… In other words, when the line of the Outside forms a fold, it produces doubles. And, mind, it is not the other who is a double of me. It is me who is a double of the other. It’s not the outside that is a projection of the inside, it is the inside that is an interiorization of the outside, a fold of the outside. The double is the fold. What does that mean? What is the double as a kind of folding? It’s what’s called a doubling [doublure].[22] The inside is the doubling of the outside. To produce a double. To fold is to produce a double.

And suddenly, if we see that perhaps Foucault rediscovers this in his last books, we tell ourselves, my god, he has always been talking about that, in fact, this third dimension of the fold, conceived as the formation of the double and the process of doubling. To fold is to double. Why did Foucault love Roussel? Why did… even more, I have a hypothesis, my only hypothesis is that he always protected himself from Heidegger with Roussel. That’s why he had a passionate relationship with Roussel. He was seeking something, you see, in this curious author, this poet who no one took seriously except a very small number of people, this disciple of Jules Verne, he was looking for something… Yes, something to shield himself from what didn’t suit him in Heidegger’s ontology. So, what was it that didn’t suit him? That remains for us to… But, in effect, what is Roussel’s whole oeuvre? It is no doubt one of the most profound reflections on the double, on doubles, and an understanding of the generation of doubles through the process of doubling. So much so that Foucault’s whole oeuvre, Raymond Roussel being one of Foucault’s first books, where we find the whole theme, already, of the fold, the double and doubling, we have to say that, in a certain way, this is the hallucinatory double or it is, if you prefer, the powerlessness of the person hallucinating.

Hallucinatory powerlessness, this is something very different both from Artaud, and from Heidegger. And it, it fundamentally belongs to Foucault. Which is to say the question we have come to, the question… that I am posing for next time, is precisely… it is precisely… Okay, we saw the very complex relationship between the inside and the outside, in such a way that the inside is always the fold of the outside. And it so happens that this operation by which the line of the Outside folds, forms a fold, is an operation of the double or of doubling. What did Foucault find in Roussel in this regard? And then… can it explain the last books for us? I would like you to have this double concern at the same time. Yes, because I myself feel that the last books present us with something astonishing. Once again, it is… If I was trying to summarize The Use of Pleasure, I would say: what Foucault discovered was that the Greeks were the first case of doubling. It’s that the Greeks… This is why he says: oh, the Greeks, they’re not all that great. That’s not it, it’s… He would say… the answer is completely… We have to play the game: what does Heidegger think is completely amazing about the Greeks?

What does Foucault think is interesting about the Greeks? Well, what Foucault thinks is interesting is that they were the first to make the fold, the fold of the outside, they performed the doubling, they were the first… They themselves are the first doublings. So, he starts with Roussel, he finishes with the Greeks, but maybe it is because the Greeks inaugurated the process that Foucault began by finding it in Roussel, namely: the genius of the Greeks is to have folded force onto itself. Why were they able to do that? It’s not an accident. Why did the Greeks – there you can see that the problem effectively becomes, the problem of summarizing The Use of Pleasure becomes very specific… The Greeks have a diagram, the Greek city, it refers to a diagram, a relationship of forces. Foucault no longer uses this language, but it’s not difficult to find in the book, as we will see, the relationship of forces as presented by the Greeks described very well, in an original way. There is a Greek diagram, just as there is a disciplinary diagram, just as there is a seventeenth-century diagram and a nineteenth-century diagram, etc.

So, there is a Greek diagram. It is for us to define this Greek diagram that Foucault only defines in a very dispersed way, without attaching… without seeming to attach great importance to it. But this diagram is so original that it makes possible what was previously impossible, namely: it makes it possible for force to fold onto itself. The Greeks were the first to have folded force onto itself, which is to say to have made and have invented a force capable of acting on itself and not just on other forces. When the Greeks had this stroke of genius, they invented the fold, they invented the doubling. The Greeks are the first doubling. But, but once again, Foucault firstly discovered all of that in circumstances that were… less historical, in more poetic circumstances, he had discovered it in the whole oeuvre of Raymond Roussel, who never stopped folding sentences on sentences and visibilities on visibilities to generate the whole series of doubles.

And there were two ways and, with Roussel, what happened? There were two possibilities: either there is always… when you make folds somewhere, fold words, fold things, you can always unfold them and, at that point you go back to the unbreathable vacuum. Or else, on the contrary, which is to say: there is a choice, in the regime of the fold of the outside itself… Either you undo the folds and you spread them apart, like a swimmer, you return the sea to itself, and you die, suicide if necessary, if necessary… Thus, the strange death of Raymond Roussel, who they found dead one morning in his room. Or else, on the contrary, you surround yourself with folds, you invent them, you stir up doubles, you surround yourself with doubles, you live in the folds, which does not at all mean under shelter, right. And at that moment, at that moment, perhaps you have, in a certain way, provisionally conquered death, perhaps you have found a way of breathing. All right.

So, it’s complicated, did the Greeks find a way of breathing? Did, many centuries afterwards, Roussel find a way of breathing? No. He wanted to spread out the folds. He manufactured them, he made them and then he spread them out. There is a descendant of Roussel who owes a lot to Roussel, who always aligned himself with Roussel, who is also well known and who is among the authors that Foucault was very fond of, namely Michel Leiris. Michel Leiris goes, as Foucault says very well, goes in the opposite direction to Roussel. And he too folds words on words, fold on fold – langage tangage. Langage tangage. It’s exactly like les bandes du vieux pillard and les bandes du vieux billard. Fold on fold. Only, while Roussel undoes and spreads out the folds to move ever, ever closer to an unbreathable vacuum, Leiris surrounds himself with folds, to form what he himself calls absolute memory. Absolute memory in the folds, that was already the Greek experiment. Or else the unbreathable vacuum and the line of the “one dies.” But all of that is more the program of what is left for us.

I’ll just say that I have reached the following point: in what respect was Roussel able to be a determining influence on Foucault as an author, and more than an author, namely a way of reorienting – for him, Foucault – a way of reorienting his own philosophical enterprise, Foucault’s, and a way of setting himself apart from, once again, a way of setting himself apart from Heidegger, of taking a sort of path that was the path of the doubles. In any case, I think, I think, there, that it is obvious that the theme of the double has always haunted Foucault and has always, once again, been understood in a very particular way by him, namely: it is always me who is the double of an Other, with a big O. I ask you to reflect on that because it is… Today, forgive me, today I feel like what we have done is not even something to be understood. I mean: it’s something to be felt or not felt. The next times, I will try to be more comprehensible, but there, it was more, you still have to… I was appealing more to your affects, so, if you didn’t feel any affect, it’s not bad, right, it’s not… [End of the recording] [2:16:28]

 

Notes

[1] The Infinite Conversation, trans. Susan Hanson (Minneapolis: University of Minnesota Press, 2003).

[2] The French “on” is something of a third person neutral, designating “one” or “they”.

[3] The Space of Literature, trans. Ann Smock (Lincoln: University of Nebraska Press, 1989).

[4] The Smock translation is: “the death which never comes to me”. I prefer “the death which never happens to me” but either way, it should be consistent with Deleuze’s “C’est la mort qui peut m’arriver, qui m’arrivera” just before.

[5] This quote doesn’t follow from the previous but is a jump to an earlier para in the Blanchot text.

[6]  In Smock translation: “in it they die; they do not cease, and they do not finish dying”; we can assume a need to change this to “on” or “one”.

[7] On personology in Benveniste and linguistics, see sessions 3, 4, and 5 in this same seminar.

[8] How do things grow? How are things born? Hence, the ongoing “on” problem. Also, here Deleuze spells out the French “born”, n-a-î-t, to avoid confusion.

[9] This seems to be referring to the account in Jung’s Memories, Dreams, Reflections of Jung telling Freud about his dream of a house with skulls in the basement.

[10] The English title is: “Fantasy and Origins of Sexuality”, for Fantasme originaire. Fantasmes des origines, origines du fantasme (1964; Paris, Hachette 1985).

[11] “Un peu profound ruisseau calomnié la mort”, the final verse of a “Tombeau” by Stéphane Mallarmé’s, beginning “Un noir roc courroucé que le bise le roule”.

[12] The Order of Things: An Archaeology of the Human Sciences, Routledge, 1989, p. 370.

[13] This analysis, and the analysis on which is it based, is located in Deleuze’s Foucault, chapter titled “Foldings, or the Inside of Thought”, pp. 96-98.

[14] Madness and Civilisation, trans. Richard Howard (London: Tavistock, 1985), p. 11.

[15] Here, “vice versa” is used instead of the “inversely” in the published translation. Deleuze presents this quote succinctly in Foucault, p. 97.

[16] The Infinite Conversation, p. 196.

[17] Henri Michaux, La Vie dans les plis (Paris: Gallimard, 1949); Deleuze returns to this work by Michaux and, of course, to the fold in The Fold. Leibniz and the Baroque (Paris: Minuit, 1988), notable p. 155, note 20.

[18] On the Greek’s contribution for Foucault, see Foucault, pp. 99-103.

[19] Rather, “pli selon pli”, a work by Boulez to which Deleuze refers obliquely in the French edition of The Fold. Leibniz and the Baroque, p. 47, but fully in a note in the English translation, p. 164, note 37. The title “pli selon pli” is itself taken from the Mallarmé poem “Remémoration d’amis belges”, on which Deleuze comments extensively in the seminar on Leibniz and the Baroque, in sessions 9 and 11, February 3 and March 3, 1987. On this Boulez’s composition in relation to Mallarmé’s poetry, see the detailed discussion in session 25 of the Foucault seminar.

[20] Or Discourse on Thinking (1959).

[21] This statement is not in the correspondence with Rivière. It might be a synthesis of Artaud’s remarks to Rivière, Blanchot’s remarks on the correspondence, and maybe Artaud’s correspondence with George Soulié de Morant.

[22] Doublure, in tailoring, is lining, or in theatre, film, is understudy, stand-in, body double, stunt double. Both of those meanings would be pertinent resonances in this context, but undoubtedly “doublure” is intended in a more abstract way, an overlapping.

 

French Transcript

Edited

La conférence du 22 avril 1986 marque la troisième partie du séminaire où Deleuze examine le troisième axe de la pensée de Foucault. Deleuze commence par récapituler: 1) les formes d’extériorité et d’intériorité dans Archéologie du savoir de Foucault; et 2) les forces et le Dehors dans L’entretien infini de Blanchot (p. 66 et 104). Les autres sujets de discussion comprennent: la ligne du Dehors; la double mort du Je et du On; la psychanalyse et ce que disent les enfants; la psychanalyse et le On (le On n’étant nullement la personne de la psychanalyse); points de résistance et morts partielles; le On meurt comme une ligne du Dehors; le mouvement et la conversion du lointain au proche; Les mots et les choses de Foucault et comment la ligne du Dehors est dedans (p. 350); Folie et Déraison: Histoire de la folie à l’âge classique de Foucault; le dedans comme le pli du Dehors; Blanchot et la pensée venant du Dehors; Qu’appelle-t-on penser? de Heidegger; Les lettres à Jacques Rivière de l’écrivain français Antonin Artaud, et l’im-pouvoir vital de la pensée; Raymond Roussel, l’opération du double et de la doublure; et l’invention du pli par les Grecs.

Gilles Deleuze

Sur Foucault

3ème partie : Subjectivation

20ème séance, 22 avril 1986

Transcription : Annabelle Dufourcq (avec le soutien du College of Liberal Arts, Purdue University) ; l’horodatage et révisions supplémentaires, Charles J. Stivale

Partie 1

… Alors, ben, en fait, c’est aujourd’hui que nous commençons la tentative de déterminer ce qui nous a paru être nécessairement un troisième axe dans la pensée de Foucault. Donc c’est très harmonieux : le premier trimestre, nous l’avons passé à l’axe du savoir. Le second, nous l’avons passé à l’axe du pouvoir. Et puis reste ce troisième axe dont nous n’avons pas cessé de nous approcher d’une certaine manière, mais qui reste très mystérieux et, après tout, il est mystérieux. Et, la dernière fois, j’essayais de vous dire que ce troisième axe, sans doute, il avait été présent dès le début, entremêlé [1 :00] dans les deux autres, mais que c’est tardivement et en rapport avec des problèmes, du point de vue de la pensée, pressants, des problèmes pressants, ou qui, pour Foucault, manifestaient une urgence de plus en plus grande que va apparaître la question : dans quelles conditions ce troisième axe peut-il se présenter pour lui-même, peut-il se démêler d’avec les autres ? Donc je considère que, sur savoir et pouvoir, j’ai dit en tout cas tout ce que j’étais capable de dire, tout ce que je pouvais dire, et donc, avant qu’on en finisse maintenant avec… et qu’on ne s’occupe plus que du troisième axe… je demande s’il y a des questions, s’il y a des points… [Pause] Non ? Bien. [2 :00]

Alors axe ou dimension, nous pouvons maintenant, du point de vue qui nous occupe, faire ou refaire une récapitulation. Je dirais que la première dimension, c’est celle de l’extériorité et des formes d’extériorité. [Pause] Et cette dimension des formes d’extériorité constitue le savoir. Je veux dire, il faut essayer de préciser ce que ça veut dire. Qu’est-ce que c’est l’extériorité et les formes d’extériorité ? [3 :00] C’est sans doute L’Archéologie du savoir qui va le plus loin dans l’analyse des formes d’extériorité. Et l’on voit bien, si l’on… si l’on surveille l’emploi du mot « extérieur » ou « extériorité » chez Foucault, on voir bien que « extériorité » a deux sens, tantôt « extériorité » signifie dispersion, dissémination, tantôt « extériorité » signifie béance ou disjonction. [4 :00] Ce qui est en état de dispersion renvoie à une forme d’extériorité, ce qui est en état de disjonction renvoie à un rapport d’extériorité.

Or, d’une certaine manière, Foucault ne cesse de rappeler ou d’affirmer une sorte de primat des formes d’extériorité sur toute forme d’intériorité. Bien plus : les formes d’intériorité sont finalement de pures et simples apparences ou, il faut corriger, tantôt des apparences, tantôt des commodités, tantôt des moyens subordonnés. [5 :00] Les formes sont fondamentalement des formes d’extériorité. C’est déjà dire que l’extériorité n’est qu’une dimension. L’extériorité, à mon avis, à ma connaissance, l’extériorité se dit toujours par référence à des formes chez Foucault. Alors, par exemple, du langage, qu’est-ce qu’on dira ? Oui, du langage on dira que c’est relativement une forme d’intériorité. Relativement, c’est une forme d’intériorité, en quel sens ? En ce sens que le langage contient, comprend les mots, les phrases, mais quand je dis « l’intériorité » est toujours subordonnée, [6 :00] ça veut dire quoi ? Ça veut dire que, s’il est vrai que le langage est une forme qui contient les mots et les phrases, en revanche, c’est un milieu de dispersion pour les énoncés.

Or il se trouve, on l’a vu, je ne reviens pas là-dessus, que les mots et les phrases ne sont en quelque sorte que l’écorce des énoncés. Donc, si je dis : le langage est une forme d’intériorité, oui, c’est vrai, relativement aux mots et aux phrases. Seulement les mots et les phrases, encore une fois, c’est l’enveloppe des énoncés et, par rapport aux énoncés, le langage n’est pas une forme d’intériorité, il ne comprend pas, il ne contient pas les énoncés, mais les énoncés se distribuent, [7 :00] se dispersent dans le langage. C’est une forme de dispersion et, en ce sens, une forme d’extériorité. De même, on l’a vu, la lumière pour les visibilités. Je peux dire de la lumière qu’elle contient ou comprend les choses, les états de choses, les qualités sensibles, mais les visibilités qui ne se réduisent ni aux choses, ni aux états de choses, ni aux qualités sensibles, la lumière ne les contient pas, mais les visibilités se dispersent dans la lumière. C’est donc, ça, une extériorité dissémination, dont je peux dire à la fois qu’en tant que forme elle est toujours relative. C’est finalement la même chose qui est forme d’extériorité et forme d’intériorité, mais ça n’a pas la même valeur. Ce qui apparaît comme forme d’intériorité par rapport aux mots et aux [8 :00] phrases est en fait et plus profondément forme d’extériorité par rapport aux énoncés qu’il convient de dégager des mots et des phrases.

Et je dis : l’autre sens du mot « extériorité » c’est la béance ou la disjonction, entre quoi ? Ben cette fois-ci la béance ou la disjonction impliquent le rapport entre les deux formes d’extériorité, c’est- à-dire extériorité redoublée puisque non seulement il y a deux formes d’extériorité, le langage, par rapport aux énoncés, la lumière par rapport aux visibilités, mais il y a extériorité entre les deux formes. Il y a extériorité d’une forme à l’autre. Cette extériorité, cette fois-ci, c’est une extériorité disjonctive, de disjonction. Voir n’est pas parler, parler n’est pas voir. [9 :00] Disjonction du voir et du parler. Si bien que, d’une certaine manière, je peux dire : l’intériorité, pour autant qu’il y en a, est toujours, toujours subordonnée, toujours seconde par rapport à des formes d’extériorité. Et c’est pour cela que l’on peut considérer Foucault comme menant une double critique : critique de l’intériorité psychologique, de l’intériorité supposée de la conscience, [10 :00] et critique de l’enfermement.

J’ai insisté souvent sur ce point que je résume : non, Foucault n’est pas un penseur de l’enfermement, pourquoi ? Parce que aussi bien l’intériorité psychique que l’enfermement physique se trouvent étroitement subordonnés à des fonctions d’extériorité. [Maurice] Blanchot, là, rendant compte de L’Histoire de la folie, a une formule excellente : qu’est-ce qui est enfermé ? Ce qui est enfermé, c’est le dehors ; et on n’est pas, on n’est pas encore capable de comprendre, là, au point où nous en sommes, on n’est pas encore capable de comprendre ce que veut dire « ce qui est enfermé, c’est le dehors ». On peut juste pressentir, on essaiera de devenir capable de comprendre ce que ça veut dire, mais ce qu’on peut pressentir pour le moment c’est que, en effet, l’enfermement est une fonction [11 :00] secondaire, tout comme l’intériorité psychique, l’enfermement physique est une fonction secondaire par rapport aux formes d’extériorité. L’enfermement est au service des formes d’extériorité. Exemple : l’enfermement du lépreux est au service d’une fonction d’extériorité qui est exiler. L’enfermement de la prison, l’enfermement dans la prison est au service d’une fonction d’extériorité qui est quadriller le champ social. Au point que des fonctions comme exiler ou comme cette autre fonction, quadriller le champ social, peut très bien, dans d’autres conditions, s’opérer indépendamment de tout enfermement. [12 :00] Indépendamment, le quadrillage peut s’opérer indépendamment de la prison… [Interruption de l’enregistrement] [12 :09]

Partie 2

… Or, quand il s’agit non plus des formes, mais des forces, c’est-à-dire de la seconde dimension, du deuxième axe, l’axe du pouvoir, je dis que, le plus souvent, encore faudrait-il s’expliquer sur le plus souvent, Foucault va se servir d’un autre mot que le mot « extériorité ». Et, en effet, le mot « extériorité » culmine, je vous le disais, dans L’Archéologie du savoir, c’est-à-dire en tant qu’il suppose et qu’il présuppose des formes, en tant qu’il qualifie des formes, renvoie à ce premier axe, cette première dimension nommée « savoir ». [13 :00] Mais, quand il s’agit des forces, le mot nouveau qui va apparaître, c’est le dehors, mot que Foucault emprunte à Blanchot et qui, chez Blanchot, passe très souvent par une majuscule : le Dehors. Or, déjà dans l’usage particulier qu’en fait Foucault, il y a ce point qui est très étranger à Blanchot, là, à savoir que, de même que l’extériorité déterminait et se présentait comme l’élément des formes, le Dehors se présente comme l’élément des forces. Pourquoi ? Ce que le Dehors va d’abord qualifier, [14 :00] c’est le rapport de la force avec la force. Le Dehors, c’est l’élément non-formel des forces. C’est l’élément informel des forces. Le Dehors n’a pas de forme. Si bien que toute force est en rapport avec d’autres forces qui, par nature, sont toujours des forces venues du dehors. Le Dehors, c’est le rapport de la force avec la force.

Alors, là-dessus, comprenez, ce ne sera pas une objection pour nous de rencontrer des textes où par exemple « extérieur » est mis à la place de « dehors ». [15 :00] Je veux dire : il y aura un langage large et puis, dans certains cas au contraire, chaque fois que ce sera nécessaire, le Dehors sera distingué de la simple extériorité, mais dans certains cas « extérieur » et « dehors » valent comme des synonymes. Il faut à chaque fois vous demander : est-ce qu’il s’agit de forces ou est-ce qu’il s’agit de formes. S’il s’agit de formes, le mot correct est « extériorité » ou « extérieur », s’il s’agit de forces, le mot correct est « dehors ». Mais pourquoi cette équivoque ? Pourquoi est-ce que, aussi bien, quand on parle vite, quand il n’y a pas besoin de faire la distinction — il y a toutes sortes de cas où il n’y a pas besoin de faire la distinction, en effet l’extériorité et le Dehors sont quand même de la même famille — pourquoi est-ce que ça peut aussi jouer comme synonymes ? C’est que je vous demande de réfléchir à ce [16 :00] thème : le Dehors, pour Foucault, ce serait le rapport de la force avec la force, c’est-à-dire c’est l’élément informel des forces.

Or le rapport de la force avec la force, on l’a vu, c’est ce qu’il appelle au moins une fois « le diagramme ». Et, en effet, le diagramme est toujours issu du dehors. Mais, déjà dire cela c’est que l’on sent bien que, à ce second niveau, le dehors comme élément informel des forces, je n’ai encore qu’un dehors relatif. [17 :00] Je n’ai encore qu’un dehors seulement relatif, c’est ça qui doit déjà nous faire penser que ce n’est pas le dernier mot, qu’il y aura une troisième dimension. Il est relatif au diagramme qui détermine les forces d’un rapport. Le diagramme est issu du dehors. Le diagramme vient du dehors, c’est-à-dire le rapport des forces à tel moment vient du dehors. Oui, mais vient du dehors relativement. C’est encore un dehors, comment dirait-on en philosophie ? C’est un dehors médiatisé ou, si vous préférez, c’est un dehors indirect. Et c’est pour ça que, si l’on parle vite, on peut le considérer comme synonyme de l’extérieur, de l’extériorité. C’est déjà un dehors, c’est plus que de l’extériorité. [18 :00] Mais c’est un dehors encore indirect, médiatisé par le diagramme, médiatisé par les forces en rapport. C’est… Pourquoi ? C’est que je dis : tout diagramme est issu du dehors. Oui, tout diagramme est issu du dehors, mais, en même temps, il n’y a jamais de premier diagramme. Tout diagramme, tout rapport de forces renvoie à un diagramme précédent. En tant qu’il est issu du dehors, tout diagramme est, pourrait-on dire, « aléatoire ». [19 :00] C’est une répartition de forces aléatoire.

Mais, en tant qu’il n’y a pas de premier diagramme, tout diagramme est semi-aléatoire, c’est-à-dire il dépend du diagramme précédent. Et je vous le disais : la succession des diagrammes chez Foucault, je ne reviens pas là-dessus, répond assez à ce que les mathématiques définissent comme une chaîne de Markov, c’est-à-dire des enchaînements semi-aléatoires, à savoir une succession de tirages au hasard, mais où chaque tirage [20 :00] reçoit des conditions déterminées du tirage précédent. C’est bien l’aléatoire puisqu’il y a tirages au hasard, mais ce n’est que du semi-aléatoire, puisque le tirage précédent fixe des conditions du tirage suivant. C’est ce qu’on appellera une succession de phénomènes partiellement dépendants ou de phénomènes semi-aléatoires. C’est en ce sens que le dehors est comme indirect, le dehors au niveau des forces. Les forces sont toujours des forces du dehors, mais elles ne nous livrent le dehors [21 :00] que sous une forme indirecte et médiatisée.

Qu’est-ce que ce serait, troisième dimension ? Troisième dimension, c’est la rencontre avec un dehors absolu. Avec ce que Blanchot lui-même appelle un dehors immédiat. Un dehors qui n’est même plus médiatisé par les forces parce qu’il est lui-même force. [Pause] [22 :00] Un rapport avec le dehors qui serait absolu.

Et, en même temps, rapport et absolu semblent deux termes contradictoires. Oui c’est contradictoire, à ceci près que le rapport avec le dehors est aussi bien, comme di Blanchot, non- rapport, il est l’absolu du rapport. Il est non-rapport en tant que le non-rapport est encore un rapport. Et quel rapport ? En tant que le non-rapport est l’absolu du rapport. Tout ça semble extrêmement, presque, à la limite, presque verbal, mais qu’est-ce que c’est [23 :00] ce rapport avec le dehors. Disons que, pour le moment, ce rapport avec le dehors, nous ne savons qu’une chose, c’est que ce dehors est plus lointain que tout monde extérieur. C’est-à-dire : ce rapport est plus lointain que toute forme d’extériorité. Ce rapport est plus lointain que tout milieu d’extériorité, que toute forme d’extériorité. C’est le dehors immédiat ou le dehors absolu. Non plus médiatisé par des forces et représenté dans un diagramme, mais le dehors pour lui-même, le dehors en lui- même. [24 :00] Mais comment le dehors aurait-il un « en lui-même » ? Ce dehors qui est aussi bien un rapport que non-rapport, qui est aussi bien absolu que relatif, c’est ce que Blanchot appellera… il lui donne son nom : l’impossible. L’impossible, bon. Il faut aller jusque-là : l’impossible.

L’Entretien infini, page 66 : « l’expérience radicale non-empirique… », « l’expérience radicale non-empirique n’est nullement celle d’un Être transcendant… » — c’est la [25 :00] rupture de Blanchot avec Heidegger — « L’expérience radicale non-empirique n’est nullement celle d’un Être transcendant… », mais est-ce une rupture ? Est-ce que Heidegger ne dirait pas la même chose d’une autre façon ? « L’expérience radicale non-empirique n’est nullement celle d’un Être transcendant, c’est la présence immédiate ou bien la présence comme Dehors. ». « La présence immédiate ou bien la présence comme Dehors », pourquoi ? L’air de rien, on est quand même en mesure de comprendre un petit peu. La présence comme Dehors c’est en effet la présence immédiate puisque c’est le rapport avec le Dehors absolu, par différence avec le rapport médiatisé par les forces. [26 :00] En d’autres termes, on a franchi la ligne, ou bien on l’a atteinte car ce Dehors absolu, c’est la ligne du dehors, c’est la ligne de dehors ou la ligne du dehors. Donc. « Et voici la réponse inattendue » disait Blanchot : « L’expérience radicale non-empirique n’est nullement celle d’un Être transcendant, c’est la présence immédiate ou bien la présence comme Dehors. Et l’autre réponse, c’est que l’impossibilité, ce qui échappe à tout négatif… ». L’impossibilité, c’est ce qui échappe à tout négatif… « C’est que l’impossibilité, ce qui échappe à tout négatif, ne cesse pas d’excéder en le ruinant tout positif, étant ce en quoi l’on est toujours engagé par une expérience plus initiale que toute initiative, [27 :00] prévenant tout commencement, excluant tout mouvement. Mais un tel rapport… », il s’agit du rapport avec le dehors dont il nous parle mystérieusement puisque c’est mystérieux… « Mais un tel rapport qui est l’emprise sur laquelle il n’y a plus de prise… », pur Blanchot comme style, ça. « Un tel rapport qui est l’emprise sur laquelle il n’y a plus de prise, nous savons peut-être le nommer… ». Le rapport avec le dehors qui est l’emprise sur laquelle il n’y a plus de prise, nous savons peut-être le nommer « puisque c’est toujours ce qu’on a essayé de désigner en l’appelant confusément : passion. De sorte que nous serons tentés de dire provisoirement l’impossibilité est le rapport avec le dehors et puisque ce rapport sans rapport est la passion, [28 :00] qui ne se laisse pas maîtriser en patience, l’impossibilité est la passion du Dehors même. »

Il faut se familiariser, ce n’est pas que ça nous éclaire beaucoup un texte comme ça. Mais, d’abord, il est beau ce texte, et puis ensuite, ça nous familiarise avec cette idée : un rapport avec le dehors qui serait l’absolu du rapport. Et qu’est-ce qui nous y prépare, je reviens à Foucault, qu’est-ce qui nous y prépare à cette troisième dimension ? Vous voyez mes trois dimensions successives, première dimension : les formes d’extériorité et l’extériorité entre les formes, c’était le savoir. Deuxième dimension : le dehors comme élément informel des forces, mais c’est un dehors encore relatif, car représenté [29 :00] dans un diagramme et médiatisé par les forces en rapport. Et puis le Dehors absolu. Ce rapport qui est non-rapport, qui est l’impossible même, mais il faut aller jusque-là, pourquoi il faut ? Parce qu’on n’a plus le choix. Il faut aller jusque-là, jusqu’à cette impossibilité même. Cette troisième dimension, c’est la ligne du Dehors. Et je dis : chez Foucault — alors je reviens à Foucault — quelque chose, on l’a vu la dernière fois, nous préparait à la nécessité de dépasser le deuxième axe, celui du pouvoir et des rapports de forces, c’était quoi ?

On l’avait vu, que, dans le diagramme, il y avait [30 :00] des points de résistance. Des points de résistances, bon. Et d’où venaient-ils ? Et on a vu la difficulté que ça posait dans la perspective même de Foucault. D’où venaient ces points de résistances ? Et que dans Volonté de savoir, il s’accrochait encore au second axe, en disant : ces points de résistances ce sont le simple vis-à-vis des rapports de forces, mais que ça posait pour nous beaucoup de problèmes, comment pouvait-on dire que c’était de simples vis-à- vis, alors que le vis-à-vis de la force affectante c’est la force affectée. Ce n’est pas la résistance. D’où pouvaient venir ces résistances, sinon du dehors ? [31 :00] Et s’il est vrai que les forces dans le diagramme ne renvoyaient au dehors que par l’intermédiaire d’un autre diagramme, le diagramme précédent, dehors médiatisé, dehors indirect, est-ce que les points de résistances ne témoignaient pas d’un dehors direct ? D’un dehors immédiat ? Le troisième axe, c’est la ligne du Dehors. C’est celui de notre confrontation avec le Dehors absolu. Et nous pouvons dire uniquement de ce Dehors : oui, ce Dehors est plus lointain que toute forme ou tout milieu d’extériorité ; en d’autres termes, ce n’est pas en voyageant que vous le trouverez. Vous aurez beau aller loin, loin, loin, jusque dans les [32 :00] îles et jusque dans la lune, ce sera encore de l’extériorité, ou, à la rigueur, si vous chevauchez des forces pures, ce sera encore du dehors relatif.

Alors où trouverez-vous ce Dehors qui est plus dehors que tout dehors, qui est plus lointain que toute forme d’extériorité, que tout milieu d’extériorité ? Et qu’est-ce que c’est, qu’est-ce que c’est cette ligne du Dehors ? C’est par-là que je dis, ben, voilà, c’est la nécessité d’un troisième axe. Alors, vous savez, quand on lit un grand philosophe, on peut toujours s’arrêter. On peut toujours s’arrêter, et on en a une très bonne lecture. [33 :00] C’est le droit du lecteur de dire : ah ben, non, je ne le suis que jusqu’à un certain point… Je ne le suis… Qu’est-ce que ça veut dire, ça ? Je ne le suis que jusqu’à un certain point ; partout c’est comme ça, on voit ça quand on… C’est même l’activité préférée des critiques. Ah jusque-là, ça va… Qu’est-ce qu’il a reçu, là, un coup sur la tête ? … il y a deux, il y a deux manières, il y a deux manières de lire, et ce que je dis vaut pour la littérature ou pour… pour tout, autant que pour la philosophie. Si vous avez un rapport… Si vous avez un rapport personnel, par personnel, j’entends… de lecteur ; si vous sentez qu’un auteur vous concerne, [34 :00] à la lettre, vous n’êtes même plus en situation de faire le détail. Vous le suivez, ce qui n’est pas une allégeance, ça ne vous empêchera pas de faire vos trucs à vous.

Mais, vous comprenez, dire de Victor Hugo, que telle période est bonne, telle autre pas bonne, c’est perpétuellement la contamination de toute la critique littéraire qui s’est toujours confondue avec la gastronomie et les recettes de cuisine. Parce que c’est de ça qu’ils parlent finalement : Ah oui, oh, Victor Hugo, il y a des moments où ça ne va pas, hein. Ou bien au théâtre… Tout ça. Je dis des choses plus proches de nous : les critiques à propos de [Jean-Luc] Godard : ah ! Ah oui, jusqu’à 68, ça allait, mais alors après ! Jamais ils ne se demandent… vous comprenez, les mauvais critiques, jamais ils ne se demandent si quelque chose est nécessaire [35 :00] à l’auteur, s’il fallait qu’il en passe par là, ou si l’auteur, lui, a eu le choix. Mais quand quelqu’un se lance dans une entreprise dont les critiques, par nature, n’ont aucune idée, il faut tout prendre, vous n’avez pas le droit de sélectionner, il faut aller jusqu’au bout, il faut le suivre jusqu’au bout, pour voir, ne serait-ce que pour voir.

Alors je dis quand même : c’est possible… Je dis le contraire de ce que je viens de dire. Mettons un lecteur qui dise : ah ben, Foucault, je comprends bien tout ce qu’il me dit sur le savoir. Il dira : jusqu’à L’Archéologie, ça va. Jusqu’à L’Archéologie du savoir, ça va, mais après, quand même, ces histoires de pouvoir… Et, ce lecteur, un tel lecteur, en un sens, [36 :00] n’aurait pas tort, pourquoi ? Il aurait tort puisqu’il supprimerait un aspect important et plein de nouveauté. Il n’aurait pas tort parce qu’il pourrait même invoquer Foucault qui, à la fin de ses études sur le pouvoir, se dit : mais, bon dieu ! Dans quelle impasse je cours, dans quelle impasse je me mets ! Comment franchir cette ligne ? Enfin, ce n’est pas en restant en-deçà qu’on la franchit mieux, hein !Alors il y en a d’autres qui peuvent dire : ah, jusqu’au pouvoir, ça va, pouvoir y compris, ça va. Ensuite… ensuite, il fait un retour au sujet, dans ses derniers livres, il fait un retour au sujet après nous avoir dit que le sujet ce n’était rien du tout, pire que rien, voilà qu’il redécouvre le sujet !

De pareilles choses sont extrêmement pénibles à entendre, pourquoi ? [37 :00] Parce qu’on se dit : à quoi sert d’écrire et… bon. Mais, vous voyez, c’est curieux, de mauvaises forces nous empêchent de participer à l’ensemble d’une expérience donnée. Alors on a vu la dernière fois, c’est ce que j’ai essayé de dire, d’ailleurs je ne suis pas sûr mais… bon, toute autre réponse me… Il se trouvait vraiment, à l’issue de sa réflexion sur le pouvoir, il se trouvait là dans une impasse qui n’est pas la sienne, qui est celle du pouvoir lui-même, à savoir : comment franchir la ligne du pouvoir ? Ou, ce qui revient au même, comment atteindre ce que j’appelle maintenant, comment atteindre un dehors qui [38 :00] soit vraiment un Dehors ? Comme si, précisément, tous les diagrammes de pouvoir ne nous donnaient pas encore ce dehors, un au-delà du pouvoir qui serait le rapport avec le dehors. Car le pouvoir ne nous donnait encore une fois qu’un rapport indirect ou médiatisé. Bien. Voilà. Ça, c’est mon premier point. Alors aujourd’hui, comme c’est relativement difficile, je veux dire…, je m’arrête à chaque point : ça va ? Ça va ? Il n’y a rien à… ?

Je veux dire : ce qui est important, c’est que vous suiviez la distinction des trois axes, avec, pour vous — Oui, je tiens même à dire le contraire de ce que je viens de dire – [39 :00] avec, pour vous, possibilité de vous arrêter, c’est comme des étages, à tel étage. Dire : moi, tout ce qu’il dit sur le savoir me va, tout ce qu’il dit sur le pouvoir me va. Evidemment… tous ceux qui se diraient que le savoir, ça me paraît… , ils n’ont plus de raison de venir, quoi, puisqu’on parle des autres axes. Si bien que, dans la mesure où vous restez, c’est bien que vous sentiez la nécessité du troisième axe : un rapport avec le dehors défini comme, uniquement pour le moment, ce Dehors est plus lointain que tout milieu extérieur, que toute forme d’extériorité. Voilà. Donc, qu’est-ce qui peut nous donner une idée de cette ligne du Dehors ? Voilà mon second point. [Pause] [40 :00] Et continuons puisque, à cet égard, nous cherchons les ressemblances, quitte à… Ensuite je chercherai les différences, mais, encore une fois, il me semble qu’il y a avantage à aller très prudemment. Si je m’en tiens aux ressemblances de Foucault avec Blanchot, je peux aussi bien dire : puisque la notion de Dehors est tellement marquée par Blanchot, comment est-ce que Blanchot nous donnait une idée de ce rapport qui est un non-rapport ? De ce rapport absolu, de cette ligne du Dehors ?

L’idée la plus concrète qu’il nous donnait — mais je ne crois pas qu’on en restera là, parce que ce serait extrêmement triste, mais, après tout, Blanchot n’est pas très gai – [41 :00] c’est : on meurt. On meurt. La ligne du Dehors, c’est on meurt. C’est important la formule « on meurt ». Il ne dit pas : c’est la ligne de la mort. C’est : on meurt qui forme la ligne du Dehors. Et les textes les plus émouvants, et les plus… poussés de Blanchot à cet égard, c’est dans L’Espace littéraire [Paris : Gallimard, 1955]. [42 :00] Le « on meurt », c’est le rapport avec le Dehors. Pourquoi ? Blanchot, là… s’efforce de nous faire comprendre que, selon lui, la mort est fondamentalement double. Il y a une mort qui s’énonce sous la forme : je meurs, et une mort qui s’énonce sous la forme : on meurt. Et je dirais : on a tout pour comprendre, là, le texte est extrêmement difficile, c’est pages 160-161. [43 :00] Je dirais : la mort du « je meurs », c’est la mort comme instant insécable. C’est la mort qui peut m’arriver, qui m’arrivera. C’est, en quelque sorte, la mort personnelle. [Pause] La mort du « on meurt », c’est la mort coextensive à la vie. Une mort qui a toujours déjà commencé et qui n’en finit pas. [44 :00] Elle est coextensive à la vie. « Mort qui n’arrive jamais à moi… » — mais ça ne veut pas dire qu’elle arrive aux autres… — « Mort qui n’arrive jamais à moi, à laquelle je ne puis jamais dire oui, avec laquelle il n’y a pas de rapport possible… » — c’est le non-rapport avec la mort — « Non pas le terme, mais l’interminable, la mort interminable. Non pas la mort propre, mais la mort quelconque, [Pause] elle est l’abîme du présent, le temps sans présent [45 :00] avec lequel je n’ai pas de rapport » — le non-rapport toujours — « Ce vers quoi je ne puis m’élancer, car, en elle je ne meurs pas » — en elle, dans cette mort, dans cette mort du « on meurt », je ne meurs pas — « Je suis déchu du pouvoir de mourir, en elle on meurt, on ne cesse pas et on n’en finit pas de mourir », qui c’est ce « on » ? C’est moi. C’est moi, mais ce n’est pas moi comme « je », c’est moi comme « on ». C’est moi comme prenant ma place dans le cortège du « on ».

Je ne cesse pas et je ne finis pas de mourir. [46 :00] Je ne cesse pas… c’est la meilleure formule de Blanchot, ça. En tant que « on », je ne cesse pas et je ne finis pas de mourir. On meurt. Et, page 104, dans un texte splendide, il expliquait comment le suicide, c’est la vaine tentative, selon lui, page 104, de faire coïncider la double mort, la mort du « je » et la mort du « on ». Le « je meurs » et le « on meurt », c’est-à-dire faire de cette mort qui ne cesse pas et n’en finit pas, la transformer, faire de la mort coextensive à la vie, en faire un instant insécable : je me tue. « Par le suicide, je veux me [47 :00] tuer à un moment déterminé, je lie la mort à maintenant, oui, maintenant, maintenant. Mais rien de montre plus l’illusion, la folie de ce ‘je veux’, car la mort n’est jamais présente, il y a dans le suicide une remarquable intention d’abolir l’avenir comme mystère de la mort. On veut, en quelque sorte se tuer pour que l’avenir soit sans secret, pour le rendre clair et lisible, pour qu’il cesse d’être l’obscure réserve de la mort indéchiffrable. Le suicide en cela n’est pas ce qui accueille la mort, il est plutôt ce qui voudrait la supprimer comme future, lui ôter cette part d’avenir qui est comme son essence. On ne peut projeter de se tuer, on s’y prépare, on agit en vue du geste ultime [48 :00] qui appartient encore à la catégorie normale des choses à faire, mais ce geste n’est pas en vue de la mort, il ne la regarde pas, il ne la tient pas en sa présence ».

Vaine tentative, encore une fois, de confondre les deux morts : la mort du « je » et la mort du « on ». La mort du « on », le « on meurt » défini comme cette mort qui ne cesse pas et qui n’en finit pas, c’est-à-dire la mort coextensive à la vie et non pas la mort instant insécable qui est la mort du « je ». C’est précisément cela, à ce niveau où nous en sommes, c’est précisément cela qu’on appellera la ligne du Dehors. Et finalement, c’est sous cette forme que, en effet, le dehors atteint à sa [49 :00] forme absolue… je retire le mot « forme », hein, qui ne convient pas, pourquoi ? Le « on meurt », c’est précisément ce que j’appelais tout à l’heure la ligne du Dehors, et les « on », ça en fait beaucoup, aussi bien chez Foucault que chez Blanchot, là il y a un véritable retournement par rapport à Heidegger, c’est-à-dire il y a une promotion du « on », une véritable promotion du « on » par rapport à Heidegger qui, dans L’Etre et le temps, liait le « on » à l’existence [50 :00] dite inauthentique. Là, au contraire, il y a une promotion fantastique du « on », fondée sur quoi ?

Je vous le disais, moi, ce qui me paraît le plus important dans Blanchot, c’est la manière dont il a réagi à toute personnologie. Et c’est une des raisons pour lesquelles, précisément… c’est une des plus grandes nouveautés de Blanchot. Une fois dit que l’époque contemporaine d’une double personnologie, même quand cette personnologie se cachait ou se déguisait, se masquait. C’était une personnologie masquée. Je dis : double personnologie, parce que, d’une part, linguistique, d’autre part, psychanalytique. [Pause [51 :00] Personnologie linguistique qui trouve son expression la plus parfaite — on l’a vu, et je ne reviens pas là-dessus — chez [Émile] Benveniste, mais qui parcourt toute la linguistique sous la forme de la théorie des embrayeurs. [A ce propos, voir les séances 3, 4, et 5 de ce séminaire] Le « je » et le « tu ». Le rôle linguistique spécial comme instance qui fait commencer le discours, le « je » et le « tu » comme personnes linguistiques et, comme dit Benveniste, rendez-vous compte qu’il n’y a que deux personnes, le « je » et le « tu », la troisième personne, le « il », est en fait une non-personne. [52 :00] Et bien sûr, on nous disait : ah, mais ne confondez pas les personnes linguistiques avec les personnes que vous êtes, ce n’est pas de la psychologie, c’est de la linguistique, ce sont des embrayeurs, ce sont des shifters, ce sont… c’est tout ce que vous voulez… ce sont des suis-référentiel, puisque est « je » celui qui dit « je ». Bon, d’accord, mais on ne dit rien d’autre. D’accord, C’est une… c’est, comment dirais-je, si j’osais dire, ce serait un christianisme linguistique, pourquoi pas ? C’est une personnologie linguistique. Bien.

Et la psychanalyse ? La psychanalyse, ben, là aussi, ce sont des masques. Tantôt elle a assumé une véritable personnologie [53 :00] avec [Daniel] Lagache, tantôt, avec [Jacques] Lacan, elle dénoncé une personnologie quitte, il me semble, à ériger des personnes proprement psychanalytiques qui n’étaient pas sans rapport, d’ailleurs, avec les personnes linguistiques, mais le cas Lacan étant particulièrement compliqué, parce que si vous vous rapportez à sa thèse, à son premier ouvrage, vous verrez que cet ouvrage se réclame explicitement du thème de la personne, c’est-à-dire [54 :00] est explicitement personnologique. Alors je ne veux pas du tout, ce serait un argument lâche, de le ramener à son premier livre, mais le point de départ de la réflexion de Lacan a été extrêmement personnaliste, personnologique.

Et la psychanalyse, qu’est-ce qu’elle fait ? Moi, ça m’a toujours frappé, c’est un des points qui m’a frappé le plus, le plus. C’est que, indépendamment, là, je parle plus de théorie, je parle de pratique. Qu’est-ce qu’ils font ? Quoi qu’on leur dise, quoiqu’on leur dise, il faut qu’ils ramènent les trucs à des personnes. Les trucs de l’inconscient sont ramenés à des personnes, je, tu. Et le rapport analytique lui-même est un rapport personnologique. Qu’est-ce que ça [veut dire] [Deleuze tousse] ? Ben, si vous écoutez [55 :00] un enfant… — il faut quand même écouter les gens, il ne faut pas… un petit peu — si vous écoutez des gosses, qu’est-ce que vous disent ou qu’est-ce que disent les enfants ? « Comment grandit-on ? » « Comment est-ce qu’on naît (N-A-I-T) ? » « A quoi ça sert un ventre ? » Bon. [Pause]

Qu’est-ce que c’est l’entreprise pratique psychanalytique ? C’est exactement, on est dans la situation, si vous voulez, en psychanalyse, on est dans la situation de quelqu’un qui arrive en disant : ah ben oui, [56 :00] les gens. Et on se fait reprendre en disant : les gens, les gens, non, mais quoi ! Moi, le texte qui me réjouis le plus de toute la psychanalyse, c’est une remarque de [Carl] Jung qui dit : c’est quand même bizarre…, qui dit : il était bizarre, Freud — et il l’a bien connu, Jung, hein — moi, un jour, je lui raconte un rêve, il y avait un ossuaire, il avait rêvé d’un ossuaire, Jung. Et l’autre, là, Freud, lui décortique son rêve, et lui dit : ça ne va pas fort, mon pauvre Jung [Rires] ; il dit qu’il s’agit de la mort de la mère — il ne s’est pas fatigué ! [Rires] — la mort de la mère. Et il y avait Jung, là, il est parfait, Jung, parce qu’il dit : ah, mais ! un ossuaire ! Qu’il dit. « Freud, c’était un ossuaire, [57 :00] comprends-moi, un ossuaire, ce n’était pas un os. Des milliers d’os ! », le « on » du os. [Rires] Freud, à la lettre… je suppose d’ailleurs… ça peut être que vrai… il s’en fout, il s’en fout. Un ossuaire et un os, il n’a jamais fait la moindre différence. Or, quand il y a un os, c’est celui de ta mère, une personne. Quand il y a 10000 os, ça devient plus compliqué, c’est autre chose, hein.

Bon, je dis, les gosses, hein : comment naît-on ? Qu’est-ce qu’ils font les grands ? Mais, là-dessus, dans la pratique analytique, jamais ces termes n’ont été entendus, jamais le « on » n’a été saisi, jamais l’article [58 :00] indéfini, « un ventre », n’est pris pour ce qu’il est, à savoir un article indéfini. Il y a une splendide ignorance du on, c’est par là que…, moi je vois que un texte, un texte intéressant à cet égard, mais qui va que… C’est le texte de [Jean] Laplanche et [Jean-Bertrand] Pontalis, qui est donc très inspiré de Lacan, sur « fantasme originaire, origine des fantasmes » [Plutôt Fantasme originaire : Fantasmes des origines, Origine du fantasme (1964 ; Paris : Hachette, 1985)] qui prend précisément comme exemple un grand texte de Freud, « Un enfant est battu » [1919], un enfant est battu ou on bat un enfant. On bat un enfant… [Interruption de l’enregistrement] [58 :47]

Partie 3

… Ils expliquent à la fois qu’il faut être très prudent, il faut être très prudent dans ces réductions. Bien. Il faut être très prudent dans ces réductions, mais c’est encore mieux de ne pas les [59 :00] faire. C’est encore mieux de ne pas les faire, c’est-à-dire de formuler au moins l’hypothèse que l’inconscient ne connaît que des « on », des articles indéfinis, des troisièmes personnes, c’est-à- dire des non-personnes et que, quand les enfants disent : « qu’est-ce que c’est que un ventre ? », il faut entendre « un ventre ». Et que, quand ils disent « comment les gens grandissent-ils ? », ça veut dire les gens. Et « comment fait-on des enfants ? », ça ne veut pas dire « comment, moi, j’ai été fait ? », une fois dit que je le sais, que j’ai épié mon papa et ma maman. Mais que, réellement, là, pour parler comme Foucault, les enfants font de la biopolitique : [60 :00] « comment naît-on ? »… Bon.

Je dis que Blanchot, à ma connaissance, est le seul, le seul à avoir réagi, en tout cas, le premier à avoir réagi contre cette personnologie aussi bien linguistique que psychanalytique et à avoir considéré que les articles indéfinis, dont il… il n’en parle pas de ça, tellement c’est le même cas, que les articles indéfinis n’étaient pas réductibles à du défini. De même que la troisième personne, c’est-à-dire la non- personne, le « il » et le « on » étaient irréductibles aux personnes « je », « tu ». Et ça va être cette promotion de la troisième personne en tant que non-personne, et Foucault va pouvoir prendre le relais de Blanchot à cet égard. [61 :00] Il le prendra au niveau des trois axes. Peut-être vous vous rappelez : sous la forme lumière, on voit. On voit. Et l’on voit des visibilités dispersées, et sous la forme langage on parle. Et chaque sujet vient prendre sa place dans cette ligne du « on parle ». Cette place n’est pas la même, mais, de toute manière, il n’y aura pas personne, il y aura effectuation du « on » par rapport à tel ou tel énoncé, par rapport [62 :00] à telle ou telle famille d’énoncés. Même s’il y a des noms propres, les noms propres… pourquoi penser arbitrairement que les noms propres sont des désignateurs de personnes ? Peut-être que les noms propres désignent tout à fait autre chose que les personnes. Bien.

Je voudrais juste, là, que vous… dresser comme une espèce de critère, sans dire du tout « les uns ont raison, les autres tort », là entre deux formes de pensées très différentes, celle qui tend vers une personnologie si complexe qu’elle soit, et ceux qui tendent vers l’impersonnel, ce que Blanchot appellera le neutre, la non- personne, le « il » ou le « on ». Donc déjà au déb… au… Donc déjà au niveau des formes d’extériorité, [63 :00] au niveau du savoir, vous aviez le « on voit » et le « on parle », chez Foucault. Et au niveau du pouvoir, rapport de la force avec la force, là aussi vous ne découvriez pas des personnes, vous aviez le développement d’un « on », le « on » du pouvoir. Le quelque chose comme « on se bat », le « on » de la stratégie, le « on se bat », « on se heurte ». La force est en rapport avec la force.

Et, maintenant, au troisième axe, il y aurait ce « on meurt », encore une fois cette mort qui ne cesse pas et qui n’en finit pas et qui ne se ramène pas à ma mort personnelle, qui [64 :00] ne se ramène pas au « je meurs ». Le « je meurs » est l’instant où, en tant que personne, je coïncide avec la ligne du « on meurt », c’est-à-dire je prends ma place dans le « on ». Alors ce n’est pas gai. Voilà que notre première réponse, qu’est-ce que la ligne du Dehors, au-delà du pouvoir ? Ce serait la ligne de cette mort, la ligne de cette mort interminable et, là, accordez-moi que c’est dans une tout autre atmosphère, mais qu’on avait trouvé une réponse semblable chez Foucault. La mort coextensive à la vie, c’était ce qu’il retenait de [Xavier] Bichat, les morts partielles [65 :00] qui ne cessent pas et n’en finissent pas et qui nous font dire : mais finalement, est-ce que les points de résistance, ces points de résistance mystérieux, est-ce que ces points de résistance, ce n’est pas toutes ces morts partielles ? Est-ce que ce n’est pas comme autant de points sur la ligne du « on meurt » ? En d’autres termes, il y aurait bien un au-delà de la ligne du pouvoir, il y aurait bien franchissement du pouvoir, il y aurait bien la ligne du Dehors, mais cette ligne du Dehors, ce serait le « on meurt », comme plus profond encore que le « on voit », « on parle » et « on se bat ». Alors, évidemment, ce serait… [Deleuze ne termine pas la phrase ; pause] [66 :00]

Voilà, c’est notre deuxième point. Evidemment nous serions très, très contents si quelque chose venait nous sortir de là, mais qu’est-ce qui peut arriver à cette ligne du Dehors sinon d’être mortelle ? C’est-à-dire : nous apporter la mort comme si on ne pouvait esquiver le pouvoir que par la mort. Bien. Et que… Je veux dire, tout s’arrangerait évidemment si nous avions des raisons de penser que la mort coextensive à la vie n’épuise pas la vie. Bien plus, [67 :00] il faudrait, pour que tout soit, pour que tout soit relancé, là aussi on n’a pas le choix. Il faudrait que la ligne du Dehors soit capable de certains mouvements qui l’arrachent à la mort.

Pour le moment, hein, et, ça, je veux dire, on ne pourra pas supprimer ce moment-là, je dis : pour le moment la ligne du Dehors s’impose, mais elle s’impose en sa stricte identité avec la ligne du « on meurt ». Cette ligne du dehors est-elle capable de mouvements qui l’arrachent à la mort et quels mouvements ? C’est-à-dire le vitalisme, pour reprendre des termes de Foucault, y a-t-il un vitalisme qui puisse secouer ou s’échapper du mortalisme ? [68 :00] Ce qu’il disait à propos de Bichat : c’est du vitalisme, mais sur fond de mortalisme. Est-ce que cette ligne du Dehors peut secouer son appartenance à la mort, à cette mort qui n’en finit pas et ne cesse pas. En tout cas, il faut passer, cette ligne du Dehors, elle restera ligne de la mort, quitte à opérer le mouvement qui l’arrache à la mort. Comprenez. On ne supprimera pas ce moment par lequel on est passé. Ce moment restera, et je crois que, peut-être que pour beaucoup, pour beaucoup de gens, ben, la ligne du Dehors sera toujours marquée de ce caractère mortifère. Echapper au pouvoir : oui, la seule manière [69 :00] d’échapper au pouvoir… Comme ça, c’est franchir, c’est franchir le peu profond ruisseau. Peu profond ruisseau. Peu profond ruisseau : la mort. Bien, bien, bien, bien. [“Un peu profond ruisseau calomnié la mort” est le vers final d’un “Tombeau” de Stéphane Mallarmé’s, “Un noir roc courroucé que le bise le roule”]

D’où notre troisième point aujourd’hui, c’est : est-ce que l’on peut concevoir un mouvement ? Je dis bien…, vous voyez jusqu’à maintenant, on a tenté d’isoler la ligne du Dehors, [Pause] ce Dehors absolu, encore une fois, plus profond, plus lointain, plus lointain que tout monde extérieur. Et on dit : ben [70 :00] oui, c’est la mort. Alors… Mais cette ligne du Dehors, qu’est-ce qui peut se passer ? Elle est fondamentalement mouvement. Alors, est-ce que son mouvement s’épuise en allant d’une mort partielle à une autre mort partielle ? Est-ce qu’elle se contente d’enchaîner des morts ? D’enfiler des morts ? Qu’est-ce qui peut se passer sur une ligne… ? Ben, elle ne cesse pas d’être en mouvement cette ligne du Dehors. Alors, là, [71 :00] on essaie de procéder par métaphore pour s’y reconnaître un peu : c’est comme si elle était animée tout le temps de mouvements péristaltiques. La ligne du Dehors est parcourue de puissants mouvements péristaltiques qui n’arrêtent pas. Ou bien il y a un terme en embryologie : invagination. Un tissu embryologique s’invagine, ça veut dire quoi ? Former un creux. [Pause ; Deleuze écrit au tableau] [72 :00] Second stade, pourquoi pas troisième stade ? Bien, c’est la ligne que j’ai tracée, c’est la ligne du Dehors. C’est juste pour dire : mouvements péristaltiques, mouvements d invagination… tant de mouvements sont possibles. Comme si elle était parcourue de mouvements.

Donc notre troisième point, ça va être : s’il est vrai que la ligne du Dehors est parcourue de mouvements, comment peut-on présenter ce type de mouvements ? [73 :00] Qu’est-ce que c’est ? Qu’est-ce que c’est ? [Pause] Ben, partons de l’hypothèse : on revient, il faut aller très doucement, hein ; la ligne du Dehors, c’est la ligne du lointain. Le Dehors, c’est le lointain. C’est le lointain absolu, plus loin, plus lointain que tout milieu d’extériorité. Est-ce que vous ne sentez pas, dès lors, que, à condition que ce ne soit pas des mots, que, si c’est plus lointain que tout milieu d’extériorité, [74 :00] du coup, c’est le plus proche. Ce lointain-là est le plus proche. Encore faudrait-il ajouter : ce lointain, en tant qu’il est plus loin que tout milieu d’extériorité, est plus proche, est, par là-même, le plus proche, plus proche que tout milieu d’intériorité. Si le lointain est plus loin que toute extériorité, il est plus proche, il est le proche même. Et s’il est le proche, il est plus proche que tout milieu d’intériorité. [75 :00] C’est en même temps que l’extériorité et l’intériorité étaient récusées, on l’a vu, on l’a vu dès le premier axe, conversion du lointain au proche. Pas l’inverse, hein, la conversion est dirigée.

Nous partons du lointain, et nous le posons comme le plus proche, et nécessairement comme le plus proche. Pourquoi nécessairement comme le plus proche ? Il est nécessairement le plus proche puisque, en tant que lointain, il est plus loin que tout milieu d’extériorité. En tant que plus loin que tout milieu d’extériorité, il est plus proche que tout milieu d’intériorité. Je ne peux que répéter ça, ou bien ça prend, [76 :00] ça prend en vous, ça vous dit quelque chose, ou bien ça ne vous dit rien. Si ça ne vous dit rien du tout, encore une fois, vous laissez tomber, si ça vous dit un petit quelque chose, il va falloir piétiner, il va falloir ressasser tout ça, arriver à lui donner figure un peu concrète.

Du lointain au proche, et ça, ce thème, vous le trouverez de manière obsessionnelle chez Foucault, dans Les Mots et les choses, dans Les Mots et les choses — mais il faudrait que j’aie la référence… il faut que je la retrouve… voilà — et ça, c’est une formule pour… essentielle pour la pensée de Foucault : Les Mots et les choses, p. 350. « Il s’agit toujours pour elle », [77 :00] elle, c’est quoi ?… L’analytique de la finitude. Bon. « Il s’agit toujours… » alors on supprime « pour elle », « Il s’agit de montrer comment l’Autre [avec un a majuscule], le Lointain [avec un L majuscule] est aussi bien le plus Proche et le Même », « il s’agit de montrer comment l’Autre, le Lointain est aussi bien le plus Proche et le Même ». En d’autres termes : il s’agit de montrer comment la ligne du Dehors est dedans. Mais de même que le lointain était plus lointain que tout milieu d’extériorité, le dedans [78 :00] sera plus proche, plus intime que tout milieu d’intériorité. En d’autres termes, il faut que le dehors soit saisi d’un mouvement ou parcouru d’un mouvement par lequel il fait un dedans. Ou que l’Autre soit saisi d’un mouvement par lequel il fait le Même. De l’Autre au Même, jamais l’inverse, jamais du Même à l’Autre. Du Lointain au Proche, jamais du Proche au Lointain. Il faut que le Lointain, l’absolu Lointain, en raison même de son absoluité soit [79 :00] plus proche que tout ce qui n’est qu’intérieur. Qu’est-ce que ce serait, ça ?

Alors j’avance, j’avance, mais j’ai tort d’avancer, c’est pour… En d’autres termes, je dis, ça va être ça le grand point de… ça va être ça ce qui nous restera à comprendre, c’est… Je dis : il faut que la ligne du Dehors soit parcourue par un mouvement qui est le pli. Il faut qu’elle se plie. C’est l’invagination. [Cette analyse, et celle qui la prépare, se situe dans Foucault, chapitre « Le plissement ou le dedans de la pensée », pp. 104-105] Il faut qu’elle se plie, le pli étant constitutif d’un dedans plus intime que tout milieu d’intériorité, plus proche que tout milieu d’intériorité. [80 :00] Il faut qu’elle forme ce dedans, cette proximité absolue. Il faut que la ligne du Dehors se plie, se ploie. Il faut qu’il y ait un pli de la ligne.

Et c’est ce pli qui arrache la ligne à la mort. Comment ? Pourquoi ? Ben, je vous donne pour le moment…, c’est pour que ce soit plus simple de se suivre les uns les autres, que vous puissiez mieux suivre, les analyses à venir que je vous dis ça : la ligne du Dehors, c’est le « on meurt », et on ne revient pas là-dessus, on ne dit pas : ah non ! On n’a pas découvert quelque chose qui annule ça. Mais l’on ajoute : oui, mais cette ligne [81 :00] est parcourue d’un mouvement péristaltique, d’un mouvement d’invagination qui constitue un dedans. Et ce dedans est plus proche que tout milieu d’intériorité, tout comme la ligne du Dehors était plus lointaine que tout milieu d’extériorité. En d’autres termes, qu’est-ce que le dedans ? Le dedans c’est toujours le dedans du dehors, ce n’est pas mon intériorité. Il n’y a aucune restauration d’une intériorité chez Foucault au sens de mon intériorité. Simplement, il y a un mouvement du Dehors par lequel se constitue un dedans du dehors, seul le dehors a un dedans et c’est ce que Blanchot avait compris très bien dès le… à propos de L’Histoire de la folie, lorsqu’il disait : ce qui [82 :00] est enfermé, c’est le Dehors. A savoir : seul le dehors a un dedans. Seul le dehors a un dedans. Seul le dehors a un dedans. Il faut répéter tout ça comme des idiots pour essayer de voir si ça marche, pour essayer de voir si ça nous dit quelque chose. Seul le dehors a un dedans… bon.

En d’autres termes, le dedans, c’est le dedans du dehors. Ce n’est pas le contraire du dehors, c’est le dedans du dehors. C’est le pli du dehors. Le dedans est le pli du dehors. Là on tombe sur quelque chose. Vous devez sentir qu’on tombe sur quelque chose. Bien, c’est le pli du dehors. Qu’est-ce que c’est qu’un dedans ? Qu’est-ce que c’est qu’un dehors ? Supposons que le dehors… [83 :00] et en effet, la ligne du Dehors, ça doit vous dire quelque chose, c’est de la marine, hein. Le dehors plus lointain que tout milieu d’extériorité, qu’est-ce que ça peut être sinon la ligne océanique ? Le savoir est terrien, et là, on a quitté la terre depuis tellement longtemps. Le savoir, c’est une question de forme, les formes sont terrestres. Mais, bien. La ligne du Dehors, c’est la ligne océanique. Qu’est-ce que c’est que le dedans ? Le dedans c’est l’embarcation, c’est le bateau, le petit bateau, c’est la barque. Mais qu’est-ce que la barque ? La barque, c’est un pli de la mer. [84 :00] La barque, c’est le pli de l’océan. Chaque fois qu’il y a un bateau, l’océan a fait un pli. Bon.

C’est, c’est curieux, ça, alors, est-ce que c’est des métaphores, est-ce que c’est des… ? Non. Histoire de la folie, page 22. Histoire de la folie, page 22, Foucault nous raconte quel était le statut des fous à la Renaissance, avant l’âge classique. Il attache beaucoup d’importance à la nef des fous. Il dit : ce n’est pas encore l’hôpital général. On les flanquait sur un bateau, ou bien ils y allaient tous seuls, [85 :00] hein, sur un navire, et puis ils partaient, ils s’arrêtaient, et puis ils repartaient, la nef des fous. Et Foucault a un texte splendide et à propos du fou lancé sur sa nef, pages 21, page 22 plutôt de L’Histoire de la folie, il dit ceci que je lis lentement : « il est mis à l’intérieur de l’extérieur », « il est mis à l’intérieur de l’extérieur et inversement ». — Je mets de côté « et inversement », il faudra arriver à le commenter, parce que le « et inversement » pourrait m’être objecté. Je dis : je ne suis pas capable de commenter le « et inversement » actuellement. Je pense que il deviendra… il se commentera [86 :00] de lui-même et tout seul, mais je dis bien que je ne le supprime pas, je le mets en réserve. – [Deleuze présente cette même citation dans Foucault, p. 104]

« Le fou est mis à l’intérieur de l’extérieur… » — là, quand il est lancé sur sa nef — « …prisonnier du milieu le plus libre… » Non… je lis mal : « prisonnier au milieu », « prisonnier au milieu, au milieu de la plus libre, de la plus ouverte des routes, solidement enchaîné à l’infini carrefour, il est le Passager par excellence, c’est-à-dire le prisonnier du passage ». Il est le passager par excellence, le prisonnier du passage. Bien. En d’autres termes, [Pause] il [87 :00] est mis à l’intérieur de l’extérieur. Ça fait partie de ces textes où…, que j’avais prévus, où il n’y a pas besoin de distinguer dehors-dedans, intérieur-extérieur. Ça fait partie… ou les termes se valent. On dirait aussi bien : il est mis au-dedans du dehors. Le dedans, c’est le dedans du dehors. Et il n’y a pas d’autre dedans que le dedans du dehors, sauf… — [un magnétophone se déclenche, et on entend la voix de Deleuze]… Mais c’est d’une autre fois ça ! [Rires] Ce n’est même pas de cette fois, hein ! Ah bon. [Rires] Comme un rappel. Ça veut dire : j’ai été trop vite ! [Rires] — Le dedans, c’est le dedans du dehors, et l’opération de la constitution d’un dedans du [88 :00] dehors, c’est-à-dire l’invagination, s’appellera plus ordinairement : plissement. Le pli. Le dedans, c’est le pli du dehors. Et c’est le pli du dehors qui est constitutif d’un dedans, dedans plus proche que tout milieu d’intériorité, que toute vie intérieure. Bien. Alors… On avance un peu.

Ma question, c’est : est-ce qu’il suffit que la ligne du Dehors se plie pour échapper à la mort ? C’est une question. Peut-être, si vous attachez à cette pliure, à ce plissement, l’importance et le sentiment [89 :00] d’effort insensé qu’il va falloir pour l’obtenir, ça ne se fait pas tout seul. L’embarcation, c’est le dedans du dehors. C’est ce que Blanchot a très bien compris chez Foucault parce que, là, je crois que l’influence s’inverse, lorsque Blanchot, toujours parlant de Foucault, va dire… il y a une formule splendide, alors… autant ce que je viens de lire est le pur style Foucault, là, il y a une formule pur style Blanchot : « enfermer le dehors, c’est-à-dire, c’est-à-dire, le constituer en intériorité… », « enfermer le dehors, c’est-à-dire le constituer en [90 :00] intériorité d’attente ou d’exception », ah bon ? [L’Entretien infini (Gallimard), p. 292] C’est-à-dire, là, quand la ligne du Dehors se ploie, se plisse, elle constitue un dedans qui est une intériorité d’attente ou d’exception. L’attente ou l’exception : qu’est-ce que ça veut dire ? Est-ce que c’est ça, échapper à la mort ? Pour échapper à la mort il fallait ployer la ligne du Dehors, mais quelle besogne d’Hercule, hein, ployer la ligne du Dehors ! On en est là, juste, hein.

Je dis : pourquoi est-ce que, là, on se trouve devant quelque chose qui va être un véritable nœud pour nous de notions, où il faudra bien se débrouiller, hein. [91 :00] C’est parce que cette idée d’un ploiement, d’un plissement va être comme une espèce de zone commune où vont s’affronter qui ? Un certain nombre d’auteurs qui nous importent tous, enfin qui importent à une grande partie d’entre nous, à savoir Heidegger (qui jamais ne dissociera son ontologie d’une ontologie de ce qu’il appelle lui-même « le pli », le pli), Blanchot, Foucault, alors c’est là où on sera en mesure de saisir et leurs différences et leurs ressemblances. Et autant commencer par [92 :00] un point juste qui est ceci : quel est ce rapport entre le dehors et le dedans ? Qu’est-ce que c’est, donc ? On me dit : la ligne du Dehors, en se ployant, constitue un dedans, une intériorité d’attente ou d’exception. [Pause] Il faudrait essayer de trouver la note originale de… je dis, en gros, ça pourrait être signé Heidegger, ça pourrait être signé Blanchot, ça pourrait être signé peut-être un autre dont on n’a pas encore parlé, et ça pourrait être signé Foucault ; Si l’on arrivait à marquer l’accent personnel que chacun met… Je retire « personnel » : l’accent singulier que chacun met, [Pause] [93 :00] sa manière de dire les choses… [Interruption de l’enregistrement] [1 :33 :05]

Partie 4

Un étudiant : [Début inaudible] … Je ne saisis pas pourquoi ce Dehors aurait besoin d’un pli. Et pour m’appuyer [94 :00] dans un argument qui [propos indistincts] … le visage qui est en même temps immédiat et très lointain, qui me parle et qui reste loin de moi. Donc, on a déjà posé aussi le problème de [mot indistinct], ou la ligne à franchir, et vous disiez que nous avons besoin de, je ne sais pas commente dire, d’une manière ou d’une autre, de les capturer ou de [mot indistinct] le Dehors, et de le rendre, d’une manière ou d’une autre, comme faisant partie intégrale du dedans, et cela se fait [95 :00] par un pli. Or, je me heurte… alors j’ai du mal à [mots indistincts]

Deleuze : Non, c’est une très bonne question. Je réponds…

L’étudiant : Je ne sais pas pourquoi on ne franchit pas la mort directement.

Deleuze : Pourquoi ne pas franchir la mort directement ? Parce qu’on y reste. [Rires] Parce qu’on y reste… c’est possible, je suppose que ça arrive souvent… Blanchot ne cesse de dire que tout ça est très dangereux, que l’on y perd, par exemple, la raison, ou qu’on y perd la vie. La question est celle-ci… Ta question est très bonne. J’essaie de refixer uniquement le point où on en est… On verra tout à l’heure, on n’en restera pas là, mais pour le moment, je dis, au niveau de pures formules, je dis : nous avons donc l’idée d’un dehors, encore une fois, je recommence, plus lointain [96 :00] que toute forme d’extériorité et que tout monde extérieur. Ça, c’est un point.

Deuxième point : nous avons l’idée d’un dedans plus proche que tout monde intérieur ou tout milieu d’intériorité. Troisième point : ce dedans ainsi caractérisé, c’est le dedans du dehors, il ne s’oppose pas au dehors, c’est le dedans du dehors, ou, comme dit Foucault, l’intérieur de l’extérieur. Voilà. Là-dessus tu enchaînes : c’est donc un dedans très spécial qui ne se ramène à aucune intériorité de conscience. C’est [97 :00] un dehors très spécial qui ne se ramène à aucune extériorité physique. Bien. Là-dessus tu enchaînes, et tu dis, en d’autres termes… oui, je continue mes formules, l’enchaînement de mes formules : donc ce dedans qui est le dedans du dehors, nous l’appelons le pli du dehors, le plissement du dehors, il faut que le dehors fasse un pli. Et cette opération par laquelle le dehors se plie, par laquelle la ligne du Dehors se ploie, est constitutive d’un dedans, dedans plus proche etc., etc.

Là-dessus tu interviens, et tu dis : quelle nécessité que la ligne du Dehors fasse un pli ? Là, je dis : la question est très bonne, pourquoi ? [98 :00] Eh bien, la nécessité, moi, je la vois, mais on pourrait ne pas la voir. Je veux dire on pourrait, avec autant de raison, ne pas la voir. Moi je dis : il faut à tout prix que la ligne du Dehors fasse un pli car, sinon, elle est invivable. Elle est invivable. C’est la ligne du « on meurt », elle ne peut s’arracher à la mort… la ligne du Dehors ne peut bifurquer d’avec la mort que si elle fait un pli. Et c’est dans ce pli que nous pouvons vivre, respirer et nous mouvoir. Car, sinon, aux endroits où la ligne du Dehors ne fait pas de pli — elle ne fait pas des plis partout — aux endroits où elle ne fait pas de pli, la ligne du Dehors nous livre [99 :00] à l’irrespirable, au vide, à la mort. Qu’est-ce qu’il y a, à ce moment-là, au-delà des rapports de pouvoir ? Il y a bien quelque chose, c’est cette ligne du « on meurt », là où on ne respire plus, on ne vit plus et ne bouge plus… Tu as d’autant plus raison que vous devez pressentir que Foucault va, au niveau de ce troisième axe, appliquer toujours sa méthode renouvelée, à savoir : ce n’est pas nécessaire que la ligne du dehors fasse un pli.

On ne peut vivre que là — pour employer une métaphore exécrable — le pli, c’est comme l’œil du cyclone. Heureusement la métaphore exécrable n’est pas de moi, mais elle est pour… d’un très grand [100 :00] poète qui est [Henri] Michaux… donc je retire « exécrable » ; dans le texte de Michaux elle est très belle. Michaux a écrit un recueil, et c’est très curieux que Foucault, qui sûrement connaissait Michaux, ne le cite pas… il a écrit un grand recueil : La Vie dans les plis, un grand recueil de poèmes. [Paris : Gallimard, 1949 ; Deleuze revient à cette œuvre de Michaux, et bien sûr, au pli, dans Le Pli. Leibniz et le baroque (Paris : Minuit, 1988), notamment p. 124, note 20] Il explique que c’est dans le pli qu’on peut vivre et respirer. Alors : il n’y a pas de nécessité, mais tu ne respireras pas si elle ne fait pas un pli. C’est une prudence, si tu ne ploies pas la ligne du Dehors — et ce n’est pas facile de la ployer, c’est tout un art de la prudence qui engage précisément… elle ne se fait pas forcément, car, bien plus… j’avance sur les choses que je compte développer que plus tard — Foucault va… Quand je dis « il applique sa méthode », [101 :00] il se demande très bien : mais qui est-ce qui a inventé de faire un pli ? Plutôt que affronter l’irrespirable, c’est-à-dire affronter le « on meurt », affronter le vide ? Et sa réponse étonnante, mais que — actuellement, sauf ceux qui ont déjà lu tout ça, ne peuvent pas comprendre — je dis : la réponse de Foucault, ce sera : c’est l’idée des Grecs, c’est les Grecs qui ont plié, c’est les Grecs qui ont fait le pli. [Sur l’apport des Grecs, voir Foucault, pp. 107-110]

C’est curieux, ça, c’est les Grecs qui ont fait le pli. Vous devez sentir à la fois perpétuellement à la fois, sur ce point, la confrontation avec Heidegger, jamais Heidegger… dirait ça, jamais… c’est très très, c’est très bizarre, cette histoire. Mais c’est dire que, pour Foucault… alors là je reprends. Jamais il n’a voulu parler des formations d’Orient précisément parce que… parce qu’il ne s’estimait [102 :00] pas compétent, mais, moi non plus je ne suis pas plus compétent, donc allons-y gaiement ! C’est… on pourrait dire : est-ce que… est-ce que, en Orient, ils ont fait le pli ? Ou bien, est-ce qu’ils ont inventé des techniques de l’irrespirable, respirer dans l’irrespirable ? Survivre dans le vide. Bon. Ils n’ont pas plié la ligne du Dehors ; ils ont affronté la ligne du Dehors. Bon. Bien, supposons. Peut-être qu’on pourrait nous dire : ah, si, ils ont fait le pli ! Il y a un pli oriental, qui n’est peut-être pas le même que le pli grec… Tout ça, c’est des questions ouvertes, tout à fait ouvertes.

Mais la réponse à ta question, pour le moment, si on la tient comme ça, c’est… à mon avis, moi je répondrais : s’il faut que la ligne du Dehors fasse [103 :00] un pli, ce n’est pas qu’elle soit…, qu’elle le fasse nécessairement, c’est que, si on n’arrive pas à la ployer, on meurt. On meurt, vraiment, au sens de… au sens le plus strict. Blanchot… la notion de pli étant quand même assez étrangère à Blanchot… Blanchot, qu’est-ce qui se passe ? Eh ben, je crois que, en effet, on vit dans l’irrespirable et… d’où la fascination de Blanchot pour la folie de [Friedrich] Hölderlin, pour [Antonin] Artaud, etc… Et encore, Artaud, lui, il a fait le pli, d’une certaine manière. Il n’a pas réussi son pli, mais il a plié, il a pu souffler à la lettre. Tu ne peux pas souffler si tu ne fais pas le pli, la vie dans les plis. Ou bien je pense à une œuvre de [Pierre] Boulez, « Pli sur pli ». [Au fait, « Pli selon pli », œuvre citée dans Le Pli. Leibniz et le baroque, p. 47 ; la référence exacte – (Londres : Universal Editions, 1982) — ne se trouve que dans la traduction, p. 164, note 34 ; pour une discussion détaillée de cet ouvrage de Boulez, voir la séance 25 de ce même séminaire] Il faudrait faire un recueil de tout ce thème du pli, parce que… — chez des gens qui ne sont pas influencés par Heidegger évidemment — je crois que [104 :00] c’est une… c’est absolument nécessaire, sinon on ne vit pas. C’est la condition pour que la vie rompe avec la mort.

Alors… un peu de repos. Un peu de repos. Alors il y a tous ceux qui, en effet… Qu’est-ce qui se passe, s’il n’y a pas le pli ? C’est le capitaine Achab… j’essaierai d’en parler plus tard parce qu’il y a mille confrontations qui restent à faire, même avec des auteurs que Foucault n’a pas cités ou n’a jamais cités. Lui, il a la ligne du Dehors que [Herman] Melville, dans le grand roman Moby Dick, présente comme la ligne du Dehors, la terrible ligne du Dehors, ben le capitaine Achab l’affronte, il passe de l’autre côté, on meurt. La ligne du Dehors, c’est aussi bien la baleine, c’est Moby Dick. Bon. Eh ben, on meurt, il n’a pas fait le pli, l’embarcation est brisée, ou bien il y a bien une embarcation [105 :00] qui est le dedans du dehors, elle est brisée… [Interruption de l’enregistrement] [1 :45 :04]

Partie 5

… Boulez ne donne pas n’importe quel titre à… à… à une œuvre musicale. Pli sur pli [Pli selon pli], qu’est-ce que c’est ? Est-ce que ce n’est pas aussi pour que survive la musique et dans quelles conditions… Bien. Je veux dire, oui, on me signalait qu’un grand texte irait tout à fait dans ce sens, en plus, pas seulement Moby Dick, mais le texte d’Edgar Poe, Les Aventures d’Arthur Gordon Pym. Où on me dit… moi, le texte…, il y a trop longtemps que je n’ai pas lu ce texte, je ne sais pas si j’aurai le temps d’ici mardi prochain, mais il faudrait que ceux qui auront le temps d’ici relisent ce texte. On me dit que c’est très typique, que, chaque fois, la démarche est l’affrontement d’un [106 :00] dehors et, ce dehors qui se plie et que, chaque fois, il y a un dedans du dehors et que chaque fois le dedans où s’abrite Pym est le dedans d’un dehors. Alors, à tous les niveaux. Il est question aussi des fleuves, de la barque, de la mer etc. Je crois que ça ne peut se comprendre que océanographiquement.

Mais, ta question, elle est presque… on avance, et on verra au fur et à mesure, mais je crois qu’elle est parfaitement fondée. Encore une fois, je dirais à la lettre qu’il n’y a pas de nécessité du pli. Si tu veux survivre, il vaut mieux le faire, sinon… Et sinon, c’est, comme on dit, des zones trop dangereuses, des zones, à la lettre, des zones psychiques trop dangereuses… Parce que ou bien on prend ça pour de la littérature, ou bien on y voit l’expérience d’Artaud, [107 :00] l’expérience Melville, l’expérience Hölderlin, ou même celle de Blanchot… Blanchot, il a bien dû faire le pli, puisqu’il vit et respire… les autres, c’est moins évident. Artaud, la respiration d’Artaud, il a fallu qu’il invente une respiration pour… pour survivre. Bon. Alors… Mais gardons cette question ouverte, puisqu’il y a plein de questions ouvertes.

Alors je voudrais juste, là, finir ou presque, parce que… pour que vous ne soyez pas trop… Je dis : cherchons à préciser ce rapport du dehors et du dedans dans des conditions où le dedans n’est que… est fondamentalement le dedans du dehors. Autour de ça… [108 :00] paraît une constellation dont on est assez familier. Je veux dire qui… qu’on les ait lus ou pas, nous a formés un peu tous. Et je cite d’abord Heidegger. Et je dis : si vous prenez, alors, autant prendre un texte précis, ce serait vrai pour toute l’œuvre de Heidegger, mais de quoi s’agit-il chez Heidegger ? Il s’agit d’abord de la proposition : penser vient du dehors. Penser vient toujours du dehors. Le texte auquel je me réfère, c’est : Qu’appelle-t-on penser ?\[1951 ; Paris : PUF, 1959 (trad. Aloys Becker et Gérard Granel)]. Et c’est un texte splendide, dès le début, vous pouvez… lire les premières pages, les vingt premières pages du texte, vous y trouverez tout ce qu’il nous faut, [109 :00] là. Ça ne suffit pas de lire les vingt premières pages, mais vous y trouverez tout ce dont on a besoin.

Penser vient du dehors, ça veut dire quoi ? Ça veut dire que, bien sûr, nous avons la possibilité intérieure de penser. Et, presque, Heidegger dirait : la philosophie classique s’est toujours appuyée sur ceci que nous avons la possibilité intérieure de penser. Mais invoquer la possibilité intérieure que l’être pensant a de penser, ça n’est rien dire sur ce qui lui donne à penser. Et nous ne pensons que si quelque chose nous donne à penser. Nous qui avons la possibilité intérieure de penser, nous ne pensons que si quelque chose nous donne à penser. [110 :00] Vous voyez l’appel au dehors, ce quelque chose ne peut venir que du dehors. Il ne faudra pas forcer beaucoup pour dire : et d’un dehors plus loin, plus lointain que tout monde extérieur. Pourquoi ? Parce que ce qui donne à penser, ce n’est pas quelque chose qui appartient à un monde extérieur quelconque.

Pour ceux qui connaissent un peu Heidegger, ce n’est rien qui soit du domaine de l’étant. Ce qui donne à penser, c’est l’être de l’étant, c’est-à-dire le Dehors, un Dehors plus lointain que tout monde extérieur. Sinon nous avons la possibilité de penser, mais cette possibilité reste éternellement vide. Ce que Heidegger [111 :00] traduit en disant : oui, nous avons la possibilité de penser, celle même qu’invoquaient les philosophes classiques, celle même qu’invoquait le XVIIème siècle, mais, que nous en ayons la possibilité ne signifie pas que nous en soyons capables. Capacité, c’est autre chose que possibilité. Le texte est splendide : « l’homme peut penser… », « l’homme peut penser en ce sens qu’il en a la possibilité, mais cette possibilité ne nous garantit encore pas que la chose est en notre pouvoir ». Je me rappelle une autre traduction que je préfère, mais qui ne change rien au texte : « cette possibilité ne nous garantit encore pas que nous en soyons capables ». [112 :00] Bon, «sommes pas capables », ça veut dire quoi ? Bon, nous sommes capables si nous affrontons… Nous devenons capables de penser si nous affrontons cela qui donne à penser et qui est plus lointain que tout monde extérieur. Mais ce qui nous donne à penser, si nous le rencontrons et si nous l’affrontons, là aussi, est-ce que nous le rencontrons, est-ce que nous l’affrontons ? Célèbre est la réponse de Heidegger : ce fut fait une fois, c’est les Grecs. C’est les Grecs qui l’ont affronté ce dehors, c’est-à-dire qui ont découvert l’être comme distinct de l’étant. Bon.

Eh bien, si cela qui donne à penser [113 :00] est effectivement rencontré, alors nous devenons capables de penser, et de penser quoi ? Nous devenons capables de penser ceci que nous ne pensons pas encore. Qu’est-ce que ça veut dire ? Que nous ne pensons pas encore en vertu de la simple possibilité de penser. Ce qui donne à penser, nous donne à penser quoi ? Nous donne à penser que nous ne pensons pas encore en vertu de la simple possibilité que nous avons de penser. [Pause] Si bien que le « nous ne pensons pas encore » est le dedans, c’est cela qu’il y a dans notre pensée. Que nous ne pensions pas encore [114 :00] est le dedans de notre pensée. Comme dedans du dehors, en tant que le dehors donne à penser. Pourquoi ? Parce que le dehors ne donne pas à penser sans se retirer par le même mouvement par lequel il se donne, thème fameux chez Heidegger, si bien que le dedans de ce dehors, c’est le « nous ne pensons pas encore », ce que Heidegger exprime dans une formule dont il a le secret : « ce qui donne le plus à penser dans notre temps qui donne à penser est que nous ne pensons pas encore », c’est le début splendide de Qu’appelle-t-on penser ?  J’essaie de mettre l’accent… Je dirais que [115 :00] la pensée a cessé d’être en rapport avec du pensable. Je dis que la pensée est mise en rapport fondamentalement, mise dans un rapport essentiel avec quelque chose de non-pensable et de non-pensé. Nous ne pensons pas encore. Si vous préférez, à la possibilité classique de penser, qui est la possibilité logique, Heidegger substitue une impossibilité — là-dessus en deux mots — onto-logique. Tout… toute la philosophie classique s’est fondée sur la possibilité logique de penser. [116 :00] Voyez Descartes. Heidegger se réclame d’une impossibilité onto-logique de penser.

Et voici un auteur — je vais très vite — qui, à coup sûr, ne doit strictement rien à Heidegger. L’union avec Heidegger sera faite par Blanchot, c’est Artaud. Et, de même que je dis, sur la pensée, un des plus grands textes contemporains, du XXème siècle, est le Qu’appelle-t-on penser ? de Heidegger, un des plus grands textes c’est celui d’Artaud aussi : les lettres à Jacques Rivière. Et qu’est-ce que dit Artaud ? [117 :00] La pensée ne fait qu’un avec un impouvoir vital. Ce n’est plus une impossibilité onto-logique, c’est un impouvoir vital. « Il appartient à la pensée de ne pas pouvoir penser, c’est mon drame », dit Artaud. Mais qu’est-ce que ça veut dire, son drame ? Ça ne veut pas dire : son cas clinique, puisque Artaud ne se vit pas ainsi ; ça ne veut pas dire son problème psychologique. Ça veut dire que son drame, c’est d’avoir atteint quelque chose dans la pensée qui se dérobe à la pensée même. Il ne suffit pas d’avoir la possibilité de penser. Il faut encore avoir le pouvoir vital de penser. [118 :00] Je dis : s’il y avait comparaison différentielle — et la différence est fondamentale — ce que Heidegger, qui, à cet égard, se conduit encore comme un grand professeur de philosophie, présente comme l’impossibilité onto-logique, devient, conformément à Artaud, un impouvoir vital.

Mais, si je cherche ce qu’il y a de commun, c’est : l’impensé, c’est le dedans de la pensée. Et la pensée est fondamentalement en rapport non pas avec du pensable, mais avec de l’impensé. Et vous voyez en quoi c’est très loin de [119 :00] la philosophie classique. La philosophie classique n’ignorait pas qu’il y avait de l’impensé, mais, pour la philosophie classique, l’impensé par nature c’est ce qui a une autre nature que celle de la pensée. Par exemple, le corps. Par exemple, les passions. Ce qui se dérobe à la pensée. Là, au contraire, dans ces formes du XXème siècle, l’impensé est ce qui est profondément co-naturel à la pensée. C’est ce qui est de la même nature que la pensée, c’est ce lointain comme le plus proche. Au point qu’il y a identité stricte entre la pensée et cet impensé, elle est dans un rapport [120 :00] fondamental avec l’impensé. Et dans Les Mots et les choses, vous trouvez ce thème complètement repris, au point que vous ne savez pas si, à première vue…, vous vous dites : c’est du Heidegger, suivant le… certaines expressions…. C’est du Blanchot, c’est du Artaud. C’est du Artaud quand Foucault met l’accent sur le problème vital de l’impensé. C’est du Heidegger quand il met l’accent sur le problème onto-logique de l’impensé. C’est du Blanchot, il le met en rapport avec cette ligne du Dehors. Bien.

Mais, merveille ! C’est du Foucault. [121 :00] Et dire « c’est du Foucault », c’est dire quoi ? Que lui aussi met son accent particulier. Et c’est là cela que je veux arriver, c’est à quelque chose qui n’a aucun équivalent ni chez Heidegger, ni chez Blanchot, ni chez Artaud . C’est quoi ? C’est que, pour lui, le rapport du dehors et du dedans, le dedans étant toujours le dedans d’un dehors, ce n’est pas ça qui est original, mais, ce rapport chez lui, ou ce rapport entre la pensée et l’impensé…, vous comprenez : si la pensée, ça revient à dire… [Deleuze chuchote à quelqu’un : C’est la vôtre] si la pensée affronte ce dehors, ce Dehors plus lointain que tout monde, si la pensée affronte ce Dehors, alors, dès lors, ce qui est le plus proche de la pensée, ce qu’elle [122 :00] découvre comme son intérieur, c’est l’impensé. Mais, chez Foucault, ce n’est, il me semble, et, là, je crois que ça touche à quelque chose qui concerne toute l’œuvre de Foucault, ce n’est ni une impossibilité ontologique, comme chez Heidegger, ni un impouvoir vital, comme chez Artaud, mais l’apport propre de Foucault, il ne l’a pas choisi, là, on n’est pas dans le domaine de… de… de la théorie. C’est quelque chose qui engage la vie, ça, donc la pensée aussi, cette espèce d’impuissance hallucinatoire. C’est une impuissance hallucinatoire qui va être au cœur de cette identité de la pensée et de l’impensé.

Pourquoi ? Je veux dire, [123 :00] chez Foucault, que le dedans soit par nature le dedans du dehors signifie quoi ? Signifie une opération qui est celle des doubles. Le dedans, c’est le double du dehors. C’est ça, je dirais, l’accent singulier de Foucault. C’est avoir réinterprété un thème général qui est commun à lui, et lui venant en dernier, à lui, à Blanchot, à Artaud, à Heidegger, avec des différences d’un auteur à l’autre. La différence fondamentale, c’est je crois d’avoir interprété au… dans la direction du double hallucinatoire, le dedans comme étant le double du dehors. [124 :00] C’est curieux, ça, qu’est-ce que ça veut dire le dedans comme double du dehors ? Et c’est, par-là, l’impensé comme double de la pensée. Et toute la fin des Mots et des choses, bien que, souvent, il y ait des échos d’Artaud, bien qu’il y ait… c’est le thème du double. C’est le thème du double qui est propre à Foucault et qui lui permet de réinterpréter ce qu’il a de commun avec Artaud, ce qu’il a de commun avec… [Deleuze ne termine pas la phrase]

Or c’est là-dessus — je voudrais que vous y réfléchissiez d’ici la prochaine fois — parce que c’est là qu’il faudra… Autant dire que, lorsque la ligne du Dehors fait un pli, elle produit des doubles. [125 :00] Et comprenez, ce n’est pas l’autre qui est un double de moi. C’est moi qui suis un double de l’autre. Ce n’est pas le dehors qui est une projection du dedans, c’est le dedans qui est une intériorisation du dehors, un pli du dehors. Le double, c’est la pliure. Ce qui veut dire quoi ? Qu’est-ce que c’est le double comme pliure ? C’est ce qu’on appelle une « doublure ». Le dedans, c’est la doublure du dehors. Faire une doublure. Plier, c’est faire une doublure. [126 :00]

Du coup, si l’on voit que, peut-être Foucault redécouvre cela dans ses derniers livres, mais on se dit : mais bon dieu ! Il n’a jamais cessé de parler de ça, en effet, cette troisième dimension du pli conçu comme constitution du double et de la doublure. Plier, c’est faire une doublure. Pourquoi Foucault aimait-il [Raymond] Roussel ? Pourquoi est-ce que…, bien plus, j’ai une hypothèse ; ma seule hypothèse, c’est qu’il s’est toujours protégé de Heidegger par Roussel. C’est pour ça qu’il avait un rapport passionnel avec Roussel. Il a été cherché, n’est-ce pas, dans cet auteur insolite, ce poète que personne ne prenait au sérieux sauf un très petit nombre de gens, ce [127 :00] disciple de Jules Verne, il a été cherché de quoi… Ouais, de quoi se prémunir contre ce qui ne lui convenait dans l’ontologie de Heidegger. Alors, qu’est-ce qui ne lui convenait pas ? Ça, ça nous reste à… Mais, en effet, qu’est-ce que c’est toute l’œuvre de Roussel ? C’est, sans doute, une des plus profondes réflexions sur le double, les doubles, et une compréhension de l’engendrement des doubles à partir de l’opération de la doublure. Si bien que, que toute l’œuvre de Foucault, Raymond Roussel étant un des premiers livres de Foucault où l’on trouve tout le thème, déjà, du pli, du double et de la doublure, il faut dire, d’une certaine façon, c’est ça le double hallucinatoire, ou c’est, si vous préférez, [128 :00] l’état d’impuissance de l’halluciné.

L’impuissance hallucinatoire est… ça c’est quelque chose de très différent et de Artaud, et de Heidegger. Et ça, ça appartient fondamentalement à Foucault. C’est-à-dire la question à laquelle on en serait, la question… que je pose pour la prochaine fois, c’est exactement… c’est exactement : bien, on a vu le rapport très complexe entre le dedans et le dehors, de telle manière que le dedans soit toujours le pli du dehors. Or il se trouve que cette opération par laquelle la ligne du Dehors se ploie, forme un pli, c’est l’opération du double ou de la doublure. Qu’est-ce que Foucault a trouvé à cet égard dans Roussel ? Et alors, est-ce que ça peut nous expliquer les derniers livres ? [129 :00] Je voudrais à la fois que vous ayez ce double souci. Ben oui, parce que, moi, j’ai le sentiment que les derniers livres nous présentent quelque chose d’étonnant. Encore une fois c’est… Si j’essayais de résumer L’Usage des plaisirs, je dirais : ce que Foucault a découvert, c’est que les Grecs étaient la première doublure. C’est que les Grecs… C’est pour ça qu’il dit : oh, les Grecs, ce n’est pas si fameux que ça… Ce n’est pas ça, c’est… Il dirait… c’est une réponse complètement… Il faut jouer au jeu : qu’est-ce que Heidegger trouve de complètement formidable aux Grecs ?

Qu’est-ce que Foucault trouve d’intéressant chez les Grecs ? Eh ben, ce que Foucault trouve d’intéressant, c’est que ça a été les premiers à faire le pli, le pli du dehors, ils ont fait la doublure, c’est les prem… Eux-mêmes sont les premières doublures. Donc il commence par Roussel, il finit par les Grecs, mais peut-être que c’est parce que les Grecs ont inauguré l’opération que Foucault avait  [130 :00] commencé par trouver chez Roussel, à savoir : le génie des Grecs c’est d’avoir ployé la force sur elle-même. Pourquoi qu’ils ont pu faire ça ? Ce n’est pas un hasard. Pourquoi les Grecs… alors là, vous comprenez le problème devient en effet, le problème de résumer L’Usage des plaisirs devient très précis… Les Grecs, ils ont un diagramme, la cité grecque, elle renvoie à un diagramme, rapport de forces. Foucault ne parle plus ce langage, mais ce n’est pas difficile dans le livre, on le verra, de trouver très bien décrit le rapport de forces tel qu’il se présente chez les Grecs, d’une manière originale. Il y a un diagramme grec, tout comme il y a un diagramme disciplinaire, tout comme il y a un diagramme XVIIème siècle, et un diagramme XIXème siècle, etc.

Il y a donc un diagramme grec. Pour nous il faudra définir ce diagramme grec que Foucault ne définit que de manière très dispersée, sans y attacher… sans avoir l’air d’y attacher [131 :00] grande importance. Mais ce diagramme a une telle originalité qu’il rend possible ce qui, avant, était impossible, à savoir : il rend possible à la force de se plier sur elle- même. Les Grecs sont les premiers à avoir plié sur soi la force, c’est-à-dire à avoir fait et à avoir inventé une force capable de s’exercer sur soi et pas seulement sur d’autres forces. Lorsque les Grecs ont eu ce coup de génie, ils ont inventé le pli, ils ont inventé la doublure. Les Grecs sont la première doublure. Mais, mais encore une fois, tout ça, Foucault l’avait d’abord découvert dans des conditions… moins historiques, dans des conditions plus poétiques ; il l’avait découvert [132 :00] dans toute l’œuvre de Raymond Roussel qui ne cessait pas de plier les phrases sur les phrases et de plier les visibilités sur les visibilités pour engendrer toute la série des doubles.

Et il y avait deux manières et, au niveau de Roussel qu’est-ce qui se passait ? Il y avait deux possibilités : ou bien, il y a toujours…, quand on fait des plis quelque part, plier les mots, plier les choses, hein, on peut toujours les déplier et, à ce moment-là, on retrouve le vide irrespirable, ou bien, au contraire, c’est-à-dire le choix, il est là, dans le régime même du pli du dehors, ou bien vous défaites les plis et vous les écartez, comme un nageur, vous rendez la mer à elle-même, [133 :00] et vous en mourrez, au besoin suicide, au besoin… Ainsi l’étrange mort de Raymond Roussel qu’on trouve mort un matin dans sa chambre ; ou bien, au contraire, vous vous entourez de plis, vous les inventez, vous suscitez les doubles, vous vous entourez dans les doubles, vous vivez dans les plis. Ce qui ne veut pas dire du tout vivre à la protection, hein. Et, à ce moment-là, à ce moment-là, peut-être que vous avez, d’une certaine manière, vaincu provisoirement la mort, peut-être que vous avez trouvé une respiration. Bien.

Alors, c’est compliqué, est-ce que les Grecs ont trouvé une respiration ? Est-ce que, bien des siècles après, Roussel a trouvé une respiration ? Non. Lui il a voulu écarter les plis. Il les fabriquait, il les faisait et puis il les écartait. Il y a un descendant [134 :00] de Roussel qui doit beaucoup à Roussel, qui s’est toujours de Roussel, qui est bien connu aussi, qui fait partie de ces auteurs que Foucault aimait beaucoup : Michel Leiris. Ben, Michel Leiris il fait, comme le dit très bien Foucault, il fait le chemin inverse de Roussel. Et, lui aussi, il plie les mots sur les mots, pli sur pli, langage tangage. Langage tangage. C’est exactement comme les bandes du vieux pillard et les bandes du vieux billard. Pli sur pli. Seulement, alors que Roussel défait et écarte les plis pour aller toujours, toujours plus près d’un vide irrespirable, Leiris s’entoure de plis pour constituer ce qu’il appelle lui-même « l’absolue mémoire ». L’absolue mémoire dans les plis, c’était déjà la tentative grecque, ou bien le vide irrespirable et [135 :00] la ligne du « on meurt ». Mais tout ça c’est plus le programme de ce qui nous reste…

Je dis juste que j’en suis au point suivant : en quoi Roussel a pu être un auteur déterminant pour Foucault et plus qu’un auteur, c’est-à-dire une manière de relancer, pour lui, Foucault, une manière de relancer son entreprise philosophique à lui, à lui, Foucault. et une manière de se démarquer, encore une fois, une manière de se démarquer de Heidegger, de prendre une espèce de chemin qui était celui des doubles ? En tout cas, je crois, je crois, là, que c’est évident que le thème du double a toujours hanté Foucault et a fait l’objet chez lui, encore une fois, d’une compréhension très particulière, à savoir : c’est toujours moi qui suis le double d’un Autre avec un grand A. Je vous demande de réfléchir là-dessus parce que [136 :00] c’est… Aujourd’hui, je m’excuse, aujourd’hui, j’ai le sentiment que ce n’est même pas à comprendre, hein, ce qu’on a fait. Je veux dire : c’est à sentir ou à ne pas sentir, hein. Les prochaines fois, j’essaierai d’être plus compréhensible, mais, là, c’était plus, il faut bien… je faisais plus appel à des affects chez vous, donc, si vous ne sentez pas d’affect, ce n’est pas mal, hein… [Fin de l’enregistrement] [2 :16 :28]

 

Notes

For archival purposes, the transcription of this seminar by Annabelle Dufourcq took place starting in 2011 with the support of a Purdue University College of Liberal Arts grant. The translation was completed in 2018, and subsequent revision of the transcript and translation and time stamp were completed in March 2022 and in June 2022. Additional revisions were added in February 2024 and February 2026.

Lectures in this Seminar

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Reading Date: October 22, 1985
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Reading Date: October 29, 1985
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Reading Date: November 5, 1985
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Reading Date: November 12, 1985
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Reading Date: November 19, 1985
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Reading Date: November 26, 1985
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Reading Date: December 10, 1985
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Reading Date: December 17, 1985
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Reading Date: January 7, 1986
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Reading Date: January 14, 1986
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Reading Date: January 28, 1986
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Reading Date: February 25, 1986
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Reading Date: March 4, 1986
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Reading Date: March 11, 1986
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Reading Date: March 18, 1986
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Reading Date: March 25, 1986
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Reading Date: April 8, 1986
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Reading Date: April 15, 1986
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Reading Date: April 22, 1986
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Reading Date: April 29, 1986
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Reading Date: May 6, 1986
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Reading Date: May 13, 1986
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Reading Date: May 20, 1986
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Reading Date: May 27, 1986
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Reading Date: June 3, 1986
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April 28, 1981

The unleashed hand is the hand that frees itself from its subordination to visual coordinates. And, the chaos-seed, the diagram present on the canvas is essentially manual. And after all, there too, you understand, one has to follow one’s path, and see in which direction this path is, by clinging to small things, which we are relatively sure of, reverberates on classic problems. Because after all, wouldn’t there be a certain way of involving ourselves with a classic problem, classic problem: what are the relations of the eye and the hand in painting?

Seminar Introduction

Following nearly a decade teaching material included in his and Félix Guattari’s A Thousand Plateaus, and also in his first year at St. Denis, Deleuze turned his attention, first, to Spinoza, and then to eight sessions on painting and its intersections with philosophy. These newly transcribed, annotated and now translated sessions are devoted to diverse questions: What relation does painting establish with catastrophe and with chaos? How does a painter ward off greyness and attain color? What is a line without contour? What is a plane, an optical space, a regime of color? Why paint today? Through works by Cézanne, Van Gogh, Michelangelo, Turner, Klee, Pollock, Mondrian, Bacon, Delacroix, Gauguin and Caravaggio, Deleuze entertains important philosophical concepts, such as the diagram, code, modulation, the digital and the analogical, renovating these concepts in dialogue with his students.

English Translation

Edited
Cezanne, Apples
Paul Cézanne, Apples, 1878-9, oil on canvas, Metropolitan Museum of Art, New York (Source: The Met).

 

Insisting that in his discussion of painting, he seeks a properly philosophical concept, the diagram, Deleuze proposes to provide five pictorial characteristics: the diagram as chaos-seed; second, the diagram as fundamentally manual, linking this to the theme in the history of painting of the canvas on the easel as a kind of door-window; third, the blot/stroke as gray, recalling Klee’s discussion of the gray point; fourth, the diagram as shift away from given features (the before) and toward the fact (the after), or the third eye; fifth, the dangers of the diagram. He then develops at length “a first artistic category”, abstract expressionism, as it relates to the diagram’s dangers, but also raising the possibility of the diagram becoming minimized, transformed into a code, and he insists that great painters have an understanding of a spiritual life. To the two ways outlined, the abstract and the expressionist, Deleuze adds a third way, the modern, a term requiring numerous distinctions with reference to numerous painters. Contrasting a non-expressionist (Seurat) with the decidedly expressionist Pollock, as well as Pollock’s lines contrasted to Kandinsky, Deleuze then brings in Worringer’s discussion of expressionism in light of particular classifications, notably the “Gothic” line as abstract and inorganic, but which Deleuze insists is a vital line, non-organic life. Thus, he returns to Pollock’s work in this perspective, in contrast to Velasquez and Turner, and Deleuze sees modern painting as a “new order”, humanity led to order itself molecularly via a sort of materialism. With reference to several critics, Deleuze offers different views of this new order, proposing for next time to discuss their view that Pollock, for example, brings about a purely optical world in painting, which conflicts with Deleuze’s view that this painting is a manual world.

Gilles Deleuze

Painting and the Question of Concepts

Session 3, 28 April 1981

Transcriptions: Parts 1 & 2, Guillaume Damry (duration 1:13:09); Parts 3 & 4, Ali Ibrahim (duration 1:12:53)

Translated by Billy Dean Goehring

 

Part 1

Ultimately, what we’re doing by going through these… I’m focusing on this because I’d like for us to pull off two things at once. First, obviously, we’re talking about painting. Personally, I find it very difficult to talk about painting. Well, everything is difficult, I don’t know, but it’s difficult. Then it’s not… you know I’m not talking about painting in general. It’s not certain whether anything holds for painting in general. Based on what I have to say, anyway, we’ll have to see to what extent it’s generally applicable, applying it a little at a time to such-and-such painter for this-or-that period.

But along the way and at the same time, I’m equally interested in building—it’s a technicality, but anyway—building a sort of concept which would be proper to philosophy. And you know what concept I’m looking for, because it’s the very one I’ve discussed with regard to painting, namely, a concept of the diagram. Which in the end might be uniquely tied to painting—but anyway, it would be coherent as a concept.

As a result, our inquiry into painting is just as much an investigation of the diagram and the possibility of fleshing out a philosophical understanding of the diagram, or a logical understanding of the diagram—and what logic might this view of diagrams belong to? It’s why I start by summarizing and tracking the diagram’s primary characteristics in the context of painting, since everything I’ve said thus far boils down to something extremely simple: in a painting—well, one question: what do I mean by “a painting”? Do I mean any painting in general, or a certain type of painting? A particular period, or are there examples in every period? We can’t answer all of these questions up front. But let’s assume that, in a painting, there is—I have to put reservations aside—whether actually [actuellement] or virtually—virtually things are really vague, whether it’s an over-simplified context… Virtually—we can always say that it’s virtual, okay, but that doesn’t help, we aren’t certain… we aren’t at all certain—whether actually or virtually, there’s a diagram on the canvas. Okay, but we don’t know what a diagram is; that doesn’t get us anywhere.

Nevertheless, before arriving at a philosophical understanding, what I’ll try to define are the pictorial characteristics of what I’m calling a diagram. Are there diagrams in music? I don’t know—that would be a different question… What sort of connection is there between a diagram and a language? These are the sorts of things that open up as objects of inquiry. For the moment, all I’d like to do is just number some of the pictorial diagram’s characteristics. I can see five, based on what we looked at before the holiday…

First characteristic: When it comes to the pictorial diagram, there appear to be two fundamentally related ideas, necessarily interrelated. The diagram would be the necessary relationship between these two ideas… These ideas being that of chaos and seed.

As a result, the diagram would be a chaos-seed. Right. You might ask, why call this a diagram? I’ll ask for your patience—bear with me. We’ll see if, uh… Unless maybe one of you thinks there’s another word that would work better; I’m sure there is one. Obviously, I’d be much more offended if someone thinks no, painting isn’t like that, there’s no chaos on the canvas. Right. That would be a fundamental objection. On the other hand, I’d be much more interested in a formal objection, where somebody says, “Sure, there’s something like a chaos-seed on the canvas, but ‘diagram’ isn’t the best word for it.” That’s possible too. Our inquiry is still—it isn’t predetermined. So, for the moment I’ll call it a diagram. The first characteristic is [that it is] a chaos-seed, or the relationship—the establishment of a necessary relationship between the two. What exactly do we mean by chaos-seed? The only evidence I have, remember, is what I’ve gathered from both writings and examples—no examples yet; we’ll look at the examples later—by Cézanne and by Klee, where these two painters seem to have really elaborated on this notion of a chaos-seed. But that’s a rather narrow time period, from Cézanne to Klee, so I won’t make any broad claims—it should be able to stand on its own.

What does “chaos-seed” mean? It’s chaos, but the sort of chaos where something ought to come from it. This chaos should be present on the canvas in such a way that something comes out on the canvas. That’s the first characteristic.

The second characteristic seems to me… how do I put this, uh… there’s a Michaux exhibition, Michaux’s paintings in ’67—yes, in ’67 there was an exhibition of paintings by Michaux, and then Jean Grenier wrote a piece about Michaux’s painting. The text, the title of Jean Grenier’s text—which is rather short, it’s not long; it doesn’t say anything major—is “An Orderly Abyss.” An orderly abyss [abîme ordonné]! It’s only the expression that interests me. In a way, painting that doesn’t include its own abyss, that doesn’t include an abyss, that doesn’t involve an abyss, that doesn’t establish an abyss onto the canvas—it isn’t painting.

But then, in a way, it’s very easy to create an abyss; it’s very easy to create chaos. Well, I don’t know, I don’t really know—is it so easy? But suppose that it is, that a bit of schizophrenia is enough to create chaos. So, we have this expression: an orderly abyss. That doesn’t mean that there’s an order that defies the abyss and replaces it; it means that there’s an order to the abyss such that something emerges from the abyss, something which isn’t ordinary. “Orderly abyss”—I could use Jean Grenier’s term in place of my chaos-seed, right? It’s the same.

The second characteristic—I think that when it comes to painting, if that’s what the diagram is, how do we describe this chaos-seed? I claim that the second characteristic is that in essence the diagram—now this, this is crucial—is fundamentally manual. And once again, I don’t know where this will take us, but I feel it will definitely lead somewhere. It’s about the hand, and only an unfettered hand can trace it.

What do I mean by an unfettered hand? Let’s break it down. What constraints does the hand have? When it comes to painting, the hand is tied down to the eye, of course. You might say that the hand is in shackles inasmuch as it follows the eye. The unfettered hand is one that is freed from subordination to visual coordinates. And the chaos-seed, the diagram there on the canvas, is fundamentally manual. Ultimately, see, we have to push on and see how this approach, resonates with classical problems, bearing in mind the little we’re relatively certain about. Wouldn’t this be another way of getting us back to the classical problem: how are the eye and hand related in painting? I mean, is painting a visual art or a manual art? And if we say it’s both—well, that’s no help: what relationship is there between the eye and the hand in painting? And again, the same reservations I bring up every time: is this something that concerns painting in general, or does it vary painting to painting, or is there at least a broad tendency that we can distinguish? Is a painter “abstract” based on these hand and eye relationships in painting? Instead of basing these categories—abstract, expressionist, figurative, etc.—on juvenile details like whether or not it represents something, isn’t there a case to be made for retooling these major categories if they’re well-founded, by referring them to totally different criteria? For example: are the hand-eye relationships the same with a so-called abstract painter and a painter we would characterize as figurative? Are they doing the same thing?

How widely can the eye-hand relationship vary? But our sort of biased way of approaching the classical issue of how the eye and hand are related in painting—not that it’s right…it’s a small bias for engaging with this problem, even if this bias perhaps changes the nature of the problem—it always comes down to the diagram per the second characteristic I’m trying to flesh out, namely, that this chaos—if it exists—this chaos laid out onto the canvas, which is like the foundational act of painting, is fundamentally manual. And even if it isn’t true of every aspect of the painting, when it comes to the diagram itself, the diagram is manual; it reflects a hand freed from its submission to the eye. A bit like if I sort of scribbled stuff down; I can do it with my eyes closed. As if the hand were no longer guided by visual input—that’s what makes it chaotic?

In what sense is it chaotic? It’s because it involves this diagram—I’m not saying the whole painting, since, again, the diagram is there so that something can emerge — so, for now, I’m not talking about what will come out of the diagram; for now, I’m talking about the diagram itself. I’m saying that it’s a manual act, and one carried out by a hand liberated from the eye. That’s the power [puissance]­­­ of the painter’s hand. So, a hand liberated from the eye is a blind hand, but does that mean that it’s random or that it just scribbles around? Of course not! Maybe there are rules the painter’s hand must follow; maybe it has a manual sense of direction, manual vectors—at any rate, what makes the diagram chaotic? It’s because it implies the breakdown of all visual coordinates. You know, Cézanne’s bloodshot eyes, “I can’t see anything.” I can’t see anything, but that doesn’t mean I can’t do anything. Doing without seeing. The hand’s liberation. All right.

The diagram is manual. We’ll see why that is. Actually, at this point, when it comes to the diagram—as diagram—a painting is not visual; it’s strictly manual.

It’s the revolt of the hand—the hand’s had it; it’s sick of taking orders from the eye. It gets its shot at independence, I guess. Only, it’s odd, because it’s not just that it’s independent; it turns the tables. Instead of the hand following the eye, the hand slaps the eye in the face. It commits violence against the eye; the eye will have a hard time following the diagram. To me, not being able to find the diagram would only prove my point, because the eye cannot find it. It’s difficult—instead of the hand following the eye, here we have the liberated hand imposing itself onto the eye. Is the eye capable of seeing what’s done by a hand freed from the eye? It’s complicated; it really twists the relationship around! The relationship between two organs.

And in paintings, there’s indeed a point where you get the feeling that the eye can no longer keep up, as if the hand were animated by a foreign will.[1] Hold on, what do you mean, “As if the hand were animated by a foreign will”? That creates a resonance for me; this “will” compels us to search for resonances as way to justify ourselves. The resonance is with a beautiful expression, much more beautiful than my paraphrase of it — the hand animated by a foreign will – and henceforth, the eye is terrorized and wonders, where am I being dragged off to? This is an expression from [Wilhelm] Worringer, referring to what he calls the “Gothic line”. We’ll see later what he means exactly by gothic—it’s the northern or gothic line which Worringer will analyze in the context of architecture, painting, sculpture. We’ll see what it is later on, but it’s precisely what he calls the Gothic line; he will tells: quite literally, this is an unfettered line, a manual line and no longer a visual line—a manual line that forces itself into sight, of course, as if the hand drawing it were animated by a will foreign to sight itself. Fine.

I claim, in fact, that there are two ways of defining painting. They may sound similar, but they are far from it. You could call painting a system of lines and colors [ligne-couleur]. Or you could call painting a system of strokes and blots [trait-tache].[2]

I think both formulas have different connotations. When you call painting a system of lines and colors [ligne-couleur], that sounds visual. You’ve already defined it as a visual art. And it probably is. Of course it is! When you call it a system of strokes and blots [trait-tache], that has a rather different connotation.[3] It’s not for nothing that there is a school or movement that goes by the name, “tachism.” Strokes and blots—it’s not the same. Strokes and blots. It has a manual connotation.

Take one problem I have—this is still me working through the diagram’s second characteristic. There’s a major problem: if I want to describe painting as really an agencement,[4] what would that amount to? What does this “agencement” involve?

We’ll say that the agencement involves or has involved or can involve the following: a canvas, an easel, paints, brushes. Canvas on an easel, paintbrushes. The canvas on an easel, okay. That’s totally visual. Why? It’s about the edges of the painting, and at this point, you know that a great problem of edges, borders, had troubled painting throughout its history. Anyway, because the canvas on the easel acts like a window. The motif of the window. The window is a funny thing. There’s a really great article—a rather stunning text—that just came out in Cahiers du Cinéma. By [Paul] Virilio, “On the Audiovisual”.[5] There are five or six pages in particular that I enjoy; it’s Virilio at his best.

He says that there were two events, two basic developments associated with the house. The first is the door-window, and everything started with the door-window, one of the house’s fundamental components: I go in and out, and light goes in and out. But he has us appreciate the window’s abstraction, since even if you physically can—it isn’t easy—you’re not supposed to go in or out of the window. The window is an orifice for air and light to come in and go out. So, it’s a wild sort of abstraction, its abstraction—the idea of making windows that aren’t door-windows involves a high degree of abstraction. According to Virilio, the first major abstraction is what you might call anthropocosmic, i.e., the isolation of light.

Well, anyway, notice that putting the canvas on an easel carries out this sort of visual abstraction. Door-windows, on the contrary, are both manual and visual; the window is visual. But I think that the canvas on the easel is painting’s visual determination, its optics. And the brush in your hand is the hand subordinated to the eye. Hence the ridiculous classic image—which no one ever took seriously—of the painter closing one eye and stepping back, their hand tracing what they’re given, the visual givens, and so on. But we can all tell that the relations between the eye and the hand aren’t so simple in painting. There’s a text by Focillon—incidentally, a really great art critic—by Henri Focillon, called “In Praise of Hands.”[6] It’s a text that’s been very influential. I really try to find the good in texts. I can’t get behind this one at all. Because it’s—it’s sort of, uh… it’s a little over done — “In Praise of Hands” basically explains why the hand is necessary for painting, and then at the same time the only thing for it to do is to realize the eye’s pictorial ideas—he praises the hand for being fundamentally subservient. That doesn’t sit right with me! If a painting doesn’t involve a kind of rebellion of the hand against the eye, it isn’t a good painting. Right?

Now, nothing has been as essential to painting as the easel-and-brush—again, for me, the easel stands for what’s to be painted, like a window, and the brush stands for the subordination of the eye—oh, excuse me—the hand to visual requirements. To the point where the question isn’t even “Which painters do without easels?” There are many who’ve given up on easels today, who no longer paint on easels; there are some who’ve kept the easel—you can always keep the easel and use it in such a secondary way that it no longer fully functions as intended. So it’s not a de facto question—does a painter still have a use for an easel?—It’s a question de jure.[7]

To take a well-known example: Mondrian, for example, I think used an easel, but you certainly wouldn’t call his work “easel painting.” That is, the canvas isn’t treated like a window, to emphasize the visual reality of the easel: when you paint on an easel, it’s like you approach the canvas as if you were looking through a window, or as if it itself were the window. And the theme of windows in painting was fundamental throughout classical painting. But notice that already with impressionism, they carry around their easel—to the studio, to the subject, out into nature. Van Gogh, Cézanne—they go on walks, they… [Interruption of the recording] [26:19]

… throughout Van Gogh’s writings there are many comments like, “cannot go out today,” because it’s windy, and his easel will blow away. Why not put down some stones on the canvas to hold it down? No that won’t work either. Maybe because in the outdoors the easel no longer functions as an easel. Again, Gauguin, Van Gogh paint on their knees in order to get a low horizon line. So, what happens to the easel? They have to shorten its legs. Anyway, right, we see that the question… as I was saying!

All painters, even those who painted with brush-on-easel, everyone knows that they’re always taking the canvas off the easel, just as the brush can always act as something other than a brush. What instruments does the painter have besides the brush? You know, it could be anything, as we’ve seen throughout history. I mean, modern painters weren’t the first to, uh… Maybe modern painters have honed it down to its purest form.

We would have to figure out why, throughout history—with Rembrandt, it’s obvious that he didn’t paint with a brush, or I mean, not only with a brush. Historically speaking, what have painters painted with? They paint with scrub-brushes—actual brushes—they paint with sponges, brushes, rags. What else? Pollock famously painted with basting syringes. Now that’s something—basting syringes. Right—scrub-brushes, sponges, basting syringes; you can use sticks… sticks have always been important in painting. Rembrandt used sticks—so what, why am I bringing this up? I’m still working out the diagram’s second characteristic, which comes down to the fact that there’s a problem, there’s a sort of tension, a pictorial tension, between the eye and the hand. Don’t mistake it for a question of harmony, where the hand both obeys the eye and renders something ultimately visual—that’s not it. Whatever it is, if you aren’t getting or sensing a certain tension, a certain antagonism in painting between the eye and the hand, it’s because we haven’t looked at it concretely enough.

But if the easel-paintbrush together represent painting as a visual art, what about when we move away from the easel? Beyond the easel—I’ll determine it negatively because there are so many things it could be! It could mean painting on walls, but it could just as easily mean painting on the ground; are those the same thing? So, in Mondrian’s case, for example, it’s very clear: he uses an easel but it’s no longer significant, since his painting is fundamentally wall-painting opposed to easel-painting.

And I think—I’m not sure—but it would be difficult, there are certainly writings by Mondrian where, or if he said anything about the easel, he would say… [because] the time has not yet come for the true wall painting such as he conceptualizes it. And it’s true that his idea of wall-painting implies an architecture that perhaps existed at the time, but it was in its infancy, just like Mondrian thought he was the beginning of something. Wall painting. That is, the canvas is no more—see how that’s opposed to easel-painting; the canvas no longer functions as a window.

And Pollock? He doesn’t paint on an easel. He puts an unstretched canvas on the ground. An unstretched canvas on the ground is a bit of a departure: it’s a totally different solution, it’s not like Mondrian who still used an easel. Pollock—at least some of Pollocks paintings eliminate, that completely do away with the easel. So much to say there’s a wide variety: beyond the easel, the two tendencies are toward Mondrian’s wall-painting and Pollock’s expressionist painting on the floor. Outside of using easels, then, there’s brooms, brushes, basting syringes, sponges, rags—painting as a manual process. So, I’m not saying that they’re opposed; I’m saying that they’re very different things, like how I was saying that it’s perfectly acceptable to define painting as a system of lines and colors. By no means am I saying it would be illegitimate; it’s a perfectly legitimate definition, but it’s a visual definition. If you define painting as strokes and blots, that’s a manual definition.

Why? You have to feel it! Similarly, if you give a material definition, if you define painting with easel and brush, that’s a possible material definition. Of course, you already know that it doesn’t account for every painting, but it gives you an idea. It’s a nominal, material definition.

But there’s the other manual definition, beyond the easel: stick, scrub-brush, basting syringe. And that will also give you a definition of the material elements of painting, only this time they’re manual elements. So, we can work with that, both aspects could be reconciled. You know how you say “painting” in German: it’s Mal; “painter” is Maler. That alone is noteworthy for those how have a knack for languages because the German word—this will come up later, by the way—is absolutely unrelated to the French; there’s no connection.

What is Mal? It’s a word whose etymology is from Latin, from macula.[8] What does macula mean? Macula—which is the name of a great journal on painting, unfortunately out of print, I believe—macula is a blot [la tache]. So, for Germans, it’s almost like the language itself implies that a painter is tachist. Okay, so why do I think this is important? The German word veers painting toward being strokes-and-blots, that is, towards the manual reality of painting, whereas the French word, pingere, draws painting toward its visual reality. Whatever agreement between the eye and the hand that is possible in painting, we can’t assume that there isn’t a fundamental problem with their tension and their virtual opposition. Even virtual—I’m bringing back the vague word, virtual, that’s why I found Focillon’s piece so interesting but so unsatisfying. Because what I found interesting was precisely the history and all the possible variation. When it comes to the antagonistic struggle, there’s always a point—I’m not saying that painting doesn’t resolve the eye-hand tension. I’m saying that there’s always a point in painting or an aspect of a painting where the hand and the eye lock horns like enemies.

It might be among the more interesting moments in painting. So, as for the second characteristic—the first characteristic of the diagram was simply, well, that it’s a chaos-seed. The second characteristic I’d attribute to the diagram is that it is made up of strokes and blots [un ensemble trait-tache] and not lines and colors [ligne-couleur]. It’s a set of strokes and blots, and it’s manual.

Note that this second characteristic is an extension of the first because—I’ll explain why: there is chaos. If the diagram is fundamentally manual and reflects a hand freed from its subordination to the eye, if only provisionally, again, this doesn’t apply to what “comes out” of the diagram, what “comes out” of the chaos. But if that is what’s going on with the diagram, it’s easy to see why it’s chaotic since, again, it entails the breakdown of visual coordinates, courtesy of the hand’s liberation. In other words, it’s a set of traits/strokes [traits], ones that do not constitute a visual form—thus, we ought to call these traits/strokes literally “non signifying” or meaningless. And what about blots [la tache]? The blot or stain might be a color, but it’s like an undifferentiated color. A set of meaningless strokes and undifferentiated colors. That’s chaos, the collapse. Right. Onto the third characteristic.

The third characteristic—we’ve covered it, so I can be brief—is that, if the diagram is the manual stroke/blot that emerges onto the canvas and defies optical coordinates, visual coordinates, that causes them to break down, how do we define this stroke/blot? Well, now we can consider it from the other end and define it based on what’s supposed to come from it… because something comes out of the diagram. What results from the diagram are pictorial colors and pictorial lines. We don’t yet know what a pictorial line or a pictorial color is. That is, the color’s pictorial state, the line’s pictorial state. Klee gave us the answer: it’s gray. The blot is gray, and that’s what the diagram is: it’s gray.

How is that the diagram? Because there are two grays, because it’s a double gray. Because gray is simultaneously the gray of black-white—and this gray is where all the visual coordinates fall apart—and also the gray of green-red, from which the whole spectrum of colors emerges; you could also say that the whole light spectrum comes out of the black-white gray. What comes out of the diagram is the two-fold pictorial spectrum: Light – Color.

Listen to what Klee said in some of his writing, which I think is wonderful—on gray, in particular. “The gray point leaps over itself…”[9] It’s double, the two sides of gray: the gray of black-and-white and gray as the matrix of color. But it’s not yet a color, so something needs to come out of it.

The same goes for the other aspect of the diagram. The blot [la tache] is thus gray in this—now you can tell that the tension is no longer between the eye and the hand; the tension is within the blot itself. In the blot’s gray, in the grayness of the blot, there are two aspects, insofar as this gray is black-white and insofar as it is green-red, the color matrix.

Then the same goes for the stroke: strokes aren’t pictorial lines, but pictorial lines result from them. And in that regard, what are they? I claim that strokes are not yet lines; lines are made up of strokes. Or strokes are the manual elements of composition of the visual line. The visual line is composed neither of points nor is it made up of segments; visual lines are composed of manual strokes. The component and the composite are heterogeneous, since strokes are strictly manual while lines produced by strokes are visual. So, the stroke ought to be defined, precisely in order convey its originality, as a line that at no point bears a constant direction. Thus, this line has no visual reality. A line that almost constantly changes direction—that’s what a stroke is, let’s say.

Notice that I’m distinguishing the diagram from two things irrevocably bound up with it: its before and its after. It’s related to a before because it leads the before into catastrophe: the visual world. It’s related to an after since something will come out of the diagram, the painting itself. As a manual, pictorial unit, the stroke-blot causes a visual catastrophe—what emerges as a result? Something new? What do we call it? For convenience’s sake, what about “the third eye”? The eyes had to be annihilated to bring out the third eye, but where does the third eye come from? It comes from the hand, from the diagram. It comes from the manual diagram. All right.

Fourthly, the fourth characteristic—let’s make it a little more concrete. I’ll just sum up what we saw at the beginning. What is the function or purpose of the diagram? Looking back, looking at what was there before it, it’s simply to get rid of any resemblance. Clearly everyone knows there’s never been such a thing as figurative painting—if by figuration we mean the act of “making a likeness”—it’s obvious there’s never been any figurative painting. Getting rid of resemblance has always been something that happened not only in the painter’s head but in the painting as such. Even if some resemblance remains, it’s so secondary that even the painters who feel they need it, need it as something that regulates rather than defines the painting; in this sense, there’s never been such a thing as figurative painting, right.

So, unmaking resemblance has always been inherent to the act of painting, but it’s the diagram that unmakes resemblance. Why? It came up last time: for the sake of—as some painters put it, like Cézanne, for example—for the sake of a deeper resemblance.[10] What does that mean? It’s to make the image emerge. Let’s take that seriously and look at it one piece at a time: getting rid of resemblance so that the image can emerge. What? If only to change up our vocabulary for, uh… let’s take a look at this idea, which might help us along. I could also put it this way: getting rid of representation so that presence can emerge. Representation – Presence. Representation is what comes before—before painting anything. Presence is what comes from the diagram. Which is another way of saying: getting rid of resemblance to bring out the image. What emerges, what comes out of the diagram, is the image. The image without resemblance.

Very early on, Christian theology fleshed out a wonderful concept that should prefigure all the fraught relationships between art and religion. The idea of an image without resemblance. If you went through catechism growing up, you’ll remember—you cover it in catechism—you get it straight from the church fathers; catechism had these great expressions. “God created man in His own image and likeness, and through sin, man preserved His image but lost His likeness.” Sin is the act whereby man is constituted as an image without resemblance. Man kept his image—not even God could take that away from him—but he’s lost any resemblance. What? How is that possible? How can an image be an image if it doesn’t resemble anything?

An image with no resemblance—that’s where painting comes in. It gives us an image with no resemblance, if we were looking for a word for an image without resemblance—always looking for cleaner vocabulary, trying to see where that leads us—isn’t that what we call an “icon”? An image with no resemblance. Indeed, an icon isn’t representation, it is presence, and yet it’s an image. An icon, the iconic, is an image qua presence, the presence of the image, the weight of the image’s presence. Fine.

Anyway. See, I’m saying that the diagram is the instance whereby I get rid of resemblance in order to produce the presence-image. That’s why I’m bringing up diagrams: breaking down resemblance and producing the image. There’s the aspect before and the aspect afterward, with the diagram in between—I’ll try to distinguish them terminologically: given features [les données], the possibility of fact, and the fact.

But why is it that the given, the visual given [données], falls apart in the diagram? It’s so that the pictorial fact can emerge. The pictorial fact, specifically. And what is the diagram? According to the painter, Francis Bacon, it’s the possibility of fact. The possibility of fact. The image with no resemblance. Well, as I see it, personally at least: Who is the painter—always trying to squeeze in an example wherever I can—who is the painter who really pushed, established the raw presence of the pictorial fact? One of the first—no one was first because really, it’s always been the case—but to us, from our modern or pseudo-modern perspective, is synonymous with the affirmation, the imposition of the pictorial fact, is Michelangelo. Look at a painting by Michelangelo, and there’s no denying that he’s a sculptor. A sculptor-painter, you might say. You’re confronted with a pictorial fact where there’s nothing left to justify, where painting has achieved its own justification. But what form does that take? I really do think that our artistic categories, the main artistic categories, are well-founded. A lot of people say, “Romanticism, Classicism, Baroque: they’re just words!” Abstract, expressionism—I don’t think they’re just words. I think they’re well-founded terms; I just think we need to find better definitions than, say, “abstract is the opposite of figurative,” because that won’t cut it. They’re perfectly fine categories, and besides—categories are philosophy’s bread and butter, so all the better.

However, I claim that the coexistence, the contemporaneity, of Michelangelo and mannerism is crucial. I think the category of mannerism neatly sets us up to understand what the “pictorial fact” is. In the most general sense of the term: something is “mannered” in the painting’s figure, in the figure as such. Where does it come from? It comes out onto the painting; it comes out of the diagram. It comes from the diagram with a sort of mannerism that we can still interpret anecdotally.

Take Michelangelo’s figures, Tintoretto’s figures, Velázquez’s figures. It’s a mix of… anecdotally, your first impression is that it’s an extraordinary mix of effeminacy, of mannerism in the attitude, the pose, almost a muscular exuberance, as if the body were both too strong and singularly effeminate. Michelangelo’s characters are unbelievable! The school known as mannerism, with some extreme masterpieces—but the way they depict the figure of Christ is not believable, given what you could call the artificial character of attitudes and postures. Which is what our eye sees at first blush; it’s sort of obvious that it’s the most beautiful sort of painting, the affirmation of the pictorial fact.  It’s necessary that, compared to what you see, the pictorial fact presents the figure in forms that our eye finds extraordinarily stylized, extraordinarily artificial. And there’s something, uh, hm… trivial about it—it’s not the most profound sort of painting—but there’s a little provocation from the painter. The manner just says, “it’s not what you think.”

As a result, when people point to anecdotal accounts of the painters’ homosexuality, that’s not what it is, right? That’s not it. It’s insofar as they are painters that they work in mannerism. Yeah, obviously. Well, that’s all pretty trivial. Anyway. Using the diagram to get rid of visual givens, which establishes a possibility of fact, but the fact itself is not given. The fact is something to be produced, and what is produced is the pictorial fact, i.e., basically, the arrangement of lines and colors, the new eye. The diagram’s manual catastrophe was required in order to produce the pictorial fact, that is, to produce the third eye.

Anyway, the last characteristic of the diagram, the fifth characteristic, if you’re following me so far, you see that the diagram should be there; I no longer think that it can only be virtual… Or it can be covered back up, but it’s there; a painting has to have it there, it can’t just be in the painter’s head before they start painting. The painting must reflect this brush with chaos, the so-called orderly abyss, as someone said [Jean Grenier]. It’s not about an abyss, and it’s not about making a well-ordered painting. What the painter is concerned with is the order proper to chaos, establishing an order proper to the abyss…

But see, then there are huge risks, even in terms of technique. And I’m backing up because it’s… that’s how I’ll eventually rearrange, reclassify everything we did before, because it’s really—I’d like to convey it to you as concretely as possible, because it’s a bit funny how this whole business with… — Again, what I’m trying to do is chart the painting’s journey through time. I don’t think of a painting as a spatial reality; I really look at it temporally via the synthesis of time proper to painting: the before, the diagram, and the after. All right, what are the risks?

We’ve already seen them, so I’ll recap. The first danger is that the diagram takes over, that the diagram scrambles everything, that it scrambles the whole thing, that… Maybe now that makes more sense because this would be… [Deleuze does not complete the phrase] Maybe there are paintings like this, or paintings that come close! Because the paths get narrow at this point. And maybe that will allow us to renovate our main categories. What does it mean to be abstract? What does it mean to be expressionist? Because at what point can I say about a painting, wow![11]  Well, you can tell that, even though it’s a matter of taste, after a while there’s nothing to say, all you can do is wait for reactions, for everyone to have their own reactions, which isn’t easy.

To understand what looking at a painting makes me feel when there’s so much has already been done, that itself is difficult… but at what point can I say oh! The paintings that seem to have missed the mark. They fail because…. It was close; they could have been great, were it not for a bit of grayness or a stray brushstroke, stray and ultimately arbitrary brushstrokes—I ask myself why not…you can do that, but…? He could have just as well done something else, there’s nothing stopping him. You know, the enemy of any form of expression is gratuitousness: when they say there’s no wrong answer, that you can’t make a mistake—but why are you expressing what you’re expressing? Is it worth the trouble of expressing it? Likewise, is a painting worth the trouble of making it? Even for those who made it, plenty of painters make paintings and there’s no need for them to do so, but who decides that? I don’t know, it’s complicated, but anyway, it feels like something could come out of it; once the diagram takes over, however, nothing can come out of it.

So, when the diagram takes over, I might call it pure chaos; the seed is dead. Klee’s turn of phrase is great: if the gray point takes over, overwhelms everything visible, the egg dies.[12] So it’s up to you. What does it mean when a painter judges other painters? He’s not actually judging them because, again, out of all artists painters might be the proudest but also seem to be the most modest. They don’t pass judgment; they express preferences. It’s always interesting to hear why a painter says they aren’t drawn to this or that form of painting. When Bacon is looking at a Pollock and says, “This is sloppy—just sloppy,” no offense to Pollock, right? It takes nothing away from him.

Why does it matter? Not because it tells us anything about Pollock; we learn more from what Bacon says about a painter he likes and admires. When he just says—what exactly does it mean for Pollock to be sloppy?—he goes so far as to say that he “hates” expressionism, in an almost racist way. “I hate that kind of sloppy sort of Central European painting,”[13] that sloppy Central European—you can tell what he means; he’s Irish, he’s Anglo-Irish, a sloppy sort of Central European painting, right. How is that relevant? It’s relevant because when Bacon sees a Pollock, he ought to flip it around, he ought to say, “This is chaotic,” and indeed, when you see one of Pollock’s paintings it can genuinely come across as a chaos-painting. All right. Well, Pollock aside, some paintings have this effect: the diagram leans so far into its first aspect of chaos, where it’s descended into chaos, so that nothing can come out of the diagram; everything is blurred, greyed out, or else there’s too much color so everything’s gray, a ruined canvas. So, that’s the first danger.

What’s the second risk we run? It’s that the diagram… as the diagram brings about the breakdown of visual givens… the risk has been very clearly articulated—without using the word, diagram—very clearly articulated by Cézanne. There are letters where, with some apprehension, Cézanne writes: instead of assuring their junction, the blank spaces—note that it isn’t a question of perspective because painting has nothing to do with perspective, it’s a meaningless concept…there is a concept of it, but perspective is only one possible response to the pictorial problem, which you can only pose pictorially in the form: do paintings allow us to—in paintings where there is a reason for distinguishing different levels [plans], for in some paintings there is no need to differentiate levels [plans]—well, how does it work, how does the painter bring different levels [plans] together?[14] But perspective is nothing if not a case of conjoined levels [jonction des plans]—the real pictorial problem is that, if there are different levels [plans], by what method will they be connected?

Cézanne says, well… when it comes to the abyss of chaos, instead of coming together, the different levels [plans] fall on top of each other, they fall on top of each other. Instead of falling into a sequence, the colors mix together. And this mixture is nothing but gray. The object—the painted object—has lost its resemblance, has lost it in the chaos, is fundamentally off-kilter. Right. Levels [plans] collapsed onto each other, colors mixed into gray, the object all wrong and off balance—this extreme case has the painting so bound up with the diagram that there’s nothing but chaos. But the failures aren’t what’s interesting; I’d say that what matters are the ones that take this risk. Which ones come dangerously close but actually manage to avoid falling into this danger, and do so masterfully? Then it gets interesting: what is it that’s able to run the first of the diagram’s risks—but is it because the painter is especially talented, or do all great painters manage to avoid it?

That might let us establish our first artistic category: I think it’s specifically what was known as abstract expressionism. Abstract expressionists—that is, the whole American movement that dominated American painting—the generation that’s now some sixty years old. I think the way they flirt with chaos, where the diagram takes over; they get really close to chaos, but the diagram still manages to produce something fantastic. I think that’s what Pollock is about. It’s Morris Louis. It’s [Kenneth] Noland. All the ones many of you are familiar with. In particular, I’d refer to Pollock in terms of lines and to Morris Louis when it comes to color-stains [tache-couleur]. But later we’ll see that this is the trend with abstract expressionism, reaching a maximum level of chaos with the diagram. But of course, contrary to what Bacon says, I think it’s obvious that they don’t descend into chaos, that their paintings are neither muddy nor sloppy.

Well, look at the diagram’s other tension. So, the first tension is for the diagram to take over and it all just looks like chaos. Which, if you like, we could call abstract expressionism. What about the other tendency? See, now I’m defining artistic categories by privileging what’s happening with the diagram, and without any regard for what’s going on with figuration, which is not relevant.

Coming at it from the other side, what would the diagram’s second tendency be? It’s to be minimized, to be minimized. Okay, how do you minimize a shallow stream? By making a very shallow stream. By retaining nothing but the bare minimum. This time, just like I was saying earlier that when you maximize the diagram’s power it tends to turn into chaos, its first aspect. When you minimize it, it tends to fully lapse into a pictorial order. That is, you tend to effectively reduce the diagram, even replacing it. With what? Let’s tentatively say—and this is the first time we’ve run into this idea, a term which might do a lot of heavy lifting for us—you tend to replace [the diagram] with something rather remarkable: a sort of code.

And if this term opens things up for me, it’s insofar as, well: doesn’t this offer us a new diagram/code dynamic, such that the difference between diagram and code will help us make a lot of progress on what a diagram is? In terms of the philosophical concept that we’re after. What does it mean? What gives me that impression? Obviously, a code can mean something grotesque—I’m thinking of botched paintings, but you get what I’m trying to… the attempt to reduce the diagram to a maximum—No, minimum! And to replace it with a code…which is what, exactly? It’s an obvious way to define so-called abstract painting. With the great abstract painters, we’ll see it’s correct, we’ll see if it’s true. But when it goes wrong—and God, abstract painting has some awful painters. Just as many as other kinds of painting, but with abstract painting it’s catastrophic. The guys who make squares or whatever—it’s horrible. Well, I mean, it’s so pretentious; a square can be pretentious, a square can be crap. You shouldn’t think that just making squares is enough to make…. A square can be hideous. There are some hideous squares in bad abstract art. Well, anyway, all these types of abstract painting, at the most basic level, tend toward a sort of geometrism. You get the feeling that yes, that what they tend to do is replace the diagram with code.

When that doesn’t work is when the painting merely applies an external code. So, if I’m using painting to apply an outside code… what’s the difference—to put the question another way—what the difference between one of Kandinsky’s triangles and a triangle from geometrist? What makes Kandinsky’s triangle an artistic triangle? What makes … [Interruption of the recording] [1:13:09]

 

Part 2

… Bringing up non-Euclidean geometry and the possibility of painting using non-Euclidean codes doesn’t change anything. It’s obvious that when a great abstract painter—when a great abstract painter actually moves toward replacing the diagram with a code, it’s not about that, because at that point, abstract painting would just be another sort of catastrophe for painting. If the abstract painters are great, what makes them great? If they are great painters, it’s because they have an understanding—doesn’t matter whether it’s ascetic or spiritualistic—of the spiritual life! At bottom, they have a religious soul, don’t they?

What do they make? Only the code they want to inaugurate—what they think will be possible in the future—if you look at all the abstract painters’ major declarations, they’re always addressed to a future world, which they create, a future world heralded by new codes—it goes without saying that it’s a pictorial code—but it’s funny, if we look at it that way—along with it come all sorts of paradoxes. Establishing a pictorial code! In other words, a code unique to painting. A code that would be proper to painting, i.e., sorting out codifiable elements, elements of codification that are at the same time completely pictorial.

Again, there’s a fine line—just like I was saying earlier. It’s true, Pollock’s painting verged on becoming too sloppy and letting chaos reign, but then he gets out of it. Abstract painters verge on a sort of painting-code where painting would be obliterated, but then the great abstracts knew how to pull it off and forged the elements of a code that’d be uniquely pictorial; they turn code into pictorial reality instead of applying a code onto painting; they’re Kantians. With Kandinsky, it’s obvious that he’s a disciple of Kant to some extent—they create an Analytic of elements. Kandinsky offers us a stupendous Analytic of elements. Here too, it would take very little for this to fail. I would at least try to define abstract painting by saying, see, this is the other side of the diagram: they reduce the diagram to a minimum; they ultimately replace the diagram with a code, but it’s a properly pictorial code, inherent to painting. One painter who best makes my case here isn’t Kandinsky, nor even Mondrian, although they all basically share an understanding of code—both Kandinsky and Mondrian converge on one point, which I find fascinating, namely, that ideally, genuine code is binary.

What exactly is binarity? Painting’s specific form of binarity has nothing to do with a binary calculation that would churn out paintings; you can always do that with a computer—there are generated paintings, a computer can be programmed to make paintings. You know what I mean: at that point, code is external to painting, you’ve merely encoded your input in such a way that the computer can render a portrait. There’s a famous image [dessin], a portrait of Einstein[15] made with binary signals—it’s not hard to program a computer that way. But that’s obviously not what Kandinsky or Mondrian are doing.

What’s with this binarity? What sort of binarity do abstract painters use? The main binary relationship is, as everyone knows, between horizontal and vertical. Mondrian’s well-known formula: the horizontal and the vertical are the two elements—that’s the analytic of elements, there’s the horizontal and the vertical, and that’s it. Because you can make anything with this binary code. You can do anything, not like where you apply a code from outside. In every direction, you can develop the code within painting. All right, so that gives us the second route whereby painting also brushes with danger.

And the abstract painter who I think went the furthest, probably further than any other abstract painter, in forming a pictorial code is—he’s on my mind because not long ago he had an exhibit in Paris—it’s [Auguste] Herbin. For those who know this painter, I think he’s one of the only abstract painters who at heart are truly colorist. If you ask me, he’s the greatest or one of the greatest colorists (H-E-R-B-I-N). I’ll show an example, for your viewing pleasure—you should be able to see it from there. Herbin had a showing in a small gallery, but it’s over now… [A student asks for the gallery name] Yeah, I’m looking. A small gallery on the Rive Gauche. I have the street, but I don’t have the name. But I’ll get it for you, since I have the catalog—this catalog is different, it’s older, and in Paris museums there are pieces by Herbin, but in my opinion there aren’t any that are very good, it must have been bought. There might just be some Herbin at… maybe at Beaubourg there are some Herbin. [A student proposes a name] What? Yes, yes, Rue de Seine, it was Rue de Seine, I’ll look at the catalog and let you know next time because I’ll take a look at the catalog. Fine.

Then there’s a third way. Somewhat vaguely, rather vaguely, I currently have something like two categories: abstract painting and expressionism. Where do these terms come from, and why, so on and so forth… What makes them modern? I think that speaks to a problem that’s actually rather modern, which motivates a lot of painters. But the less they think about it, the better it is.  Why painting today? Why painting especially…while people are dying, but basically… There are many who think, “Yeah, you know how it goes: writing is outdated, maybe painting is outdated,” and so on. There are painters who get hit by these things pretty hard. But the ones I’m talking about have experienced it, the ones who are really modern—it’s obvious for abstract painters. They claim they’re getting at the heart of painting because today’s painting—we’ll elaborate on this further—it can lead to a renunciation of painting. A renunciation of painting for the sake of new forms of art, or quasi-new forms of art.

Okay, but otherwise, when it comes to how today’s major painters have answered the question, “Why painting? What’s the point of painting these days?” notice how concrete their answers have become—for example, it’s significant that, with a Mondrian sort of response, one basically does murals and breaks away from easel painting. Which entails a whole new—ostensibly, at least—a whole new understanding of what a painting is. Namely, it no longer even pretends to represent anything. Why? Because it serves a different purpose. The painting’s task has become to divide up its own surface. Hence the squares: see how it’s a pictorial code but not merely the application of a geometrical code. The task of the wall painting, the task of the painting that’s fallen off its easel, that’s come off the easel. The painting ceases to be a window. Why does the painting have to split up its own surface? At the same time, I’d almost say there’s an isomorphism with architectural division. Dividing with walls on the one hand and the divisions within each wall, on each wall, on the other. Then the painting is no longer attached to the easel as a mobile entity; it’s bound to the wall. That was Mondrian’s approach. He viewed his own paintings as abstract—the wrong sort of abstract—insofar as they lacked their corresponding walls.

In fact, by dividing up its own surface, the canvas ought to resonate with divisions on the surface of the walls, whereby painting becomes mural. Hence, the need for a code… well, anyway! What’s the answer? Why paint today? Well, see, it’s… it can… ultimately, it can only emerge from what we called the diagram. If the diagram is the chaos-seed… I think every painter, whether they say it or not, thinks painting is still worth the trouble precisely because it has a certain relationship to chaos that they claim—sometimes philosophically, sometimes poetically—that everyone recognizes in modern humanity. Our world has descended into chaos. Our world is tumult and chaos. Kandinsky is always talking about it. The modern world has descended into tumult and chaos. Okay… so why painting? You can read anything stereotypical examples of modernity into this: the atomic bomb, city life, pollution, and so on… tumult and chaos.

Why paint today? Because painting would probably be justified based on the extent to which it does or does not ward off chaos. No, but it comes face to face with chaos in order to draw out a—let’s tentatively call it a possible modern order. Only, how is this possible modern order supposed to emerge from chaos without dispelling it?

Here there are various answers. Abstract painters might say, “by keeping chaos to a minimum,” and chaos “is life outside.” A constant theme in Kandinsky’s work is that modern humanity needs a new spiritual life and that painting becomes the principal agent of humanity’s spiritual life. He’s always talking about it: “inner life,” “spiritual life is empty.” Kandinsky comes back to it time and time again. So, why exactly is it painting’s mission to form a spiritual life, to draw something out of chaos? That might sound like a figure of speech, but it ceases to be so. Abstract painters are spiritualists. They are the heralds of the spiritual life to come; that’s their charge. But why? Well, if I know anything about painting’s spiritualist ambition—the title of Kandinsky’s famous book, Concerning the Spiritual in Art, etc.[16] —if their claim to spirituality is indeed justified it’s precisely because painting cannot get around its confrontation with chaos. And thus, because the conditions of modern life give rise to chaos. If that’s true—that might not be enough on its own—but if that’s true, it’s specifically because painting offers the most close-up confrontation, there on the canvas, and has to pass through chaos in order to draw out something which the painter thinks is a response to it. Why paint today? To form modern humanity’s third eye. In other words, to form our inner eye. Going so far as a sort of mysticism—Herbin is fascinating; with Herbin, you get a sort of mystic materialism.

Right. From the other side, what would an expressionist say? See, but the answer we got from the abstract painters is bizarre. It amounts to saying, “you’ll extract the seed of chaos by keeping chaos to a minimum,” that is—formally, as Kandinsky puts it—“by turning your back on the tumult,” and inventing future code. I think that abstract expressionism, expressionism has a very similar response to the question, why paint today? Again, because painting offers a close encounter with chaos. However, for an abstract expressionist, for an American, for Pollock and his following, you obviously won’t manage to get out of chaos by establishing a pictorial code. It’s almost the opposite; it’s by fully confronting it. Because for them, it’s another way of experiencing rhythm, because for them, for the expressionists, rhythm is as close as one gets to chaos. The closer you get to chaos, the closer to get to material tumult, to the tumult of matter, to molecular tumult, the more likely it is that you’ll get the seed, the rhythm. In a way, the formula behind abstract painting would be: let’s limit chaos as much as possible so that a modern order can emerge, which would be a code for the future. Expressionism’s formula would be: let’s keep adding to the chaos, adding on to the chaos, just a smidge beyond its limits, until something comes out of it.

See, these two approaches might very well misunderstand each other—or not be interested in each other—but both approaches are unusual and each of them flirts with catastrophe. Expressionism’s catastrophe is falling into chaos, pure and simple. The catastrophe risked by abstract painting is the external application of a code.

Which is what happens with bad expressionists—it’s just sloppy! Or what you get with bad abstract painters—too much order, orderly enough to be fascist! Well. Anyway, what about the third approach?

We might be tempted to call the third approach moderate, if that wouldn’t be an insult for the painters who adopt this approach. Because we’ll see that this moderate, temperate approach isn’t really temperate; it’s only temperate by virtue of the fact that it’s not one of the others. So, what is the third tendency?

It’s the bizarre act of measuring chaos. Using the diagram but preventing it from contracting or expanding too much. Putting limits on chaos or maintaining chaos to a limited extent. That’s hard to do. So, we might call it temperate or moderate, but at the same time, it tries to localize chaos, tries to hold it off. It’s a terrible undertaking. Your eyes get tired, your hand starts shaking. Your hand shakes because it no longer follows the diagram’s visual cues; your eyes get tired because visual cues come undone in the diagram.

Well, then, it’s difficult to say what I would call that. We cannot call it figurative. The approach I described does come down to establishing chaos, but something comes out of the chaos: the figure. It’s not a reproduction; it’s an image without resemblance. With whatever trend you like—starting with Cézanne, this line would have Van Gogh, there’s Gauguin… the so-called “figural,” rather than figurative, painters. Anyway. And you can see in all these cases that this third position is a very awkward one: the diagram for itself—neither extending so far that it descends into chaos, nor limiting it in order to replace it with a code. The diagram and nothing but the diagram. But it lends the diagram some dramatic weight, so it would be wrong to call it a temperate approach, and yet it fits because it’s what drives Van Gogh mad: preventing the diagram from giving into chaos, but chaos still remains.

In other words, to put it in somewhat abstract terms, consider two contemporary painters: Van Gogh and Gauguin. They both belong to this line, what I’m describing as a temperate third line, but it’s obvious that Van Gogh verges on sort of an expressionist adventure. The encroachment of chaos is fully present, so this third approach doesn’t avoid any danger.

I think Gauguin is the opposite. If we can call Van Gogh a major precursor to expressionism, you can equally call Gauguin a major precursor to abstract painting. He leans toward the other aspect. So, that’s how we could start to arrange our categories. And so, for the moment I’d like to start off with three categories: Abstract painting, Figural painting, Expressionist painting.

And my concern is specifically with regard to what we’ve defined and how we’ve defined them strictly according to three scenarios regarding the diagram. By no means did we define them in terms of figuration, which we did away with outright. These three scenarios—ultimately the three positions the diagram can find itself in: The first scenario: the diagram verges on chaos. The second scenario: the diagram leans toward code and is even replaced by a code. The third diagrammatic scenario: the diagram acts like a diagram, but that brings us back—I’ll try to elaborate. Let’s bring back the eye-hand dynamic and apply our three categories. When you look at a painting—for example, take a Pollock for example. What’s going on? It’s a strange problem.

Maybe you all are tired; do you want a break? What time is it?

Claire Parnet: Noon.

Deleuze: Noon? Yes, right, let’s take a break. Let’s rest up. [Interruption of the recording] [1:38:08]

… So, yeah, see, we’re making some progress, because now the idea of a diagram isn’t enough on its own; we’ve introduced the concept of positions, different diagrammatic positions. The diagram can take different positions—now, we’ve identified three such positions, and I’d like to follow up on these in concrete terms. How do they work—it’s not only about their effect on us—it’s how do they happen? How can such effects come about? And it’s really a matter of a slow and—for the painters—a very dangerous, a very dangerous confrontation with chaos itself, not an abstract chaos but the chaos on the canvas, based on these diagrammatic positions anyone can experience for themselves.

So, let’s try to pin down what we mean by—what could we mean by “expressionist”? Since if I understand—first of all, if I interpret the major pictorial categories based on the diagram’s position, on diagrammatic positions, we’ll have to see what follows as a result, that is, what new definitions result from these categories. Thus, what expressionism is qua the diagram’s relative position, its diagrammatic situation. What is the most striking about a so-called expressionist painting? Ultimately, I think even if we describe them as tendencies, even if it doesn’t always work this way, what are they tending towards? I think the answer has already been spelled out, particularly by certain American critics. In the end, if you take a painting from a period of Pollock’s career—it depends, not any period, but truthfully many periods of Pollock’s work—you can immediately tell that it’s a total rejection of the canvas’s organic existence on the easel.

What do I mean by the canvas’s organic existence on the easel? It’s an organic existence because nothing is the same on the canvas, before you even touch the canvas, everything changes: there’s the problem of the center, centers, focal points, and edges. And any issue with the edges is made all the more pressing with the addition of the frame or bounds of the painting. What do you do with the frame? If you think of a painter who isn’t expressionist, someone like Seurat, how he looked for a way to keep the frame from being a fixed boundary, turning to a wide range of scientific and artistic techniques to make the frame a part of the painting—it’s one problem that arises—why is it that, when we’re looking at a Pollock, we immediately know that this wasn’t a problem for him? It’s a particular American expression—which I’m going to butcher—they’re so-called “All-over” paintings; American abstract expressionism is all-over. It means that lines do not start at the edge but begin virtually, they start long beforehand. The painting captures as much as it can of a line with no end or beginning. Really, the way it treats the painting’s space is such that what we call the “edge” could just as easily be the “center.” Anyway, it’s interesting to think about this “all-over” line running from one end to the other, doubling back on itself, etc., almost covering the entire painting. See, I’ve begun with an example of a “line”; let’s call it “the Pollock line” for now.

It was spelled out really well—there’s an American critic who published a long article titled “Three American Painters” in the Revue d’esthétique, it was translated in the Revue d’esthétique, which was reprinted in a 10/18 titled “Painting,” a guy named Michael Fried, F-R-I-E-D, a great American critic.[17] No, he’s gone downhill; allegedly his work has gone downhill because… well, that happens! It happens. But anyway, it’s an in-depth look into today’s American painters—actually, it’s a bit older—and it’s quite good. Because he does a good job explaining why, if you look at one of Pollock’s lines, there’s no mistaking that it’s Pollock. Why? Because strictly speaking, it’s a line with no shape [sans contour].[18] It’s a line that doesn’t outline anything. If you look at a closed shape [figure], there’s an outline.

So, you can say, “This is a triangle, this is a flat circle, this is a circle, this is a half-circle,” etc. You can see how it’s different with a shapeless line: it loops from one end of the painting to the other; it circles back on itself without ever closing. It’s an odd sort of line that doesn’t outline anything and so has neither inside nor outside. It doesn’t mark an inside or outside. It’s a moving line that never stops moving. You aren’t able to pick out this as the inside or that as the outside. Just like the line started before the painting and… before the left side and continues far beyond the right side; it has no beginning or end. No inside or outside, no beginning or end. It’s obvious if you’re able to imagine a Pollock painting. A line that is still a line and yet comes close to acting like a surface. A line that builds up and thus almost acts like surface—in other words, one that brings its one-dimensionality closer to being two-dimensional. Surfaces are two-dimensional, lines are one-dimensional—and Pollock’s line verges on turning into a surface. It’s the line’s attempt to overcome its being one-dimensional while remaining a line, thus, a perfect adequation between in the painter’s intention, a perfect adequation between what is on the painting and the painting itself. The line inhabiting the painting is equal to the painting. The line as a surface. It will act like a surface. It’s a line without contour. So, the line achieves a dimensionality that’s, properly speaking, infinite. In a way, chaos would be averted by itself.

How can that be? Actually, that might not make much sense for those of us who can’t picture a Pollock painting; it might seem too abstract. I should have brought one with me—oh well—it’s clear when you look at his paintings: the line is all over the place. It really takes up the whole surface. I’ll just point out, because we talked about it in another course, and someone here knew a lot about this author—there’s a mathematical logician who wrote a really interesting text on what he calls “fractal” objects. His name is—this is by memory; I’m just bringing him up to give to encourage you to make run-ins like this—his name is [Benoit] Mandelbrot, Mandelbrot, M-A-N-D-E-L-B-R-O-T, and his book, Fractal Objects, was published by Flammarion. What are these fractal objects? They’re specifically these objects that turn out to have a fractional number of dimensions. What—a fractional number of dimensions? Fractional dimensional objects are bizarre. It’s fascinating. So, he proposes a form of mathematics and logic for fractal objects. What does he have in mind? Well, it would be a line that’s more than one-dimensional and less than two-dimensional.[19] A surface is something that has two dimensions. A volume, three. Suppose there’s a line with a fractional number of dimensions; it’s a line that remains a line but tends towards becoming a surface. Mandelbrot’s example is straightforward and compelling: take a straight line—bear with me—see, take a straight line. Split it into thirds. Swap out the middle part for an equilateral triangle. You end up with this shape. Take all the remaining segments—you’ll have one, two, three, four—take all four-line segments and split them into thirds. And then put an equilateral triangle onto each of those middle sections. Ad infinitum. You’re still working with lines in two dimensions—and yet your line is enough to cover the surface.

We’ll call that a fractal object. See, it’s in the process of becoming; it has a number—a fractional number of dimensions. There are all kinds of other examples, it’s really interesting. What’s my point? My point is very simple: a line that appears to change direction at any given moment has a dimension greater than one—make it change direction at every turn, and you wind up with a line that acts as a surface. For example, a similar example from Mandelbrot is Brownian motion. Brownian motion is such that its direction is never the same from one point to the other. A line that changes direction at every point, no matter how close the points are to each other. Looking for a mathematical formula to describe this is one thing, but it’s also interesting to express it artistically—we’re at a point where there’s no question of reducing one to the other, where they act as two different expressions: a potential mathematical expression and an independent artistic expression, exactly what Pollock’s line is. Of course, it doesn’t just use equilateral triangle, which would amount to a mathematical formula: forming equilateral triangles in the middle of each line segment ad infinitum is a mathematical construction.[20]

Pollock clearly takes an artistic route, with a line taking up the entire canvas without outlining anything, without concluding in a contour. So, you can see how expressionists can claim to be much more abstract than abstract painters. They can look at abstract painters—Pollock, for one, could say (just as Bacon says about him)—he could say: personally, I’m not interested in Mondrian, or I’m not interested in Kandinsky. I don’t know what he would say, exactly, since Pollock said so little—he didn’t say much about what didn’t interest him or why it didn’t interest him. Because he doesn’t much care whether a shape is abstract or concrete; it makes no difference. Moreover, he’ll say that “abstract painting is purely figurative.” It’s not about the difference between abstract and concrete, since, again, you can form abstract shapes, which are still figurative. You can say that Kandinsky—we’ll see how an abstract painter might respond to this—but Kandinsky paints triangles, right: he paints triangles, or he paints tubes, or he paints circles instead of painting men and women, but what makes that abstract? Whenever you have an outline, you have a shape [figure].

So, that isn’t very interesting for Pollock. If Pollock doesn’t belong in the category of abstract painting and if I think these categories are well-founded, it’s for this reason. For Pollock, real abstraction begins with a shapeless line and not with the abstract characteristics of what’s depicted by an outline—as a result, as soon as a line outlines something, it isn’t abstract. It’s only the Pollock line, i.e., the shapeless line. Thus, expressionism is the one capable of pulling off real abstraction, and expressionism can rightly lay claim to genuine pictorial abstraction—the others are abstract in a way that has nothing to do with painting; pictorially, they remain figurative. They’re abstract only because of what they depict. They say their work doesn’t depict anything, but that isn’t true; it’s still representational. It’s represented abstractly, but it’s an extra-pictorial abstraction, outside of painting—in terms of painting, they are perfectly figurative since they outline shapes; they use lines but couldn’t detach lines from and outlines.

Well, let’s assume that this line—you can probably already distinguish the expressionist pole from the abstract pole; in a short while, we’ll follow up on the real problem of abstraction—but the problem of expressionism is truly how to draw shapeless lines.

And the same goes for color; the colors don’t form shapes. It’s difficult to prevent color from suggesting an outline, since in the end there are two ways of forming outlines: through lines, but also through color. Colors form shapes no less than a line does, a closed line. And just as I turned to Pollock for shapeless lines—whose work I really do consider to be an incredible, fantastic breakthrough in painting—I would want to look to Morris Louis for shapeless color, to what’s thought of as one side of expressionism, so-called tachism.

But how do you keep a stain [tache] from suggesting an outline? In terms of technique, the required methods are very simple. Morris Louis turns to soaking, to picking up pigment with a roller—we can add the roller, right, to our list tools other than paintbrushes. Pollock did a lot more with his syringe, his pastry syringe and Morris Louis’s roller—it’s interesting because with letting pigment seep onto the canvas you get these amazing halo effects, such there are two way you can look at one of Morris Louis’s paintings, one of his tachist paintings—or despite everything, you have one way of looking at it, restoring the color’s shape [contour], which itself is interesting because it takes effort—you get the impression that its giving off a perception doesn’t count as it having shape if it takes effort to pin down the color stain’s outline. With Morris Louis, there’s something on the canvas counteracting any suggested outline.

Anyway, it gives off a halo effect that’s incredibly beautiful and relatively easy to obtain on canvas; bad painters can do it—but not like Morris Louis can. So, what I’m saying is that this definition of expressionism via “shapeless lines” or “shapeless colors” also applies to what we might call the line of chaos. There’s a chaos-line and chaos-color; they bet on chaos, they planted chaos onto the canvas thinking that the more they managed to capture chaos on canvas, the better the result. See, by drawing infinitely near to chaos this one-dimensional line suddenly becomes two-dimensional, or becomes greater-than-one-dimensional, a fractional dimension—this is where they’ll focus their energy.

 

So, if that’s how it’s defined, the word expressionism is interesting because—not to overdo it—it’s all well and good to define expressionism as a diagrammatic position and not by what it depicts, but how does it work? I mean, what exactly is expressionism? It’s noteworthy when critics manage to propose a category—at their own risk and peril, again—if we accept well-founded categories, if we believe in the philosophy of art. I think people are fully justified for rejecting the philosophy of art and opting to talk about painting as little as possible—the less we talk about it, the better. And actually, I wonder if it wouldn’t be better, but even so, in the absence of such a lofty stance on the matter—if we’re going to use categories, they need to be well-founded.

Anyway, the term expressionism was actually coined by Worringer, which is interesting because he coined it in a context where there were a lot of complaints about German museums buying too many French paintings; they bought Cézanne… [Interruption of the recording] [1:59:53]

… he took a side and called the painters in this movement expressionist—what did he mean by that? If you want to understand the word’s origin, we have to consider what Worringer had himself written on Gothic art, in particular. Because he tried to define this northern, so-called Gothic line—given what we’ve been talking about, the way he defined it ought to interest us. He defined it this way: the Gothic line, or northern line, is an abstract line. He says—yeah, it’s strange—it’s an abstract, that is, an inorganic line. That alone is intriguing. Why? Because Worringer was no fool: he didn’t see abstract as the opposite of figurative. He doesn’t even bring that up, it doesn’t interest him. For him, the abstract was the opposite of the organic, and indeed, according to Worringer’s classification, the so-called classical world is not defined by figurative painting but by organic painting.

The line is an organic line, which doesn’t refer back to a portrayed object; it speaks to the faculties of the subject, the subject looking at the painting, i.e., looking at lines used in classical painting, the subject detects the harmony of their faculties within themselves, the organic harmony of their faculties. What do I mean by that? Well, it’s a line subject to the principles of regularity, symmetry, enclosure—in other words, the organic line is one that outlines something, the line that traces an outline, and whose harmony resides in the outline it traces. See, that is not a figurative definition, but he thinks concrete lines are organic lines—consequently, they are figurative; the lines represent something primarily because they are themselves organic. For example, they represent the higher organism: the human body.

All right, good. Notice what he’s trying to say. Meanwhile, that’s not how it is with the Gothic line. It’s an abstract line. It’s an inorganic line. He goes so far as to say that it’s a mechanical line that substitutes the power of repetition for organic symmetry. He adds: unleashed, the unleashed power of repetition. Why? Symmetry is rather a repetition which is limited; it’s a repetition that’s capped off, forming an outline. For example, when boiled down to two terms, it’s a repetition where the repeated element counters itself, right and left, such that it closes up and prevents repetition from carrying on.

With the Gothic line, on the other hand, repetition breaks loose—what does it mean for repetition to break loose? He puts it beautifully: it’s a mechanical line, but notice that it’s a line that makes us aware of the mechanical forces. Once more, he brings up Kant—the Germans owe a lot to Kant—he brings up Kant, raising mechanical relationships to intuition, in order to avoid our misunderstanding what he just said. If you hear “mechanical line,” then you’ll imagine it’s a line that could be drawn by a machine. Not at all. It’s a line where the mechanical becomes an object of intuition, right, instead of the organic. Thus, it’s an inorganic line, which allows for all the possible forms this line might take: either, says Worringer, it gets endlessly lost in a chaotic upheaval, or it circles back and ends up that way, in upheaval, or it keeps pitting itself against an obstacle and receives force and liberation from this obstacle, i.e., it confronts an obstacle that it only overcomes by changing direction, and it constantly changes direction.

In other words, Worringer, in the “gothic”, in my opinion, if you revisit it, there are two books by Worringer translated into French: one through Klincksieck editions, called Abstraction and Empathy, and another at Gallimard titled Gothic Art.[21] There’s a lot that he repeats in both books. But you’ll notice that what he calls the Gothic line comes close to defining or reaching the idea of the shapeless line—not in those words, but it’s there in his definition of the Gothic line.

Okay, so if that’s what abstraction really is, why does that fall under expressionism? Because look, that’s abstract painting: it’s inorganic, there’s a line with no beginning or end, etc., with no shape—that’s what abstract painting is. Well, it is abstract, but Worringer goes on to say that this abstract is brimming with life, that is, we aren’t dealing with geometrical abstract art—there’s nothing organic or concrete, but neither is it a geometrical abstract.

The Goths, or the barbarians—it’s barbaric art, Gothic art. The northerners come up with something unusual: shapeless lines, non-geometrical abstraction.

It’s abstract in a non-geometrical way, because see, the geometrical abstract would be… would refer to… there is classical art, which was organic; the quintessential example of geometrical abstraction would be Egyptian art. But the Goth, the barbarian, is different! Like the path they themselves lead, the shapeless line they invent has no end—it begins with Scythian art and what actually happens? It’s abstract, but it isn’t geometrically abstract, i.e., it’s an abstract brimming with vitality, Worringer says. It’s a beautiful idea—an abstract brimming with vitality, which is enough to set it apart from the geometrically abstract, but beware that “vitality” knocks it back over into the organic. Yet we saw that the shapeless line was opposed to the organic line forming an outline, so Worringer is quick to add—something that runs throughout his understanding—that there’s a radical distinction between vital elements and organic elements. The life of the abstract Gothic line is a non-organic life. It’s a life beyond the capacities of the organism and the organic; it’s a non-organic life. And the violence of non-organic life is that it counters and punctures the classical world of representation, that is, the world of organic life. Organisms crumble under the rift caused by such powerful, inorganic life. So, the abstract Gothic line is a vital line. It’s non-geometrical. It’s a vital abstraction. See, it’s a very particular sort of abstraction. It’s life that’s been abstracted from organisms rather than essence abstracted from appearances, as is the case with geometry.

So, it gets weird—at the heart of the why the term, “expressionist,” was created is that this abstract line, this shapeless line, is fundamentally expressive because it is the vector for non-organic life. Is it a coincidence that it doesn’t take much to see Worringer’s understanding of the Gothic line in one of Pollock’s paintings? Is it a coincidence—I’m not one to turn up my nose at superficial, still, we should use whatever we find—Is it a coincidence that more than one of Pollock’s works is specifically titled Gothic, which specifically involve this kind of shapeless line, which ultimately produce a sort of stained-glass effect.

Anyway, Gothic… And naturally, American critics then used abstract expressionism to describe Pollock and his influence. The lineage that leads us to define expressionism as the use of shapeless colors or lines which are endowed with a non-organic life, and so we’ve caught up with the same movement that’s sometimes called informalism. There has been a lot of discussion about informal art around [Jean] Paulhan.[22] You can see what makes it informal art—here, at least, I think our diagrammatic approach has the advantage of accounting for why [Pollock’s work] might also be seen as informal art. It’s because there isn’t any form insofar as the line doesn’t outline anything but being informal is a consequence rather than a pre-condition; it’s informal because the line doesn’t outline anything. So, there isn’t any form, it’s true that there is no form, the line does not delineate a form, it delineates no form. Okay, and yet it is pictorial materialism at its purest; it comes together as if it were molecular. I think these are the first painters to really pull it off, managing to bring pictorial matter to a sort of molecular state.

The act of painting doesn’t consist in informing anything; it’s about inventing painting’s molecular matter, and this is what the line that’s colorless[23] creates with the points, the points put down, the points of color that Pollock puts down; the line literally runs between things, between points. You can never pin down a point on the line. Rather, the points are distributed over the entire painting such that the shapeless line constantly moves between points and goes back between them again in another way. But the shapeless line is actually one that doesn’t designate anything but instead perpetually passes between things. Accordingly, once an artistic expression comes to the fore and reaches self-awareness, you can always look back and say, yeah, of course, but it’s always—so we’re shaking up categories, but we’re shaking them up in a good way—it’s been there throughout the history of painting, even if it’s more or less secondary: the attempt to have it so that lines no longer determine things but instead have them move between things.

It’s well known what Élie Faure said of Velázquez—well known because Godard made such good use of it: Velázquez “no longer painted things, was no longer interested in outlines.”[24] Élie Faure had no stomach for expressionist art. He painted what happened between things, air currents, everything without contour, light between one thing and another. For a lot of painters, everything that happens between things is crucial.

So, I’m bringing up Velasquez through this incredible text by Elie Faure but consider a painter like Turner—insofar as there are any lines at all; if there are no lines, there are blots of color—in Turner’s work you’d be hard-pressed to find any, there is a sort of coordinated dissolution of things in order to move the lines and blots between things. All against the backdrop of the diagram’s chaos, the use of the diagram: stretching chaos until there are no more things, etc., and it’s from the chaos itself, by stretching the chaos over the whole canvas, that you extract the secret for a new order, the new order being the course of the shapeless line or the shapeless color-stain.

You might be wondering what makes this a new order. Well, it has a molecular movement; humanity is led to order itself molecularly via a sort of materialism. See, it’s sort of tit-for-tat—it’s not that they can’t, it’s that abstract spiritualism doesn’t do anything for them. I mean, it is a human being doing the painting; an informalist or an expressionist is certainly capable of leading a deeply spiritual life. I mean, I’m not enough of an idiot to claim otherwise, but I do think that [the painter’s] pictorial tendency is a deeply materialist one. Not a materialism external to painting—that’s how the artist can indeed be extremely spiritualist—but concerning an order born from drawing molecular pathways [issu du tracé des traces moléculaires]. It’s like a pictorial micro-material, necessarily so, which, of course, justifies the connection drawn between modern physics and informal art—I don’t see anything incompatible! It’s fine. Based on the idea that the abstraction here is a very particular sort of vital abstraction.

And circling back to a very simple point, Worringer said of Gothic art that—you see, it’s abstract, but what…What sort of abstract is this that doesn’t outline anything? There are coiling lines, snail shells, that either reset or run out in a sort of swirling hole—that’s the Gothic line. From one perspective it could equally be understood as a ribbon and as an animal. But a non-organic animal, hence the penchant for monsters in barbaric art, hence the strangely contorted animals—I can’t think of other ways to put it—this new mannerism, a uniquely barbarian mannerism, since all I’m trying to say is that it’s sort of an attempt to sing the glory of Gothic mannerism in painting, these coiling beards that could just as well be abstract ribbons, or folds of cloth—in Gothic art, folds of cloth do an astonishing job of serving as shapeless lines. Only to eventually pulse with vitality, exploding onto the scene, causing us to wonder what it is? Again, is it a ribbon? Is it a spiral? Is it a beard? Really weird, overly convoluted animals? Well, this had already shown up in this kind of barbarian art, but my last question is just this: how are we to characterize expressionism?

Getting back to this business with the eye and the hand, I think you picked up on a problem… and well, it would help us along more quickly, but we’ll be done very soon. I’d say yeah, that’s exactly what the manual line is, it’s exactly that: the hand freed from the eye. Insofar as the hand remains subject to the eye, it forms shapes. The lines are still organic or geometric depending on whether it’s the mind’s eye or the seeing eye. When the eyes fail, when they are beset with chaos, the hand’s power is unleashed, but then the hand is animated by a foreign will that imposes itself on the eye instead of serving it. The eye is hit with a line it can no longer control; the eye can no longer grasp the rule or law whereby it constantly changes direction; the eye doesn’t get a moment’s rest. It doesn’t get a moment’s rest—the tragedy of the eye. The eyes might as well stay closed; they’re terrorized by the hand and the hand’s product, the manual line.

Given the manual character of the expressionist line, is it any wonder that it doesn’t require an easel? Is it any wonder that Pollock laid his canvas out on the floor? In other words, that he needed a tactile contact with the floor? And it’s not just an affectation. Is it any wonder that by all accounts and on video—since he was one of the first painters to be filmed while working—his work is a frenetic dance? A frenetic dance. The first American critic to have labeled Pollock and his school “Action Painting” was a really great guy—but we’ll look at the issue—named Harold Rosenberg.

Rosenberg calls it “Action Painting,” and according to him, in a way, the act of painting itself becomes—you can immediately see the stereotypes this can lead to—becomes the real subject of painting, the true object of painting. The expression, action painting, has the advantage of highlighting the manual nature of this form of painting: it no longer uses easels or brushes; it involves pastry syringes and the floor, putting the canvas on the floor, sticks, scrub-brushes, sponges—whatever you like—and so the painter whirls into a frenzy, a tactile frenzy, a manual frenzy above all. The eyes can’t keep up, which is why the films of Pollock painting are significant: the eyes really can’t follow what he’s doing, and the paint thrown—Pollock’s famous stream of paint—isn’t directed by the eyes but by the hand. The hand has found its expression: lines which the eyes can no longer follow. Okay, in what sense should painting become a transgression against the eyes? It has to liberate modern humanity—you see what that means: we’re trying to draw a metaphysics from all this. Modern humanity will fundamentally be a manual one, but we don’t even know yet what the hand can do once its freed from the eye. There’s a sort of dare I say revolutionary message here—we’ll get into it later, so I’ll just ask you to hold that thought because abstract painting will take a completely opposite stance.

But what bothers me, and this is where we’ll pick up next time, is that American critics, who are very good, not just Fried, who I talked about earlier, but also a wonderful critic who was closely associated with Pollock and even kick-started his career, was crucial, as a critic, in getting Pollock off the ground, named [Clement] Greenberg. He put out a book— unfortunately yet to be translated, but fascinating—on art and culture where he talks a lot about this period of American painting. But Greenberg emphatically defines the abstract expressionism of Pollock, Morris Louis, and so on as the inauguration of a purely optical world.

So, it’s annoying, given how important Greenberg is—there’s no denying it with all the commentary he’s written—for him, abstract expressionism is modern precisely because it manifests a world which is now purely optical. In other words, Pollock would be like the founder of a breakaway movement leading to so-called optical arts. Greenberg is unambiguous as to what he means by a purely optical world, that it’s cut off from any tactile reference. Fried takes up the same idea in that excellent artic on three American painters; he makes the same claim, that Pollock and his influence establish and bring about a purely optical world in painting.

Why does it bother me that I have the exact opposite view? My sense is that it’s absolutely not an optical world, that it’s a manual world—the only thing I would agree with is that it’s an innovative undertaking. But personally, I’d describe its innovation in exactly the opposite way, namely, that it’s the first time that a manual line is absolutely free of any subordination to visual givens. So, something isn’t right. That’s where we’ll begin next time. I believe that they’ve simply misunderstood—and that I’m right, obviously… Yes?

A student: [Inaudible comment]

Deleuze: You could say that, but I don’t know if that would go far enough. Think about it between now and next week, and we’ll start there…

Another student: [Inaudible question]

What? [Inaudible question] Come see me. We’ll pick up from there… Come see me for a second… [End of the session] [2:26:07]

 

Notes

[1] While this wording may appear clunky in English, the word, “foreign” is preserved in keeping with Worringer’s analysis of the Gothic line as a “northern”, “barbarian”, “foreign” development. Deleuze discusses this foreign will or power in Francis Bacon. The Logic of Sensation (New York and London: Continuum, 2003), p. 127, 137.

[2] In Francis Bacon. The Logic of Sensation, Daniel Smith opts for “trait” or “stroke” depending on the context for the French “trait”. The discussion in the rest of the session largely corresponds to the development in chapter 12, “The Diagram”.

[3] There are several possible translations for tache; no one option sounds natural in every context. I settled on “blot” in this context—as in ink blot, etc.—and “stain” when talking about Morris Louis’s work. Note that the Daniel Smith translation in Francis Bacon. The Logic of Sensation adopts “patch” or “color-patch” for “tache”.

[4] Agencement is often translated as “assemblage.” The reader may also understand it to mean “arrangement” or “set up.”

[5] Deleuze misspeaks here. The title of Virilio’s 1981 interview in Cahiers du cinéma is “La Troisième fenêtre.” See Paul Virilio, “The Third Window: An Interview with Paul Virilio,” trans. Yvonne Shafir, with preface by Jonathan Carry. In Global Television, eds. Cynthia Schneider and Brian Wells (Cambridge, MA: MIT Press, 1988), pp. 185-197.

[6] Henri Focillon, “In Praise of Hands,” trans. Charles Beecher Hogan. In The Life of Forms in Art (New Haven: Yale, 1942), 157-184. On this work, see Deleuze, Francis Bacon. The Logic of Sensation (New York and London: Continuum, 2003), pp. 154-155.

[7] On the easel and painting, see Francis Bacon. The Logic of Sensation, pp. 104-109.

[8] As with Deleuze’s other etymological accounts, his explanation here may have been more authoritative at the time. However, the German word, Makel, was a loanword from Latin macula. Mal, in the sense of “mark” or “sign,” has older Germanic roots and is likely a cognate with macula (but is not derived from it).

[9] Deleuze seems to be glossing several moments in Klee’s Bildnerische Denken. To see how Klee introduces his understanding of chaos, the gray point, and the “cosmogenic egg,” see especially Paul Klee, “Contributions to a theory of pictorial form,” in Paul Klee Notebooks, Volume 1: The Thinking Eye, trans. Ralph Manheim, ed. Jürg Spiller (London: Lund Humphries, 1961), pp. 3-5.

[10] Deleuze attributes this quote to Cézanne, but it likely comes from Van Gogh. In a 1888 letter to his sister (Letter 626), Van Gogh writes, “And you see—this is what Impressionism has—to my mind—over the rest, it isn’t banal, and one seeks a deeper likeness than that of the photographer” (emphasis translator’s). http://www.vangoghletters.org/vg/letters/let626/letter.html

[11] Deleuze says “ah, là, là” which could be either approval (as in “wow”) or the opposite (as in “sheesh”). In fact, both options are possible in this context.

[12] See Klee, pp. 3-5.

[13] See David Sylvester, The Brutality of Fact: Interviews with Francis Bacon 1962-1979, 3rd edn. (New York: Thames & Hudson, 1987), p. 94.

[14] In this context, plan corresponds to different “grounds” in English, i.e., the background, foreground. Because plan is a pervasive term in Deleuze’s career—in both solo- and jointly-written work — the original French is included when it appears for the sake of readers interested in tracking it.

[15] Deleuze is likely referring to Herbert Franke’s 1972 Elektronischer Einstein, which used early processing techniques to interpret and manipulate aspects of a scanned photograph of Einstein.

[16] The reference is to a work from 1912 published in the 1954 French translation; in Francis Bacon. Logic of sensation, the reference provided is Concerning the Spiritual in Art, trans M.T.H. Sadler (New York: Dover Publications, 1977).

[17] This reference to Fried is presented in Francis Bacon. The Logic of Sensation, pp. 185-186 note 14. The discussion of Pollock and this section is situated in chapter 12, “The Diagram”.

[18]  “Shape” is often a translation for figure, which is particularly important in Deleuze’s book on Francis Bacon (and comes up often any time he discusses painting). “Shapeless” seems more natural and less cumbersome than “with no contour.” Thus,  ligne sans contour and tache sans contour is rendered as being “shapeless,” etc., with contour or figure included in brackets where the translation might mislead the reader.

[19] In addition to Mandelbrot, the reader might recall a similar idea in Paul Klee’s writings, another of Deleuze’s sources. In his lecture notes, Klee describes the “linear-medial,” which is “neither line nor plane, but some sort of middle thing between the two. At the beginning it is linear, the movement of a point; it ends up looking like a plane.” Paul Klee, p. 109.

[20] Deleuze returns to Mandelbrot only in the final seminar, on Leibniz and the Baroque, in session 2, November 4 1986, and session 8, January 27, 1987.

[21] Deleuze provides partial bibliographical information in Francis Bacon. Logic of the Sensation, pp. 189-190 (p. 81 in the French), note 5; Worringer, Abstraction and Empathy: A Contribution to the Psychology of Style, trans. Michael Bullock (London: Routledge and Kegan Paul, 1963) and Form in Gothic (New York: G.P. Putnam, 1927).

[22] Jean Paulhan (1884-1968) published L’Art informel with Gallimard in 1962. A controversy followed in particular with François Mauriac. [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[23] Ligne sans couleur. However, given the prior discussion, Deleuze might have meant ligne sans contour—shapeless line, or line with no contour.

[24] Deleuze is taking liberties with Faure’s quote. In Godard’s Pierre le fou, the following line is read from Élie Faure: “Velázquez, after the age of fifty, never again painted sharply defined things, he wandered around the objects with the air and the twilight; in the shadow and transparence of the backgrounds he surprised the colored palpitations which he used as the invisible center of his silent symphony.” Translation from Élie Faure, History of Art IV – Modern Art, trans. Walter Pach (New York: Harper, 1924), p. 124.

 

French Transcript

Edited

Dans la séance du 28 avril 1981, les sujets de discussion comprennent: peinture figural et peinture expressionniste; la notion «chaos-germe»; l’artiste et l’écrivain français Henri Michaux; philosophe et écrivain français Jean Grenier; la tension entre l’œil et la main; peintre néerlandais Piet Mondrian; l’artiste américain Jackson Pollock; couleurs et lignes picturales; Michel-Ange; Maniérisme et fait pictural; Francis Bacon; Cézanne; diagramme et code pictural; peintre russe et théoricien d’art Wassily Kandinsky; l’analytique kantienne des éléments; le code binaire; le peintre français Auguste Herbin; l’artiste français Georges Seurat; mathématicien français et américain (né polonais) Benoit Mandelbrot et objets fractals; l’historien de l’art allemand Wilhelm Worringer; essayiste américain et critique d’art Clement Greenberg; et la ligne dans diverses écoles de peinture, y compris la ligne gothique ou septentrionale, la ligne All-over, et la ligne sans contour.

Gilles Deleuze

La Peinture et la Question des Concepts

Lecture 3, 28 avril 1981

Transcriptions: Parties 1 & 2, Guillaume Damry (durée = 1:13:09); parties 3 & 4, Ali Ibrahim (durée = 1:12:53)

 

Partie 1

Finalement, qu’est-ce qu’on fait dans cette série de … J’insiste sur ceci c’est que je voudrais qu’on arrive à faire comme deux choses simultanément. La première chose, bien sûr on parle, on parle peinture. Parler sur la peinture enfin moi je trouve c’est très difficile. Enfin, tout est difficile, je ne sais pas, mais c’est difficile. Alors ce n’est pas… vous sentez bien, je ne parle pas de la peinture en général. Ce qu’il peut y avoir de général dans ce que je dis ça peut se dégager et ce n’est pas sûr qu’il y ait quoi que ce soit de général sur la peinture. Mais ce que je dis c’est de toute manière, dans quelle mesure et dans quel ordre de généralité cela part, c’est à nous [1 :00] de voir, à mesure que l’on s’avance un petit peu en s’appuyant, sut tel peintre, sur tel autre peintre, sur telle époque.

Mais parallèlement et en même temps, ce qui m’intéresse également, ce serait d’arriver à former – c’est un point de détail mais bon – une espèce de concept, alors propre à la philosophie. Et vous sentez bien quel est ce concept, je cherche, puisque c’est en même temps celui-là dont je parle à propos de la peinture, à savoir un concept de diagramme. Qui alors, à la limite, aurait peut-être un rapport privilégié avec la peinture mais en tout cas aurait sa consistance en tant que concept.

Si bien que cette série de recherche sur la peinture, c’est aussi bien une série sur le diagramme [2 :00] et la possibilité d’élaborer un concept philosophique de diagramme ou un concept logique de diagramme et à quelle logique cette notion de diagramme pourrait-elle appartenir ? C’est pourquoi je commence par à moitié résumer et à moitié fixer, les caractères principaux de ce que j’appelais diagramme au niveau de la peinture car tout ce que j’ai dit jusqu’à maintenant, ça revient à une chose extrêmement simple : c’est : est-ce que dans un tableau — alors déjà question — un tableau c’est quoi ? Ça veut dire un tableau en général ? ou bien un certain type de tableau ? À telle époque ou des exemples dans toutes les époques ? Tout ça, on ne répond pas d’avance à tout ça. Mais je suppose que dans un tableau il y a — je suis forcé d’accumuler les réserves — actuellement, [3 :00] en acte, ou même virtuellement. Alors virtuellement c’est bien des choses vagues, est-ce que avec des conditions très faciles… Virtuellement on peut toujours dire que c’est virtuel — bon mais, ça ne fait rien, on n’est pas sûr de soi, nous ne sommes pas du tout sûrs de nous — bon actuellement, ou virtuellement, il y aurait sur la toile un diagramme. Bon, ça on ne sait pas ce que c’est un diagramme, ça ne nous avance pas.

Mais quand même avant d’arriver à un concept philosophique ce que j’essaie de définir là c’est les caractères picturaux de ce que j’appelle diagramme. Alors est-ce qu’il y a des diagrammes en musique ? Je ne sais pas, alors là ce serait une autre recherche… Est-ce qu’il y a des diagrammes en littérature ? Quel rapport entre un diagramme et un langage ? Tout ça, c’est des choses qui s’ouvrent à nous comme [4 :00] objets de recherche. Simplement, pour le moment, je voudrais juste numéroter certains caractères du diagramme pictural. J’en vois cinq en fonction de ce qu’on a vu avant les vacances…

Premier caractère, je dis dans la notion de diagramme pictural, il me semble qu’il y a deux idées essentiellement liées, mises dans une relation nécessaire. Et le diagramme ce serait la mise en relation nécessaire de ces deux idées… Ces deux idées c’est celle de chaos et c’est celle de germe.

Si bien que le diagramme, ce serait un chaos-germe. Bon. Vous me direz pourquoi appeler ça diagramme ? Je fais toujours appel à votre patience, il faut attendre. On verra si… Au [5 :00] besoin peut-être que parmi vous ; y en aurait qui, c’est un point de détail, penseraient que un autre mot, est plus convenable, il y en a si vous voulez je suppose tout. Evidemment l’abominable ce serait pour moi, ceux qui penseront que non ça ne se passe pas comme ça en peinture, il n’y a pas un chaos sur la toile. Bon. Ça, ce serait une objection de fond. J’appellerai objection qui m’intéresserait beaucoup, mais cette fois une objection de forme, quelqu’un qui se dirait « d’accord, il y a peut-être quelque chose d’équivalent à un chaos-germe sur la toile mais ce n’est pas le mot diagramme qui serait le meilleur pour désigner ça » C’est possible aussi. Là notre recherche elle est toujours, elle n’est pas prédéterminée. Alors pour le moment j’appelle ça diagramme. Et c’est le premier caractère un chaos germe. Et la relation l’instauration d’une relation nécessaire entre les deux. Qu’est-ce que ça veut dire ça un chaos-germe ? Alors mes seuls points de confirmation, je vous rappelle, j’avais pris, [6 :00] à la fois, des textes, et des exemples, non pas encore des exemples, mais on verra seulement plus tard les exemples, dans Cézanne et dans Klee, où ces notions de chaos-germe me paraissaient vraiment très élaborées par ces deux peintres Mais c’était pris dans une époque relativement restreinte, de Cézanne à Klee, donc je ne prétends pas élargir, on verra, ça doit se faire tout seul.

Chaos-germe, ça veut dire quoi ? Ça veut dire un chaos, mais un chaos dont il doit sortir quelque chose. Et ce chaos doit être présent sur la toile de telle manière que quelque chose en sorte dans la toile. [Pause] [7 :00] Ça c’était le premier caractère.

Deuxième caractère : il me semble que comment je dirais, il y a une exposition de [Henri] Michaux, des peintures de Michaux en ’67, oui en ’67, il y avait une exposition des peintures de Michaux, et à ce moment-là, a paru un texte de Jean Grenier sur les peintures de Michaux et le texte, le titre du texte de Jean Grenier, qui est un tout petit texte pas long, il ne dit pas grand-chose, est « un abîme ordonné », [8 :00] un abîme ordonné hein. Rien que l’expression m’intéresse, d’une certaine manière, une peinture qui ne comprend pas son propre abîme, qui ne comprend pas un abîme, qui ne passe pas par un abîme, qui n’instaure pas sur la toile un abîme. Ce n’est pas une peinture.

Mais voilà d’une certaine manière, c’est très facile de faire un abîme, très facile de faire un chaos. Bon, je ne sais pas, après tout je ne sais pas, est-ce que c’est tellement facile ? Mais supposons que ce soit, qu’il suffise d’un peu de schizophrénie pour faire un chaos. D’où l’expression : un abîme ordonné. Ça ne veut pas dire qu’il y ait un ordre qui récuse l’abîme mais qui le remplace, ça veut dire qu’il y a un ordre de l’abîme de telle manière que de l’abîme sorte quelque chose [9 :00] mais quelque chose qui n’est pas ordinaire. « Abîme ordonné », l’expression de Jean Grenier, je pourrais la prendre à la place de la mienne chaos-germe, hein ? C’est pareil.

Deuxième caractère, il me semble que dans l’ordre de la peinture, si c’était ça le diagramme, quel est le caractère de ce chaos-germe ? Je dirais en second lieu qu’il a pour caractère d’être essentiellement, et ça, ça m’importe beaucoup, d’être fondamentalement manuel. Et encore une fois là je ne sais pas où ça va nous entraîner, mais je sens que forcément ça va nous entraîner quelque part. C’est une main et seule une main déchaînée, peut le tracer.

Qu’est-ce que ça veut dire une main déchaînée ? On n’a qu’à se guider. [10 :00] Qu’est-ce que c’est que la chaîne de la main ? La chaîne de la main, quant à la peinture c’est évidemment l’œil. Tant que la main suit l’œil, je peux dire qu’elle est enchaînée. La main déchaînée c’est la main qui se libère de sa subordination aux coordonnées visuelles. Or le chaos-germe, le diagramme présent sur la toile est essentiellement manuel. Et après tout là aussi, vous comprenez, il faut aller son chemin, et voir en quel sens ce chemin, en s’accrochant à des petites choses, dont on est relativement sûr, retentit sur des problèmes classiques. Parce qu’après tout est-ce qu’on ne tiendrait pas là une certaine manière de [11 :00] nous mêler nous, d’un problème classique, problème classique : quels sont les rapports de l’œil et de la main dans la peinture ? Je veux dire la peinture, c’est un art visuel ou un art manuel ? Et si on dit : c’est les deux ? Bon, ça n’avance pas, quel rapport il y a-t-il entre l’œil et la main dans la peinture ? Et là encore avec toutes les réserves que je refais chaque fois : est-ce que c’est une question générale ou est-ce que ça varie avec chaque peintre, ou est-ce qu’il y a du moins de grandes tendances que l’on peut distinguer ? Pour ces rapports de l’œil et de la main dans la peinture, est-ce qu’un peintre dit abstrait ? Et au lieu de fonder ces catégories : abstrait, expressionniste, figuratif, etc., sur des données puériles, comme est-ce que ça représente quelque chose ou pas, est-ce qu’il n’y a pas lieu de reprendre [12 :00] ces grandes catégories si elles sont bien fondées en les rapportant à de tout autres critères ? Exemple : est-ce que les rapports de l’œil et de la main sont les mêmes chez un peintre qu’on appelle abstrait que chez un peintre qu’on qualifiera d’impressionniste ou chez un peintre qu’on qualifiera de figuratif ? Est-ce que c’est la même chose ?

Qu’est -ce que c’est que la variabilité possible des rapports œil-main ? Or nous, notre manière de pénétrer comme de biais dans ce problème classique, les rapports de l’œil et de la main en peinture, c’est précisément – ce n’est pas qu’on ait raison — c’est un petit biais pour entrer dans ce problème, quitte à ce que ce biais change peut être la nature du problème, c’est toujours cette histoire de diagramme au niveau du second caractère que j’essaie de développer, à savoir que ce chaos, s’il existe, ce chaos à instaurer [13 :00] sur la toile, qui est comme l’acte d’instauration de la peinture, est essentiellement manuel. Et que même si ceci n’est pas vrai de tous les moments du tableau, quant au diagramme, je dois dire le diagramme est manuel, c’est l’expression d’une main libérée de toute soumission à l’œil. Un peu comme si je faisais des trucs en une espèce gribouillis que je peux faire en fermant les yeux. Comme si la main ne se guidait plus sur les données visuelles, c’est bien par-là que c’est un chaos.

C’est un chaos en quel sens ? C’est que ça implique ce diagramme, je ne dis pas l’ensemble du tableau, puisqu’encore une fois, le diagramme est là pour que quelque chose en sorte. Donc je ne parle pas de ce qui va sortir du diagramme pour le moment, je parle de l’action du diagramme même. [14 :00] Je dis que c’est une action manuelle, et d’une main libérée de l’œil, c’est la puissance de la main du peintre. Alors une main libérée de l’œil c’est une main aveugle, mais est-ce que ça veut dire qu’elle est au hasard et simple gribouillis ? Evidemment non ! Peut-être que la main du peintre a des règles, des règles manuelles, a peut-être un sens manuel, des vecteurs manuels ; en tout cas, en quoi est-ce un chaos le diagramme ? C’est parce qu’il implique l’effondrement des coordonnées visuelles. Vous savez les yeux tout rouges de Cézanne là « Je ne vois plus rien » Je ne vois plus rien mais ça ne veut pas dire je ne fais plus rien. Faire sans voir. Libération de la main. Bon.

Le diagramme est manuel. Alors [15 :00] on voit en quel sens, et en effet, à ce niveau, je dirai : au niveau du diagramme et en tant que diagramme, le tableau n’est pas visuel, il est exclusivement manuel.

C’est la révolte de la main, la main en a assez, la main en a assez de suivre l’œil. Elle a son grand moment d’indépendance, je suppose. Seulement ça devient bizarre parce que ce n’est pas seulement une indépendance, c’est un retournement de la dépendance. Au lieu que la main suive l’œil, la main comme une gifle, va s’imposer à l’œil. Elle va faire violence à l’œil, l’œil aura du mal à suivre le diagramme. Ce me serait une confirmation si on ne trouve pas le diagramme, c’est parce que l’œil ne le trouve pas, alors tout va bien. C’est difficile, au lieu que la main suive [16 :00] l’œil, voilà que la main libérée va s’imposer à l’œil. Est-ce que l’œil est capable de voir ce que fait la main libérée de l’œil ? C’est compliqué c’est une véritable torsion du rapport ! Du rapport de deux organes.

Et en effet, dans les tableaux, il y a un moment, on a l’impression que l’œil ne fait plus que suivre, comme si la main était animée d’une volonté étrangère. [Sur cette « volonté », voir Francis Bacon. Logique de la sensation (La Roche-sur-Yon : Éditions de la différence, 1981) p. 82, 88] Tiens, comme si la main était animée d’une volonté étrangère, qu’est-ce que c’est que ça ? Ça me fait écho, on en est réduit à chercher des échos, pour se donner raison ; c’est une expression très belle, bien plus belle que la manière dont je la cite, la main animée d’une volonté étrangère, et dès lors, l’œil qui s’affole, qui se dit, mais où est-ce qu’on m’entraîne ? C’est une expression de [Wilhelm] Worringer. [17 :00] Pour désigner quoi ? Pour désigner ce qu’il appelle la ligne gothique. On verra bien plus tard le sens qu’il donne très spécial à gothique, c’est la ligne septentrionale ou gothique dont Worringer se fera l’analyste ou niveau de l’architecture, de la peinture, de la sculpture. On verra ce que c’est plus tard, mais juste pour définir ce qu’est la ligne gothique, il va nous dire : c’est une ligne, à la lettre déchaînée, c’est une ligne manuelle, et plus une ligne visuelle, une ligne manuelle, qui bien sûr s’impose à la vue, mais s’impose à la vue comme si la main qui la trace, était animée par une volonté étrangère à la vue elle-même. Bon.

Je dirais en effet qu’il y a deux manières de [18 :00] définir la peinture. Elles ont l’air équivalentes, mais elles le sont pas du tout. Vous pouvez dire : la peinture c’est le système ligne et couleur. Ou vous pouvez dire la peinture c’est le système trait-tâche. [La discussion qui suit correspond au développement du chapitre 12, « Le diagramme »]

Il me semble que les connotations des deux formules, ce n’est pas les mêmes. Quand vous dites la peinture c’est un système ligne-couleur, ça une résonnance visuelle. Vous la définissez déjà comme art visuel. Et sans doute elle est ça. Bien sûr, elle est ça ! Quand vous dites : c’est le système trait-tache, la connotation est très différente. Et ce n’est pas par hasard qu’il y a une école, ou une tendance qu’on appellera le tachisme. Trait-tache, ce n’est pas pareil. [19 :00] Trait tache Ça a une connotation manuelle.

Prenez tout un problème qui m’intéresse toujours là, vous voyez, je fais mon second caractère du diagramme. Il y a un problème très important : si j’essaie de décrire la peinture comme un véritable agencement, je dirai quoi ? Cet agencement, il implique quoi ?

L’agencement, mettons, il implique ou il a impliqué, ou il peut impliquer, ceci : une toile, un chevalet, des couleurs, des pinceaux. Toile sur chevalet, pinceaux, bon. La toile sur chevalet, bon, sentez. C’est complètement visuel ça. Pourquoi ? Le tableau avec [20 :00] ses bords et à ce moment-là, vous savez bien qu’il y a un grand problème des bords du tableau, de la bordure… Eh bien, parce que ce problème, il a agité la peinture dans toute son histoire. La toile sur chevalet, elle joue le rôle d’une véritable fenêtre. Le thème de la fenêtre. La fenêtre, c’est une drôle de chose. Il y a un article très beau, un article assez merveilleux, qui vient de paraître dans les Cahiers du Cinéma, de [Paul] Virilio, sur l’audiovisuel. Il y a 5-6 pages très belles, je trouve, c’est du meilleur Virilio. [Il s’agit de l’interview, “La troisième fenêtre”, Cahiers du cinéma 322 (avril 1981), pp. 35-40]

Il dit : il y a eu deux moments, il y eu deux inventions fondamentales liées à la maison. Il dit : la première c’est la porte fenêtre, et tout a commencé par la porte fenêtre, [21 :00] pièce fondamentale de la maison, j’entre et je sors et la lumière entre et sort. Mais il dit : admirez l’abstraction de la fenêtre, car même si on peut physiquement ce n’est pas sans effort, alors, on n’est pas censé entrer ni sortir par la fenêtre. La fenêtre, c’est un orifice pour que l’air et la lumière entrent ou sortent. C’est donc une abstraction démente, son abstraction, avoir l’idée de faire des fenêtres qui ne soient pas des portes-fenêtres, c’est un degré d’abstraction très grand. C’est selon [Paul] Virilio dans son texte très brillant, la première grande abstraction là, comment dire anthropocosmique, à savoir l’isolement de la lumière.

Bon c’est bien, [22 :00] mais sentez que, en effet, mettre le tableau sur un chevalet, c’est procéder à cette espèce d’abstraction visuelle. La porte fenêtre, elle est au contraire aussi manuelle que visuelle, la fenêtre elle, est visuelle, Or le tableau sur chevalet, je dirai que c’est la détermination visuelle du tableau, c’est de l’optique. Et le pinceau tenu par la main, c’est la main subordonnée à l’œil. D’où la position grotesque n’est-ce pas, qu’on représente dans l’imagerie classique, personne n’y a jamais cru, du peintre qui ferme un œil, et dont la main suit les données, les données visuelles, qui se recule tout ça, bon. Mais chacun [23 :00] de nous sent bien que ce n’est pas si simple les rapports, de l’œil et de la main dans la peinture. Il y a un texte, je cite, là, je dis m’importe quoi, il y a un texte de Faucillon, qui est quand même un grand, grand critique d’art, d’Henri Faucillon qui s’appelle précisément, « Eloge de la main ». [Texte dans Vie des formes (Paris : Presses universitaires de France, 1943), pp. 101-128 ; voir à ce propos, Francis Bacon. La Logique de la sensation, p. 99 ] Ce texte qui a eu beaucoup de retentissement, c’est bizarre, parfois on se sent en désaccord, ce n’est pas par principe, non. On aime tellement trouver beaux les textes. Là je trouve ce texte pas bon du tout. Parce que c’est, c’est une espèce de…, c’est un peu tout fait, l’éloge de la main, ça consiste à montrer en quoi la main est très nécessaire à la peinture, et puis en même temps il n’y a pas tellement de problème que elle exécute cette espèce d’idée picturale venue de l’œil, la main là est vantée comme espèce de servante fondamentale, là ça ne me paraît pas [24 :00] vrai ! s’il n’y a pas dans le tableau une espèce de rébellion de la main par rapport à l’œil, c’est que le tableau n’est pas bon. Hein ?

Or je ne dis jamais la peinture n’est pas si important que soit ce couple chevalet-pinceau, encore une fois, le chevalet à mon avis, exprime le tableau à venir comme réalité visuelle, comme fenêtre, le pinceau exprime la subordination de l’œil… oh, pardon, de la main aux exigences visuelles. Mais jamais un peintre ne s’est contenté de ça. Au point que la question ce ne serait même pas : quels sont les peintres qui se passent de chevalet ? il y en a beaucoup qui se passent de chevalet, aujourd’hui qui ne peignent plus sur chevalet, il y en a qui ont gardé le chevalet, [25 :00] on peut toujours garder et le chevalet et en faire un usage tellement secondaire que il ne fonctionne plus en son plein sens. Donc la question ce n’est pas la question du fait, il y a- t-il encore pour tel peintre usage du chevalet ? C’est une question de droit. [Sur le chevalet et la peinture, voir Francis Bacon. La Logique de la sensation, pp. 68-70]

Par exemple, je prends un exemple connu, Mondrian, je crois se servait de chevalet, sa peinture n’est plus, ne peut plus du tout être dite une peinture de chevalet. C’est à dire la toile n’est pas traitée comme une fenêtre. J’insiste là-dessus la réalité visuelle du chevalet, c’est que lorsqu’on peint sur chevalet, d’une certaine manière-la toile est traitée comme à travers une fenêtre, Ou elle-même elle est la fenêtre. Et le thème de la fenêtre dans la peinture a été fondamental, dans toute la peinture classique. Mais pensez déjà, à ceci, lorsque dans l’impressionnisme, ils sortent dans l’atelier, [26 :00] lorsqu’ils vont au motif, lorsqu’ils peignent dans la nature, ils emmènent leur chevalet. Van Gogh, Cézanne, ils se baladent… [Interruption de l’enregistrement] [26 :19]

… beaucoup dans les textes de Van Gogh, les remarques sur, « pas moyen de sortir aujourd’hui », parce que il y a le mistral, et que le mistral il emporte le chevalet. Alors il faudrait flanquer des cailloux au chevalet pour qu’il tienne ? Non ça n’irait pas non plus, parce que peut-être que précisément le chevalet dans la nature il ne fonctionne plus, il ne fonctionne plus comme chevalet ? La preuve encore une fois, c’est Gauguin, Van Gogh qui peignent à genoux, [27 :00] pour avoir une ligne d’horizon bas. Alors là qu’est-ce qu’ils font du chevalet ? Il faut raccourcir les pieds. D’accord tout ça, on voit que la question, elle … Je dis !

Tous les peintres même ceux qui peignaient avec le couple chevalet – pinceau, tout le monde sait que la toile ne cesse pas de sortir du chevalet, de même que le pinceau ne cesse pas d’agir comme autre chose qu’un pinceau. Et qu’est-ce que c’est les instruments du peintre qui ne sont pas le pinceau ? On les connaît c’est n’importe quoi, et de tout temps ça. Je veux dire on n’a pas attendu les peintres modernes pour… , peut-être que les peintres modernes ont poussé ça à une espèce d’expression brute.

Il faudrait savoir pourquoi, mais de tout temps, Rembrandt, c’est évident qu’il ne peignait pas au pinceau, enfin je veux dire, pas seulement au pinceau. Ils peignent avec quoi de tous temps, [28 :00] les peintres ? Ils peignent avec des brosses, de véritables brosses, ils peignent avec des éponges, éponges brosses, chiffons, bon. Avec quoi encore ? L’exemple célèbre de Pollock : avec des seringues à pâtisserie. Bon, la seringue à pâtisserie ça, ça c’est quelque chose. Bon, la brosse aussi, l’éponge, la seringue à pâtisserie, on peut faire, les bâtons… ça a toujours été très important dans la peinture, les bâtons. Rembrandt se servait de bâtons, qu’est-ce que ça veut dire ça, pourquoi je raconte tout ça ? C’est toujours dans la perspective de mon second caractère, la perspective de mon second caractère ça consiste à dire : il y a un problème, il y a une espèce de tension, il y a une tension picturale entre l’œil et la main. Ne croyez pas que ce soit un problème [29 :00] d’harmonie, que la main à la fois suive l’œil et exécute quelque chose qui va être visuel, ça ne se passe pas comme ça. Je ne sais pas ce qui va en sortir, mais je dis si on ne passe pas ou si on ne vit pas, une certaine opposition, une certaine tension, un certain antagonisme au niveau de la peinture entre l’œil et la main, c’est que on ne voit pas bien à ce moment-là, les problèmes concrets.

Or je dirais si le couple chevalet-pinceau représente la peinture comme art visuel, l’autre couple hors chevalet, ça peut être quoi ? Je dis hors chevalet, je le détermine négativement, parce que ça peut être tellement de choses ! ça peut être la peinture murale, [30 :00] mais ça peut être aussi la peinture sur le sol, est ce que c’est la même chose ? Alors par exemple Mondrian, c’est très net chez lui, il passe par le chevalet mais le chevalet ne veut plus rien dire, puisque sa peinture est fondamentalement une peinture murale qui s’oppose à une peinture sur chevalet.

Et je pense, que là je ne sais pas, mais ce ne serait pas difficile, il y a sûrement des textes de Mondrian, où s’il parlait du chevalet il dirait que le chevalet, l’heure n’est pas encore venue, de la vraie peinture murale telle qu’il la concevait. Et c’est vrai que la peinture murale telle qu’il la concevait impliquait une architecture, qui était peut-être en train de se faire mais qui était aussi à ses débuts, tout comme Mondrian estimait qu’il était au début de quelque chose, bon. C’est une peinture murale. C’est-à-dire, la toile n’y est plus du tout ; comprenez à quoi ça s’oppose à une peinture sur chevalet, c’est que la toile [31 :00] ne fonctionne plus du tout comme fenêtre.

Et Pollock ? Lui, il ne peint pas sur chevalet. Il lui faut une toile non tendue sur le sol. Toile non tendue sur sol c’est très différent, c’est une solution tout autre, ce n’est même pas comme Mondrian qui peut encore se servir de chevalet. Pollock, il y a au moins certaines toiles de Pollock qui excluent, alors qui excluent complètement le chevalet. C’est pour dire que c’est très varié, mais que je dirais : le couple hors chevalet, c’est-à-dire, peinture murale tendance Mondrian, peinture sur sol tendance expressionniste Pollock. Tout ça. Le couple donc, hors chevalet, d’une part, d’autre part, balai, brosse, [32 :00] seringue à pâtisserie, éponge, chiffon, ça c’est la peinture comme réalité manuelle. Alors je ne dis pas que ça s’oppose, je dis que c’est deux choses différentes, exactement comme je viens de dire tout à l’heure : si vous définissez, la peinture comme le système des lignes et des couleurs, vous en donnez une définition légitime, je dis pas du tout que ce soit illégitime, c’est une définition parfaitement légitime, mais c’est une définition visuelle. Si vous définissez la peinture par trait-tache, c’est une définition manuelle.

Pourquoi ? Il faut le sentir ! De même que si vous dites définition matérielle, si vous définissez la peinture par chevalet-pinceau, c’est une définition [33 :00] matérielle possible. Bien entendu, vous savez d’avance qu’elle ne répond pas à tous les tableaux, mais ça donne une idée. C’est une définition nominale, matérielle.

Mais il y a aussi la définition manuelle : à savoir hors chevalet : bâton, brosse, seringue à pâtisserie. Et vous avez aussi une définition des éléments matériels de la peinture, simplement c’est cette fois-ci les éléments manuels. Alors ça peut s’arranger, les deux aspects peuvent se concilier. Vous savez comment l’allemand dit peinture, il dit Mal, le peintre, c’est le Maler. Rien que ça c’est très important pour le génie des langues, parce que le mot allemand ; ça nous servira d’ailleurs plus tard, ne répond absolument au mot français ; il n’y a pas de correspondance.

Mal, c’est quoi ? [34 :00] c’est un mot qui a une étymologie latine, qui vient de macula. Macula, c’est quoi ? Macula qui a donné son nom à une très bonne revue de peinture, hélas disparue je crois, Macula, c’est la tache. Donc le peintre pour les Allemands, c’est comme naturellement à travers la langue, c’est le tachiste. Bon, ça me paraît important pourquoi ? Parce que c’est tout à fait autre chose que le mot peinture. Le mot allemand tire la peinture vers le couple trait-tache, [Pause] c’est-à-dire vers la réalité manuelle de la peinture, tandis que le mot français, c’est pingere, [35 :00] tire la peinture vers sa réalité visuelle. Alors j’ajoute quels que soient les accords possibles entre l’œil et la main dans la peinture, on ne peut pas présupposer qu’il n’y a pas un problème fondamental de leur tension et de leur opposition virtuelle. Même virtuelle je reprends le mot vague de virtuel, c’est pour ça que le texte de Faucillon sur la main me paraît si intéressant mais si insuffisant. Parce que ce qui me paraît intéressant c’est précisément l’histoire et les variations possibles. De la lutte de l’antagonisme, il y a toujours un moment, je ne dis pas du tout que la peinture ne résout pas la tension œil-main. Je dis qu’il y a toujours un moment dans la peinture ou un aspect dans un tableau ou la main et l’œil s’affrontent comme [36 :00] des ennemis.

C’est peut-être un des moments très intéressants de la peinture, d’où je dis en vertu de mon second caractère : le premier caractère du diagramme c’était simplement, ben voyez c’est un chaos-germe ; second caractère je dirais que le diagramme dans ce sens, c’est un ensemble trait-tache et non pas du tout ligne-couleur. C’est un ensemble trait-tache et cet ensemble est un ensemble manuel.

Voyez en quoi ce second caractère est en prolongement du premier car je peux préciser en quoi, il y a chaos. Si le diagramme est fondamentalement manuel et exprime une main qui s’est libérée de sa subordination à l’œil, ne serait-ce que provisoirement, encore une fois, ça [37 :00] ne vaut pas, cette formule ne vaut pas pour ce qui va “sortir” du diagramme, ce qui va “sortir” du chaos. Mais si c’est bien ça au niveau du diagramme, on voit bien en quoi le diagramme est un chaos puisque encore une fois il implique l’effondrement des coordonnées visuelles, dans cet acte par lequel la main se libère. En d’autres termes c’est un ensemble de traits mais de traits qui ne constituent pas une forme visuelle, donc ce sont des traits qu’il faudra appeler à la lettre “non signifiants”. Et la tache, c’est quoi ? La tache, c’est peut-être une couleur, mais c’est comme une couleur non différenciée. Un ensemble de traits non signifiants et de couleurs non différenciées. [38 :00] C’est ça le chaos, l’effondrement. Bon. D’où troisième caractère.

Troisième caractère – ça, on l’a vu, alors je peux aller plus vite — c’est que dès lors, si le diagramme c’est le trait/tache, d’origine manuelle qui surgit sur la toile et qui récuse les cordonnées optiques, les coordonnées visuelles, qui les entraîne dans une espèce d’effondrement, comment le définir ? Ce trait tache ? Eh bien, cette fois-ci, on peut pencher vers l’autre côté, [39 :00] essayer de le définir par rapport à ce qui est censé en sortir … puisque quelque chose sort du diagramme. Ce qui sortira du diagramme ce sont les couleurs picturales et les lignes picturales – on ne sait pas encore ce que c’est une ligne picturale ou une couleur picturale. C’est-à-dire l’état pictural des couleurs, l’état pictural de la ligne. Mais le diagramme n’est pas encore ligne et couleurs, il est quoi alors ? On l’a vu : Klee donnait la réponse, il est le gris, la tache c’est le gris, et c’est ça le diagramme, c’est le gris.

Et en quoi c’est ça le diagramme ? Parce que c’est les deux gris parce que le gris est double. [40 :00] Parce que le gris est à la fois le gris du noir-blanc, et dans ce gris là c’est toutes les cordonnées visuelles qui s’abîment, et il est aussi le gris du vert-rouge d’où va sortir la gamme des couleurs ou bien je dirais aussi bien le gris noir blanc d’où va sortir la gamme de la lumière. Ce qui va sortir du diagramme, c’est la double gamme picturale : Lumière – Couleur.

Voyez c’est ce qui disait Klee, dans ses textes qui me semble très beaux précisément sur le gris, « Le point gris saute par-dessus lui-même », [41 :00] c’est le double gris, les deux aspect du gris : le gris du noir-blanc et le gris matrice de la couleur. Bon, mais ce n’est pas encore une couleur, donc il faut bien que quelque chose en sorte.

Et je dirai la même chose pour l’autre aspect du diagramme. La tache, c’est donc le gris dans cette espèce, cette fois ci vous voyez que la tension, elle n’est plus entre l’œil et la main, elle est dans la tache elle-même, la tension. Dans le gris de la tache, dans la grisaille de la tache, il y a les deux aspects, suivant que ce gris est le gris du noir-blanc, suivant que ce gris est la matrice des couleurs, le gris du vert-rouge.

Alors la même chose pour le trait : [42 :00] le trait n’est pas la ligne picturale mais la ligne picturale en sortira. Et à cet égard qu’est-ce que c’est ? Je dirais, le trait ce n’est pas encore une ligne, c’est la ligne qui sera composée de traits. Ou bien je dirais : le trait, c’est l’élément de composition manuel de la ligne visuelle. La ligne visuelle n’est pas composée de points ni même de segments, la ligne visuelle est composée de traits manuels. Il y a hétérogénéité entre le composant et le composé, [43 :00] parce que le trait est exclusivement manuel tandis que la ligne produite par le trait est visuelle. Si bien que le trait faudrait le définir à la limite, plus précisément, pour qu’on sente son originalité propre comme : une ligne qui n’a à aucun moment de direction constante. Dès lors il n’y a pas de réalité visuelle de cette ligne. Une ligne qui change de direction presque à chaque point. Une ligne qui changerait de direction presque à chaque point : ce serait ça le trait. Supposons.

Dès lors, voyez que [44 :00] je distingue le diagramme de deux choses avec lesquelles il est indissolublement lié : son avant, son après. Il est en rapport avec un avant puisque il entraîne cet avant dans la catastrophe, c’est le monde visuel. Il est en rapport avec un après puisque quelque chose va sortir du diagramme. La peinture elle-même. Le trait-tache comme unité picturale manuelle va entraîner la catastrophe visuelle de telle manière qu’en sorte quoi ? Quelque chose de nouveau ? Qu’on appellera comment ? Supposons, c’est commode, le troisième œil ? Il aura fallu que les yeux s’anéantissent pour que sorte le [45 :00] troisième œil mais le troisième œil, il sort de quoi ? Il sort de la main, il sort du diagramme. Il sort du diagramme manuel. Bon.

Quatrièmement, quatrième caractère, disons-le alors un peu plus concret. Et ça j’ai qu’à récapituler les choses qu’on avait vues au début. La fonction du diagramme c’est quoi ? Par rapport à son avant, par rapport à ce qu’il y avait avant lui, c’est justement, défaire les ressemblances. C’est évident là tout le monde le sait, il n’y a jamais eu de peinture figurative — si on définit la figuration, par l’action de “faire ressemblant” — il n’y a jamais eu de peinture figurative, cela va de soi. [46 :00] Défaire la ressemblance a toujours été quelque chose qui se faisait non seulement dans la tête du peintre mais appartenait au tableau comme tel. Même si la ressemblance est conservée, elle est tellement secondarisée que même les peintres qui estiment en avoir besoin, ils en ont besoin comme d’une régulation et non pas comme quelque chose qui est constituant du tableau, en ce sens il n’y a jamais eu de peinture figurative, bon.

Donc défaire la ressemblance ça a toujours appartenu à l’acte de peindre, or c’est bien le diagramme qui défait la ressemblance. Pourquoi ? On l’a vu la dernière fois au profit de — comme disent certains peintres, comme dit, par exemple, Cézanne souvent — au profit d’une ressemblance plus profonde. [47 :00] Qu’est-ce que ça veut dire ? Ou bien pour faire surgir l’image. Prenons ça à la lettre et servons-nous de toutes les expressions toutes faites d’où qu’elles viennent : on défait la ressemblance pour faire sortir l’image. Qu’est-ce que c’est ça ? En cherchant, alors a varier le vocabulaire uniquement pour, dans l’idée que ça peut nous faire avancer. Je dirais aussi bien défaire la représentation pour faire surgir la présence. Représentation-Présence. La représentation, c’est l’avant, l’avant-peindre. La présence, c’est ce qui sort du diagramme, ou bien je dirais aussi bien défaire la ressemblance pour faire surgir l’image, mais à ce moment-là ce qui surgit, ce qui sort du diagramme, c’est l’image bien, l’image sans ressemblance. [48 :00]

La théologie chrétienne a élaboré très tôt très vite, un fort beau concept qui doit d’ailleurs indiquer tous les rapports déjà qui préfigure, les rapports difficiles, art/religion. C’est l’idée de l’image sans ressemblance. Si vous avez fait du catéchisme enfant, vous vous rappelez, on apprend ça dans le catéchisme, on apprend et ça vient des pères de l’église en droite ligne, c’est bien que les catéchismes aient conservés ces formules splendides. “Dieu a créé l’homme à son image et ressemblance, et par le péché, l’homme a gardé l’image, mais il a perdu la ressemblance” : le péché est l’acte par lequel l’homme se constitue comme image sans ressemblance. L’homme a gardé l’image, ça on ne pouvait pas lui enlever, même Dieu, mais il a perdu la ressemblance. [49 :00] Le péché est l’acte par lequel l’homme se constitue comme image sans ressemblance. Qu’est-ce que c’est ? Comment c’est possible ça ? Qu’une image soit image et pourtant pas semblable ?

Une image sans ressemblance bon, c’est bien ça que la peinture nous envoie. Elle nous donne l’image sans ressemblance, si on cherchait un mot pour désigner image sans ressemblance. Toujours dans une recherche de pur vocabulaire. Pour essayer de voir où ça nous mène est-ce que ce n’est pas ça, qu’on appelle icône ? Image sans ressemblance. Et en effet une icône, ce n’est pas la représentation, c’est la présence et pourtant c’est l’image. C’est l’image et tant que présence, la présence de l’image, [50 :00] le poids de la présence de l’image, ça c’est l’icône, c’est l’iconique. Bon.

Alors bien, je dis, voyez, je dirais le diagramme, c’est l’instance par lequel je défais la ressemblance pour produire l’image présence. Je passe par le diagramme pour cela : effondrement de la ressemblance et production de l’image. C’est l’aspect avant et l’aspect après, entre les deux le diagramme ; et c’est pour ça que je proposais par commodité toujours, j’essaie de chercher terminologiquement, distinguons trois choses : les données, la possibilité de fait, et le fait.

Les données, les données visuelles, c’est ce qui s’écroule dans le diagramme, [51 :00] mais pourquoi ? Pour que surgisse le fait pictural. On a vu et notamment le fait pictural. Et le diagramme c’est quoi ? Selon la formule du peintre Bacon ? C’est la possibilité du fait. La possibilité de fait. L’image sans ressemblance bon : je dis à mon avis, à mon avis enfin, ce n’est pas des avis tout ça, — quel est le peintre — alors toujours dans ma recherche de situer un petit exemple par ci, par-là, — quel est le peintre qui a vraiment promu, qui a vraiment imposé comme une espèce de présence brute du fait pictural ? Un des premiers… il n’y a pas de premier parce qu’après tout, c’est vrai de tout temps tout ça, mais un ou qui… notre conscience, quoi de [52 :00] modernes ou de pseudo-modernes, lie énormément il me semble l’affirmation, l’imposition du fait pictural, c’est Michel-Ange. Devant un tableau de Michel-Ange et ce n’est pas par hasard que c’est un sculpteur. Un sculpteur peintre. Il vous flanque là devant un fait pictural où il n’y a plus rien à justifier, c’est à dire où la peinture a conquis sa propre justification. Or ça se fait sous quelle forme ? Ça se fait encore une fois je crois très fort que les catégories esthétiques, les grandes catégories esthétiques sont très bien fondées hein ? Vous savez il y a beaucoup de gens qui disent : oh romantiques ! Classicisme, baroque c’est que des mots tout ça ! Ou bien l’abstrait, l’expressionnisme, je ne pense pas du tout que ce soit des mots ; je crois que c’est très, très bien fondé ; je crois qu’il faut juste chercher des définitions meilleures que l’abstrait, c’est l’opposé du figuratif — parce que ce n’est pas ça — mais en revanche, que c’est de très, très bonnes catégories, [53 :00] et puis que la philosophie en tout cas, elle fonctionne par catégories, donc c’est très bon pour elle.

Or je dis la coexistence, la contemporanéité de Michel-Ange et du maniérisme, est fondamental. Il me semble que la catégorie de maniérisme nous met très bien sur la voie de ce que c’est que le “fait pictural”. Au sens le plus grossier du mot : quelque chose de “maniéré” dans la figure du tableau, dans la figure telle qu’elle est, telle qu’elle sort de quoi ? Telle qu’elle sort sur le tableau, je dirais, elle sort du diagramme. Eh ben, elle sort du diagramme avec une sorte de maniérisme qu’on peut toujours interpréter d’une manière anecdotique.

Prenez les figures de Michel-Ange , les figures du Tintoret, les figures de Velasquez. [54 :00] C’est un mélange de … si on parle très anecdotique, la première impression qu’on a, c’est un mélange de extraordinaire, de efféminement, de maniérisme dans l’attitude, dans la pose, presque d’exubérance musculaire, alors comme si c’était à la fois un corps trop fort, et un corps singulièrement efféminé. Les personnages de Michel-Ange, ils ne sont pas croyables ! l’école qu’on appelle précisément maniériste, et qui fait des chefs d’œuvre intenses mais la manière dont ils font du Christ une figure, ce n’est pas croyable ce qu’on pourrait appeler le caractère artificiel des attitudes et [55 :00] des postures. Bon c’est notre œil qui voit ça, à première vue comme ça, d’une certaine manière c’est évident que c’est le plus beau de la peinture, à savoir c’est l’affirmation du fait pictural. C’est bien forcé que par rapport au donné visuel, le fait pictural présente la figure sous des formes qui parait à l’œil extraordinairement maniéré, extraordinairement artificiel. Et que là-dedans il y a quelque chose comme une espèce de très insignifiant, ce n’est pas le plus profond de la peinture, mais de petite provocation du peintre. La manière précisément de dire : ce n’est pas ce que vous croyez, hein ?

Si bien que lorsqu’on se précipite au niveau de l’anecdote sur des considérations sur l’homosexualité des peintres, ce n’est pas ça hein ? Ce n’est pas ça c’est en tant que peintre qu’ils font du maniérisme. [56 :00] Ouais, forcément, forcément. Bon bien tout ça c’est très insignifiant. Bien. Bon vous voyez : défaire les données visuelles par le diagramme qui instaure une possibilité de fait mais le fait, ce n’est pas une donnée : le fait c’est quelque chose à produire, et ce qui est produit c’est le fait pictural c’est à dire finalement, l’ensemble des lignes et des couleurs, c’est à dire le nouvel œil ; il a fallu passer par une catastrophe manuelle du diagramme, pour produire le fait pictural, c’est à dire pour produire le troisième œil.

Bien, dernier caractère du diagramme, cinquième caractère, je dirais dès lors si vous [57 :00] me suivez : on voit bien que, le diagramme doit être là, je crois même plus qu’il puisse être seulement virtuel… Ou bien il peut être recouvert, mais il est là, il faut qu’il soit là dans un tableau, il ne peut pas être simplement dans la tête du peintre avant qu’il commence à peindre. Il faut bien que le tableau témoigne de cette traversée du chaos ; un abîme ordonné comme dit l’autre [Jean Grenier], un abîme ce n’est rien ; un tableau qui soit de l’ordre, ce n’est rien. Mais l’autre propre au chaos, l’instauration d’un ordre propre à l’abîme, ça c’est l’affaire du peintre…

Mais vous voyez qu’à ce moment-là, même techniquement, les dangers sont très grands. Et je recommence parce que c’est… comme ça j’en aurai fini d’avoir [58 :00] regroupé, reclassé tout ce qu’on avait fait avant, parce que c’est très — je voudrais que vous le preniez très concrètement le plus possible ce que j’essaie de dire ; parce que c’est un drôle de truc cette histoire de … — Encore une fois, c’est l’aventure temporelle du tableau que j’essaie de faire. Je ne vis pas le tableau comme une réalité spatiale, je le vis vraiment temporellement dans cette espèce de synthèse du temps propre à la peinture, l’avant, le diagramme et l’après. Eh bien, les dangers, c’est quoi ?

On les a vus, si je récapitule : un premier danger, c’est que le diagramme prenne tout, que le diagramme brouille tout, que le diagramme brouille tout ! que… maintenant vous comprenez peut-être [59 :00] mieux parce que ce serait… [Deleuze ne termine pas la phrase] Peut-être qu’il y a des tableaux comme ça ou des tableaux qui frôlent ! Parce que les chemins vont devenir très étroits maintenant au point où on en est. Et peut-être que là on aura les moyens de renouveler les grandes catégories. Qu’est-ce que veut dire être abstrait ? Qu’est-ce que veut dire être expressionniste ? etc. Parce que à partir de quel moment je peux dire d’un tableau : ah la la ? Ben on sent bien que c’est affaire de goût qu’à un moment il n’y a plus rien à dire, il n’y a plus qu’à attendre les réactions, que chacun arrive à saisir ses propres réactions, ce qui n’est pas facile.

Arriver à saisir ce que je sens devant un tableau alors que tant de choses me font sentir des choses toutes faites. C’est difficile déjà… mais à partir de quand est-ce que je peux dire ah ! les tableaux qui me font l’impression : c’est raté. C’est raté parce que… il s’en fallait de peu, ça aurait pu être formidable mais non, [60 :00] tout retombe dans une espèce de grisaille ou alors dans une espèce de trait capricieux, des traits capricieux mais finalement arbitraires. Je me dis pourquoi pas ? c’est bien, on peut faire ça mais… ? Il aurait pu faire aussi bien autre chose, il n’y a pas de nécessité là-dedans. Vous savez, l’ennemi de toutes les formes d’expression, c’est la gratuité, quand on vous dit ce n’est jamais le faux, [ou] on ne se trompe jamais ; mais quand on dit quelque chose alors que pourquoi le dire ? Est-ce que ça vaut la peine de le dire ? De même un tableau, ça valait la peine de faire ça ? Peut-être pas ça. Même pour celui qui l’a fait, plein de peintres font des tableaux, et ce n’était pas la peine même pour eux de le faire, on dit bien, mais qui décide ? Je ne sais pas moi, c’est trop compliqué, mais en tout cas, on a l’impression que quelque chose pouvait en sortir ; à ce moment-là, quand le diagramme a tout pris, plus rien ne sort du diagramme. [61 :00]

Alors quand le diagramme a tout pris, je peux dire aussi bien, c’est du pur chaos, le germe est mort. Et c’est ce que Klee nous disait : “si le point gris occupe tout, l’œuf est mort”, c’est bien cette expression de Klee, si le point gris occupe tout, envahit tout le visible, l’œuf est mort. Alors à votre choix. Un peintre juge d’autres peintres, qu’est-ce que ça veut dire ? Il ne juge pas en fait, parce que encore une fois, là j’insiste, parce que de tous les artistes, les peintres sont peut être parmi les plus orgueilleux mais aussi les plus modestes en apparence. Ils ne jugent pas mais ils expriment des convenances, c’est toujours intéressant qu’un peintre dise, pourquoi il n’est pas attiré par telle forme de peinture ? Alors quand Bacon se trouve devant du Pollock, il dit « ah, « c’est du gâchis, c’est du gâchis » ; [62 :00] ça n’offense pas Pollock, hein ? ça ne lui retire rien.

C’est intéressant à quel niveau ? Pas parce que ça nous apprend quelque chose sur Pollock, Bacon, nous apprend quelque chose quand il nous parle d’un peintre qu’il aime et qu’il admire. Quand il exprime simplement, ça veut dire quoi ‘Pollock c’est du gâchis ?’ il va jusqu’à dire à l’expressionnisme, « Je n’aime pas » c’est une formule presque raciste « Je n’aime pas ce gâchis d’Europe centrale » gâchis d’Europe centrale, on voit bien ce qu’il veut dire, lui il est irlandais, il est anglo-irlandais, gâchis d’Europe centrale, bon. Ça nous intéresse en quoi ça ? Ça nous intéresse parce que quand Bacon voit un Pollock, il doit le faire basculer, il doit se dire :” c’est un chaos”, et en effet quand on voit un tableau de Pollock, on peut avoir légitimement l’impression d’une peinture chaos. [63 :00] Bien. Eh bien, oublions Pollock, il y a des toiles qui nous font cet effet : voilà que le diagramme s’est tellement identifié à son premier aspect le chaos, qu’il est lui-même tombé dans le chaos, si bien que rien ne sortira du diagramme, tout est brouillé, c’est la grisaille, ou bien il y a un excès de couleurs qui font que tout est gris, une toile ratée. Bon ça arrive. Voilà le premier danger.

Deuxième danger, qu’est- ce que c’est ? je précise encore oui, ce danger. C’est que au niveau du diagramme, comme le diagramme entraîne, on l’a vu, l’écroulement des coordonnées visuelles, le danger du diagramme, il a été [64 :00] très, très bien formulé — indépendamment du mot diagramme — très bien formulé par Cézanne. Il y a des lettres de Cézanne qui dit, avec une espèce d’angoisse : “au lieu d’assurer leur jonction, les blancs” ; là, comprenez que ce n’est pas un problème de perspective parce que la perspective, ce n’est rien dans la peinture, c’est une notion nulle effectivement ; il y a une notion bien plus… la perspective, ce n’est qu’une réponse possible, au seul problème pictural, que on ne peut poser picturalement, que sous la forme : y a-t-il lieu dans les tableaux, ou dans des tableaux il y a lieu de distinguer des plans, il y a des tableaux où il n’y a aucun lieu de distinguer des plans, eh bien, comment se fera et comment le peintre opère-t-il la jonction des plans ? Mais la perspective, c’est un cas de jonction des plans, rien d’autres ; le vrai problème pictural, ce sera quand il y a plusieurs plans, quel sera le mode de jonction des plans ?

Ben, Cézanne dit, ben oui… [65 :00] du point de vue de l’abîme dans le chaos, au lieu d’entrer en jonction, les plans tombent les uns sur les autres, ils tombent les uns sur les autres. Les couleurs au lieu d’entrer dans une gamme se mélangent. Et ce mélange n’est plus qu’une grisaille. L’objet qui a perdu sa ressemblance – l’objet peint – qui a perdu sa ressemblance dans le chaos, est fondamentalement en déséquilibre. Bon. La chute des plans les uns sur les autres, le mélange des couleurs dans une grisaille, l’objet tout de travers et en déséquilibre, c’est ça c’est le pôle [66 :00] de la toile qui s’est tellement identifié au diagramme, qu’il n’y a plus qu’un chaos. Alors ce n’est pas intéressant les toiles ratées, je dirais ce qui est intéressant c’est, en revanche : qui est ce qui frôle, ce danger-là ? Qui est ce qui frôle, ce danger là et qui en fait, arrive tellement à l’éviter ? à l’éviter magistralement ? Là ça devient intéressant : qui est-ce qui frôle ce premier danger du diagramme mais précisément parce que c’est un grand peintre, ou ce sont de grands peintres l’évitent ?

Ça nous permettrait peut-être de fonder là une première catégorie esthétique : je crois que c’est ce qu’on a appelé là précisément les expressionnistes abstraits, les expressionnistes abstraits, [67 :00] c’est-à-dire toute l’école américaine qui a dominé la peinture américaine, c’est la génération qui a maintenant dans la soixantaine quoi. Eux, je crois la manière dont ils frôlent le chaos, c’est-à-dire le diagramme prend tout, ils frôlent vraiment le chaos, et pourtant le diagramme reste producteur de quelque chose de fantastique. Je dirais, c’est Pollock ça. C’est Morris Louis, c’est [Kenneth] Noland ; c’est enfin tous ceux que beaucoup d’entre vous connaissent. Surtout je retiendrai Pollock au niveau de la ligne, et Morris Louis au niveau de la tâche-couleur. Mais on verra tout à l’heure. Si vous voulez, ce serait la tendance de l’expressionnisme abstrait, pourquoi ? [68 :00] Rapprocher au maximum le diagramme du chaos. Mais évidemment contrairement à ce que dit Bacon, il me semble évident qu’ils ne tombent pas dans le chaos, que leur tableau n’est ni une grisaille, ni un gâchis.

Bon, vous voyez l’autre tension du diagramme. Donc la première tension du diagramme c’est que le diagramme prenne tout à ce moment-là, il n’y a plus qu’une apparence de chaos. Ce serait donc si vous voulez encore une fois l’expressionisme abstrait. Cherchons l’autre tendance. Vous voyez je définis maintenant ces catégories esthétiques en fonction de positions privilégiées par rapport au diagramme, et non pas du tout de position par rapport [69 :00] à la figuration, problème qui ne se pose pas.

Je dis allons à l’autre pôle, la seconde tension du diagramme, ce serait quoi ? se réduire au minimum, se réduire au minimum. Ah bon ? Comment réduire un peu profond ruisseau ? En faire un très peu profond ruisseau, n’en garder que le minimum. Cette fois-ci, tout comme tout à l’heure je disais quand vous élevez le diagramme à sa puissance maximum, il tend à s’identifier à son premier aspect le chaos. Lorsque vous le réduisez au minimum, il tend à s’identifier au maximum à un ordre pictural. C’est-à-dire en fait vous tendez [70 :00] à réduire le diagramme, et même à le remplacer, par quoi ? Supposons — et là c’est la première fois qu’on rencontre cette idée, ce mot qui va peut-être nous servir beaucoup — vous tendez y substituer une chose alors très très étonnante, une espèce de code.

Et là si le mot m’ouvre quelque chose, c’est dans la mesure où je me dis bon : est-ce qu’on n’a pas une nouvelle tension diagramme/code, telle que la différence entre le diagramme et le code nous permettra peut-être d’avancer beaucoup sur : qu’est-ce qu’un diagramme ? Du point de vue du concept philosophique à chercher. Qu’est-ce que ça veut dire ? qui est-ce qui me donne cette impression ? un code évidemment ça peut vouloir dire quelque chose de grotesque, je cherche les tableaux ratés, [71 :00] mais après tout, vous sentez ce que j’essaie de … la tentative de réduire le diagramme au maximum ? non ! de le réduire à son minimum ! et de le remplacer par un code, c’est qui ça ? C’est évidemment une manière possible définir la peinture dite abstraite. Les grands abstraits, on verra c’est juste, on verra si c’est vrai. Mais quand c’est raté, et Dieu que la peinture abstraite a ses mauvais peintres, autant que toutes les autres peintures, mais là c’est une catastrophe, les types qui font des carrés, tout ça, c’est abominable. Eh ben, je veux dire, c’est vraiment prétentieux ; un carré, ça peut être prétentieux, ça peut être sale un carré. Il ne faut pas croire qu’il suffit de faire des carrés pour faire… [72 :00] Ça peut être dégoutant, un carré. Il y a des carrés dégoutants chez les mauvais abstraits. Bon eh ben, tous ces genres de peintures abstraites, qui au niveau le plus élémentaire tendent vers une espèce de géométrisme, qu’est-ce que c’est ça ? On a l’impression que oui, que ce qu’ils tendent à faire, c’est remplacer le diagramme par un code.

Quand ça rate à ce moment-là, quand ça rate, c’est quoi ? C’est lorsque la toile ne fait plus qu’appliquer un code extérieur. Oui, alors si je me sers de la peinture pour appliquer un code extérieur… qu’est-ce qui distingue — autre manière de poser la même question — qu’est-ce qui distingue un triangle de Kandinsky, et un triangle de géomètre ? [73 :00] Qu’est ce qui fait du triangle de Kandinsky, un triangle esthétique? Qu’est-ce qui fait… [Interruption de l’enregistrement] [1 :13 :09]

Partie 2

… Ça ne change rien, si on invoque une géométrie non euclidienne et la possibilité de faire des peintures à partir de codes non euclidiens, ça ne change rien quand à ce problème. Bon, c’est évident que lorsque un grand abstrait, lorsque je dis d’un grand abstrait finalement il tend à remplacer le diagramme par un code, il ne s’agit pas de ça, parce qu’à ce moment-là, la peinture abstraite serait purement à son tour et à sa manière une nouvelle catastrophe pour la peinture. Si les abstraits sont des grands peintres, c’est en quoi ? Si les abstraits sont des grands peintres c’est parce qu’ils ont finalement une idée, ce sont des ascètes, c’est des spiritualistes — il n’y a pas de mal à ça — la vie spirituelle ! [74 :00] Bon, leur âme est fondamentalement religieuse, bien !

Qu’est-ce qu’ils font ? Seulement le code qu’ils ont dans l’esprit d’instaurer – ou dont ils pensent qu’il est possible pour l’avenir – si vous prenez toutes les grandes déclarations des abstraits, c’est toujours tendu vers un monde de l’avenir, ce qu’ils font, mais un monde de l’avenir dont ils annoncent les nouveaux codes — il va de soi, que c’est un code proprement pictural — mais c’est quand même un drôle de truc — alors là, le projet abstrait me paraît — si on le définit comme ceci — il surgit avec tout ce qu’il y a de paradoxal là-dedans : Instaurer un code pictural, c’est-à-dire un code qui soit propre [75 :00] à la peinture, un code qui soit propre à la peinture, c’est-à-dire trouver des éléments codifiables, des éléments de codification qui soient en même temps complètement picturaux.

Encore une fois, la frontière est très mince – tout comme je le disais tout à l’heure. C’est vrai, Pollock, il frôle une espèce de peinture gâchis où le chaos prendrait tout, mais voilà il s’en sort. Les abstraits frôlent une espèce de peinture-code où la peinture s’anéantirait également, seulement voilà, les grands abstraits savent faire et inventer déjà les éléments d’un code, qui est uniquement un code pictural, ils font du code une réalité picturale au lieu d’appliquer un code à la peinture, c’est des kantiens. Pour Kandinsky, c’est évident que c’est un disciple de Kant à certain égard. Ils font [76 :00] une analytique des éléments pour ceux qui ont lu un peu de Kant déjà, ils font une analytique des éléments. Kandinsky c’est une prodigieuse analytique des éléments. Alors, bon, il ne s’en faudrait de rien que, là aussi, ça rate. Bien je dirais donc, j’essaierais du moins de définir la peinture abstraite, en disant, vous voyez c’est l’autre pôle du diagramme, ils réduisent le diagramme au minimum, ils remplacent à la limite, le diagramme par un code, seulement attention, c’est un code proprement pictural, interne à la peinture. Un de ceux qui me donnerait à cet égard le plus raison, ce n’est ni Kandinsky, ni même Mondrian, quoique tous finalement ont bien l’idée fondamentale du code, à savoir Kandinsky [77 :00] comme Mondrian se retrouvent sur un point, qui m’apparaît très fascinant, à savoir que l’idéal du vrai code est binaire.

Simplement, qu’est-ce-que c’est la binarité ? La binarité qui est propre à la peinture, il ne s’agit pas d’un calcul binaire qui produirait des tableaux, ça peut toujours se faire à l’ordinateur, il y a des tableaux produits, un ordinateur peut-être programmé pour faire un tableau. Vous comprenez ce que je veux dire, à ce moment-là, le code est extérieur à la peinture, simplement vous avez codé les données, de telle manière que l’ordinateur vous produit un portrait. Il y a un célèbre dessin, un portrait d’Einstein fait à l’ordinateur, uniquement avec les signes binaires zéro plus, ce n’est pas difficile de programmer un ordinateur en ce sens. Bon ce n’est évidemment pas ça que fait Kandinsky ou Mondrian.

Qu’est-ce-que cette binarité ? Qu’est-ce que c’est la [78 :00] binarité des abstraits ? Le grand rapport binaire, c’est, tout le monde le sait, horizontal-vertical. La fameuse formule de Mondrian, l’horizontal et le vertical, c’est les deux éléments, c’est ça l’analytique des éléments, arriver à l’horizontal et vertical et c’est tout. Parce que avec ce code binaire vous ferez tout. Vous ferez tout, pas au sens où vous appliquez un code extérieur. Vous pourrez développer dans tous les sens le code intérieur de la peinture. Bon, alors ce serait ça, le second chemin de la peinture, vous voyez qui frôle également un danger.

Or, l’abstrait à mon avis, parmi les grands abstraits, l’abstrait qui est allé sans doute le plus loin dans le sens de l’invention d’un code [79 :00] pictural, c’est un — j’y pense parce qu’il a eu une exposition, une petite exposition il n’y a pas longtemps, de lui à Paris — c’est [Auguste] Herbin, pour ceux qui connaissent ce peintre abstrait qui est extrêmement… je crois que c’est un des seuls abstraits qui soit vraiment dans son essence, qui soit vraiment un coloriste. C’est surement, il me semble, le plus grand coloriste ou un des plus grands – H-E-R-B-I-N, je vous en montre un, pour juste réjouir votre œil, c’est facile à voir de loin là [Pause pendant qu’il montre un dessin] Vous voyez ? Joli ! [Puis il répond à une question] — Herbin, H-E-R-B-I-N, il exposait dans une petite galerie, [80 :00] dans une petite galerie, vous voyez, dans une petite galerie, mais c’est fini… [Rires ; un étudiant veut savoir le nom de la galerie] Ben oui, je cherche. Une petite galerie de rive gauche ; je vois la rue, mais je ne vois plus le nom. Non, je vous promets comme j’ai le catalogue, ce catalogue, c’est un autre, plus ancien, et à Paris dans les musées, il y en a des Herbin, mais à mon avis… il n’y en a pas de très bons, ça a dû être racheté. Peut-être, peut-être à Beaubourg, il y a des Herbin. [Une étudiante propose un nom] quoi ? Si, si, rue de Seine, c’était rue de Seine, je vous le dirais la prochaine fois, parce que je regarderai sur le catalogue. Bien.

Et puis le troisième chemin. Là j’ai, comme vaguement, vaguement, comme deux catégories actuelles. [81 :00] Et ces deux catégories de peinture abstraite, expressionnisme, elles me viennent, elles viennent d’où, pourquoi ? tout ça… Pourquoi elles sont modernes ? Je crois que ça répond, à un problème en effet très moderne, qui travaille beaucoup les peintres. Mais moins ils y pensent, mieux c’est. C’est pourquoi de la peinture aujourd’hui ? Pourquoi de la peinture aujourd’hui. Notamment dans la peinture… En effet, que les gens meurent mais au fond. Il y a beaucoup de gens qui se disent « oh bien oui, vous savez les thèmes, l’écriture est dépassée, la peinture est peut-être dépassée », tout ça. Il y a des peintres qui vivent très très fort ces choses-là. Or ceux dont je parle, qui sont vraiment des peintres modernes, je crois, ont vécu ; c’est évident pour les abstraits. Ils prétendaient apporter [82 :00] à l’intérieur de la peinture, parce que, pourquoi la peinture aujourd’hui, ça peut entraîner, à ce moment-là on en parle plus, un renoncement à la peinture. Un renoncement à la peinture, au profit de nouvelles formes d’art ou de pseudo nouvelles formes d’art.

Bien, mais sinon, dans les réponses importantes qui nous sont venues aujourd’hui, des grands peintres actuels, sur “pourquoi la peinture ? pourquoi la peinture aujourd’hui ?” comprenez à quel point les réponses là deviennent très concrètes, par exemple quand c’est une réponse du type Mondrian, en effet, la peinture murale, qui rompt avec la peinture de chevalet, ça veut dire quelque chose. Ça implique une toute nouvelle — apparemment en tous cas — une toute nouvelle conception du tableau, à savoir, que le tableau cesse, [83 :00] en effet, même d’avoir l’air de représenter quelque chose. Pourquoi ? parce que sa tâche est tout à fait autre. La tâche du tableau devient celle-ci : opérer une division de sa propre surface. D’où les carrés, voyez en quoi c’est un code pictural, ce n’est pas l’application d’un code géométrique. La tache du tableau mural, du tableau qui est tombé du chevalet, qui est sorti du chevalet. Le tableau cesse d’être une fenêtre. Il faut qu’il opère lui-même une division de sa propre surface pourquoi ? En rapport, je dirais presque en isomorphisme avec la division architecturale. Avec la division des murs et avec les divisions dans chaque mur, sur chaque mur. [84 :00] À ce moment-là, le tableau n’appartient plus au chevalet comme réalité mobile, il appartient au mur. Et c’était bien l’idée de Mondrian. Ses propres tableaux, il les vivait comme abstraits. Alors abstraits au mauvais sens, tant qu’il n’avait pas des murs correspondants.

En effet, en opérant la division de sa propre surface, la toile doit entrer en résonance avec les divisions de la surface des murs, par-là, la peinture devient murale. D’où l’exigence d’un code, très bien, bon ! Quelle est la réponse ? Pourquoi la peinture aujourd’hui ? Eh bien, voyez qu’elle est… elle ne peut … Finalement elle ne peut sortir que de ce qu’on appelait le diagramme. Si le diagramme, c’est le chaos-germe… [85 :00] Tous les peintres, il me semble, qu’ils le disent ou pas, ils disent que si la peinture vaut encore la peine c’est précisément parce qu’elle a avec le chaos, un certain rapport que, selon eux, alors tantôt en termes philosophiques, tantôt en termes très lyriques, que tout le monde reconnaît à l’homme moderne. Notre monde est devenu un chaos. Notre monde est tumulte et chaos. Kandinsky, ne cesse pas de parler de ça. Le monde moderne est devenu un tumulte et un chaos. Bon… alors pourquoi la peinture aujourd’hui ? alors vous pouvez mettre ce que vous voulez là, toutes les stéréotypies modernes, de la bombe atomique, à l’état des villes, à la pollution, tout ça… [86 :00] tout, tumulte et chaos.

Pourquoi la peinture aujourd’hui ? Parce que sans doute, la peinture trouverait alors sa raison d’être dans la mesure, ou pas simplement elle conjure le chaos. Non, mais elle affronte au plus près le chaos pour en faire sortir quoi ? Une espèce de — risquons le mot — une espèce d’ordre possible moderne. Simplement, comment cet ordre possible moderne va-t-il sortir du chaos sans effacer le chaos ?

Là les réponses varient. Je dirais que la réponse des peintres abstraits c’est : « en réduisant le chaos au minimum et le chaos, c’est la vie extérieure. » [87 :00] Il faut, c’est le thème perpétuel de Kandinsky, il faut refaire à l’homme moderne une vie spirituelle et que la peinture devient l’agent principal de cette vie spirituelle de l’homme. Ça il le dit tout le temps : « une vie intérieure, une vie spirituelle », « la vie spirituelle est devenue vide » dit Kandinsky tout le temps. Faire une vie spirituelle, c’est à dire la tirer du chaos, c’est précisément l’opération de la peinture alors pourquoi ? Ça pourrait paraître verbal tout ça, ça cesse de l’être. Les abstraits sont bien des spiritualistes. Ils sont les héros là, de la vie spirituelle à venir, c’est leur affaire, mais pourquoi ? Je dis, c’est bien, il me semble, si je comprends quelque chose à cette [88 :00] prétention spirituelle de la peinture, le titre du livre célèbre de Kandinsky Du spirituel dans l’art [1912], etc. [La référence est Édition de Beaune, 1954 ; Deleuze cite cet ouvrage dans Francis Bacon. La logique de la sensation, p. 85 note 17] Si cette prétention de spiritualité est effectivement fondée c’est précisément parce que la peinture ne peut pas se passer de cet affrontement du chaos. Et que dès lors les conditions soulèveraient vie moderne et chaos. Si c’est vrai, c’est peut être insuffisant de dire ça mais si c’est vrai, c’est précisément parce que la peinture affronte au plus près, met sur la toile et doit passer par le chaos pour sortir quelque chose que le peintre abstrait pense avoir une réponse. Pourquoi la peinture aujourd’hui ? C’est-à-dire : construire le troisième œil de l’homme moderne. Construire, c’est-à-dire l’œil intérieur. Ça peut aller jusqu’à une espèce de mystique, et chez Herbin, c’est très curieux, très curieux, [89 :00] il y a une espèce de matérialisme mystique chez Herbin.

Bon. A un autre pôle, qu’est-ce que dirait un expressionniste ? Vous voyez mais seulement la réponse des peintres abstraits, elle est bizarre. Parce qu’elle consiste à dire « vous extrairez le germe du chaos en réduisant le chaos au minimum », c’est-à-dire — et ça Kandinsky le dit –formellement : « en vous détournant du tumulte » et en inventant le code de l’avenir. Je pense que l’expressionnisme abstrait, l’expressionnisme lui, il donnerait une réponse à la fois très voisine, pourquoi la peinture aujourd’hui ? C’est là aussi [90 :00] parce que la peinture affronte au plus près le chaos. Seulement, pour un expressionniste abstrait, pour un Américain, pour un Pollock et ses suivants, c’est évident que ce n’est pas en instaurant un code pictural, que l’on sort, qu’on arrive à sortir du chaos. C’est au contraire presque en l’affrontant au maximum. En l’étendant au maximum. En s’arrêtant juste au point où, il serait sur le point de prendre tout le tableau. On va l’étendre vraiment au maximum. Parce que pour eux, c’est une autre manière de vivre le rythme. Parce que pour eux, pour les expressionnistes, le rythme est au plus près du chaos. Et plus vous serez près du chaos, plus vous serez près du tumulte matériel, du tumulte de la matière, du tumulte moléculaire, [91 :00] plus vous aurez des chances de saisir le germe et le rythme. En un sens, la formule du peintre abstrait ce serait : « limitons au maximum le chaos pour faire surgir un ordre moderne qui serait un code de l’avenir». La formule de l’expressionnisme ce serait : « rajoutons toujours au chaos, rajoutons au chaos, juste ce petit grain d’excès par rapport à lui-même tel qu’en sorte quelque chose. »

Vous voyez, ces deux voies à la limite, ils peuvent très bien ne pas se comprendre les uns les autres quoi – ou ne pas s’intéresser à – mais c’est deux chemins très bizarres et chaque fois le chemin frôle la catastrophe, la catastrophe que frôle l’expressionnisme, c’est la chute dans le chaos pur et simple ; la catastrophe que frôle la peinture abstraite, c’est [92 :00] l’application d’un code extrinsèque.

Et c’est ça qui se passe chez les mauvais expressionnistes, alors là quel gâchis ! Ou c’est ça qui se passe chez les mauvais abstraits, oh la la, quel ordre, quel ordre fasciste ! Bon. Bien, et la troisième voie ?

La troisième voie, on aurait presque envie de dire que c’est la voie modérée, seulement c’est une insulte aux peintres qui essayent de suivre cette voie. Parce que la voie modérée, la voie tempérée, vous sentez bien qu’elle n’est pas tempérée, elle est tempérée parce qu’elle n’est ni l’un ni l’autre des deux, des deux pôles qu’on vient de voir mais il y a un troisième pôle, c’est quoi ?

C’est cette opération très bizarre : mesurer le chaos. Passer par le diagramme, mais empêcher que le diagramme se rétrécisse trop ou s’élargisse trop. [93 :00] Garder une espèce ou imposer au chaos une espèce de dimension, restreinte. C’est difficile ça. Alors on peut dire que c’est tempéré, modéré mais en même temps, essayer de localiser le chaos, essayer de le tenir à distance, c’est abominable comme entreprise. Les yeux s’épuisent, la main tremble de toute manière, les yeux s’épuisent et la main tremble. La main tremble parce qu’elle ne suit plus les données visuelles dans le diagramme, les yeux s’épuisent parce que les coordonnées visuelles s’écroulent dans le diagramme.

Alors bon, très difficile je dirais c’est quoi ça ? c’est, c’est toute la, c’est la troisième voie en effet. On ne peut pas l’appeler figurative. C’est cette voie que je définissais, il s’agit bien d’instaurer le chaos, [94 :00] mais que du chaos sorte quelque chose qui serait la figure, mais la figure, ce n’est pas la reproduction, c’est l’image sans ressemblance, je veux dire aussi bien avec toutes les tendances que vous voulez c’est la voie, si je trace la voie à partir c’est Cézanne, c’est Van Gogh, c’est Gauguin, c’est les peintres dits non pas figuratifs mais “figuraux.” Bien. Et on voit bien que même chacun là c’est une position très incommode cette troisième position, le diagramme pour lui-même. Voyez, ni l’étendre jusqu’au point où il tomberait dans le chaos, ni le limiter pour le remplacer par un code, le diagramme, et rien que le diagramme. Mais ça donne, ça donne une importance [95 :00] dramatique au diagramme, alors appeler ça une voie tempérée, ce serait mal et pourtant c’est commode parce que, en même temps c’est la folie de Van Gogh, empêcher que le diagramme donne dans le chaos et pourtant le chaos est là.

En d’autres termes, je dirais presque, alors en termes abstraits, prenez les deux contemporains, : Van Gogh et Gauguin, ils font partie de cette ligne, de ce que j’appelle cette troisième ligne tempérée, mais, à son tour, Van Gogh c’est évident qu’il frôle une espèce d’aventure expressionniste. Et l’envahissement du chaos là, est complètement présent, donc cette troisième voie, elle n’évite aucun danger.

Gauguin, je dirais, c’est l’inverse. Et si on peut dire que Van Gogh, il fait partie des grands précurseurs de l’expressionnisme abstrait, on peut dire également Gauguin lui, [96 :00] il fait évidemment partie des grands précurseurs de l’abstrait. Bon lui, il frôle l’autre aspect. Alors vous voyez nos catégories pourraient commencer à se distribuer comme ça. Et c’est là-dessus, c’est là-dessus que je voudrais qu’on aborde encore trois catégories, pour le moment, que je peux appeler peinture abstraite, peinture figurale, peinture expressionniste.

Et ma question, c’est précisément que, ce qu’on a défini là et on les a définies exclusivement par trois positions par rapport au diagramme. Voyez, on les a pas du tout définies par rapport à la figuration qui était éliminée tout de suite. Ces trois positions, même je dirais à la limite trois positions de [97 :00] diagramme : première position de diagramme : le diagramme frôle le chaos ; deuxième position de diagramme : le diagramme tend vers le code et à la limite est remplacé par un code ; troisième position diagrammatique, c’est les trois grandes positions diagrammatiques, troisième position diagrammatique : le diagramme agit comme diagramme, mais alors, on retourne dans tout – j’essaie d’expliquer. Reprenons l’histoire œil-main, et appliquons les trois catégories. Quand vous vous trouvez devant un tableau – prenez par exemple, pensez à un tableau de Pollock. Qu’est-ce que c’est que ça ? Là, il y a un drôle de problème.

Vous êtes fatigués peut-être, vous voulez une récréation hein ? Quelle heure il est ? [98 :00]

Claire Parnet : Midi.

Deleuze : Midi ? Oui, hein on se repose. Reposons-nous…  [Interruption de l’enregistrement] [1 :38 :08]

[Bruits vagues de Deleuze et de Claire Parnet qui se parlent] [1 :38 :09-1 :38 :46]

… Bon, alors oui, voyez que, on avance un petit peu parce que maintenant on ne se contente pas de la notion de diagramme, mais on a introduit l’idée de position, [99 :00] de positions diagrammatiques diverses. Il y a des positions diagrammatiques, là on a retenu comme trois positions diagrammatiques, or c’est un peu sur ces trois positions que je voudrais donner des compléments le plus concret possible c’est à dire comment ils font – ce n’est pas simplement une question de l’effet sur nous – c’est comment ils produisent ? comment de tels effets peuvent être produits ? Et il s’agit vraiment d’une très lente, pour les peintres, très dangereuse, d’un très dangereux affrontement du chaos lui-même, ce n’est pas un chaos abstrait mais le chaos sur la toile avec ces positions diagrammatiques que chacun vit à sa manière évidemment.

Alors je dis, essayons de préciser qu’est-ce qu’on appelle, qu’est-ce qu’on pourrait dès lors [100 :00] appeler “expressionniste” ? Puisque si j’interprète, en premier, si j’interprète les grandes catégories picturales, si j’essaie de les interpréter comme désignant vraiment des positions de diagrammes, des positions diagrammatiques, il faut savoir quelles conséquences c’est à dire quelles nouvelles définitions de ces catégories ? Dès lors qu’est-ce-que c’est que l’expressionnisme comme position quant au diagramme, comme position diagrammatique. Qu’est ce qui est le plus frappant devant un tableau dit expressionniste ? Finalement il me semble même si on parle de tendance, même si ce n’est pas toujours comme ça, même, la tendance vers laquelle ils vont, c’est quoi ? Il me semble que ça a été très bien défini notamment par certains critiques américains. [101 :00] C’est finalement, si vous prenez un tableau de Pollock à une certaine, pas à toutes les époques, ça dépend, enfin, vraiment, à de nombreuses époques de Pollock, vous êtes déjà frappés par ceci : c’est qu’il y a une négation complète de l’existence organique de la toile sur chevalet.

Qu’est-ce que ça veut dire, l’existence organique de la toile sur chevalet ? C’est une existence organique parce que tout ne se vaut pas sur la toile, avant même qu’elle soit faite, tout ne se vaut pas, à savoir il y a le problème du centre, des centres, des foyers, et des bordures. Et le problème du bord est d’autant plus imposé par l’existence du cadre ou de la limite du tableau. Que faire avec le cadre ? Si vous pensez à un peintre qui n’est pas du tout expressionniste, [102 :00] un peintre comme Seurat, à la manière dont il a cherché des solutions pour que le cadre cesse d’être une bordure figée et les solutions, allant chercher des solutions techniques, scientifiques, esthétiques très variées pour faire que le cadre appartienne au tableau — c’est un problème qui se pose — qu’est ce qui nous faire dire immédiatement devant un tableau de Pollock que cette question-là ne se pose pas pour lui ? C’est précisément l’expression américaine que je prononce dans mon accent déplorable, ce sont les peintures comme on dit « all-over », ce sont des peintures « all-over », l’expressionnisme abstrait américain, c’est du all-over. Ça veut dire que la ligne ne commence pas à un bout mais elle commence virtuellement, elle commençait bien loin avant. Le tableau capte ce qu’il peut d’une ligne qui [103 :00] n’a ni début ni fin. Et à la limite, les bords et le centre sont traités comme strictement équiprobables, équiprobables. Bon, c’est intéressant, qu’est-ce que c’est que cette ligne « all-over » qui va d’un bout à l’autre, qui revient sur elle-même etc., et qui tend à couvrir la totalité du tableau. Voyez que j’ai commencé par un exemple tiré de « la ligne » ; appelons ça “la ligne Pollock” pour le moment.

Ça a été très bien défini, il y a un critique américain qui a publié un long article sous le titre « trois peintres américains », dans la Revue d’Esthétique, ça a été traduit dans la Revue d’Esthétique, et ça a été republié dans un [volume] 10/18 intitulé Peindre, le type s’appelle Michael Fried, F-R-I-E-D, c’est un très bon critique américain actuel. [Deleuze donne la référence dans Francis Bacon. Logique de la sensation, “Peindre, Revue d’Esthétique” (Paris : 10/18, 1976)] Non, il a mal tourné ; on m’a dit qu’il avait très [104 :00] mal tourné parce que… ça arrive, hein ! ça arrive. Mais enfin, cette longue étude sur les Américains actuels enfin une génération déjà un peu vieille et tout à fait bonne. Car ce qu’il explique très bien, c’est, si vous prenez une ligne de Pollock, vous reconnaissez que c’est signé Pollock pourquoi ? Parce que c’est une ligne à la lettre sans contour. C’est une ligne qui ne délimite aucun contour. Si vous prenez une figure fermée, une figure fermée trace un contour.

Alors vous direz : c’est un triangle, c’est un cercle aplati, c’est un cercle, c’est une hémisphère, etc. Voyez déjà ce qu’on peut dire quand à cette ligne sans contour là, c’est au contraire une ligne d’un bout à l’autre du tableau avec des boucles, elle revient sur elle-même etc., mais, elle ne ferme [105 :00] jamais. C’est curieux, une ligne qui ne trace aucun contour si bien qu’il n’y a ni intérieur ni extérieur. Elle ne délimite aucun intérieur et aucun extérieur. C’est une ligne qui passe et ne cesse pas de passer. Vous ne pouvez pas dire « ça c’est l’intérieur et ça c’est l’extérieur ». De même comme la ligne a commencé avant le tableau et qu’on… avant le bord gauche et continu bien après le bord droit, elle est sans début ni fin. Donc ni intérieur ni extérieur, pas de début ni de fin. Voyez, ça va de soi pour ceux qui ont un tableau de Pollock dans la mémoire. Cette espèce de ligne qui à la lettre en tant que ligne ne cesse pas d’être ligne et elle tend à devenir égale à la surface. Une ligne qui développe une puissance d’après laquelle elle [106 :00] tend à devenir égale à la surface, autant dire : un qui développe une puissance de l’un, tel que, un tend à devenir deux. La surface a deux dimensions, la ligne a une dimension, voilà que la ligne de Pollock tend à devenir égale à la surface. C’est l’effort de la ligne pour dépasser sa puissance un tout en restant ligne, dès lors, adéquation parfaite dans l’intention du peintre, adéquation parfaite entre ce qui est sur le tableau et le tableau lui-même. La ligne qui occupera le tableau sera égale au tableau. La ligne sera une surface. Elle sera adéquate à la surface. C’est la ligne sans contour. [107 :00] Donc, la ligne atteint une puissance qui est proprement la puissance de l’infini. D’une certaine manière, le chaos aura été conjuré par lui-même.

Qu’est-ce que c’est ça ? En effet ça perd beaucoup de sens pour ceux qui n’ont pas dans la mémoire, un tableau de Pollock, ça peut paraître très abstrait mais hélas j’aurais dû en apporter un, tant pis, c’est, c’est évident quand vous voyez ses tableaux avec la ligne qui occupe tout quoi. Qui devient vraiment égale à la surface. Je signale, parce qu’on en avait parlé une autre année et quelqu’un ici connaissait bien cet auteur, il y a un mathématicien logicien qui a fait une étude très intéressante sur ce qu’il appelle les objets « fractals ». Il s’appelle, là je le cite pour mémoire pour vous donner le goût des rencontres comme ça, [108 :00] il s’appelle [Benoît] Mandelbrot, Mandelbrot, M-A-N-D-E-L-B-R-O-T, et son livre a paru chez Flammarion sous le titre « les objets fractals ». Et qu’est-ce qu’il appelle les objets fractals ? C’est précisément ces objets qui ont un nombre finalement, un nombre fractionnaire de dimensions. Un nombre fractionnaire de dimensions c’est quoi ? C’est très bizarre les objets à nombre fractionnaire de dimensions. C’est très intéressant. Alors lui, il propose une mathématique et une logique des objets fractals.

Qu’est-ce qu’il veut dire par là ? Eh bien, une ligne qui aurait un nombre de dimension supérieure à un et inférieure à deux. Ce qui a un nombre de dimension égale à deux c’est une surface. Un volume trois. Supposez une ligne qui a un nombre de dimensions fractionnaires, [109 :00] elle tend en tant que ligne et en restant ligne à être une surface. Mandelbrot prend un exemple très simple et très convainquant : vous prenez un segment de droite – vous me suivez là – vous prenez un segment de droite vous voyez. Vous le divisez en trois. La partie centrale, vous y substituez un triangle équilatéral. Vous avez donc, cette figure. Là-dessus, sur chaque segment subsistant, sur chaque segment maintenant vous en avez un, deux, trois, quatre, sur les quatre segments, chacun des segments vous les divisez en trois. Et sur la partie centrale de chaque segment, vous érigez un triangle équilatéral. A l’infini. À la limite, [110 :00] vous n’êtes pas sortis du domaine et de la puissance de la ligne, et à la limite, votre ligne recouvre adéquatement la surface.

On appellera ça un objet fractal, vous voyez qu’il est en plein devenir, il a un nombre de dimensions, il a un nombre de dimensions fractionnelles. Bon il y a toutes sortes d’autres exemples, c’est très passionnant. Ça revient à dire quoi ? Ça revient à dire une chose très simple qu’une ligne que vous supposez changer de direction à chaque moment assignable, aura une dimension supérieure à un, à chaque moment assignable vous lui faites changer de direction, vous obtenez une ligne adéquate à la surface. Exemple donné par exemple approché donné par Mandelbrot, le mouvement Brownien, le mouvement Brownien, c’est de ce type, [111 :00] il n’y a pas un moment assignable ou la ligne ne change de direction. Une ligne qui change de direction à chacun de ces moments assignables si petits qu’ils soient, c’est quoi ça ? c’est très intéressant d’en chercher les formules mathématiques, mais c’est très intéressant aussi de la réaliser esthétiquement, là on est déjà dans un domaine où il n’y a comme pas du tout réduction de l’un à l’autre mais où il y a comme deux expressions : une expression mathématique possible et une expression esthétique autonome, c’est exactement la ligne de Pollock. Bien sûr il ne procède pas simplement par des triangles équilatéraux, ce qui ça serait une formule mathématique : construction de triangle équilatéral au centre de chaque segment à l’infini, c’est une construction mathématique. [Deleuze ne reviendra à Mandelbrot que dans le séminaire sur Leibniz et le baroque, à la séance 2, le 4 novembre 1986, et à la séance 8, le 27 janvier 1987]

Pollock évidemment il prend une solution esthétique, la ligne qui va occuper toute la toile sans tracer de contour, mort au contour. [112 :00] Voyez pourquoi dès lors, les expressionnistes peuvent se dire beaucoup plus abstraits que les peintres abstraits. Ils peuvent traiter les peintres abstraits, Pollock à son tour, il pourrait dire, comme Bacon dit de lui, il pourrait dire : moi Mondrian, ça ne m’intéresse pas, ou Kandinsky ça ne m’intéresse pas, je ne sais pas ce qu’il a dit à cet égard, mais il a dit si peu de chose Pollock que, il n’a pas beaucoup parlé, ça ne l’intéresse pas pourquoi cela ne l’intéresse pas ? Parce que pour lui ça importe très peu qu’une figure soit abstraite ou concrète, ce n’est pas là la différence. Bien plus il dira : “mais les abstraits c’est pur figuratifs”. La différence, elle n’est pas au niveau abstrait ou concret, car encore une fois vous pouvez figurer de l’abstrait, ça reste du figuratif. Kandinsky, [113 :00] on pourrait dire, on va voir quelles seraient les réponses possibles d’un peintre abstrait, mais Kandinsky il peint les triangles, d’accord, il peint les triangles ou il peint des tubes ou il peint des cercles au lieu de peindre des dames et des messieurs, mais en quoi c’est de l’abstrait ça ? Du moment qu’il y a contour, il y a une figure.

Donc pour Pollock, ce n’est pas très intéressant, si Pollock ne va pas dans la catégorie de peinture abstraite si ces catégories encore une fois me semble très fondées, c’est pour cette raison. Pour Pollock la véritable abstraction elle commence avec la ligne sans contour et non pas avec le caractère abstrait de ce qui est figuré par un contour, si bien que du moment qu’une ligne fait contour ce n’est pas de l’abstrait, seule la ligne Pollock, [114 :00] c’est à dire la ligne sans contour. Si bien que la véritable abstraction, c’est ça que l’expressionnisme réalisera et l’expressionnisme sera en droit de dire la véritable abstraction picturale c’est nous, les autres c’est des abstraits extra-picturaux parce que picturalement ils restent figuratifs ils ne sont abstraits que par ce qu’ils représentent. Ils disent qu’ils ne représentent rien mais ce n’est pas vrai, ils continuent à représenter simplement, ils représentent de l’abstrait mais c’est une abstraction extra-picturale en dehors de la peinture, eux-mêmes en tant que peintres, ils sont parfaitement figuratifs puisque ils font des contours, ils se servent de la ligne, ils n’ont pas su détacher la ligne du contour, c’est curieux ça.

Bon, supposons, vous voyez cette ligne, donc à la limite vous pouvez déjà reconnaître le pôle expressionnisme du pôle abstrait. On va voir tout à l’heure, quel est le vrai [115 :00] problème de l’abstraction, mais je dirais le problème de l’expressionnisme, c’est vraiment de tracer la ligne sans contour.

Et je dirais la même chose pour la couleur, que la couleur ne fasse pas contour, c’es très difficile d’obtenir des couleurs qui ne fassent pas contour puisque qu’après tout, il y a deux manières de créer des contours, par la ligne mais aussi par la couleur, la couleur n’est pas moins contour que la ligne, que la ligne qui ferme. Et de même que j’invoquais Pollock pour les lignes sans contour qui me paraissent en effet une invention picturale fantastique quoi formidable, je dirais que Morris Louis, c’est la couleur sans contour, c’est en effet ce que l’on appelle un aspect de l’expressionnisme, c’est ce qu’on appelle du Tachisme. [116 :00]

Mais comment faire justement pour que la tâche ne fasse pas contour ? Techniquement c’est des procédés au besoin très simples, Morris Louis il procède par infiltration, ou bien passage du pigment au rouleau – là encore le rouleau, tiens c’est un nouvel instrument qui s’ajoute à tout ce qui n’était pas pinceau. Pollock, lui, il procédait beaucoup plus avec sa seringue, sa seringue à pâtisserie, et le rouleau de Morris Louis, c’est très intéressant parce que avec infiltration du pigment sur la toile, ça donne des effets très prodigieux de halos, et il vient tout à fait, si on a comme deux visions possibles d’un tableau de Morris Louis, d’un tableau tachiste de Morris Louis, ou bien une vision malgré tout, on rétablit un contour de la tâche, [117 :00] de la tâche couleur mais c’est très intéressant déjà cet effort, parce qu’il faut un effort. On a l’impression qu’une perception se laissant aller justement, ne fait pas contour donc s’il faut un effort pour déterminer une espèce de contour de la tâche couleur chez Morris Louis, c’est bien que quelque chose dans la toile s’y oppose à cette détermination du contour.

Et finalement, ça produit des espèces d’effets de halo qui techniquement sont très très beaux et si c’est relativement facile d’obtenir un halo sur la toile — de mauvais peintres le font — mais il y a une différence avec Morris Louis. Mais voyez, je dis cette définition de l’expressionnisme, “la ligne sans contour” ou “la couleur sans contour” vaut donc pour les deux aspects aussi bien la ligne que, je dirais c’est la ligne chaos, c’est la couleur chaos, ils ont parié sur le chaos, ils ont étalé le chaos sur la toile [118 :00] avec l’idée que plus on arrivera à capter le chaos sur la toile, mieux on en sortira. Voyez c’est en se rapprochant à l’infini du chaos, cette ligne de dimension un, qui prend tout d’un coup la puissance deux ou qui prend une puissance supérieure à l’unité, une puissance fractionnaire, c’est en allant dans ce sens que eux, ils mènent leur tentatives.

Alors si c’est bien ça qui définirait, c’est intéressant le mot expressionnisme, pourquoi alors, il ne faut pas exagérer, c’est très bien de définir l’expressionnisme comme une position diagrammatique, et pas par ce qu’il représente, mais comment ça se fait tout ça ? Je veux dire en quoi c’est de l’expressionnisme ? Le mot expressionnisme, c’est très intéressant, les critiques qui arrivent à bien lancer une catégorie [119 :00] — c’est à leur risques et périls encore une fois — si l’on croit aux catégories bien fondées, c’est à dire si l’on croit à une philosophie de l’art. Je trouve très légitime les gens qui disent : non pas de philosophie de l’art et parler le moins possible sur la peinture, moins on en parlera, mieux c’est. Et même finalement je me demande si ce n’est pas le mieux, oui c’est surement mieux mais enfin faute de mieux, faute de cette position qui est la seule noble, si on fait des catégories, il faut qu’elles soient bien fondées.

Eh bien, le mot expressionnisme, il a été précisément inventé par Worringer, et ça c’est très intéressant car il l’a inventé à un moment où dans les musées Allemands, on râlait beaucoup parce que les Allemands achetaient trop de peintres français, ils achetaient du Cézanne… [Interruption de l’enregistrement] [1 :59 :53]

… gothique, a pris parti [120 :00] et a baptisé ce mouvement, ces peintres expressionnistes et qu’est-ce qu’il voulait dire ? Si vous voulez comprendre l’origine du mot il faut penser précisément à ce que Worringer avait fait lui-même sur le gothique, car il avait essayé de définir cette ligne septentrionale aussi appelée gothique, il l’avait défini d’une manière qui doit nous intéresser au point où nous en sommes. Il l’avait défini comme ceci, il avait dit : c’est très curieux parce que c’est une ligne abstraite, la ligne gothique ou septentrionale ; il disait : c’est très, oui c’est bizarre, c’est une ligne abstraite c’est-à- dire inorganique. Je dis, c’est déjà très intéressant, [121 :00] pourquoi ? Parce que Worringer n’était pas crétin, abstrait pour lui, ne s’opposait pas à figuratif, il ne posait même pas le problème, cela ne l’intéressait pas. Abstrait s’opposait pour lui à organique et en effet dans les classifications de Worringer, le monde classique, le monde dit classique est défini pas du tout, par une peinture figurative mais par une peinture organique.

La ligne est une ligne organique, et ça ne renvoie pas du tout à l’objet représenté, ça renvoie aux facultés des sujets, du sujet qui regarde le tableau, à savoir qu’en regardant la ligne de la peinture classique, le sujet sent en lui-même l’harmonie de ses facultés, l’harmonie organique de ses facultés. [122 :00] Qu’est-ce que ça veut dire ? et bien c’est une ligne soumise à des principes de régularité, de symétrie, de clôture, en d’autres termes la ligne organique c’est la ligne qui fait contour, c’est la ligne qui fait contour et qui trouve son harmonie dans le contour qu’il trace. Voyez c’est pas du tout une définition figurative, mais, pour lui la ligne concrète c’est la ligne organique, elle sera figurative par conséquence, elle représentera quelque chose parce qu’elle sera d’abord en elle-même une ligne organique, elle représentera par exemple l’organisme supérieur : le corps de l’homme.

Bon c’est très bien. Voyez ce qu’il veut dire, tandis que la ligne gothique ce n’est pas ça, c’est une ligne abstraite, c’est une ligne inorganique, il va jusqu’à [123 :00] dire, c’est une ligne mécanique qui substitue à la symétrie organique, la puissance de la répétition, elle substitue à la symétrie organique la puissance de la répétition, la puissance déchainée, il ajoute, la puissance déchainée de la répétition, pourquoi ? La symétrie, c’est au contraire une répétition qui se limite, c’est une répétition qui se ferme, qui fait contour qui par exemple, se réduit à deux, c’est une répétition qui oppose à soi-même le répété, droite et gauche, de telle manière qu’une clôture empêche la répétition de se poursuivre.

Là, au contraire, dans la ligne gothique, la répétition se déchaine, qu’est- ce que cela veut dire la répétition se déchaine ? Il dit admirablement : c’est une ligne mécanique, mais attention, c’est une ligne où les rapports mécaniques sont  [124 :00] élevés à l’intuition. Encore une fois, il parle de Kant — les Allemands doivent tellement à Kant — il parle de Kant, d’élever les rapports mécaniques à l’intuition, c’est pour éviter un contresens sur ce qu’il vient de dire. Si on dit : une ligne mécanique, alors on se dit : c’est une ligne qui pourrait être tracée par une machine, pas du tout, c’est une ligne où le mécanique devient objet de l’intuition, bon, et non plus l’organique. C’est donc une ligne inorganique et là toutes les figures de cette ligne sont possibles : ou bien elle se perd à l’infini dans une convulsion désordonnée, dit Worringer ; ou bien elle revient sur soi et elle expire comme ça là, en convulsion ; ou bien elle ne cesse pas de s’opposer à elle-même à un obstacle et reçoit force et libération de cet obstacle, c’est-à-dire elle s’oppose à un obstacle qu’elle ne franchit [125 :00] qu’en changeant de direction, et elle change constamment de direction.

En d’autres termes, Worringer dans le « gothique », à mon avis, si vous relisez, il y a deux Worringer traduits en français, l’un qui s’appelle Abstraction et Einfühlung chez Klincksieck, et l’autre qui s’appelle L’art gothique chez Gallimard, les deux, il reprend beaucoup de choses d’un livre à l’autre, mais vous verrez que dans ce qu’il appelle ligne gothique, il est tout proche de définir précisément ou d’arriver à l’idée de la ligne sans contour, le mot n’y est pas mais la chose y est dans sa définition de la ligne gothique.

Bon, ce serait ça la véritable abstraction, pourquoi c’est de l’expressionnisme ? parce que voilà, c’est de l’abstrait, voyez c’est de l’abstrait puisque c’est de l’inorganique, [126 :00] c’est une ligne sans début ni fin, etc., qui n’a pas de contour, c’est donc de l’abstrait. Bon, c’est de l’abstrait, mais cet abstrait ajoute Worringer, est doué d’une vie intense, c’est-à-dire ce n’est pas de l’abstrait géométrique, ce n’est pas du concret organique et ce n’est pas non plus de l’abstrait géométrique.

Les gothiques, c’est-à- dire les barbares, c’est l’art barbare, l’art gothique, les septentrionaux inventent, les nordiques inventent cette chose étrange, la ligne sans contour c’est-à-dire l’abstraction non géométrique.

C’est de l’abstrait non géométrique, parce que vous voyez, l’abstrait géométrique ce serait, ça renverrait, il y a l’art [127 :00] classique qui était organique, l’abstrait géométrique, ce serait, exemple typique, l’art égyptien. Bon, mais le gothique, le barbare ce n’est pas ça ! il lance sa ligne sans contour exactement comme son chemin est à lui-même sans fin, ça commence avec l’art Scythe et en effet qu’est ce qui se passe ? C’est de l’abstrait mais ce n’est pas de l’abstrait géométrique, c’est-à-dire c’est un abstrait doué d’une vitalité intense, dit Worringer. Là, la thèse est très belle, il me semble, un abstrait doué d’une vitalité intense, ça suffit à le distinguer de l’abstrait géométrique mais attention “vitalité” ça va le faire retomber dans l’organique. Or on a vu que la ligne sans contour était le contraire de la ligne organique qui fait contour, aussi Worringer s’empresse d’ajouter [128 :00] — et c’est très, très fort dans toute sa conception — c’est une distinction radicale entre l’élément vital et l’élément organique. La vie de la ligne abstraite gothique, c’est une vie non organique, c’est une vie qui excède les capacités de l’organisme et de l’organique, c’est une vie non organique. Et c’est la violence de la vie non organique qui s’oppose et qui transperce le monde classique de la représentation, c’est-à-dire le monde de la vie organique. Les organismes craquent sous la percée de cette vie puissante inorganique, donc la ligne abstraite gothique, c’est une ligne vitale, elle est non géométrique, c’est une abstraction vitale. Voyez, c’est une abstraction très très particulière, [129 :00] c’est la vie qui s’abstrait des organismes et non pas l’essence qui s’abstrait des apparences, comme dans la géométrie.

Alors ça devient bizarre, vous voyez le fondement et l’apparition du mot “expressionniste”, cette ligne abstraite, la ligne sans contour est fondamentalement expressive puisqu’elle est le vecteur d’une vie non organique. Il n’y a pas grand-chose à changer quand on passe de la ligne gothique telle que l’analyse Worringer à un tableau de Pollock, est-ce un hasard ? Ça, je ne recule devant aucun effet facile, mais quand même il faut que tout serve. Est-ce un hasard si, un certain nombre — pas seulement un — un certain nombre de tableaux de Pollock s’intitulent précisément « Gothique » qui consistent précisément, dans cette ligne sans contour [130 :00] qui va faire comme à la limite une espèce d’effet de vitrail ? Bon.

Et le gothique, et c’est tout naturellement que les critiques américains ont baptisé Pollock et ses suivants, donc : expressionnisme abstrait. Voyez donc, la lignée qui nous fait définir l’expressionnisme par la présence de cette tâche ou de cette ligne sans contour en tant que chargée d’une vie non organique et dès lors on rattrape, cette même tendance, on l’appelle parfois « l’art informel ». Autour de [Jean] Paulhan, il y a eu de grandes discussions sur l’art informel, etc. [Jean Paulhan (1884-1968) fit paraître L’ Art informel chez Gallimard en S’ensuivit notamment une polémique avec François Mauriac; référence fournie avec nos remerciements par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023)] Vous voyez en quel sens c’est de l’art informel, là au moins je trouve que notre détermination diagrammatique, elle a un avantage c’est qu’elle rend compte de [131 :00] : pourquoi ça peut aussi bien s’appeler de l’art informel ? C’est quand en effet, il n’y a pas de forme dans la mesure où la ligne ne fait pas contour, mais informel ce n’est précisément pas une donnée première, c’est une conséquence, c’est nécessairement informel puisque la ligne ne fait pas contour. Alors il n’y pas de forme ; en effet, il n’y a aucune forme, la ligne ne détermine aucune forme, ne délimite aucune forme. Bon, et c’est au contraire une espèce de matérialisme pictural à l’état pur, ça rejoint comme un état moléculaire, je crois que c’est les premiers peintres qui ont fait vraiment, qui sont arrivés à une sorte d’état moléculaire de la matière picturale.

L’activité de peindre ne consiste pas à informer quoi que soit ; ça consiste à inventer la matière moléculaire [132 :00] de la peinture, et c’est ce que fait la ligne sans couleur avec les points, les points que distribue, les points colorés que distribue Pollock où la ligne passe toujours à la lettre, entre les choses, entre les points. Vous ne pouvez jamais assigner un point qui serait sur la ligne, en revanche les points sont répartis là dans l’ensemble du tableau, de telle manière que la ligne sans contour passe constamment entre les points et repasse d’une autre manière entre les points. Or la ligne sans contour c’est en effet la ligne qui ne détermine aucune chose mais qui passe perpétuellement entre les choses. Si bien que, à ce moment-là, quand une expression artistique passe au premier plan et prend complètement conscience de soi, vous pouvez toujours revenir sur le passé et dire, eh bien oui ! évidemment, mais de tout temps — alors là les catégories tremblent mais c’est très bien ; elles tremblent d’une bonne manière [133 :00] — de tout temps vous trouverez dans toute la peinture, quelle quel soit cet effort plus ou moins secondaire, cet effort pour faire passer des lignes qui ne déterminent plus des choses, mais pour faire passer des lignes entre les choses.

Célèbre est la formule d’Élie Faure sur Vélasquez, célèbre parce qu’elle a été très bien et très très bien utilisée par Godard, « il peignait plus les choses, c’est plus les contours qui l’intéressait », dit Élie Faure, qui pourtant n’a aucune complaisance pour l’art expressionniste, mais eh bien oui, il peignait ce qui se passait “entre” les choses, c’est-à-dire le mouvement de l’air, tout ce qui est sans contour, la lumière [134 :00] entre une chose et une autre, tout ça, tout ce qui se passe entre les choses, c’est pour beaucoup de peintres, l’essentiel. [Le texte de Faure est Histoire de l’art, l’art moderne I (Paris : Livre de poche, 1988)]

Donc je cite Vélasquez avec ce texte très beau d’Élie Faure et très connu, mais pensez à un peintre comme Turner, alors là, dans la mesure où il y a encore des lignes mais s’il n’y a pas des lignes, il y a des taches couleurs, chez Turner on chercherait en vain, il y a une espèce de dissolution concertée des choses pour faire passer les lignes et les tâches entre les choses. Or tout ça se fait précisément sur fond du diagramme chaos, ça va être l’utilisation du diagramme : faire que le chaos soit tellement étendu qu’il n’y est plus de choses etc., et c’est au chaos lui-même et en étendant le chaos sur [135 :00] toute la toile qu’on lui arrachera le secret de l’ordre nouveau, l’ordre nouveau, c’est le tracé de la ligne sans contour ou de la tache sans contour.

Vous me direz, en quoi c’est un ordre nouveau ? Bien, c’est celui du mouvement moléculaire, l’homme est convié à trouver son ordre moléculaire dans une espèce de matérialisme. Voyez qu’ils ont de quoi, mais il y a des règlements de compte là-dessus ; le spiritualisme abstrait, ça ne leur dit rien du tout, je veux dire c’est un homme tout entier qui se met à peindre, je dirais par nature ; évidemment, un informel, un expressionniste peut avoir une vie spirituelle intense. Je veux dire, j’essaie de ne pas dire d’idioties, mais je crois que sa tendance picturale est profondément une tendance matérialiste picturale, non pas d’un matérialisme extérieur à la peinture, c’est pour ça que lui-même, il peut être très, très spiritualiste, [136 :00] mais il a à faire avec un ordre issu du tracé des tracés moléculaires. C’est comme une micro-matière picturale quoi, c’est forcé. Alors à ce moment-là, tous les rapprochements entre la physique moderne et l’art informel sont fondés ; je n’y vois aucun inconvénient ! Tout va bien ! À partir de cette entreprise, leur abstraction est une abstraction vitale très, très particulière.

Et pour revenir à une chose très simple, Worringer le disait déjà de l’art gothique, il disait : vous comprenez, c’est de l’abstrait, mais de l’abstrait qui fait quoi ? Qu’est-ce-que c’est cet abstrait qui ne trace pas de contour ? C’est des lignes en colimaçon, en coquilles d’escargots et puis qui repartent ou bien qui expirent en elles même dans une espèce de trou tournoyant, bon c’est ça la ligne gothique. [137 :00] Eh bien, à un certain niveau, ça peut-être aussi bien saisi comme un ruban que comme un animal. Seulement un animal non organique d’où le goût des monstres dans l’art barbare, d’où ces bêtes étrangement contournés d’où — là je trouve pas d’autres mots — ce maniérisme à nouveau, ce maniérisme proprement barbare, puisque tout ce que je dis, c’est une espèce d’essai de chanter la gloire du maniérisme en peinture, le maniérisme gothique, ces barbes en spirales qui sont aussi bien des rubans abstraits que des barbes ou bien le pli du vêtement, chez les gothiques, le pli des vêtements dans le gothique qui a précisément ce rôle d’abstraction, la ligne sans le contour et qui joue un rôle alors tout à fait, tout à fait étonnant, mais qu’à un certain moment se soit chargé d’une vitalité et que cette vitalité explose [138 :00] dans ce qui nous paraît, dont on se dit : c’est quoi ? Encore une fois, c’est un ruban ? c’est un colimaçon ? c’est une barbe ou bien ces animaux très bizarres très, très contournés ? Bon l’art barbare, en ce sens, avait déjà tout cet aspect, or la question sur laquelle je termine c’est uniquement celle-ci comment qualifier cet expressionnisme ?

Je reviens à mon histoire l’œil et la main ; vous avez senti un problème. À mon avis, je dirais… et puis ça nous permettrait d’aller très vite, mais on va finir très vite. Je dirais et bien oui, c’est exactement ça la ligne manuelle, c’est exactement ça : la main libérée de l’œil, tant que la main reste soumise à l’œil, elle fait des contours. [139 :00] La ligne reste ou organique, ou géométrique, suivant que c’est l’œil de l’esprit ou l’œil sensible. Quand les yeux s’effondrent, quand le chaos s’installe devant les yeux, la puissance manuelle se déchaîne, à ce moment-là, mais la main est animée d’une volonté étrangère qui va s’imposer à l’œil au lieu de suivre l’œil. L’œil va être frappé par cette ligne qu’il n’arrive plus à dominer dont il n’arrive plus à saisir la règle, la loi, changer de direction à chaque moment ; l’œil n’aura aucun moment pour se reposer, l’œil n’aura aucun moment pour se reposer, le drame de l’œil. [140 :00] Autant fermer les yeux tout de suite, l’œil sera affolé par la main et par le produit de la main, la ligne manuelle.

Dès lors ce caractère manuel de la ligne expressionniste, comment s’étonner que ça ne passe pas par le chevalet ? Comment s’étonner que Pollock étale sa toile non tendue sur le sol, c’est-à-dire qu’il ait besoin de ce rapport tactile avec le sol ? Et ce n’est pas comme ça une coquetterie à sa manière, comment s’étonner que ce soit suivant tous les témoins et les films — puisqu’il a été un des premiers peintres à être filmé en train de travailler — comme on dit, une danse frénétique ? Danse frénétique, le premier critique américain à avoir désigné [141 :00] Pollock et son école, il disait “Action Painting”, c’était un type très très fort, mais on va voir quel problème, c’était Harold Rosenberg.

Rosenberg appelle ça “l’Action Painting” et selon lui c’est l’action même de peindre qui devient en quelque sorte — voyez tout de suite les stéréotypies que ça peut donner — qui devient le vrai sujet de la peinture, le véritable objet de la peinture. “L’Action Painting” a un avantage, cette expression c’est que ça accuse le caractère manuel de cette peinture, ça ne passera plus par le chevalet ou le pinceau, ça passera par la seringue à pâtisserie et par le sol, par la toile sur le sol, ça ce sont des valeurs tactiles, par le bâton, par la brosse, par l’éponge par tout ce que vous voulez, et puis le peintre sera saisi d’une espèce de frénésie, de frénésie tactile, de frénésie manuelle, avant tout, les yeux ne pourront pas [142 :00] suivre, d’où l’intérêt des films où l’on voit Pollock peindre puisque en effet les yeux n’arrivent pas à suivre et la peinture jetée, le jet est tactile, le fameux jet de peinture de Pollock, tout ça, ce ne sont pas les yeux qui commandent, mais c’est la main, la main a trouvé son expression : la ligne que les yeux ne peuvent plus suivre. Bon, la peinture doit devenir une offense aux yeux, en quel sens ? Elle doit libérer l’homme moderne, vous voyez dans quel sens aussi, on essaie de tirer une métaphysique de tout ça. L’homme moderne sera fondamentalement un homme manuel, mais on ne sait même pas encore ce que peut la main si elle se libère de l’œil. Il y a une espèce de — si j’ose dire — de message révolutionnaire, et vous verrez, je vous demande de retenir juste ça parce que, les abstraits vont avoir une position complètement, à la lettre, opposée.

Mais alors ce qui me gêne, [143 :00] et c’est de là que je partirai la prochaine fois, c’est que les critiques américains qui sont très bons, non seulement Fried dont je parlais tout à l’heure mais un très grand critique qui a été très lié à Pollock et qui l’a lancé même et qui a présidé en tant que critique au lancement de Pollock, s’appelle [Clement] Greenberg et qui a fait un livre, hélas non traduit, mais très très intéressant sur art et culture où il parle beaucoup de la peinture américaine de ces années-là. Or Greenberg définit avec insistance cet expressionnisme abstrait de Pollock, de Morris Louis, tout ça il le définit comme l’instauration d’un monde optique pur.

Alors là, du coup, ça m’embête vu l’importance de Greenberg, ce n’est pas possible d’ignorer, il donne tous les commentaires : en quoi l’expressionnisme abstrait pour lui est moderne précisément [144 :00] parce qu’il réalise, un monde qui n’est plus qu’un monde optique pur – en d’autres termes Pollock serait comme le fondateur d’un courant qui se détachera ensuite et qui donnera les arts dit optiques. Un monde optique pur, Greenberg dit bien ce qu’il veut dire, coupé de toute référence tactile. Fried reprend la même thèse dans cet article excellent sur les trois peintres américains, il reprend cette même thèse, Pollock et ses successeurs instaurent et amènent dans la peinture un monde optique pur.

Pourquoi est-ce que ça m’ennuie personnellement, puisque j’ai l’impression exactement contraire ? J’ai l’impression que ce n’est absolument pas un monde optique que c’est un monde manuel et que je ne serais d’accord que sur un point, c’est la nouveauté de l’entreprise. Mais moi, la nouveauté, je la définirais de la manière exactement opposée, à savoir, [145 :00] c’est un pur monde manuel, c’est un monde, c’est une ligne manuelle, c’est la première fois qu’une ligne manuelle est absolument détachée de toute subordination aux données optiques. Alors il y a quelque chose qui ne va pas, d’où la prochaine fois, on partira de là et je crois que c’est simplement un malentendu et c’est évidemment moi qui aie raison… Oui ?

Un étudiant : [Propos inaudibles]

Deleuze : C’est possible de dire ça mais je ne sais pas si cela serait suffisant ; penses-y d’ici la semaine prochaine on repartira de ça… [Pause, bruits divers ; une question d’un étudiant] Quoi ? [Question inaudible] [146 :00] Bon, viens me voir, on repartira de ça… tu viens me voir une seconde… [Fin de la séance] [2 :26 :07]

 

Notes

For archival purposes, the transcript was completed by Paris 8. The translation was completed in August 2020, and the time stamp as well as updates to the transcription and translation were completed in June 2022, with additions and a revised description completed in September 2023. Both the transcript (and the translation) have benefited greatly from the corrections brought to the transcription in preparation for publishing Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023), edited by David Lapoujade, with revisions made in February and April 2024.

April 7, 1981

So, there, we find my three phases: the pre-pictorial moment, cliché, cliché, nothing but clichés. The need for a diagram that will blur, that will clean up the cliché, so that something comes out of it. The diagram being only a possibility of fact, the cliché is the given, it is what’s given, given in the brain, given in the street, given in perception, given, given everywhere. Fine. Notice then, the diagram intervenes as what will blur the picture so that the painting emerges from it.

Seminar Introduction

Following nearly a decade teaching material included in his and Félix Guattari’s A Thousand Plateaus, and also in his first year at St. Denis, Deleuze turned his attention, first, to Spinoza, and then to eight sessions on painting and its intersections with philosophy. These newly transcribed, annotated and now translated sessions are devoted to diverse questions: What relation does painting establish with catastrophe and with chaos? How does a painter ward off greyness and attain color? What is a line without contour? What is a plane, an optical space, a regime of color? Why paint today? Through works by Cézanne, Van Gogh, Michelangelo, Turner, Klee, Pollock, Mondrian, Bacon, Delacroix, Gauguin and Caravaggio, Deleuze entertains important philosophical concepts, such as the diagram, code, modulation, the digital and the analogical, renovating these concepts in dialogue with his students.

English Translation

Edited
Michelangelo, The Holy Family
Michelangelo Buonarroti, The Holy Family (Doni Tondo), oil and tempera on panel, c. 1505-6, Le Gallerie degli Uffizi, Florence (SourceUffizi Gallery).

 

Recalling several concepts previously derived, notably the catastrophe- or chaos-germ, Deleuze adds other painters (Turner, Van Gogh, Cézanne), and citing Bacon on the “diagram”, as one of  three steps of the act of painting (before-painting or pre-pictorial; the diagram; the advent of painting, or pictorial fact), Deleuze associates “givens”, not at all as a blank page, but in fact, a clutter of clichés that require erasing. Regarding the pre-pictorial, Deleuze turns to the work of Gérard Fromanger, how photography was employed in the pre-pictorial process that Deleuze traces, and after citing D.H. Lawrence’s understanding of Cézanne’s process, Deleuze shifts to Michelangelo’s understanding of his own process. Deleuze turns to different examples of types of illustrative and narrative painting, and he cites Bacon’s example of Cézanne’s “Les Baigneuses”, then offers other examples of this process (Michelangelo, the Mannerist movement). Then, Deleuze argues that Bacon’s painting provides examples of the visible body and invisible force relations, as well as the form’s deformations (e.g., sleeping figures, paintings of meat, called crucifixions). Deleuze links between the painter’s “intention” to inevitable clichés with the battle with intentional form passes through a catastrophe from which, through the diagram, the fact emerges as a relation to a force. Deleuze suggests that Bacon’s “screaming Popes” paint “the cry” or the scream, then finds Bacon’s diagram in the painter’s shift to the body escaping itself, e.g., vomit, hiccups, suggesting that this bodily escape is linked to the gaze of people who have “seen something”. Through his painting and interviews, Bacon’s comments inform Deleuze’s insight on the three stages of the creative process itself. Distinguishing the diagram of painters of light from the diagram of colorists, Deleuze announces the subsequent goal as to contrast the diagram from the code and to grasp the will to pass through the diagram to cause another pictorial fact to emerge.

Gilles Deleuze

Painting and the Question of Concepts

Session 2, 7 April 1981

Transcriptions: Voix de Deleuze, Part 1, Véronique Boudon (duration 34:58); Part 2, Chloé Molina-Vée (duration 46:55); Parts 3 & 4, Damien Houssier (duration 1:07:04)

Translated by Alina Cherry 

 

Part 1

Forgive my hesitations in advance. So, last time, we started this kind of… I don’t know what, about painting and I tried to grasp something that… Because this strikes me. Again, what I say has no value, it goes without saying, no universal value. Every time I would like – it’s up to you to see if another painter of whom I haven’t thought, if something is suitable or not – anyway, what struck me in a certain number of painters, was the presence on the canvas of a true catastrophe.

And my question was, actually, what is this rapport, not between painting and catastrophe, but this deeper rapport between a catastrophe and the act of painting? As if the painter had to pass through this catastrophe. Henceforth I tried, and this is all we did last time, I tried to see if there was something we could call, I don’t know, by a very vague word, a first, not absolute first, but for us, a first concept peculiar to painting, a kind of pictorial concept.

And with the help of texts written by painters, we created a kind of concept, a first concept of catastrophe germ, or chaos germ, as if the painting contained this catastrophe germ from which something would emerge. And, in a certain number of painters, this catastrophe germ is visible. So, that obviously poses a problem. In those where it is not visible, can we say that it is still there, but virtual or invisible? These are things I dare not even address, we must be more solid to even ask this question, without it being completely verbal or completely literary; but anyway, in certain painters, it [catastrophe germ] is obvious. And certain painters tell us about this catastrophe through which they pass, again, not personally, although it can have many personal consequences on their own equilibrium; but it’s not about saying that they pass through it personally because this is very secondary; what passes through it is the painting, it’s their painting. And perhaps the most striking text was by Paul Klee, when he talks about these two moments: the gray point as chaos and this gray point that leaps over itself in order to unfold as a germ of space, it leaps over itself and I was trying at least to understand or to interpret it as if there were two grays, these two states of gray, the gray black-white leaps over itself, becoming the gray green-red, that is to say the matrix of color.

Fine, is then this chaos germ that through which the painting must pass in order to… what? For the light to be born, or – and here we see all kinds of possible answers – for the color to be born?

Hence, the admirable title of Turner’s stacks: “Birth of color,” “beginning of color,” and this theme that traverses all the painters, that finally the painting, the painter puts himself in the situation of a creation of the world or a beginning of the world. What would that mean if not precisely that he passes through this chaos catastrophe, he introduces it on the canvas so that something might emerge from it, which is what? Which is obviously no longer the world of objects. It can no longer be under any circumstances the world of objects, but the world of light-color. Now, you understand that – I was insisting on this – there is no general formula for the chaos catastrophe, the chaos germ or the catastrophe germ. It’s obvious that Van Gogh’s chaos germ is completely different – and I’m giving examples from close time frames – from Cézanne’s chaos germ. In addition, it is also completely different from Gauguin’s chaos germ, all of this is… all the more so from Klee’s chaos germ. So, there are chaos germs that are very, very singularized, on which will already play what we’ll call the style of the painter; and what will emerge from them will also be very different.

The painters of light, I think that – although the painters of light can be great colorists – I think that the painters of light who attain color through light, and the painters of color who attain – don’t know, I believe I’ve made a mistake — the painters of light, who attain color through light, and the painters of color, the colorists who attain light through color, well, you see, there are absolutely different techniques, it goes without saying.

So, when I talk about a chaos germ, I don’t mean at all something undifferentiated, on the contrary, it is rather signed, there is already the signature of the painter. And so, last time I was just saying chaos germ; it so happens that a contemporary painter has a word that intrigues me and is of great use to me, so I repeat, it’s Bacon, when he calls this chaos germ a diagram. He says: “yes, in a painting, there is a diagram”, and it was the quote that I had read to you, even in a portrait, well, in a portrait, and what is a diagram? He tells us, “The diagram,” and I think we need to pay attention to the word he uses. “A diagram is a possibility of fact,” and so what interested me – it almost gives me the idea, finally, of what we’re doing here, talking about painting – was a logic of painting, which doesn’t mean at all reducing painting to logic, but considering that there is a logic peculiar to painting.

Well, this word, “diagram,” would serve me all the more that it is frequently and currently used, as I was telling you, by certain British and American logicians; the theories of the diagram are everywhere, and what I would like to do, among other things, in order to reach more logical or philosophical considerations, would be to try to see if painting can provide us with the elements, some elements in any case, for a theory of the diagram. But you see, for the time being, because I tried to situate this diagram or this chaos germ in the time of the act of painting, and I say: yes, very simply, could we not say this, even if we are to correct it later: well, it’s like the second moment in the three moments of the act of painting. It’s in that sense that I was saying, you know, in a painting, there is always an implicit synthesis of time.

And what are these three moments? Well, I was saying that the painting is in immediate communication with a before-painting moment (un avant-peindre). The painting cannot be thought prior to a before-painting (un avant-peindre), that is to say, the painting fundamentally has a pre-pictorial dimension. And I refer to this long text by Cézanne, where he talks about everything that happens before he starts painting. It’s precisely this pre-pictorial dimension that already belongs to the painting. Now, it’s according to this pre-pictorial dimension that the diagram positions itself as a second moment, hence this question: “What is it [the diagram] going to do with respect to the second moment?” “What is it going to do, sorry, with respect to the first moment?”

If there is definitely visible or non-visible in the painting, a belonging and a pre-pictorial dimension, we don’t know yet in what this dimension consists. All I can say is that the necessity or the chaos-germ, that is to say, the diagram, will find its necessity in a certain function that it performs in relation to this first pre-pictorial dimension. What is it [the diagram] going to do? It is going to act, literally, as a kind of scrambled, wiped-off zone, in order to allow what? To allow, undoubtedly, the advent of painting. We’re going to have to clean up, to scramble.

Fine, let’s suppose that for the third moment to come out… So, you see, I have my kind of temporal dimension of the act of painting, the pre-pictorial dimension, the diagram that is going to act we don’t know yet how on this dimension, in such a way that might emerge from the diagram what? Let’s go back to Bacon’s words. The diagram is not yet the pictorial fact. Oh, so there would be a pictorial fact? Perhaps there is a pictorial fact.

Why is it that when critics speak about painting, there is always a word that everybody, many people use, the theme of presence? Presence, presence, it is the simplest word to describe the effect of painting on us, and you notice that I’m not making any distinction for the time being, there is no reason for it, whether it is a Mondrian square or a figure of very classical painting, there is no need for it, there is a kind of presence. Presence, what does it mean when critics use this word? It is used to tell us – and obviously what we know well thanks to them, thanks to ourselves, uh – it’s not representation. Presence is… what is it? We don’t know very well; we know above all that it is different from representation. The painter has brought forth a presence, namely a portraitist, well, he doesn’t represent the king, he doesn’t represent the queen, he doesn’t represent the little princess, he brings forth a presence.

Okay, then it’s a convenient word. It’s another way of saying that there is a pictorial fact. Where does the pictorial fact come from? Well, after all, all the vocabularies suit us, so my three moments: the pre-pictorial moment, which, in a way, I insist again, belongs to the painting; then the diagram; then the pictorial fact that emerges from the diagram.

Okay, we take this as a point, again it’s a hypothesis because it’ll have to be revised, all that. Let’s speak Latin because it is… I’m thinking of a text by Kant, in a completely different field, where he uses a Latin terminology distinguishing… It’s good actually, it is a beautiful passage where he distinguishes the datum and the factum, that is to say, in French it’s less pretty, the given and the fact. And he says: “you know the fact is something completely different from the given.” Well, I’d say that my first stage, the pre-pictorial dimension, is the world of the givens. What is given? So, my question becomes more specific, it will help us: what is given on the canvas before the painting begins?

Fine, I emphasize this because there is a kind of platitude, quite recent, which is a catastrophe, it seems to me, it is a catastrophe because it’s such a distortion of the real problem – either to write or to paint – that it makes everything childish. And I think it’s a theme that, generally those who support it claim to be influenced by Blanchot – but it’s simply an erroneous interpretation of Blanchot who never said anything stupid – whereas the theme they draw from him is incredibly stupid.

This theme, which is ruinous in literature, is the theme of the writer in front of a blank page. It’s silly, but ridiculously silly, and henceforth the problem of writing is: “my God, how I am going to fill this blank page?” [Laughter] So, there are people who write books about this, about the vertigo of the blank page. [Laughter]

You understand, we don’t really see why someone would want to fill a blank page, there is nothing missing from a blank page, I mean, I see very few themes as stupid as this one, which is entirely clichéd. The anxiety of the blank page, you can even add a bit of psychoanalysis to this, the blank page… And sometimes people write novels of up to eighty pages, a hundred and twenty, a hundred and forty pages about this relation of the writer with the blank page.

I’m saying that this is of an unfathomable stupidity, because if someone sits in front of a blank page, he is not going to fill it, it’s forced; moreover, this is accompanied by such a stupid conception of writing that, you understand, it’s just the opposite. When you have something to write, or when you estimate, I’m not saying at all… I’m not making a distinction between true and fake writers, it’s more general… if you have something to write you mustn’t think that you are… it’s the third, it’s the one looking over your shoulder who says: “oh, he hasn’t written anything yet…” “Okay, I haven’t written anything yet.”

But what is the difference between…  my poor head, my excited brain and the page? None, in my opinion, none. Namely, there are already many things, there are far too many things on the page, there is no blank page. There is a blank page objectively, that is to say, a false objectivity for the third party who is watching, but when it comes to your own page, it is cluttered, it is completely cluttered, and that’s exactly what writing means. That the page is so cluttered that there is no room to add anything at all.

As a result, writing will fundamentally be “erasing,” it will fundamentally be “deleting.” What is on the page before I start writing? I would say there is the infinite world, forgive me, the infinite world of stupidity. There is this infinite world… or rather, how is writing a test? It’s just that you don’t write like this, with nothing in your head, you have many things in your head. But in your head, in a way, everything is on the same plane, namely what is good about an idea and what is easy and clichéd. It’s on the same plane, it’s only when you act through the activity of writing that this bizarre selection where you become “act” happens, I’d say the same thing for speaking. When you have something in your head, before speaking, but there are plenty of things, yet everything is on the same plane… no, in a way not everything is on the same plane, but it’s useless editing in your head, there is the test of acting it out either by talking or by writing, which is a fantastic elimination, a fantastic purging.

So, your page is full. Full of what? I would say of ready-made ideas, and you would have a difficult time finding them original. Ready-made ideas, that doesn’t necessarily mean ideas that others also have, you may very well have your own ready-made ideas, entirely your own, although they are ready-made. They are ready-made ideas. Facile, facile, the type of ideas you have when you are eighteen years old and of which you are ashamed when you wake up. No, [it’s] too facile all that, not serious. You understand, the world of ideas, once again, has never been justiciable of the true and the false. It is justiciable of much finer categories. The important, the essential and the inessential, the remarkable and the ordinary, etc. As long as it is in your head, well, you can take very ordinary things for remarkable things. But it’s not innocent, this kind of confusion, when you take something ordinary for something remarkable, it affects the content of the idea. Not just formal stuff, so that’s why you always have books about which you say… I don’t know if you’ve had this experience, but anyway, no, this is not ok, it’s childish. And we would have a difficult time saying in what respect this is false. No, it’s not false, it’s nothing. While the guy seems to find his ideas great, there is something in you… and there are no grounds for discussion.

That’s why discussions are always shit, you know. This is not the place for a discussion at all. I cannot tell someone why their idea isn’t splendid, eh, it’s impossible to say. Fine, that’s simply what we have in our head, the world of ready-made ideas, either collective ideas or even personal ideas. A personal idea is not a good idea because it’s personal… There are some ready-made ideas that are, however, just mine, that are facile; at a pinch, I can mention them in conversation, but if I test them in writing, I say to myself: But what on earth is this? What am I saying, is it worth writing this down? Well, if we ask ourselves that a lot, I’m not saying that we succeed, we can be wrong like everyone else, but we are mistaken less often, we must have urgent questions…  [Brief interruption of the recording] [22:11]

I turn to painting, that’s what interests me: it’s also idiotic to think that the canvas is a blank surface, no more than paper. A canvas is not a blank surface, I think painters know that well. Before they start, the canvas is already full, it is filled with what, before they start? Again, this is for the eye of the guy who walks around and sees… so, he sees a painter, he looks and then says: “you haven’t done much there, huh, there’s nothing.” As for the painter, if he has trouble getting started, it’s precisely because his canvas is full. Full of what? Full of the worst. And you understand that, otherwise painting wouldn’t be a job… the canvas is full of the worst, the problem will be to remove, to really remove these things, these invisible things that have already overtaken the canvas, which is to say, evil is already there. What is evil? What are painting’s ready-made ideas? Painters have always used a word to designate, well not always, but there is a word that’s prevailed for designating what fills the canvas before the painter begins, it’s cliché, one cliché, several clichés. The canvas is already filled with clichés.

Consequently, there will be in the act of painting, like in the act of writing, that which has to be presented, although it is quite insufficient, a series of subtractions, of deletions. The necessity to clean the canvas. So, would that be the role, at least a role, the negative role of the diagram? The necessity to clean the canvas to prevent the clichés from taking. What’s so terrible about clichés? Well, we can say, and in fact people do say that, after all, painters are currently worse than before, and if we had to comment, it’s true in a way. I don’t want to repeat those analyses on the existence of a world of simulacra, authors like [Pierre] Klossowski, for instance, have done them too well; although Klossowski understands simulacrum in a very erudite way, it also includes this aspect, the cliché, the ready-made. We live, we are often told, we live in a world of simulacra, in a world of clichés. No doubt, it is necessary to question progress, certain technical developments in the field of images, the photo-image, the cinema-image, the television-image, etc. Oh well, this whole world of images… but this doesn’t exist only on screens, it exists in our heads, it exists in rooms, it exists in a room, it’s truly Lucretian, you know when Lucretius talks about simulacra that go around the world, that cross spaces in order to come from some place to hit our heads, to hit our brains, all that. We live in a world of clichés, there are posters, there is all that… Fine. In the end, all of that is on the canvas before the painter begins.[1]

And what is catastrophic is that as soon as a painter has found something, it becomes a cliché, and very quickly nowadays there is a production, infinite reproduction of the cliché, which makes the consumption extremely quick. Well, war against the cliché, that is the painter’s battle cry, I think. Now, the painter knows that there are personal clichés as well as collective clichés, that the painter can have his little cerebral idea, his little idea of something new. But every cerebral idea in painting is a cliché. Even if that’s his own personal cliché, it’s still a cliché. I don’t like very much the phrase by Oscar Wilde that’s always quoted, namely, “it is nature that starts to resemble such painter.” It’s not the painter that copies nature, it’s nature that once the painter exists, then indeed, for instance, we start to say of a landscape, oh look, this is a Renoir. To me, this doesn’t seem so complimentary to the painter, it only really shows the speed with which an act of painting becomes a cliché. I start saying in front of a woman: “ah, a real Van Dongen,” in front of a landscape: “oh, this is a Renoir,” cliché, cliché, cliché. Perhaps the painter who struggled… eventually, his clichés, you’ll tell me, don’t have any objective existence on the canvas. Okay, I’m saying that they have a virtual existence, a force, a weight. How will the painter avoid the clichés, both the clichés that come from outside and already force themselves on the canvas, and the clichés that come from him?

It will be a struggle with the shadow because his clichés don’t exist objectively, once again we believe in the blank surface, and yet, they [the clichés] are there. In any case, for the painter, they are there. The one who pushed, to my knowledge… I don’t know, all of them had this drama, how to escape the clichés, even a cliché that would be entirely theirs, it’s a frightening struggle.

Regarding the rapports between painting and photography about which I’d like to speak later, but for now, I would still launch a theme, because I find it relevant at this point. Regarding the rapports between painting and photography and what painters may have learned from photography, or the relevance of photography in relation to painting, all things that seem to me very, very questionable, you understand, you have to distinguish, you have to distinguish because even the painters who use photos, what is this about? What is this about, the painters who use photos today? I’m thinking of a painter, I don’t know what you think of him, if um, maybe, he only suffers from an excess of talent.

There is something… it’s [Gérard] Fromanger. In one of his periods, Fromanger used photos in a way that seems very interesting to me. This was his method. We’ll see if we won’t find again our diagram story. What was he doing? During one of his periods, it was the time when he used photos the most, he would go walking in the street – well, it was his way of looking for the motif – he would stroll in the street, with a photographer, a press photographer, a newspaper photographer. And he would photograph street scenes, especially shops, several shots; that’s what he was doing and I’m asking you to see where the act of painting starts in this process. He wasn’t the one taking the photos, he makes that very clear, and it’s obvious that when we see a photo, um, esthetically worthless, [there is] no esthetic claim. Does the photo have the right to make aesthetic claims? It’s a very interesting problem, I think, quite interesting. But that wasn’t even in question, since the photos were purposely instant press photos; he would take twelve photos of the same scene or of the same shop. Fromanger would select from the twelve photos, he would select, he would select.

That’s where the act of painting was already starting, yet he had painted nothing. There was already an act there, he chose a photo, based on what? He had an idea in his head, what was his idea? There is clearly an intention, what was the intention to paint, and to paint what in Fromanger’s case, from the point of view of that technique? Well, what was his idea, his little idea? He would choose a photo from twelve or ten, depending on a color, which had to be, which had to become the dominant color of the painting to be made. Yes, they were black and white photos, oh yes, I forgot to specify that they were back and white photos. Fine, he would select a photo, like this, so he had twelve photos, he would look at the technical quality of the photo, but if needed, he would pick a photo of a lower technical quality because it seemed more compatible with… the scene vaguely brought to his mind a color. Let’s imagine a scene that would evoke for him a violet, a very specific violet, he would say: “oh, well yes, that scene, I see it in violet.” Then, he would choose the photo that seemed to him the most compatible with – it was already a painter’s choice – this violet he had in his head, that the scene had vaguely evoked for him.

And I can already say: the act of painting began at the level of this first choice. – With this done, what would he do? He would project the photo on the canvas. Fine, he would project the photo on the canvas. [Pause] I like this technique a lot because, I’m not saying that it is a technique that’s the most… [the gap is from Deleuze] besides, it must be abandoned — one can makes a series, a painter can make a series like that, and if he remains there, it obviously becomes a “cliché” in turn. He had an idea, in fact pop art sometimes had similar techniques, but that specific technique, no, it was a little variation, it was a Fromanger variation.

Okay, so what did he do from that point on? You see, he wasn’t painting at all on a virgin canvas, even apparently. There was a kind of truth of painting, which was already emerging, there was the projection of the photo on his canvas. Photo of no aesthetic value, and deliberately worthless. If there had been a photo with even the slightest artistic claim, he wouldn’t have been able to work, I think. So, his canvas had to be filled with the image of the image, with the projection of the photo. I think that finally… [Interruption of the recording] [35:00]

 

Part 2

… his idea of a dominant color, well, his violet for instance, and he would make a first scale. He was a painter, that’s what being a painter meant. He would make a first scale. Scale that I’m going to call, you’ll see why, “scale of light.” He would make his scale of light. You see to what extent we are already, it’s getting very close, indeed, you will have to ask me the question I won’t answer… And he would replace the initial cliché with a new cliché. Obviously, that’s why he couldn’t carry on with this technique for a long time.

Fine, he would make his scale of light, and what does that mean? He would have the photo projected and he would paint everything in violet, the chosen violet, but going from light zones to dark zones. What did that mean in terms of painting? It means that for the light zones, he mixed his violet with white — this is an act of painting — and for the dark zones there was less and less white and, in the end, no white at all, it was the pure violet that gushed straight out of the tube. Let’s see. He would make a scale of light, of luminosity, obtained through the variable mixture of white and this violet. Fine. Then, what was he doing? That was for the background. Or, for example, for the shop. But the photographer had shot a street scene, I made it clear, that is to say, people passing in front of the shop or people coming out of the shop, all that… The violet he had chosen was, technically, for those who know this color, a Bayeux violet, namely, a violet that we call “warm.”

Later we’ll talk about color more specifically, but most of you already know this, the contrast of colors from the point of view of tonality, the fundamental opposition is between warm and cool colors. Warm generally speaking… all of this is quite insufficient because I’m not yet talking about color, warm being a sort of… defining a color with a vector of “expansion,” of movement of expansion; cool with a movement of “contraction.” Among the elementary colors, yellow is called “warm,” blue is called “cool.” Fine.

So, his Bayeux violet was a warm violet. He had thus established his scale of light, and he was moving to a scale of colors. He would make an ascending scale of light, towards the pure Bayeux violet. He would then make a scale of colors. Namely, the dominant “violet” being warm, he was going to paint a man in green, for example, a cool green, since there are cool greens, warm and cool being relative and dependent on hues. He would create a cool green.

So, from a color standpoint, there was this opposition between the cool green, the man in cool green and the dominant “violet.” What was its purpose? The juxtaposition of the “cool green” zone in relation to violet was intended, as painters say, to warm the violet even more. Fine, let’s admit that. We’ll look at all this from the point of view of a very simple conception of colors. You see, when you are, for instance, in front of an impressionist painting, you always have these things, these themes: the complementary relations, the relations between warm and cool colors, how a cool color warms up more, heats up even more a warm color, etc.

Fine, so the cool green warmed the violet even more. Fine. But in relation to the cool green as a new element, what was he going to do? At that moment a whole circuit of colors appears. He was going to paint another man in yellow, in warm yellow. This time, the warm yellow, you see, wasn’t in direct relation with the violet, but it was in relation with the violet via the cool green, etc., etc. He was going to do his scale of colors until the entire painting was filled.

What had he done? – to get back to our theme — How is there a kind of diagram? Where was the diagram located? From the very beginning it was about one thing, it’s a bad case, precisely a bad example and we’ll have to ask ourselves if that’s not always the case with the painters who have had a relationship with photographs. Far from using the photo as if it were an element of art, he completely neutralized the photo and the cliché. He neutralized the cliché in the following way, he projected it on his canvas (but it was a way of avoiding the cliché, much more than using it) because the act of painting only started from the moment the photo was going to be cancelled in favor of a first scale of light, of an ascending scale of light and a scale of colors. Fine.

So here, we rediscover my three moments: the pre-pictorial moment, cliché, cliché, nothing but clichés. The necessity of a diagram that will blur, that will clean the cliché so that something might emerge, the diagram being only a possibility of fact, the cliché is the given, that which is given, given in the mind, in the street, in the perception, given, given everywhere. Fine. You see then, the diagram acts as that which will blur the cliché so that the painting might emerge. Fine. I find my three moments there.[2]

But I’m saying that perhaps nobody has waged the “fight against the cliché” as passionately, as – I would say, even if I had to justify this word later – as hysterically as Cézanne. It seems to me that there is an extraordinary conscience in Cézanne: “my canvas is full of clichés even before I start painting” and the kind of exigency that’s never satisfied in Cézanne is: “how to get rid of all these clichés that are already occupying the canvas?” It’s a struggle with the shadow, only, my question – and we’ll see what that can mean – I feel that the true struggles are always struggles with the shadow. There are no other struggles but the struggle with the shadow. The clichés are already there, they are in my head, they are in me, they don’t need… and when Fromanger brings them out, to put them on his canvas in order to destroy them and to bring out a pictorial fact, it’s already a way of avoiding them. They are already there, and they are already there to such a great extent that I resume the list of dangers.

If you don’t pass through the chaos catastrophe, you will remain a prisoner of the clichés and people could say: “oh yes, he has a nice brushstroke.” It will be worthless, and the painter himself will undoubtedly know that it is worth nothing. Thus, not passing through the chaos catastrophe, that is, not having a diagram, is very, very unfortunate, it means not having anything to say, not having anything to paint. There are many painters who paint and who have nothing to paint. Fine. But there is another thing: mauling the cliché. Mauling, manipulating the cliché. It seems very close to the diagram, to the chaos catastrophe and yet you must feel that it is… I’m trying to… it’s like a premonition of all the dangers, all the practical dangers. It’s far too deliberate, “mauling the cliché.” Photographers keep doing it. That’s not how they become painters. Fine, you can always maul the cliché, manipulate it. [Pause] It’s not… that’s not okay either.

On the other hand, I was saying, the danger that Klee pointed out, if the cliché [Deleuze corrects himself], if the diagram, if the catastrophe, if chaos overtakes everything, it’s not good either. In other words, we are constantly surrounded by dangers, very formidable dangers. So, I’m thinking of a text, I’m not going to read it because I have trouble reading, I’m saying that I would have liked to read it to you, it’s a text by Lawrence, I think I talked to you about it, you’ll read it yourselves, it’s in the collection of articles that appeared in French under the title” “Eros et les chiens” where there is a splendid text on Cézanne.[3] Splendid. I find the theme of the text so beautiful… [D.H.] Lawrence, you know, was painting with watercolors, especially towards the end of his life, they are not very good, but he knew it, he knew it, he needed them. Miller also did watercolors, Churchill too but they are even worse. [Laughter]

A student [near Deleuze]: Barthes too?

Deleuze: Barthes was doing watercolors? Well, maybe they were good. Fine. Lawrence said: “well, there you go, you understand, this is what Cézanne is all about.” And that’s why I’d like you to read this text that says: “never has a painter gone so far in the preliminary fight against the cliché.” Before painting. And he says, and that’s where Lawrence’s text interests me a lot: “but you know, Cézanne had his own clichés.” And indeed, he could do… The painter who submits to his own clichés, what is it? It’s when the true painter creates fakes; as if we were saying: “Oh, this, of course, is a Cézanne, but it’s very close to a fake Cézanne.” You have the feeling that he wasn’t himself. For those who saw it, I was not long ago at the Modigliani exhibition, and curiously, there are Modiglianis, you almost feel… they are admirable, prodigious, but it’s a painter, I don’t know, there was something, forgive me, I feel a little embarrassed, as if he had been too gifted, as if there were Modiglianis at the extreme, [there was] an excess of gift or an excess of ease. Fortunately, Cézanne had no gift. No gift at all.

So then, his fight against the cliché led him to what? To what did it lead him, this fight against the cliché? Lawrence’s passages are very beautiful. At the end, he says: “well, yes… What did Cézanne achieve?” And there is this very beautiful phrase: “well yes, he finally understood the fact pictorially”; what is Cézanne’s fact? What he captured, what he did, what he brought to painting, is “the fact of the apple.” The apple, he understood the apple very, very well, nobody has ever understood an apple like that. What does it mean, “to understand as a painter?” Understanding an apple, that is going to be our problem, but that means making it happen as “fact,” what Lawrence calls “the appleyness of the apple” (le caractère pommesque de la pomme). That’s what Cézanne was able to paint, “the appleyness of the apple.” Fine. At the end of what, what fight against the cliché, what search where Cézanne was never satisfied?[4]

On the other hand, he says: “oh, things are going less well with landscapes, no matter how beautiful they are.” He says the problem with Cézanne was that if he understood so well the appleyness of the apple, he hadn’t really understood, for instance, the feminineness (le caractère féminesque) of women. And no, that… His women… And in this wonderful passage Lawrence says: “Oh well, these women, he paints them like apples and that’s how he manages.” [Laughter] Mrs. Cézanne is a kind of apple, but they are still brilliant paintings, it’s not about… but… and Lawrence says: “it’s excessive, eh, if at the end of his life, a painter will say, like Cézanne: “I understood the apple and one or two pots,” it’s already tremendous.

What did Michelangelo understand? We can transpose, look for… namely, what “fact” they brought? I’d say, well, Michelangelo, among others, didn’t understand much, you know, it’s like everything else, a writer doesn’t understand much, a philosopher doesn’t understand much, we mustn’t exaggerate… they are not people who understand like that… a painter doesn’t just paint anything. Fine, what did Michelangelo understand? He understood, for instance, and it’s quite an accomplishment, he understood “a large male back.” Not a woman’s; a large back of a woman or a small back of a woman would be a completely different thing, that would be other painters. A large back of a man. An entire life for “a large back of a man,” okay, a lifetime for “a large back of a man.” Well, that’s worth Cézanne’s apple. As Lawrence says, these are not Platonic ideas.

Fine, Michelangelo also understood other things, but still, it’s always rather limited, what a painter can understand, namely the pictorial facts that he brings to light. Well, then, what are these since I’m talking about the facts. I cannot say everything I say… it seems to me that it’s sometimes connected to such and such a painter, but there are also things that are valid or not for painting in general.

I mean, it’s always been like that, the painter’s task, to bring forth the pictorial fact, to fight against the givens; yes, I resume my three moments, which are a bit academic, but let’s hope we’ll get something out of it: the fight against the ghost or against the givens, the establishment of the diagram or of the chaos catastrophe and, what comes out of it, namely, the pictorial fact.

So, I would almost say, it’s not contradictory, it’s always existed in painting but I’m saying to myself, well, it has always existed but in a more or less latent way. I was talking about Michelangelo earlier. I would almost say that his importance in painting, for me, is that he is, maybe, maybe, eh, I should nuance all this, one must always nuance a lot, he is the first painter who brought to light in its most raw form what a pictorial fact was. I think that if we had to date this notion, it would date back to Michelangelo.

So, if we try a little… now I take a completely different painter with respect to the periods and the style of those I had considered the last time, I’m saying that “the pictorial fact” is born in its reality, that is, it establishes itself on the canvas with Michelangelo. That would be Michelangelo’s unfathomable contribution.

So, if my impression is correct, I’m thinking now is the time to try to specify what we could call the pictorial fact as opposed to the pre-pictorial givens. Again, the pre-pictorial givens are the world of clichés, in the broadest sense of the word, namely, that against which or the world of ghosts, that against which or the world of fantasy or the imaginary world, anything you want, all that, I’m including it… that is the world of the givens, it’s with all of that the painter has to break. If he stays there, he’s lost. If he stays there, he’ll be a pretty little painter and that’s all. But then, the pictorial fact… it seems to me that it’s Michelangelo who, in a way, invents the pictorial fact, which doesn’t contradict the idea that I also have that… it’s always existed but it is he who brings it to light, who makes us see it. I’m sticking to anecdotes because it’ll help us make headway.

It’s first with Michelangelo that the status of the painter really changes. I mean, the painter clearly had to have the right personality, he also had to have the right epoch, the era is good for that, but the painter stops being a guy who executes orders. I mean, the others, it didn’t stop them from being great and from doing whatever they wanted, but they weren’t arguing, eh, if a Pope… was ordering a commission, they weren’t arguing. What’s new with Michelangelo, which is very important in terms of pure anecdote?

The first anecdote I remember about Michelangelo is that Julius II told him to do this commission. And Julius II has very specific ideas about what he wants and nothing else. Nothing else. Michelangelo does something completely different. In addition, he talks with the Pope, he convinces the Pope, and finally the Pope is fed up and he gives him, as they say, carte blanche. Well, that’s something new. Okay, you’ll tell me, what does this mean pictorially, this anecdote that would otherwise be of little interest?

Well, what does that mean? I’ll tell you a second anecdote. Michelangelo is one of those who exhibit – maybe this existed before, maybe it was less visible – exhibit a splendid indifference to the subject. So, obviously all the painters… we’ll see that, is it true? But maybe the subject is part of the cliché. The subject or the object represented may have always been, for all the painters, the equivalent of the cliché and it’s certainly that which always had to be blurred for the pictorial fact to emerge. In other words, the cliché has always been the object. Fine. So, the cliché was blurred, the object was blurred, in order to bring out what? Well, the answer is simple: the pictorial fact that was already light and color. Okay.

But it turns out that with Michelangelo this indifference to the object or the subject takes on a kind of insolence, such as knowing which Biblical scene Michelangelo represents, knowing what the characters in the background are doing, and we are almost ashamed to ask these questions. We’re ashamed to ask these questions, and especially with Michelangelo, we are ashamed to ask these questions; we feel really stupid when we say: “but what are these four men in the background?” For instance, four men in the background of the Holy Family, all naked, with an attitude that… from the point of view of figuration we can only call a pronounced homosexual attitude. What are these four men doing? We feel embarrassed to ask a question like that because it is so stupid. Fine. It’s… Fine. In the scene, they are doing nothing. What is this scene? It’s called the Holy Family. Okay. Fine. Splendid indifference to the subject there.

That’s where I want to go anecdotally. He is commissioned to paint a battle, a famous battle. Very well. He says: “okay.” And what does he do? He won’t do the painting, he won’t be able to do it. He does a preparatory drawing (carton). What does the preparatory drawing represent? A group of naked young people, in the water, coming out of the water, and in the background, soldiers. People say: “Phew, there are soldiers, that’s already something, huh.” [Laughter]. And a group… what is it doing there? It’s a masterpiece by Michelangelo; these young people naked in the water, splendid, splendid, the soldiers on the horizon. Scholars are looking for answers. Nevertheless, people are wondering why he calls it “The Battle of Cascina.” Scholars are searching. And there is a commentator at the time who says that in this battle, a small group of Florentine soldiers took a bath… and that their commander reminded them of decency – they weren’t surprised at all. Not at all. Fine. Michelangelo is not really interested in the subject. Regarding the battle, he says: “okay, I’m going to paint naked young people in the water.” He says: “they want a battle, I couldn’t care less…” so he invents; these naked young people who would have been surprised by the enemy bathing in the water is a purely invented episode, that’s a bit like a battle. [Laughter]

What does this mean? How is this more than just an anecdote? I’m coming back – I seem to be jumping but I’m not. All of this remains quite identical – I come back to this contemporary painter I was talking about: Bacon. In his interviews Bacon keeps saying: “there are only two dangers in painting” – and that’s not an original idea because it seems to me that it’s always been the idea of all painters – “there are only two dangers in painting, illustration, and even worse, narration.” A great art critic, Baudelaire, was already talking about these dangers: illustration and narration. And what we generally call figuration is the common concept that groups these two things: illustration and narration. So, what happens in front of certain paintings? And yes, what is he doing? Oh yes, someone cuts off someone else’s head, etc. It’s a battle, fine. There is a whole figurative aspect, a whole narrative aspect. Fine.

So, you understand, by dint of making circles and always coming back to my starting point, I’d say that the fight against the cliché is the fight against any narrative and figurative reference. A painting has nothing to show and nothing to tell. That is the basis. If you want to tell something, you have to choose other disciplines, you have to choose narrative disciplines. A painting has nothing to do with a story, it’s not a story. That’s good, but at the same time, you understand, narrations and figurations do exist; they are the givens even before the painter starts to paint, they are the givens. And they are there on the canvas, the figurations and narrations.

There are a certain number of paintings that could be very beautiful and that we already know are not great paintings, precisely because you can’t help saying: “what happened?” Non only: “what does this represent,” that would be… but: “what happened?” For instance, Greuze is a narrative painter in what sense? It’s that you feel the need to… There is a very beautiful painting by a Dutch painter whose name I can’t recall, which shows a father scolding his daughter. And the daughter is seen from behind, an arching back. We can’t see this painting without saying: “but what is the daughter’s expression?” That’s not good, that’s not good. I mean, it can be very pretty, it can be amazing, it’s not great painting, it’s really a painting that’s inseparable from a narrative, right? You understand, that’s not okay. What bothers me … I’m saying this… but you… it’s not at all… what bothers me terribly in a contemporary painter who is actually very good, like Balthus, is that… we constantly have the feeling that the image is taken from something that is happening. There is a story in there. I understand that those who like Balthus may find revolting what I’m saying, so I eliminate, I cross out this unfortunate example.

Fine, fine, fine, removing narration and illustration, that would be the role of the diagram and of the chaos catastrophe. So, getting rid of all the figurative givens because figurations and narrations are given. They are given. Thus, making the figurative and narrative givens pass through the chaos catastrophe, through the catastrophe germ, so that something completely different emerges, namely, the fact.

The fact is what? Bacon defines it quite well and it really applies to all painting. The pictorial fact is when you have several – we see it better when there are several – when you have several Figures in the painting, without telling a story. And Bacon gives an example that could touch us: Cézanne’s “The Bathers” (Les Baigneuses). He says: “it’s amazing, he managed to put twelve or fourteen figures,” take all the versions of The Bathers, and he managed to put several figures, to make them coexist on the canvas – it is implied, otherwise it made no sense, “necessarily,” “necessarily.” Fine. I add “necessarily”: making coexist several figures, without telling any story. If this coexistence is necessary, you then sense what the pictorial fact is. This necessity peculiar to painting.

I’ll give a particularly famous example. A well-known 19th-century painting shows a female nude in a wood. A naked woman and clothed men. A painting that stirred up a scandal, from a figurative point of view, this naked woman and these dressed men. You grasp it pictorially when you eliminate every story. If there was a story, this story could only be disgusting. What’s going on with this naked woman sitting in the grass with these dressed men? It would be a story of little perverts, right? How to remove all narrative givens, all figurative givens in order to bring out the pictorial fact of this naked body in relation to the dressed bodies, the scale of colors or the scale of light, etc.?

So, I come back to Michelangelo, to this famous painting by Michelangelo, The Holy Family. It seems that in this painting he is more scrupulous, he represents indeed the Holy Family and at the same time, the indifference to the subject bursts forth. You understand, it is only from the indifference to the subject that the “pictorial fact” can emerge, namely the painting generates its own “fact.” And what is the “fact?” It’s that there are three bodies. Baby Jesus is on the shoulders of Virgin Mary. The three figures are caught up – there, it’s very well… you’ll see, you have it in mind, you see immediately – in a kind of serpentine movement. This treatment of the figures came from Da Vinci, but Michelangelo carried it to a point… A serpentine movement as if the three figures were literally cast in a continuous flow. [It is] not surprising, after all, that it was a sculptor who brought to light what was to be the sculptural and pictorial fact; perhaps it was easier for sculpture to bring forth a sculptural fact. But as a painter-sculptor, Michelangelo imposes the necessary fact. He imposes the “necessarily” pictorial “fact.” This serpentine movement will, indeed, be prodigious because it gives the infant Jesus an absolutely dominant position which will then completely determine the expression of the figure. The figure of the infant Jesus has this expression figuratively only by virtue of its position in the serpentine. And the three bodies are thus cast in one and the same figure; the same figure for three bodies, that’s it, there is no story. No story, no narration and the figuration itself collapses. At that moment the serpentine will distribute a whole scale of colors. The serpentine plays exactly the role of the diagram, which breaks with the figurative and narrative givens to bring out the “pictorial fact.” The “pictorial fact” is three bodies in one figure.

Fine, “three bodies in one figure,” okay, okay. The “necessity” – I can’t tell you, I can’t find my words, but that’s not a problem – it’s not about saying it, it’s about doing it. There is a “pictorial necessity” of the same figure for three bodies, not a “figurative necessity,” not a “narrative necessity,” a “pictorial necessity,” namely, that can only come from light and color. Thus, I would say that painters are fierce atheists. And at the same time, they are atheists who truly haunt, or at least, the painters… who haunt Christianity… the manner in which they tear away Christianity from all figuration and narration so as to bring out a “pictorial fact.” That’s what we will have learned from this theme, why Christianity seems to them so… or why they experience it as eminently favoring the emergence of the pictorial fact. This goes back a longtime, if you will, to Byzantium. With Byzantium, it’s already in its pure state – when I said that Michelangelo represents the birth of the pictorial fact, it was idiotic, at the risk of correcting myself. Mosaic painting in Byzantium is fundamentally this foundation of the pictorial fact. Fine.

It was mostly in mosaic; as for oil painting, I think that maybe we have to wait, after all. What was the name of the movement that coincides with Michelangelo and to which Michelangelo actually belonged? So, I’m going to say something about this point because it interests me a lot. There is a term for it. The movement to which Michelangelo belongs as founder, at least as co-founder, and which will last long after his death, is called Mannerism. Why was it called Mannerism? It’s because the bodies have very contorted attitudes, at the extreme, they are very artificial. For instance, in the Holy Family, the four characters in the background. [They are] very artificial, very… with sometimes homosexual stances, sometimes contorted stances. Mannerism is very interesting as… [Deleuze does not finish the sentence] In a painter like Bacon, if you see paintings by Bacon, you singularly find – I find Michelangelo’s influence on Bacon obvious. If you want to see what it is like to discover a large back of a man… he obviously had to make a triptych, he needed three. There is a triptych by Bacon which represents, seen from behind, a man, a figure that is shaving. I’m showing it to you, you won’t see anything, but it’s just so you have an idea. I’m turning it slowly – and I’m reluctant to show you images, this really should be a course without images – did you see it? [Laughter]

Fine, you see the three male backs. It’s interesting because there is a scale… the color of the reproduction is awful, I think, because it’s a difficult color. Actually it’s… there is a dominant ocher-red, a dominant blue on the central panel and to the right, the co-existence of blue and red. What I’m interested in is… Let’s consider a problem because we’ll have to come back to it. The question of painting, in accordance with what we’ve just said, but which you already knew, is not to paint visible things, is obviously to paint invisible things. Now, the painter only reproduces the visible precisely to capture the invisible. What does it mean to paint a large male back? What is it? Well, it’s not painting a back, it’s painting forces that are exerted on a back or forces that a back exerts. It’s painting forces, not painting forms. The act of painting, the “pictorial fact,” is when the form is related to a force. Yet, the forces are not visible. To paint forces is, indeed, the “fact.”

Everyone knows what Klee says about painting: “it’s not about rendering the visible, it’s about making visible,” which implies: making visible the invisible. To make visible something invisible. Fine, showing the visible is figuration. That would be the “pictorial given,” which needs to be destroyed. It is destroyed by the catastrophe. What is the catastrophe? We can therefore make some progress; the catastrophe is the place of forces. Obviously, it’s not just any force. “The catastrophe is the place of forces.”[5]

The “pictorial fact” is the “distorted” form. What is a “distorted form?” Distortion is a Cézannian concept. It’s not a matter of transforming, painters don’t transform, they deform. Deformation as a pictorial concept is not just the deformation of the form, it’s the form as a force is exerted upon it. The force has no form. It is therefore the deformation of the form that must make visible the force, which doesn’t have a form. If there is no force in a painting, there is no painting. I’m saying this because we often confuse it with another problem, which is more visible but much less important. We confuse this with a completely different problem, which is that of the decomposition and recomposition of an effect. Let’s take for example, “Renaissance painting: decomposition-recomposition of depth”; after some centuries, “Impressionism: decomposition-recomposition of color”; take next, “Cubism or in another way, Futurism: decomposition-recomposition of movement.”

Fine. This is very interesting, but it only concerns the effects. That’s not the act of painting, not at all. It’s not decomposing, recomposing an effect. What is it then? I say it is to capture a force. And I think that’s what Klee means when he says that it’s not about rendering the visible but rendering visible.

So, the form will have to be sufficiently deformed for a force to be captured. It’s not a story, it’s not a figuration, it’s not a narrative. And the role of the diagram will be to establish a place of forces such that the form will come out of it as a “pictorial fact,” namely, as a deformed form, in relation to a force; it is therefore the deformation of the pictorial form that makes the non-visible force visible.

I’ll give a very simple example because there too Bacon has strangely succeeded, it’s one of his domains, still in the series of questions for each painter. What did he understand pictorially? What did Bacon understand pictorially? Well, again, no painter understands much, eh. [It’s] too tiring to understand something. It is not incorrect to say that Cézanne had it “for life with his apples.” Fine, Bacon understood, indeed, “a large back of a man,” in a frame, in a triptych. But it’s not inaccurate to say that this may not be the best Bacon because Michelangelo had understood the same thing in the same way.

But a large male back, that means including the relationship with forces. What kinds of forces? All sorts of forces. In Michelangelo’s case, and this would respond to these very variations of stylistic devices, sometimes it’s inner forces… [Interruption of the recording] [1:21:57]

 

Part 3

… the most natural poses according to the invisible force exerted on the body. Bacon is capable of making the most contorted figures in the world. But you have the feeling that they are like tortured bodies. Yet, it’s a first impression, which is figurative and narrative, because if you take another look, how can I put it, a pictorial look, you notice that if you come to understand vaguely the force that is being exerted on the body, the body has the most natural position according to this force. Let’s give quotidian examples, almost restoring a kind of figuration, but the secret figuration of a painting. Let’s take someone who has a backache, a mild one, nothing serious, huh, who has a slightly dislocated vertebra and who has to sit, for some reason, has to remain seated for a very long time. If you look at him outwardly, you’ll see that he takes the posture that may seem the most tortured, the most contorted in the world, but which, in fact, and depending on the forces exerted on it, is the most natural, and precisely the one that will allow him to last the longest.

If painting, if the pictorial fact… what I mean is this: the pictorial fact is fundamentally and essentially “mannerist.” Why? Because mannerism is exactly the effect that a figure has on us, that a form has on us, a visible form, when we don’t see the invisible force exerted on it. If through your pictorial eye, that is, your third eye, if through your third eye you seize the force exerted on the body – because this is the object of painting: capturing the force – at that moment this body ceases to be mannered; it remains mannerist, since we’ll have to define mannerism as the rapport of the visible body with the invisible force, and that’s what gives it this mannerist attitude. Hence, I believe that mannerism is in fact a fundamental dimension, a consubstantial dimension of painting.

Fine, but capturing a force is not easy, you know. So, you are a painter, and you want to draw a sleeping man. It’s nothing, what would a painter do if you, if we… when you’re not a genius you can draw surprisingly well a sleeping man! It’s illustrative in what case, and it stops being illustrative and even narrative, well then… Narration, fine: this man falls asleep, he was tired. So, the context is narrative: it can be night, it can be day, it’s not the same story if I fall asleep during the day, at night, all that. Okay, the lines you draw are figurative: a character on a bed, fine. I’m saying that all that is the world of the pre-pictorial givens. So, it matters very little, after all, that some painters pass through those givens. What does it matter if other painters don’t draw them on canvas? It matters very little. Anyway, even those you draw them, they do so in order to scramble them, to make them pass through the diagram. And what is the pictorial fact that emerges from the diagram? What is it? It would be too easy to say: ah well, it’s the body as it relates to the sleep force. “Sleep force” doesn’t mean anything, it only reiterates that he sleeps. You understand, a great painter can capture this very well. The sleep force is multiple. Bacon draws a lot… he paints a lot of sleeping characters. These are, in my opinion, some of his great achievements. Bacon’s sleepers are extraordinary.

What strikes us? Well, I think there is one thing that strikes us, if you see reproductions or if you have them in mind, it’s what he grasped – and I really only see him doing this, there may be others who pulled this off – he has completely captured what must be called the flattening force of sleep. You know, a truly fatigued body, lying down, and we can even grasp it visually! But how can you show that? That’s being a great painter. The body that seems to empty itself completely, to flatten out on the mattress. As a result, it’s literally not a body without thickness; if I paint a body without thickness, it’s worthless, it’s a failure. If I paint a body losing its thickness, it’s an accomplishment. Fine. The form in relation with a force of deformation, namely, the force that flattens it. However, Bacon’s sleepers take… So, then we understand why he flanks them with standing attendant figures. Attendant figures…

And that also allows us to answer questions such as: what is important, what is secondary in a complex painting? You see, for instance, Bacon’s sleepers… again this seems to me one of his great achievements. So, sleepers lying on a bed. This can be in a triptych, the other two panels, left panel and right panel, show bulky and very contorted characters. There are Bacon triptychs where the essential element is on an outside panel, right or left, not in the middle. The sleepers can very well be placed on an exterior panel. So, we ask ourselves: where is the force, what force is it? And what is the force that touches you in the painting?

Well, for Bacon this is very curious, it’s his way of experiencing sleep, but you understand, it’s no longer a cliché. I could have otherwise drawn a sleeping man, a wonderful drawing, a wonder of features, a wonder of colors. I could have drawn the bed, a marvelous bed. Okay, fine, we’re moving on to the next painting. No interest whatsoever. When something strikes you, it’s the pictorial fact that strikes you. These paintings I mentioned earlier don’t have a fact. There is no pictorial fact. There is a fact that concerns sleep, there is a narrative fact, an illustrative fact, there is everything you want, but no pictorial fact. No advent of a pictorial fact.

So, what do you have to do? What do you have to do to be a great painter? Well, you look… I see two forces; in fact, it’s always complicated because… Bacon, it’s his business, I’m sure he’s a man who has a special relationship with sleep. Because that’s where we find the rapport between lived experience and painting, we must… I imagine Bacon sleeping a lot, a lot, a lot. He’s definitely not an insomniac. An insomniac wouldn’t have to paint this. So, under what agent does he sleep? I dare not think about it… but he certainly sleeps a lot. Well, if he was insomniac, it would be a catastrophe, but it doesn’t matter. Fine. So, it’s very curious for him. Here too, there is something purely illustrative. There are a lot of sleepers in Bacon, since he has made entire series of male or female sleepers, a lot of sleepers who sleep with one or even both arms raised. You see, they are lying down… their thigh raised.

Fine, what I’m saying is figurative. That’s what I call the given (le donné). I can say to a painter: indeed, this is given, this is pre-pictorial. Perhaps Bacon himself sleeps like that. It’s pre-pictorial. Maybe Bacon likes this position, huh, a raised leg, a raised arm, and sleeping like that. There is every possible combination: the pillow can be high, the arm like this and the body like that, the arm leaning on the pillow, but… fine. You see, if I say, well, I can always say to a painter: I’d like you to paint a sleeper with an outstretched arm. Fine. What’s the difference with a Bacon sleeper? I was saying earlier: look at Bacon’s sleepers and see if you have the same feeling as me, namely, that the form is in fact deformed, even if only slightly, by a flattening force. Henceforth, sleep wouldn’t be simply defined tautologically as a sleeping force. Sleep for Bacon, as it is experienced by Bacon, is a force that flattens the body. Flattening induced by fatigue, by sleep.

There is something else that seems to me very curious. I’d say that Bacon also did, you know –we’ll see how a painter’s different themes can short-circuit – Bacon painted numerous pieces of meat. He even calls them by a particularly sophisticated name: “crucifixions.” Pieces of meat that he calls “crucifixions.” The piece of meat has always existed, few painters have resisted it. [It’s] extraordinary for a painter, a piece of meat, because it’s such a matrix of colors. Certain painters are particularly well known for their pieces of meat. There is at least a large piece of meat in Rembrandt, which is marvelous, a truly marvelous carcass. And then there are the endless, yet so beautiful, series of Soutine. Now, when you see the pieces of… Figuratively we can say, well, at least three great painters – Rembrandt, Soutine, and Bacon – have depicted pieces of meat and whole carcasses. Fine, figuratively, narratively, no interest so far.[6]

If I ask myself: why is Bacon interested in the piece of meat? [It’s] not necessarily the same thing that interests Soutine, or that interests Rembrandt. Well, it seems to me that there is something very interesting in the pieces of meat. It’s that he experiences the piece of meat, the carcass, as a movement; of course, this is not new! But a movement through which the flesh comes off the bones. The flesh comes off the bones as if instead of an organization – in a living body there is a kind of flesh-bone organization; in Bacon, what distinguishes precisely the carcass from the living body is the flesh; the flesh doesn’t become soft at all, it’s firm, it’s a firm flesh, and at the same time a flesh that comes off the bones. Literally, I cannot think of a better term, it’s flesh that descends from the bones. It descends from the bones. Now, if you look – I suppose you look at a Bacon and you agree with me – what interests him in a piece of meat is that the flesh descends from the bones. It must be done, eh! How can you paint a flesh that descends from the bones? [There is] no recipe, it’s a force. There is a force of weight proper to meat – that’s what interests Bacon in meat – the force through which the flesh descends from the bones. Here! Descent – crucifixion! The operation through which the flesh descends from the bones, that is the crucifixion, or the way in which Bacon experiences the crucifixion.

As a result, he will call these kinds of pieces of meat that look like they are dripping, that descend from the bones, he will call them crucifixions. Fine, this opens new perspectives for us, what is… In other words, the crucifixions that interest him are descents. But the theme of the crucifixion in relation to the descent traverses all painting. Hence the question takes on a new development: and the old painters that we admire, how did they represent the descent from the cross? What were they doing? What interested them in the descent from the cross? Certainly not the same thing that interested Bacon. I’m not saying at all that it was the flesh descending from the bones, that’s not it, but it had to be something else, it had to… wasn’t it also a story of strength?

Anyway, you know what I mean. When Bacon paints his sleepers, with an arm raised or a thigh raised, but if you look at the painting, and this is really a question of looking, not reasoning, understand me, it’s terrific indeed: it’s an entire movement that allows the arm to count as a bone, the raised thigh to count as a bone, and therefore the entire body of the sleeper descends from this quasi-bone, descends from this bone. This is the descent process: all these sleepers are “crucifixions,” this is the movement of the flesh that descends from the bones. And he needs… Even if his preference, which is a figurative given, is to sleep like that, the pictorial function of the raised arm is completely different: it is to assign a sleep force, the sleep force. For Bacon, one of the sleep forces is the movement through which the flesh descends from the bones. [It’s] a bit like when you put your head upside down, lower, and your cheeks go up. They go up, that is, they tend to go out of orbit. This movement of the flesh that descends from the bones, the head upside down, etc., the body flowing from the raised arm, the body falling from the raised thigh. Indeed, you cannot see Bacon’s paintings, these sleepers, without constituting the body as descending from this thigh, as descending from this arm, and that’s what I call the pictorial fact.

As a result, I would say that in Bacon’s sleepers there is a deformation of the form; the pictorial fact is exactly this: a deformation of the form according to two forces – I only see two, but someone else will see others! I don’t think these are the only forces, or maybe Bacon experiences sleep as the place where these two forces operate primarily, a flattening force – flattening of the body – and a descending force. The body descends from the bones. A sleeping body is a piece of flesh because it’s a body that descends from the bones. And it’s a flattened body. It has no story. When you have reached that, it seems to me that you have reached, I don’t know, but you have reached what the painter is showing you, namely, what he makes visible. In this painting he made visible two invisible forces. And if he needs standing and contorted attendant bodies, these bodies, in turn, have forces, they make visible forces, but in my opinion – it’s up to everyone to perceive the painting as they wish – in my opinion, it’s secondary. The successful rendering of sleep was more important. As a result, the voluminous and contorted bodies are only like witnesses of sleep and only have a secondary value, but we could say something else…

Fine, you see, I always come back to my three moments; you always have figurative and narrative givens. You always have them. It’s pre-pictorial, they are already there. It’s the photos, the clichés, anything you want. Ideas. It’s… why are they already there? This is the intention of the painter. The intention can only be figurative and narrative, even for the most abstract painter, that’s why we cannot make any distinction. We’ll see when we can differentiate between such and such trend. At this point, there is no reason to make even the slightest difference. When Mondrian paints a square, well, all the ready-made squares are already there. He’s exactly in the same situation as the others. When Pollock draws a line that crosses the entire painting, his canvas is already full of all the lines that fail, of all the clichéd lines, of all the ready-made lines. Fine.

So, there is no reason to make even the slightest distinction at this level. So, you have this world of givens, of clichés, and I’m saying that it’s the intention of the painter. In what sense? The clichés, the ready-made, are inseparable from the intention of the painter as the painter wants to paint something. Once again, when you are a painter, you want to paint something. I would say that what makes the cliché unavoidable is that the cliché is fundamentally intentional. Every intention is a cliché intention. Every intention is aimed at a cliché.

And there is no painting without intention. What do I call intention? Well, if I try to give an abstract but at the same time simple definition, I would call intention the difference between an apple and a woman. I mean, Cézanne doesn’t have the same intention depending on whether he plans to paint an apple and to paint a woman. And you’ll say to me: “and when you intend to paint nothing?” There is no “painting nothing” … Mondrian doesn’t have the same intention when he wants to paint a big square or a little square. Fine. However, it’s the intention that already promotes the cliché. Therefore, it is forced that the cliché is on the canvas before the painter has begun. I’d say that the intentional form is always figurative and narrative in painting. It cannot be otherwise.

As a result, the task of the painter and the act of painting begin with the fight against the intentional form. I cannot achieve the intentional form – if there was a dialectic of painting, it would be this – I cannot achieve the intentional form, namely, the form that I intend to produce, I can only achieve it precisely by fighting against the cliché that necessarily accompanies it, that is, by blurring it, by making it pass through a catastrophe. I call this catastrophe and this chaos-germ the place of forces or the diagram. And if this succeeds, if the diagram doesn’t fall into one of the multiple dangers that we’ve seen – now that we’ve said that the dangers are multiple, we’ll come back to this – if the diagram is really operative, as a logician would say, if the diagram is really operative, what emerges from it? The diagram was the possibility of fact, the fact emerges from it. The fact is the form in relation to a force. What will the painter have made visible? He will have made visible the invisible force.

I’d like to give an example that fascinates me, but it’s rather so that you can find your own examples. There is a painter from the 19th-20th century who belongs to the great expressionist tradition: [František] Kupka. It seems to me that we could ask: what did Kupka understand if it’s true that Cézanne understood one or two apples and then Bacon understood a male back and three sleepers? What did Kupka understand? He understood something that seems much more important, and yet he’s not a greater painter than Cézanne or Bacon. He makes a lot of planets that rotate, with colors that are very, very… it’s beautiful expressionism, eh. But I don’t find… for Bacon, I can comment a little, if you wish, I have the feeling that what I said earlier defined well the forces that Bacon was able to capture with respect to sleep. Regarding Kupka, I feel infinitely more modest, he’s an absolute mystery to me: how can we explain that with some small balls – with indications of rotation, etc., of course – Kupka managed to capture a force that can only be called a force of rotation and gravitation. So, a kind of astronomical force. I mean, in the end, I’d like that someone who understands Kupka better than me, or who loves him, uh… I admire this tremendously because I see a very big achievement… in other words, it’s a great deal to capture a force of this nature! And it’s true that in a Kupka painting, even in a quick one, even almost a sketch, it’s, it’s… a fantastic thing. In the beautiful Kupka, of course! There too you can feel how much he can fail. What is needed, for the invisible to be captured or not captured, that is to say, made visible?

I’m taking up one of Bacon’s expressions, that way I’ll flesh this out: at one point he did many series of screaming people. People who were screaming, Popes in particular. There is a marvelous series of screaming popes. It’s in Bacon’s “popes” series. Fine, fine, a screaming pope, all that. What does it mean? He uses a very beautiful formula, he says in his interviews: you know, one must really look at all of this because what I’d like – he’s being modest – what I’d like is to paint the scream more than the horror. Painting the scream more than the horror, that sounds to me like a painter’s saying. Yet, he’s one of the painters who painted the most horrors. He knows it well. He didn’t spare us, it’s awful. His crucifixions, they’re awful! There is a crucifixion which represents a piece of meat with a screaming mouth, caught in the piece of meat, and at the top of the cross, a dog is waiting. And the dog, he’s very, very disturbing, well, this is a horror, he painted a horror here. So why does he tell us: you know what interests me is painting the cry rather than the horror? Well, he knows well, he knows well, and the more he continues… and that’s the painter’s journey. But once again, they are very harsh when they judge themselves. He says: well yes, in all my beginnings, I never knew how to separate the cry and the horror, I painted the horror. But painting the horror is still figurative, it’s still narrative. Horror is easy. That’s the lesson of sobriety. More and more sober.

What does this mean: more and more sober? However, it isn’t easy, it’s so difficult to achieve it that you must go through these kinds of excesses and childishness. Painting the horror. Painting the horror, painting an abominable scene, okay. Maybe he had to go through it… But even when he was already painting the horror, it was certainly so that he could extract something else from it, namely, the scream. Painting the scream is something else. Why paint the scream? The scream, well, what it is? If I compare the scream and sleep, what’s the difference between them? Or rather, what is the resemblance? There is at least one resemblance between the scream and sleep, which is the pictorial resemblance, namely, that in every case there are bodily figures – I’m using figures precisely, a bizarre expression apparently, bodily figures – there are bodily figures, to be specific, that only exist to the extent that the body is in relation to forces, either inner forces or external forces.[7]

There’s only that which is interesting: when the body is connected with forces. So, the painter may first tend to put the body in relation to unbearable, insurmountable forces, even Michelangelo did it! What does that mean, more and more sobriety? Learning that the secret of painting or that the most beautiful pictorial facts occur when the forces are very simple, very rudimentary. There will no longer be forces that will torture a body, there will no longer be horrible forces, there will be the flattening force of sleep. We start by creating abominable accident scenes, for instance someone who is run over by a bus, and then we realize that the real flattening of the body is not at all the bus that crushes you but the daily fact that you fall asleep. And that in the fact of falling asleep there is a pictorial fact, which may be worth all the sufferings in the world, all the accidents. At that moment you will be able to recover everything, the torture and the horrors of the world, just by painting a man asleep. It’s forced. That’s what I mean. This sort of search for sobriety, for an even greater simplicity. [It’s] what [Samuel] Beckett has achieved in literature, making something more and more sober, which is in a sense all the more striking, all the more overwhelming. But in Beckett’s early works there is still too much profusion, there is still a kind of narrative and figurative abundance. Later he’ll reach this kind of state, of pictorial fact, which, in his case will become the literary fact, a sort of literary fact in its pure state. Fine. You understand, that is what capturing forces means.

So, the scream rather than the horror. The scream, fine. What is it? It’s the body in relation to a force that makes it scream. Fine, what is this force? You understand, if I answer as I didn’t want to answer earlier, that “the force that makes you sleep is the need for sleep,” we wouldn’t have learned anything. I would be back in the figurative and narrative realm. If I say, “the force that makes you scream, well, it’s the spectacle of the world,” I find myself fully in the figurative, then I have to paint a scene which will reflect that the figure I’m painting at the same time in the scene, screams. I will be entirely in the figurative. That is not what I call a force. A force is the invisible force. That’s why I was saying that the only struggle is with the shadow. There are only the relations between the body and the invisible forces, or the insensible forces. There is only the struggle with the forces. And what is the role, what is the relationship between the visible and the invisible? Between the visible and the force that’s not visible? The relation between the body and the force seems to me very simple in the end: because the body is visible and will sustain a creative deformation on behalf of the force, then the visibility of the body will allow me to make visible the invisible force.

It is to the extent that the body embraces the invisible force exerted on it – hence the theme of the struggle with the shadow – it’s to the extent that the body embraces the invisible force exerted on it that the invisible force becomes visible. How? Everything becomes blurry. Does the body make it [the invisible force] visible as an enemy or does it make visible as a friend? If the painter manages to compel a dying body to make visible the force of death, perhaps at that moment death becomes for us, and for the represented body, a true friend. This means that everything that was facile, figurative, awful, horrible, becomes very secondary relative to a kind of immense vital consolation. In any case, capturing a force is cheerful.

So, the screaming mouth is necessarily related to what? Not to a visible spectacle. I’m thinking of Kafka’s very beautiful words in a letter where he says: well, what counts in the end is not the visible, but what? It’s capturing, detecting – no, he doesn’t say capturing, it comes down to the same thing – detecting, detecting the diabolical powers of the future that are already knocking at the door. In other words, they are already there in some way. But they are not visible. I mean, take for instance, fascism, the torture States, all that… there is something visible, but there is also something that exceeds all visibility. What is terrible is never what one sees, it’s… it’s still something that is, that is what? Underneath? Not visible? The diabolical powers of the future that are already knocking at the door. So, there you go, first stage: I paint a horrible spectacle and a screaming mouth before this spectacle. As beautiful as this may be, it is still figurative and narrative.

Second stage: I erase the spectacle. I only paint the screaming mouth. I had to pass through the diagram, through the catastrophe that dragged away all figuration. And painting only the screaming mouth means, in fact I don’t just paint the mouth, at that very moment I captured the powers. The powers that make one scream. In such a way that the screaming mouth becomes both the friend and the enemy of these powers. These powers are transformed. All this is very curious.

Thus, we can clearly see that in Bacon’s case, I gave this example, well, we’ll have to see, everything I say about painting in general, sleepers, people, seems to me so constant… But Bacon has his vanity, painters always have their affectations. He actually deals with horror, or even sometimes the abject. But he follows this path less and less, he exhausted this avenue, he is very hard on himself for having taken this path. But he paints a great deal of hiccups, vomiting. He has a very beautiful painting: “Character at a washbasin.” There is a guy who throws up in a washbasin, we don’t see the vomiting but the entire attitude of the body, his back. A vomiting back, there! A back subjected to the force of vomiting. You understand that this is not easy to paint, after all. So, he is holding the washbasin as if… Fine. What is there in common between vomiting and a scream? [It’s] not difficult. There are two efforts – there too we may find one of Bacon’s obsessions. There are two movements through which the body tends to escape from itself. This is curious. To escape, to escape. My body escapes from me. It’s a very strong sense of panic, it’s panic. This is the catastrophe. The body has to, well, if the body is to be painted, in Bacon’s case, it’ll have to pass through this catastrophe of the escaping body: this is Bacon’s diagram. It can escape in very different ways: it can escape through vomiting and through the scream. It’s really not the same mouth, the mouth that vomits and the mouth that screams. It’s not the same thing. To escape, a body that is escaping, that’s curious. My body escapes from me.

I don’t know if you’ve ever had surgery but those who underwent surgery have this experience which I think helps people understand things. Well, those who’ve had a serious operation. It’s funny. First of all, the operation, um… if I were a painter, that’s what I’d try to… Someone who underwent a serious operation, something formidable. So, figuration would be representing an operation. This is obviously not interesting, not interesting at all. Fine. But in an operation, you know, there is something very odd, which is that even when the operation wasn’t life-threatening, the patient who comes out of it – it’s enough to look at him afterwards – is exactly as if he had seen – but seen without tragedy, I’m not saying it’s tragic – as if he had seen death. I mean, the eyes are amazing, the eyes of a freshly operated patient [Laughter], if you haven’t been around one, go to a hospital, do whatever it takes, but you have to see this, I think, not even out of curiosity, I’m not saying things out of some deplorable perversion but almost out of tenderness. If you really want to feel something for humankind, go see people who have had surgery. Their eyes are completely washed, as if they had seen something – that wasn’t horrible, it’s not at all… – as if they had seen something that can only be death, a kind of limit of life, eh. They come out of it with this very, very pathetic gaze, very… Fine.

Rendering that gaze. Rendering that gaze would only be possible if the painter manages to capture the force. But with what deformation of the gaze? It’s not as if he had a stye about the eye. It’s something else, something quite different, it’s… Fine. [It’s] impossible to say. I was able to express it a little in Bacon’s case with regard to sleep. I can’t, I wasn’t able to say anything about Kupka’s astronomical forces. That’s what defines a great painter, you know? So, in the post-surgical experience there is something quite amazing, it’s that your body has a tendency to run away, to escape everywhere at once. To the point that… it escapes from all ends. And it’s not at all worrisome, it’s even what we call a fine convalescence. You feel that you lost control over your body, that it escapes everywhere. So, that is a funny experience. And when I mention this gaze of people who have seen something, it’s a shame they forget so much, otherwise people would be wonderful, they wouldn’t forget an operation, they would come out of this fine. One has the impression, after an operation, that they have understood something. But it’s not them! It’s their flesh that has understood something. The body is intelligent all the same. Their body has understood something that they will then forget so quickly, so quickly. Fine, it’s a pity, right? A sort of kindness, a sort of generosity emanates from them, because this death which they saw, and which becomes visible in their eyes – it is very curious – insofar as it becomes visible, it ceases to be the enemy, it is in a way their friend. In other words, it becomes at the same time something other than death. That’s what a great painter shows.

Fine. So, in Bacon: the body escapes, vomiting. Vomiting, fine. I’ll be reading so I’ll grab my glasses. That’s it! I’ll read you a passage from a great novelist. It’s curious, from before Bacon, eh. Here’s the story, the narrative. There is a moment in the novel – this is really a novelist whose narrative is excessive. I tell you right away, it’s Conrad, Joseph Conrad, in a very beautiful novel titled The Nigger of the ‘Narcissus’. Here’s what happens: the ship is sinking. And there is a sailor who is caught in a bulkhead – in a… not in a bulkhead, in a cabin! Everything has collapsed, everything is blocked, he can’t be saved. And his friends want to save him because he’s… he’s a fetish, because on the one hand he’s black, he’s the only black man on the ship, and on the other hand he’s sick all the time.

So, among Bacon’s obscurities, we want to save him all the more because he is condemned. And the entire crew gets down to business, like crazy, without really knowing why they must save him. They must save him, and they finally get to the cabin after all kinds of efforts and with a device, I don’t remember exactly what, with a piece of metal, they smash a bulkhead. They smash a bulkhead. Here’s the text: “We watched the crowbar stubbornly smash the joint of two planks. A cracking sound, then suddenly the crowbar half disappeared in a splintered oblong hole” – you see, the crowbar sinks into the wood and the bulkhead suddenly gives way – Archie, the sailor who was holding the crowbar, “withdrew it quickly,” and – this is where the amazing passage starts, eh, so, the nigger of the Narcissus is locked in a cabin – and “that infamous nigger,” why infamous? You’ll understand in a moment, so “that infamous nigger rushed at the hole, put his lips to it, and whispered ‘Help’ in an almost extinct voice…” You see, there is a tiny hole, a very small hole in the bulkhead, and the guy who is locked up and panics, presses his lips against it, at the risk of getting hurt, and whispers “‘Help’ in an almost extinct voice; he pressed his head against the wood, trying madly to get out through that opening one inch wide and three inches long.”[8]

Why is this effort infamous? So, I’m trying to define physically – we’re not doing philosophy, eh – abjection. Abjection. What would abjection be? I wonder if abjection isn’t the constant effort – we are all abject in that case – the constant effort (or from time to time) that traverses the body and through which the body tends to escape through an orifice, either an orifice that belongs to it, namely, that is part of its organism, or an external orifice. That would be it. Why would that be abjection? I have no idea! Someone tells me all of a sudden: “oh, I’d like to pass through a mousehole.” Abject, why? I don’t know. There is something abject about it. In fact, why does someone want to pass through a  mousehole? Because they are ashamed. “Being ashamed, I would like to become smaller than a mouse.” But forget the saying, the ready-made formula: passing through mousehole is abject. How can a person be reduced to passing, wanting to pass through a needle? It’s grotesque, right? He who vomits is abject twice, because on the one hand his body is reduced to this… [Interruption of the recording] [2:08:43]

… serious, it’s not serious. Okay, fine. So, that’s what throwing up is about: my whole body, because it’s not just what I ate, it’s my whole body that’s trying to escape through one of my orifices. And the scream? It’s the same with the scream. Thus, I call abjection, but with no pejorative meaning, the effort of the body… So, escaping like this. But it [the effort] is ramped up by the fact that… so, I attempt to escape through one of my orifices, in fact the effort is always ramped up: I also try to escape through an external orifice, like the guy of the Narcissus, namely, Bacon’s spasmodic throwing up, clinging to the washbasin, manifestly trying to escape through the drain. His whole body attempts to escape through the drain. Does painting give an account of that, if it gives an account of that? Bacon could have called this painting “Abjection.” Because this would have been a highly figurative title, and he’s very conservative with his titles, he calls it: “Figure at a Washbasin.” “Figure at a Washbasin,” okay. This belongs to a series, and we see the relationship with the scream. There too it’s in terms of the rapport “body/force.”[9]

So, you see, all figuration – even if it continues to be present, it can continue to be present – will be neutralized, nullified. It continues to be present in Michelangelo, and it continues to be present in Bacon. In a so-called informal painter, it will no longer be present. In a so-called abstract painter, it will no longer be present. But, present, currently present or not, even when it’s no longer present, it is virtually present. Obviously! Once again, it makes one with the intentional form. Any intentional form is figurative and narrative. But in painting the intentional form is the first moment of the act of painting. The second moment, as we’ve seen, is to introduce chaos, the chaos germ, or the diagram, which will define the possibility of the pictorial fact. And the third moment is the pictorial fact itself.

So, you understand, I’d like to give an example in order to conclude, that way I will have finished what I had to say, for instance, about Bacon. There is this very beautiful text by Bacon. Here it is. But alas, I still have to show you a little bit of painting. But you won’t see anything, so it’s worthless [Laughter]. You see, there is an umbrella. I’m telling you there is an umbrella, for those who cannot see. There is a man under the umbrella, but be fair, I hope you are not going to contradict me; anyway, since you cannot see anything, I can say whatever I want. [Laughter] We can only see the lower half of the face of the man under the umbrella, with a rather disturbing mouth, a jagged mouth, and this mouth and this entire lower half rise up. In my opinion, they rise up. [It’s] impossible to draw him descending from the umbrella. It’s as if he were grabbed by the umbrella. He rises up into the umbrella as if to escape through a point. Fine. And then, at the top, [there is] a large piece of meat. Additionally, [there are] the colors of Bacon’s fields, which we constantly find in his work. Fine.[10]

You’ve gotten this. Referring to the painting titled “Painting” from 1946, in his interviews, Bacon says: it’s very simple, I wanted to paint, I had the intention – there we’ll find our three states, so we’ll be done with… – I intended to paint a bird alighting on a field. A bird alighting on a field. You follow what I’m saying, um, a bird alighting on a field is a good subject, it can arise in the mind of a painter. And he says: I started and little by little something became apparent. Something else stood out. And I painted this man underneath the umbrella, this figure underneath the umbrella. The first reaction – fortunately there is the guy who interviews him, who plays exactly the role of the first reaction, that helps us a lot – the first reaction would be to say: oh yes, I understand, instead of the bird, instead of the bird form he painted the umbrella form. [It’s] very significant. And in fact, if you see the umbrella, it’s kind of like a big bat. Fine, there is a bird theme.

But not at all! Because, to his interviewer who says: “yes, you mean that the bird has become an umbrella,” what interests me is that Bacon replies: “not at all, not at all.” In other words: you didn’t understand anything, right? Not at all, he says, I don’t mean that. What must be related to the bird that I wanted to paint, he says, is the whole that came to me all of a sudden – I quote almost exactly, I summarize a little to go faster – is the whole that came to me suddenly or the series that I made progressively. Wow, that really interests me, understanding how a painter works. And the text is already very bizarre, Bacon’s answer is extremely confusing because he says: you mustn’t connect my intention to paint a bird with the umbrella. You have to connect my intention to paint a bird with the whole all at once, that is to say, the gradual series. It’s one or the other, at first glance. A gradual series and a whole in one go seem entirely contradictory. So, if Bacon means something, and we have every reason to believe that he does, he embraces a point of view that erases the difference between “a gradual series” and “a whole given all at once.” In any case, he means the entirety of the painting, considered spatially or temporally. From a temporal point of view, it’s the gradual series, from a spatial point of view, it’s the painting as it appears to us: the whole all at once. Okay.

So, he says: what you have to connect with the intentional bird form is the entire series or the undivided whole. Fine. What is the entire series or the undivided whole? If we understand what he says, I can define the series from top to bottom. Meat, piece of meat at the top; umbrella, man with the face eaten by the umbrella and open mouth. There you go, that’s my series. What Bacon refuses is the analogy between bird-form and umbrella-form. And he says: that’s not how I work. In fact, it would simply be a transformation: how a bird turns into an umbrella. It wouldn’t be that interesting. At the extreme, it would be like a kind of vague surrealism. Fine. That’s not it, he says.

And yet, there is an analogy between the bird-form and the whole painting. In other words, this is the first time that we come across the following idea, even if we’ll confirm it only later: wouldn’t there be two very different forms of analogy? You see, I can speak about a first form of analogy, if there is an analogy between the bird-form and the umbrella-form. What would I say at that point? I’d say: there is a transport of relations, that is, the same relations exist between the elements of the bird in form 1 and the sections of the umbrella, the elements of the umbrella in section 2, in form 2. There is a transport of identical relations. There is an identity of relations. Fine.

Given relations move from one form to the other. Perhaps there is an esthetic analogy that has nothing to do with that, and that is completely different. What would the esthetic analogy be? Well, let’s go back to the painting, in our vague memory: there is the meat that has like two arms from which it hangs from butcher’s hooks. There is a kind of, this time it’s not a meat that desc… actually, yes, there is the theme of the arms, the meat will descend from the two arms I mentioned. In other words, what has become of the specific relation to the bird “with spreading wings”? It has become the equivalent, it has become, it is… I can’t find my words, but it’s on purpose. It has changed, it’s the relation itself that has changed into a completely different relation. The relation bone/meat, the meat descends from the bones, there are the tiny arms of the meat, which are like bones from which the meat falls, descends. What brings to mind the bird very vaguely is this movement of the arms from which the meat will fall, which evokes very, very vaguely a kind of spreading of wings. Consequently, the meat that falls from these tiny arms falls literally, something like a flow of meat. It falls from the bones.[11]

Hence, you understand, I’m speaking in terms of the pictorial fact, the meat descends form the bones, it’s the first connotation with the bird. The bird that spreads its wings. Second connotation: the meat falls, it falls on the umbrella, it trickles onto the umbrella. Second connotation with the bird, this time the umbrella is like the wings that are closing. Third connotation: only the bottom of the figure, of the face of the figure, is visible. A strange, drooping, and jagged mouth, this mouth like a jagged beak. In other words, the bird is completely dispersed across the whole or the series. It is completely dispersed to the extent that it no longer exists figuratively at all. We could say at most that the painting contains – how can we call this? – traits of birdness [oisellité]. First trait of birdness: the small, raised arms of the meat. Second trait of birdness: the sections of the umbrella. Third trait of birdness: the jagged beak of the figure. Completely scattered all over the painting. The constituent relations of the painting are: the relation of the falling meat with the umbrella over which it falls, and of the figure that is grabbed by the umbrella. These are the constitutive relations of the painting. In other words, the pictorial fact is produced by quite different relations. Wouldn’t there be two types of analogy, if you will? One that proceeds by resemblances that are transported, I think we won’t be able to see that until later, and another that proceeds quite differently, that proceeds instead by rupture of resemblances. Well, let’s assume that.

All I did today was, if you will, confirm – using mostly Bacon as an example – confirm the presence of these three… If I sum up everything, I have at once: this world of pre-pictorial givens made of narration and illustration. The establishment, the truly fundamental establishment of the chaos germ, that is, the drawing of the diagram. There is a diagram in this painting, eh, you can’t see here but if you could see a reproduction, you’ll see that a little to the left, at the level of the body of the smiling man with the jagged beak who is grabbed by the umbrella, there is a zone that we can properly call “diagrammatical,” which is precisely made of gray, of a kind of very tormented gray. And the whole ascending series – man, umbrella that grabs him, and meat above – sort of comes out of this kind of gray diagram. And then [there is] the pictorial fact that comes out of it. Fine.

So, what I’d like to take away first and foremost is the impression of… how shall I put it, of an applied formula. This is not an applied formula. Think about that fact that everything I say strictly loses all meaning if you standardize this notion of diagram. You have to see, for instance, that diagrams of painters of light have absolutely nothing to do with diagrams of colorists. That is, if there are diagrams in all painters, I’m not even sure that there are, but again, a Cézanne diagram has absolutely nothing to do with a Van Gogh diagram. The diagram is not at all a general idea, it’s something operative in every painting. It’s an operational category. What I’d like to achieve – yes, that’s what we’ll do after Easter, and that way we’ll get a little closer to problems of pure logic or philosophy – I’d like to arrive at a conception of the diagram that clearly shows the difference between modern terms like “diagram” and the difference between a diagram and a code, in what specific way it’s completely different from a code. If it were a code, it’s a catastrophe, there would be no grounds to connect it to painting. But it has nothing to do with a code.

And once again, there is at every instant the possibility that the diagram might fail. At that point the painting becomes a mess. But if you don’t see in a painting how close it came to a mess, how it almost failed, you cannot have enough admiration for the painter. Courbet is… he is…, but anyone really, I cite as they come to mind, but in front of Courbet’s paintings people say: it’s a miracle. It really comes out as a miracle. It was so close to failure. And then, no. He makes up for it. Prodigious! Prodigious. All the great painters give this impression. It takes next to nothing for a work by Michelangelo to become a pack of muscles, a pack of muscles that really doesn’t… It’s the difference between a disciple and a… But regarding Cézanne, it’s not even the question of the true and the false, it’s the question of the disciples and creators. After Cézanne, yes, after Cézanne, what has become of Cézanne’s fight against the cliché in his imitators? Well, it’s inevitably become a cliché. Thus, painting must every time pull away from its state of cliché.

One thing that has always struck me, is… uh… Rauschenberg. At one point in his provocative periods, Rauschenberg, who, in my opinion, is a very great painter, took a sketch of a painting by a painter before him, who was also a very big painter, simply erased it and called it “Painting Erased by Rauschenberg”. [Laughter] It’s silly, it’s silly, but it’s the very illustration of this erased or cleaned zone. It’s not that the other’s painting was mediocre, on the contrary, it was remarkable. It was a very beautiful drawing, eh. But it’s true that when the painter has excelled, the painting becomes a cliché extremely fast. So, the reaction of the painter who sometimes… and it comes down to the same thing, when a great painter, you know, does sketches (études), that is, copies the painting of another great painter – famous examples – or when he simply erases it, it comes down to the same thing. It comes down to the same thing, there is a kind of will to pass through the diagram so that a new pictorial fact may emerge.

So, what interests me now is how the diagram is quite different from a code of painting. Well, have a great break! Thank you. [End of the session] [2:29:09]

 

Notes

[1] Deleuze famously discusses Lucretius and Klossowski, and the simulacrum, respectively, in the appendices II and III of Logic of Sense; see also by Klossowski, Nietzsche and the Vicious Circle, trans. Daniel W. Smith (Chicago: University of Chicago Press, 1998). [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[2] The discussion on the cliché and the pre-pictorial phase is situated in Francis Bacon. The Logic of Sensation (New York and London: Continuum, 2003), chapter 11, notably pp. 86-90.

[3] D.H. Lawrence, “Introduction to These Paintings”, in Phoenix: The Posthumous Papers of D.H. Lawrence (1936) (New York: Viking Press, 1972), pp. 569, 576, 577, 579-80.

[4] On the “appley character” in Cézanne as stated by Lawrence, see Francis Bacon. The Logic of Sensation, pp. 87-88.

[5] Chapter 8 in Franics Bacon. The Logic of Sensation is titled “Painting Forces”, starting with Klee’s statement and pursuing much of the development that follows.

[6] The title of chapter 4 in Francis Bacon. The Logic of Sensation is “Body, Meat and Spirit, Becoming-Animal”, where Deleuze considers aspects of the following development.

[7] On the horror-scream distinction and the Pope series, see Francis Bacon. The Logic of Sensation (Continuum, 2003), chapter 6 “Painting and Sensation”, notably pp. 37-39.

[8] On the body’s escaping and also this Conrad novel and this scene, see Francis Bacon. The Logic of Sensation (Continuum, 2003), pp. 14-16.

[9] On this painting and figure, see Francis Bacon. The Logic of Sensation, pp. 15-17.

[10] On this painting and discussion of umbrellas, see Francis Bacon. The Logic of Sensation, pp. 16-17.

[11] On the bird and “birdness”, see Francis Bacon. The Logic of Sensation, pp. 156-157.

 

French Transcript

Edited

Dans la lecture du 07 avril 1981, les sujets de discussion comprennent: la notion «chaos-germe»; la page blanche et le procès d’écriture; le peintre et la photo; l’artiste français Gérard Fromanger; la peinture de Francis Bacon les dormeurs, le diagramme et certaines de ses entretiens; Michel-Ange; Maniérisme; le fait et le donné pictural; le peintre et artiste graphique tchèque František (François) Kupka; et l’écrivain polonais-britannique Joseph Conrad.

​ Gilles Deleuze

La Peinture et la Question des Concepts

Lecture 2, 7 avril 1981

Transcriptions: Voix de Deleuze, Partie 1, Véronique Boudon (durée 34:58); Partie 2, Chloé Molina-Vée (durée 46:55); Partie 3 & 4, Damien Houssier (durée 1:07:04), l’horodatage et révisions supplémentaires, Charles J. Stivale

 

Partie 1

Pardonnez d’avance mes hésitations. Voilà, la dernière fois donc, on avait commencé cette espèce de je ne sais pas quoi, sur la peinture et j’avais essayé de dégager quelque chose parce que ça me frappe. Encore une fois, ce que je dis a aucune valeur, ça va de soi, aucune valeur universelle. Chaque fois je voudrais — c’est à vous de voir si, tel autre peintre auquel je n’ai pas pensé, si quelque chose convient ou pas — mais enfin moi, ce qui m’avait frappé, c’était chez un certain nombre de peintre la présence sur la toile, d’une véritable “catastrophe”.

Et ma question c’était bon, eh bien,  qu’est-ce que c’est que ce rapport de – non pas de la peinture avec la catastrophe – mais ce rapport plus profond d’une catastrophe [1 :00] et de l’acte de peindre ? Comme si le peintre devait passer par cette catastrophe. Dès lors j’avais essayé et c’était tout ce qu’on avait fait la dernière fois, j’avais essayé de voir s’il y avait là ce qu’on pourrait appeler — je ne sais pas d’un mot très vague — un premier, pas premier absolu, mais pour nous, un premier concept proprement de peinture. Une espèce de concept pictural.

Et, à l’aide de textes de peintres, [Pause] on avait formé une espèce de concept de, un premier concept de “catastrophe germe”, “catastrophe germe” [2 :00] ou “chaos germe”, comme si, le tableau comportait cette catastrophe germe, dont quelque chose allait sortir. Et chez un certain nombre de peintres, cette catastrophe germe est visible. Alors ça pose évidemment un problème. Chez ceux où elle n’est pas visible, est-ce qu’on peut dire qu’elle est quand même là ? Mais virtuelle ou invisible, ça c’est des choses que je n’ose même pas aborder, il faut être plus solide pour même poser cette question, sans qu’elle soit toute verbale ou toute littéraire ; mais enfin, chez certains peintres, elle est évidente. Et certains peintres nous parlent de cette catastrophe par laquelle ils passent, non pas personnellement encore une fois, encore que ça puisse avoir beaucoup de conséquences [3 :00] personnelles sur leur propre équilibre ; mais s’agit pas de dire qu’ils y passent personnellement parce que c’est très secondaire, ce qui y passe, c’est la peinture, c’est leur peinture. Et le texte, presque le plus frappant, c’était celui de Paul Klee, quand il parle de ces deux moments : le point gris comme chaos et ce point gris qui saute par-dessus lui-même pour se déployer comme germe de l’espace, il saute par-dessus lui-même — et j’essayais au moins de comprendre où d’interpréter comme s’il s’agissait de deux gris — ces deux états du gris, le gris noir-blanc, il saute par-dessus lui-même, il devient le gris vert-rouge, c’est-à-dire la matrice de la couleur. [4 :00]

Bon, est-ce que ce chaos-germe dès lors, c’est ce par quoi le tableau doit passer, pour que quoi… ? Pour que la lumière naisse, où là on voit toutes sortes de réponses possibles, ou pour que la couleur naisse ?

D’où le titre admirable des liasses de Turner : « Naissance de la couleur », « commencement de la couleur », et ce thème qui parcourt alors tous les peintres, que finalement la peinture, le peintre se met comme dans la situation d’une création du monde ou d’un commencement du monde. Qu’est-ce que ça voudrait dire sinon précisément, il passe par ce chaos catastrophe ? Il l’instaure sur la toile pour que, en sorte quelque chose, qui est quoi ? Qui n’est évidemment plus le monde des objets. Il ne peut plus être en aucun cas le monde [5 :00] des objets – mais qui est le monde de la lumière-couleur. Or vous comprenez que, et c’est là, j’insistais, il n’y a pas une formule générale du chaos catastrophe, du chaos-germe ou de la catastrophe germe. C’est évident que le chaos-germe de Van Gogh, ben, il est complètement différent, même, là je prends à des époques proches ; il est complètement différent du chaos-germe de Cézanne. En plus, il est complètement différent aussi du chaos-germe de Gauguin, tout ça c’est… et à plus forte raison du chaos-germe de Klee. C’est donc des chaos-germe très, très singularisés, où va déjà se jouer, ce qu’on appellera “le style” du peintre, et ce qui va en sortir sera aussi très différent.

Les peintres de lumière, je crois que — bien que les peintres de lumière puissent être de grands coloristes — je crois que les peintres de lumière, qui [6 :00] atteignent à la couleur à travers la lumière et les peintres de couleur qui atteignent, eux – je ne sais pas, je crois que je me suis trompé — les peintres de lumière qui atteignent à la couleur par la lumière et les peintres de couleur, les coloristes qui atteignent à la lumière par la couleur… enfin vous voyez, c’est des techniques absolument différentes, ça va de soi.

Donc quand je parle d’un chaos-germe, je ne veux pas dire du tout quelque chose d’indifférencié au contraire, c’est comme signé, il y a déjà là la signature du peintre. Et alors la dernière fois, je disais juste bon et ben, chaos germe, il se trouve que un peintre-là actuel a un mot qui m’intrigue et qui me sert beaucoup, donc que je reprends, c’est Bacon, lorsque ce chaos-germe, il l’appelle un diagramme. Il dit : “ben oui, [7 :00] dans un tableau, il y a un diagramme”, et c’était la citation que je vous avais lue, même dans un portrait, eh ben, dans un portrait, et qu’est-ce que c’est le diagramme ? Il nous dit le diagramme, et là je crois qu’il faut faire attention au mot qu’il emploie. “Un diagramme c’est une possibilité de fait”, et ce qui m’a intéressé alors, ça me donne presque l’idée finalement de ce que l’on fait là, en parlant de la peinture. S’il s’agissait de faire une espèce de logique de la peinture, ce qui consiste pas du tout à ramener la peinture à de la logique, mais considérer qu’il y a une logique propre de la peinture.

Eh ben, ce mot diagramme me servirait d’autant plus que précisément, il est tellement employé, je vous disais, par certains logiciens anglais ou américains actuellement ; les théories du diagramme, elles sont partout, et ce que j’aimerais [8 :00] entre autres faire, là pour rejoindre des considérations plus logiques ou plus philosophiques, ce serait essayer de voir si la peinture ne peut nous fournir les éléments, des éléments en tout cas, pour une théorie du diagramme. Mais enfin voyez pour le moment, car ce diagramme ou ce chaos-germe, j’ai essayé de le situer dans le temps de l’acte de peindre, et je dis : oui très simplement, est-ce qu’on ne pourrait pas dire ceci, quitte à le corriger plus tard : eh ben, c’est comme le deuxième moment dans les trois moments de l’acte de peindre. C’est dans ce sens que je disais, vous savez dans un tableau, il y a toujours implicite une synthèse du temps.

Et qu’est-ce que c’est que ces trois moments ? Eh ben, je disais le tableau il est en communication immédiate avec un avant-peindre. [9 :00] Bon, le tableau il ne peut pas être pensé avant un avant peindre, c’est-à-dire le tableau il a fondamentalement une dimension pré-picturale. Et j’invoque pour moi, là ce long texte de Cézanne, où Cézanne parle de tout ce qui se passe avant qu’il ne commence à peindre. C‘est bien cette dimension pré-picturale qui appartient déjà à la peinture. Or, c’est en fonction de cette dimension pré-picturale que, le diagramme s’affirme comme un second temps, d’où une question, qui nous reste : “qu’est-ce qu’il va faire quant au second temps ?”, “Qu’est-ce qu’il va faire, pardon, quant au premier temps ?”

S’il y a bien, visible ou non visible [10 :00] dans le tableau, une appartenance et une dimension pré-picturale, en quoi consiste-t-elle cette dimension ? on ne le sait pas encore. Tout ce que je peux dire c’est que, la nécessité que le chaos-germe, c’est-à-dire le diagramme trouvera sa nécessité dans une certaine fonction qu’il exerce par rapport à cette première dimension pré-picturale. Qu’est-ce qu’il va faire ? Il va agir comme une espèce de zone à la lettre, de brouillage, de nettoyage, pour permettre sans doute quoi ? Pour permettre sans doute l’avènement de la peinture. Il va falloir nettoyer, brouiller.

Bon, supposons que, pour que le troisième temps sorte… Voyez donc, j’ai mon espèce de dimension là, [11 :00] temporelle de l’acte de peindre, la dimension pré-picturale, le diagramme qui va agir on ne sait pas encore de quelle manière sur cette dimension, de telle manière que sorte du diagramme quoi ? Reprenons les mots de Bacon. Le diagramme ce n’est pas encore le fait pictural. Ah bon, alors il y aurait un fait pictural ? Peut-être qu’il y a un “fait pictural”.

Pourquoi est-ce que les critiques quand on parle peinture, il y a toujours un mot qui revient chez tout le monde, chez beaucoup de gens, le thème de la présence. Présence, présence, c’est le mot le plus simple pour qualifier l’effet de la peinture sur nous, et là vous remarquez, je ne fais aucune [12 :00] distinction pour le moment, il y a aucun lieu d’en faire, que ce soit un carré de Mondrian ou une figure de la peinture très classique, il n’y a pas lieu, il y a une espèce de présence. Présence, ça sert à quoi quand les critiques emploient ce mot ? Ça sert à nous dire évidemment ce qu’on sait bien grâce à eux, grâce à nous même, ce n’est pas de la représentation. Présence c’est, qu’est- ce que c’est ? On ne sait pas très bien, on sait avant tout que ça se distingue de la représentation. Le peintre a fait surgir une présence, à savoir un portraitiste, il ne représente pas le roi, il ne représente pas la reine, il ne représente pas la petite princesse, il fait surgir une présence.

Bon d’accord, alors c’est un mot commode. [13 :00] C’est une autre manière de dire qu’il y a un “fait pictural”. D’où sort le fait pictural ? Eh ben, après tout, tous les vocabulaires nous sont bons, du coup mes trois moments : le moment pré-pictural qui d’une certaine manière, encore une fois j’insiste, appartient au tableau, puis le diagramme, puis le fait pictural qui sort du diagramme.

Bon, on tient ça comme un point, encore une fois c’est une hypothèse parce qu’il y aura lieu de le remanier, tout ça. Parlons latin parce que c’est…, je pense à un texte de Kant, dans un tout autre domaine où il se sert d’une terminologie latine en distinguant — c’est bien d’ailleurs, c’est une belle page — où il distingue le datum et le factum, [14 :00] c’est-à-dire en français c’est moins joli, le donné et le fait. Et il dit : “vous savez le fait c’est quelque chose de tout à fait différent du donné”. Bon, je dirais que mon premier temps, la dimension pré-picturale, c’est le monde des donnés. Qu’est-ce qui est donné ? Alors, ma question elle devient plus précise, elle va nous aider : qu’est-ce qui est donné sur la toile avant que la peinture ne commence ?

Bon, j’insiste là-dessus parce que, il y a une espèce de lieu commun, assez récent, qui est une catastrophe, il me semble, c’est une catastrophe [15 :00] parce que c’est une telle déformation du vrai problème, soit de décrire, soit de peindre, que ça rend tout puéril. Eh, je crois que c’est un thème que, généralement ceux qui le soutiennent, se réclament de Blanchot — mais c’est simplement un contre-sens sur Blanchot qui lui n’a jamais dit de bêtise — alors que le thème qu’on en tire, lui, est d’une bêtise incroyable.

Ce thème, et qui est ruineux en littérature, c’est le thème selon lequel l’écrivain se trouve devant une page blanche. C’est bête, mais c’est bête à pleurer et que dès lors le problème de l’écriture c’est : “mon Dieu comment je vais remplir la page blanche ?” [Rires] Alors il y a des gens qui font des livres là-dessus, sur le vertige de la page blanche. [Rires]

Comprenez, on ne voit vraiment pas pourquoi quelqu’un voudrait remplir une page blanche, une page blanche ça ne manque de rien, je veux dire, je vois peu de thèmes aussi stupides alors, y passe tous les lieux communs vraiment. L’angoisse de la page blanche, on peut y mettre même un peu de psychanalyse là-dedans, la page blanche… Et on fait parfois des romans allant jusqu’à quatre-vingts pages, cent vingt, cent quarante, sur ce rapport de l’écrivain avec la page blanche.

Je dis, c’est d’une stupidité insondable, puisque si quelqu’un se met devant une page blanche, il ne risque pas de la rempli, c’est forcé, et bien plus, ça s’accompagne d’une telle conception de l’écriture et tellement stupide que, vous comprenez, c‘est juste le contraire. Quand on a quelque chose à écrire, [17 :00] ou quand on estime, là, je dis pas du tout, je ne fais pas une distinction entre les vrais et les faux écrivains, c’est plus général… si vous avez quelque chose à écrire faut pas croire que vous vous trouvez… c’est le tiers, c’est celui qui regarde sur votre épaule qui dit : “oh, il n’a rien écrit encore…”. “D’accord, je n’ai rien écris encore”.

Mais quelle différence entre ma pauvre tête, mon cerveau agité et la page ? Aucune, à mon avis aucune. A savoir, il y a déjà plein de choses, je dirais plus, il y a beaucoup trop de choses sur la page, il n’y a pas de page blanche. Il y a une page blanche objectivement, c’est-à-dire d’une fausse objectivité pour le tiers qui regarde, sinon votre page à vous, mais elle est encombrée, elle est complètement encombrée et c’est bien ça arriver à écrire. [18 :00] C’est que la page est tellement encombrée, qu’il n’y a même plus de place pour y ajouter quoique ce soit.

Si bien qu’écrire, se sera fondamentalement “gommer”, ce sera fondamentalement “supprimer”. Qu’est-ce qu’il y a sur la page avant que je commence à écrire ? Je dirais il y a le monde infini, pardonnez-moi, il y a le monde infini de la connerie. Il y a ce monde infini c’est-à-dire, en quoi écrire est-il une épreuve ? C’est que, vous n’écrivez pas comme ça avec rien dans la tête, vous avez beaucoup de choses dans la tête. Mais dans la tête d’une certaine manière tout se vaut, à savoir ce qu’il y a de bon dans une idée et ce qu’il y a de facile et de tout fait. C’est sur le même plan, c’est seulement quand vous passez à l’acte par l’activité d’écrire, que se fait cette bizarre sélection [19 :00] où vous devenez “acte”, je dirais la même chose pour parler. Quand vous avez dans la tête quelque chose, avant que vous parliez, mais il y a plein de trucs, mais tout se vaut, non d’une certaine manière non tout ne se vaut pas, mais vous avez beau mettre au point dans votre tête, il y a l’épreuve de passer à l’acte, soit en parlant, soit en écrivant, qui est une fantastique élimination, qui est une fantastique épuration.

Sinon votre page, elle est pleine, elle est pleine de quoi ? je dirais d’idées toutes faites et vous aurez beau les trouvées originales ! Idées toutes faites, ça ne veut pas dire forcément des idées que les autres ont aussi, vous pouvez très bien avoir des idées toutes faites à vous, et rien qu’à vous, elles sont quand même toute faites. C’est des idées toutes faites. Faciles, faciles, des idées comme on a à [20 :00] dix-huit ans et dont on a honte quand on se réveille, quoi. Eh, non trop facile tout ça, pas sérieux quoi ! Vous comprenez, le monde des idées encore une fois, il n’a jamais été justiciable du vrai et du faux. Il est justiciable de catégories beaucoup plus fines. L’important, l’essentiel et l’inessentiel, le remarquable et l’ordinaire, le etc. Tant que c’est dans votre tête, bon, vous pouvez prendre des choses très ordinaires pour des choses remarquables. Or ce n’est pas innocent ça, ce genre de confusion, quand vous prenez quelque chose d’ordinaire pour du remarquable, ça affecte le contenu de l’idée. Pas simplement des trucs formels, alors c’est pour ça que vous avez tout le temps des livres dont vous vous dites — je ne sais pas si vous faites cette expérience — mais enfin, non ça ne va pas, c’est… ça ne va pas, c’est, [21 :00] c’est enfantin, tout ça. Et on aurait de la peine à dire en quoi c’est faux. Non, ce n’est pas faux, ce n’est rien — alors que le type il a l’air de trouver que ses idées, elles sont formidables, il y a quelque chose en vous — et là ce n’est pas lieu d’une discussion.

C’est pour ça que les discussions c’est toujours de la merde, vous savez. Ce n’est pas le lieu d’une discussion du tout. Moi je ne peux pas dire à quelqu’un : voilà pourquoi ton idée elle n’est pas fameuse, eh, c’est impossible à dire. Bon, simplement c’est ça qu’on a dans la tête, le monde des idées toutes faites, soit idées collectives, soit, idées même personnelles. Une idée personnelle, ce n’est pas une bonne idée pour ça… Il y a des idées toutes faites qui ne sont pourtant rien qu’à moi, qui sont faciles, à la rigueur, je peux les dire dans la conversation, mais si ça passe par l’épreuve d’écrire, je me dis mais enfin qu’est-ce que c’est que ça ? Qu’est-ce que je suis en train de dire ? Est-ce que ça vaut la peine, est-ce que ça vaut la peine d’écrire ça ? [22 :00] Bon, si on se demande beaucoup ça, je ne dis pas qu’on réussit, on se trompe comme tout le monde mais déjà on se trompe moins souvent, il faut avoir des questions d’urgence… [Interruption très brève de l’enregistrement] [22 :11]

… J’en viens à la peinture, c’est ça qui m’intéresse : c’est aussi bête de croire que : la toile est une surface blanche, pas plus que le papier. Une toile, ce n’est pas une surface blanche, je crois que les peintres le savent bien. Avant qu’ils ne commencent, la toile, elle est déjà remplie, elle est remplie de quoi la toile, avant qu’ils ne commencent ? Là encore c’est pour l’œil du type qui se promène qui voit – alors il voit un peintre, il regarde et il dit alors : « tu n’as pas fait beaucoup là, hein, il n’y a rien ». [Rires] [23 :00] Et pour le peintre, s’il a de la peine à commencer, c’est justement parce que sa toile est pleine. Elle est pleine de quoi ? Elle est pleine du pire. Et ça vous comprenez, sinon peindre ça ne serait pas un travail… elle est pleine du pire, le problème ça va être d’ôter, d’ôter ces choses vraiment, ces choses invisibles pourtant, et qui ont déjà pris la toile, c’est-à-dire le mal est déjà là. Qu’est-ce que c’est le mal ? Qu’est-ce que c’est les idées toutes faites de la peinture ? Les peintres ont toujours employé un mot pour désigner – enfin non pas toujours – mais il y a un mot qui s’est imposé pour désigner ce dont la toile est pleine avant que le peintre ne commence, c’est cliché, un cliché, des clichés. La toile, elle est déjà remplie de clichés.

Si bien que dans l’acte de peindre, [24 :00] il y aura comme dans l’acte d’écrire, ce qui doit être présenté bien que ce soit très insuffisant, une série de soustractions, de gommages. La nécessité de nettoyer la toile. Alors est-ce que ce serait ça le rôle, au moins un rôle, le rôle négatif du diagramme ? la nécessité de nettoyer la toile pour empêcher les clichés de prendre. Qu’est-ce qu’il y a de terrible dans les clichés ? Bon on peut dire, et alors en effet, on se dit bien après tout actuellement, les peintres, c’est plutôt pire qu’avant, si on devait dire quelque chose, c’est vrai d’une certaine manière. Là, je ne veux pas recommencer ces analyses par exemple, des auteurs comme Klossowski les ont trop bien faites sur l’existence vraiment d’un monde de simulacres, quoique Klossowski prenne simulacre en un sens [25 :00] très savant, il comporte aussi cet aspect, le cliché, le truc tout fait. On vit, on nous dit souvent, on vit dans un monde de simulacres, on vit dans un monde de clichés. Sans doute est-ce qu’il faut mettre en cause les progrès, certains progrès techniques, dans le domaine des images, l’image photo, l’image ciné, l’image télé, etc. Ah bon, ce monde d’images quoi, mais ça n’existe pas simplement sur les écrans, ça existe dans nos têtes, ça existe dans les pièces, ça existe dans une pièce, c’est vraiment Lucrétien, vous savez quand Lucrèce parle des simulacres qui se promènent à travers le monde, qui traversent des espaces pour venir d’un endroit frapper notre tête, frapper notre cerveau, tout ça. On vit dans un monde de clichés, il y a des affiches, il y a tout ça bon. Tout ça à la limite, c’est sur la toile [26 :00] avant que le peintre ne commence. [Sur Lucrèce et Klossowski, voir Logique du sens, respectivement, les appendices II et III ; voir aussi Klossowski, Nietzsche et le cercle vicieux (Paris : Mercure de France, 1969); la référence est fournie avec nos remerciements par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023)]

Et ce qu’il y a de catastrophique, c’est que dès qu’un peintre a trouvé un truc, ça devient un cliché et à toute vitesse aujourd’hui, il y a une production, reproduction à l’infini du cliché, qui fait que la consommation est extrêmement rapide. Eh bien, lutte contre le cliché, c’est ça le cri de guerre du peintre, je crois. Or ce qu’il sait le peintre, c’est qu’il y a des clichés personnels non moins que des clichés collectifs, que le peintre, il peut avoir sa petite idée cérébrale, petite idée d’un truc nouveau. Mais toute idée cérébrale en peinture est un cliché. Et que ça peut être un cliché rien qu’à lui, c’est quand même un cliché. Je n’aime pas beaucoup [27 :00] la phrase, enfin personnellement je trouve, la phrase qu’on cite toujours d’Oscar Wilde, à savoir, “c’est la nature qui se met à ressembler à tel peintre”. Ce n’est pas le peintre qui copie la nature, c’est la nature qui une fois que le peintre existe, alors en effet par exemple : on se met à dire d’un paysage, à tiens ça, c’est un Renoir. Moi ça ne me paraît pas tellement un compliment pour le peintre, ça montre seulement, vraiment la vitesse avec laquelle un acte de peinture devient un cliché. Je me mets à dire devant une femme : « ah, un vrai Van Dongen », devant un paysage : « oh, ça c’est un Renoir », cliché, cliché, cliché. Peut-être que le peintre qui a fait la lutte – finalement, ces clichés vous me direz, ils n’ont pas d’existence objective sur la toile. D’accord, je dis qu’ils ont une existence virtuelle, d’une force, d’une pesanteur. [28 :00] Comment le peintre va-t-il échapper aux clichés, tant aux clichés qui viennent du dehors et qui s’imposent déjà sur la toile, qu’aux clichés qui viennent de lui ?

Ça va être une lutte avec l’ombre, puisque ses clichés, ils n’existent pas objectivement, encore une fois on croit à la surface blanche, et pourtant ils sont là. En tout cas, pour le peintre, ils sont là. Celui qui a poussé, à ma connaissance, je ne sais pas, tous ont eu ce drame, comment échapper aux clichés ? même un cliché qui ne serait rien qu’à eux, c’est une lutte effarante.

Sur les rapports de la peinture et de la photo dont je voudrais parler plus tard, [29 :00] mais là, je lancerai mon thème, parce qu’il vient, il vient il me semble bien à ce niveau. Sur les rapports de la peinture et de la photo et ce que les peintres ont pu appendre de la photo, ou l’intérêt de la photo par rapport à la peinture, toutes choses qui me paraissent très, très, douteuses, et ça ne fait rien. Vous comprenez, il faut distinguer, il faut distinguer, parce que même les peintres qui se servent de la photo, c’est quoi ? C’est quoi les peintres qui se servent de la photo, qui se servent aujourd’hui de la photo ? Je pense à un peintre là – je ne sais pas ce que vous pensez de lui, peut-être que, il ne souffre que, peut-être d’un excès de don…

Il y a quelque chose – c’est [Gérard] Fromanger. Fromanger dans une période, dans une de ses périodes, il se servait de photos d’une manière qui me parait, très, très, intéressante. Ça consistait en ceci, sa méthode à lui. On va voir si on ne va pas retrouver notre histoire de diagramme. [30 :00] Qu’est-ce qu’il faisait ? A une période, à une époque, c’est l’époque où il s’est le plus servi de photos. Il allait dans la rue, bon, c’était sa manière de chercher le motif, lui il se baladait dans la rue, avec un photographe, un photographe de presse, un photographe de journal. Et il prenait des scènes de rue, et notamment des boutiques, plusieurs clichés et voilà ce qu’il faisait et je vous demande de voir où commence l’acte de peindre là-dedans. Ce n’est pas lui qui prenait les photos, il insiste beaucoup là-dessus, et c’est évident que quand on voit une photo, esthétiquement nulle, aucune [31 :00] prétention esthétique. Est-ce que la photo a le droit d’avoir des prétentions esthétiques ? c’est un problème très intéressant, moi il me semble, tout à fait intéressant. Mais là ce n’était même pas en question, puisque les photos étaient volontairement des photos de presse instantanées, il en prenait douze. Et là-dessus, douze d’une même scène, ou d’un même magasin. Fromanger choisissait dans les douze, il en choisissait, il choisissait.

Là commençait déjà l’acte de peindre, il n’avait pourtant rien peint. Il y avait déjà un acte là, il choisissait une photo, en fonction de quoi ? Voilà, il avait une idée dans la tête, c’était quoi son idée dans la tête ? Il y a bien une intention, qu’est-ce que c’était l’intention de peindre, et de peindre quoi, dans le cas de Fromanger, du [32 :00] point de vue de cette technique-là ? Eh ben, qu’est-ce que c’était son idée, sa petite idée ? Il choisissait une photo parmi douze ou parmi dix, en fonction d’une couleur, qui devait être, qui devait devenir couleur dominante du tableau à faire. Oui, c’étaient des photos en noir et blanc, ah oui, j’ai oublié de préciser c’étaient des photos en noir et blanc. Bon, il choisissait une photo, comme ça, il se disait, il avait donc douze photos, il regardait la qualité technique de la photo, mais au besoin, il en prenait une même pas de bonne qualité technique parce qu’elle lui paraissait plus compatible avec, la scène évoquait vaguement en lui une couleur. Mettons une scène qui évoquait en lui un violet, tel violet précis, il disait : “ah, ben oui, ça, cette [33 :00] scène-là, je la vois en violet”. Alors, il choisissait la photo qui lui paraissait le plus compatible, c’était déjà un choix de peintre, il choisissait la photo qui lui paraissait le plus compatible avec ce violet qu’il avait dans la tête, que la scène avait vaguement évoquée pour lui.

Là-dessus, qu’est-ce qu’il faisait ? — Et je peux déjà dire : l’acte de peindre commençait au niveau de ce premier choix. — Là-dessus, il projetait la photo sur la toile. Bon, il projetait la photo sur la toile. [Pause] Là on voit bien — ça me plaît bien cette technique parce que, je dis pas du tout que ce soit une technique la plus… [la lacune est de Deleuze] bien plus, il faut l’abandonner — on peut faire une série, un peintre peut faire une série comme ça, [34 :00] et s’il reste là-dedans, ça devient évidemment, un “cliché” à son tour. Il avait eu une idée, en effet le pop art avait eu parfois des techniques apparentées à ça, mais cette technique-là, non c’était une petite variation, c’était une variation Fromanger.

Bon, alors qu’est-ce qu’il faisait à partir de là. Voyez, il ne peignait pas du tout sur une toile vierge, même en apparence. Là il y avait une espèce de vérité de la peinture, qui déjà apparaissait, il y avait la projection de la photo sur sa toile, photo de valeur esthétique nulle, et volontairement nulle. Si ça avait été une photo, même à prétention artiste, il n’aurait pas pu travailler, je crois. Donc il fallait que, sa toile était remplie par, l’image de l’image, par la projection de la photo. Je crois que finalement… [Interruption de l’enregistrement] [35 :00]

 

Partie 2

… son idée d’une couleur dominante, bon, son violet par exemple, et, il faisait une première gamme. Là il était peintre, c’était ça d’être peintre. Il faisait une première gamme. Gamme que je peux appeler, vous allez voir pourquoi, “gamme de lumière”. Il faisait sa gamme de lumière. Vous sentez à quel point, on est déjà, ça va frôler, en effet, il faudra que vous me posiez la question et à laquelle je ne répondrai pas : “eh ben, il substituait au cliché de départ un nouveau cliché”. C’est évident, c’est pour ça que, que il ne pouvait pas rester longtemps dans cette technique.

Bon, il faisait sa gamme de lumière, ça veut dire quoi ? Il avait la photo projetée et il peignait [36 :00] le tout en violet, le violet choisi, mais en allant des zones claires aux zones sombres. Qu’est-ce que ça voulait dire au niveau de la peinture ? Ça veut dire que pour les zones claires, il mélangeait son violet à du blanc — ça c’est un acte de peindre — et que pour les zones sombres, il y avait de moins en moins de blanc et à la fin même pas de blanc du tout, c’était le pur violet jailli du tube. Voyons. Il faisait donc une gamme de lumière, de luminosité, obtenue par le mélange variable du blanc avec ce violet. Bien. Ensuite, qu’est-ce qu’il faisait ? [37 :00] Ça, c’était pour le fond. C’était pour le fond. Ou par exemple, pour le magasin. Mais le photographe avait pris une scène de rue, j’ai bien précisé, c’est-à-dire, des gens passant devant le magasin où des gens sur la porte de la boutique, tout ça… Le violet qu’il avait choisi c’était, techniquement, pour ceux qui voient cette couleur, c’était un violet de Bayeux, c’est-à-dire un violet qu’on appelle “chaud”.

Plus tard, quand on parlera de la couleur plus précisément, mais la plupart d’entre vous le savent déjà, l’opposition des couleurs du point de vue de la tonalité, l’opposition fondamentale est celle du chaud et du froid, le chaud en forme très gros, je dis… tout cela est très insuffisant puisque je ne parle pas encore de la couleur, le chaud [38 :00] étant une espèce de… définissant une couleur avec un vecteur “d’expansion”, de mouvement d’expansion ; le froid avec un mouvement de “contraction”. Dans les couleurs élémentaires, le jaune est dit “chaud”, le bleu est dit “froid”. Bon.

Alors, son violet de Bayeux là, c’était un violet chaud. Là-dessus, il avait donc établi sa gamme de lumière, il allait passer à une gamme de couleurs. Il faisait une gamme ascendante de lumière, vers le violet de Bayeux pur. Il allait faire maintenant une gamme de couleurs. C’est-à-dire, la dominante “violet” étant chaude, il allait peindre un bonhomme [39 :00] en vert, par exemple, en vert froid, dans un vert froid, puisqu’il y a des verts froids, le chaud et le froid étant relatifs et dépendants des teintes. Il faisait un vert froid.

Donc, du point de vue de la couleur, il y avait cette opposition du vert froid, du petit bonhomme en vert froid et de la dominante “violet”. Ça servait à quoi ? La juxtaposition de la zone “vert froid” par rapport au violet avait pour but, comme disent les peintres, de chauffer encore plus le violet. Bon, admettons. On verra tout ça au point de vue d’une conception très simple des couleurs. Voyez, quand vous vous trouvez devant, par exemple, un tableau impressionniste, vous avez tout le temps ces choses, ces thèmes ; les rapports de complémentaires, les rapports de chaud et [40 :00] de froid, comment une couleur froide réchauffe encore, chauffe encore plus une couleur chaude, etc.

Bon, donc, le vert, froid, chauffait encore plus le violet. Bon. Mais par rapport au vert froid comme nouvel élément, qu’est-ce qu’il allait faire ? Et se dessine à ce moment-là tout un circuit de couleurs. Il allait peindre un autre bonhomme en jaune, en jaune chaud. Cette fois-ci le jaune chaud, voyez, n’était pas en relation directe avec le violet, mais il était en relation avec le violet, par l’intermédiaire du vert froid, etc., etc. Il allait faire sa gamme de couleurs, jusqu’à ce que tout le tableau soit rempli.

Qu’est-ce qu’il avait fait ? — pour revenir à notre thème — En quoi il y a [41 :00] une espèce de diagramme ? Où était le diagramme là ? C’est que dès le début il ne s’agissait que d’une chose, c’est un mauvais cas, précisément un mauvais exemple et on aura à se demander si ce n’est pas toujours comme ça chez les peintres qui ont eu rapport avec la photo. Bien loin de se servir de la photo comme si elle était un élément de l’art, il neutralisait complètement la photo et le cliché. Il neutralisait le cliché de telle manière, il le projetait sur sa toile (mais c’était tout à fait une manière de conjurer le cliché, beaucoup plus que de s’en servir) puisque l’acte de peindre ne commençait qu’à partir du moment où la photo allait être annulée au profit d’une première gamme de lumière, d’une gamme ascendante de lumière et d’une gamme de couleurs. Bon.

Alors, là, on retrouve mes trois temps : le moment pré-pictural, [42 :00] cliché, cliché, rien que des clichés. La nécessité d’un diagramme qui va brouiller, qui va nettoyer le cliché, pour qu’en sorte quelque chose : le diagramme n’étant qu’une possibilité de fait, le cliché, c’est le donné, c’est ce qui donné, donné dans la tête, donné dans la rue, donné dans la perception, donné, donné partout. Bon. Voyez alors, le diagramme intervient comme ce qui va brouiller le cliché pour que la peinture en sorte. Bien. Je retrouve mes trois temps là. [Toute la discussion sur le cliché et le processus vers la peinture se situe dans Francis Bacon. La Logique de la sensation, chapitre 11, surtout pp. 57-59]

Mais je dis “lutte contre le cliché”, peut-être est-ce que personne ne l’a menée alors aussi passionnément, aussi — je dirais, quitte à justifier ce mot plus tard — [43 :00] aussi hystériquement que Cézanne. Cézanne et il me semble que chez Cézanne, il y a une extraordinaire conscience : “ma toile avant même que je la commence est pleine de clichés” et l’espèce d’exigence jamais satisfaite de Cézanne c’est : “comment chasser tous ces clichés qui déjà occupent la toile ?” C’est une lutte avec l’ombre, seulement, ma question – et l’on verra ce que ça peut vouloir dire – j’ai l’impression que les vraies luttes, c’est des luttes, toujours avec l’ombre. Il n’y a pas d’autres luttes que la lutte avec l’ombre. Les clichés sont déjà là, ils sont dans ma tête, ils sont en moi, quoi, ils sont en moi, ils n’ont pas besoin… et quand Fromanger les fait surgir, pour les mettre sur sa toile afin de les détruire et d’en faire sortir un fait pictural, [44 :00] c’est une manière déjà de les conjurer. Ils sont déjà là et ils sont tellement déjà là que là, je reprends la liste des dangers.

Si vous ne passez pas par la chaos catastrophe, vous resterez prisonnier des clichés et on pourra dire : “ah oui, il a un joli coup de pinceau”. Ça ne vaudra rien et sans doute le peintre le saura lui-même que ça ne vaut rien. Donc, ne pas passer par le chaos catastrophe, c’est-à-dire ne pas avoir de diagramme, c’est très, très fâcheux, ça veut dire, ne rien avoir à dire, ne rien avoir à peindre. Il y a beaucoup de peintres qui peignent et qui n’ont rien à peindre. Bon. Mais il y a quelque chose qui est aussi : malmener [45 :00] le cliché. Malmener le cliché, triturer le cliché. Ça paraît tout proche du diagramme, du chaos catastrophe et pourtant vous devez sentir que c’est… j’essaie de… c’est comme un pressentiment de tous les dangers, de tous les dangers pratiques. C’est beaucoup trop volontaire “malmener le cliché”. Ca, malmener le cliché, les photographes ne cessent pas de le faire. Ce n’est pas par là qu’ils deviennent des peintres. Bon, on peut toujours malmener le cliché, triturer tout ça. [Pause] Ce n’est pas… ça ne va pas non plus.

D’autre part, je disais, le danger que signalait Klee si le cliché [Deleuze se corrige], si le diagramme, si la catastrophe, [46 :00] si le chaos prend tout, ce n’est pas bien non plus. En d’autres termes, on ne cesse pas d’être entouré de dangers là, de dangers très, très redoutables. Alors, je pense à un texte, je ne vais pas le lire parce que j’ai de la peine à lire, je vais lire que… j’aurais voulu vous lire, c’est un texte de Lawrence, dont je crois je vous avais parlé juste, vous le lirez vous-même, c’est dans le recueil d’articles qui a paru en français sous le titre : “Eros et les chiens” où il y a un texte splendide sur Cézanne. [Le texte de Lawrence est Éros et les chiens (Paris : Bourgois, 1969), pp. 238-261] Splendide. Où le thème du texte, il me paraît tellement beau, c’est… [D.H.] Lawrence, vous savez, il faisait des aquarelles, surtout à la fin de sa vie, il faisait des aquarelles, elles ne sont pas très bonnes mais il le savait, il le savait, il en avait besoin. [47 :00] Miller aussi faisait des aquarelles, Churchill aussi, mais elles sont encore moins bonnes. [Rires]

Un étudiant [près de Deleuze] : Barthes aussi ?

Deleuze : Barthes, il faisait des aquarelles ? Mais bon, elles étaient bonnes peut-être. Alors, bon. [D.H.] Lawrence, il dit : “ben, voilà, vous comprenez, Cézanne, c’est ça”, et c’est pour ça que je voudrais que vous lisiez ce texte qui dit : “jamais un peintre n’a poussé aussi loin la lutte préalable contre le cliché.” Avant de peindre. Et il dit et c’est ça que, là où le texte m’intéresse beaucoup de Lawrence, c’est que il dit : “mais vous savez, Cézanne, il avait complètement ses propres clichés.” Et en effet, il pouvait faire… Le peintre qui se soumet à ses propres clichés, c’est quoi ? C’est lorsque le vrai peintre fait des faux ; comme si on se dit : “ah ça, c’est, [48 :00] bien sûr, c’est un Cézanne mais c’est tout proche d’un faux Cézanne.” On a l’impression qu’il n’était pas en forme. Pour ceux qui ont vu, moi j’ai été il n’y a pas longtemps à l’exposition Modigliani, curieux, il y a vraiment des Modigliani, on a presque l’impression… y en a d’admirables, prodigieux mais c’est un peintre là où, je ne sais pas, il y avait quelque chose, pardonnez-moi, j’ai une impression un peu de gêne, comme si il avait été trop doué, comme si il y avait des Modigliani qui étaient à la limite, à la limite, un excès de don ou un excès de facilité. Heureusement Cézanne, il avait aucun don. Aucun don.

Et alors, sa lutte contre le cliché, ça l’a mené à quoi ? Ça l’a mené à quoi cette lutte contre le cliché ? Les pages de Lawrence sont très belles. A la fin, il dit : “ben oui… Qu’est-ce qu’il a réussi Cézanne, bon ?” Eh bien, la formule très belle de [49 :00] Lawrence, il dit, ben oui, finalement, “il a compris picturalement le fait”, le fait de Cézanne, c’est quoi ? Ce qu’il a saisi, ce qu’il a fait, ce qu’il a amené à la peinture, c’est le “fait de la pomme”. Ca, la pomme, il a compris, la pomme, il a très, très bien compris, jamais quelqu’un n’a compris une pomme comme ça. Qu’est-ce que ça veut dire : “comprendre en tant que peintre ?” Comprendre une pomme, ça, ça va être notre problème mais ça veut dire la faire advenir comme “fait”, ce que Lawrence appelle “le caractère pommesque de la pomme.” “Le caractère pommesque de la pomme”, voilà ce que Cézanne a su peindre. Bon. Bien. A l’issue de quoi, de quelle lutte contre le cliché, quelle recherche où Cézanne n’était jamais satisfait. [Sur “le caractère pommesque” chez Cézanne comme le dit Lawrence, voir Francis Bacon, Logique de la Sensation (La Roche-sur-Yon : Éditions de la différence, 1981), p. 57-58]

En revanche, il dit : “ben, [50 :00] les paysages, ça va moins bien, quelle que soit la beauté des paysages”. Il dit le problème de Cézanne, c’était que si il avait tellement compris le caractère pommesque de la pomme, il n’avait pas tellement compris, par exemple, le caractère féminesque des femmes. Et non, ça… Ses femmes. Et il dit, cette page merveilleuse, je crois où Lawrence dit : “bah oui, ces femmes, il les peint comme des pommes et c’est comme ça qu’il s’en sort.” [Rires] Madame Cézanne, c’est une espèce de pomme, ça n’empêche pas que c’est des tableaux géniaux, il ne s’agit pas de… mais… et Lawrence dit : “bah, c’est forcé, hein, si à la fin de sa vie, un peintre peut dire, comme Cézanne : “j’ai compris la pomme et un ou deux pots”, c’est déjà formidable.

Michel-Ange, qu’est-ce qu’il a compris ? [51 :00] On peut transposer, chercher ce que le…, à savoir, quel “fait” ils ont amené ? Je dirais, bon, Michel-Ange, entre autres, ils n’ont pas compris grand-chose, hein, comprenez, vous savez, c’est comme tout, un écrivain, ça ne comprend pas grand-chose, un philosophe, ça ne comprend pas grand-chose, il ne faut pas exagérer… ce n’est pas des gens qui comprennent comme ça… un peintre, ça ne peint pas n’importe quoi. Bon, Michel-Ange, je dirais, qu’est-ce qu’il a compris ? Il a compris ce que c’était, ce n’est pas rien comprendre ça, ce qu’était, par exemple, “un large dos d’homme”. Pas de femme. Un large dos de femme ou un étroit dos de femme, ça serait autre chose, ça serait d’autres peintres. Un large dos d’homme. Toute une vie pour “un large dos d’homme”, d’accord, toute une vie pour un “large dos d’homme”. Bon, ça vaut “la pomme” de Cézanne. [52 :00] Comme dit Lawrence, ce n’est pas des idées platoniciennes ça.

Bon, il a aussi compris d’autres choses Michel-Ange, mais enfin, c’est toujours assez réduit, ce qu’un peintre arrive à comprendre, c’est-à-dire les faits picturaux qu’il amène à jour. Bon, alors, qu’est-ce que c’est ça, puisque je parle des faits. Je ne peux pas dire tout ce que je dis… il me semble que c’est tantôt attaché à tel peintre mais c’est aussi des choses qui valent pour la peinture ou qui ne valent pas pour la peinture en général, quoi.

Je veux dire, ça a toujours été comme ça, la tâche du peintre, de tout temps, ça a été faire naître le fait pictural, ça a été lutter contre les données, oui, je reprends mes trois temps qui sont un peu scolaires mais souhaitons qu’il en sorte [53 :00] quelque chose : la lutte contre le fantôme ou contre les données, l’instauration du diagramme ou du chaos catastrophe et, ce qui en sort, à savoir : le fait pictural.

Alors, je dirais presque, ça ne s’oppose pas, ça existe de tout temps dans la peinture mais je me dis, bon, ça peut exister de tout temps mais d’une manière plus ou moins larvée. Je parlais de Michel-Ange tout à l’heure. Je dirais presque que son importance en peinture pour moi, c’est que c’est, peut-être, peut-être, hein, il faudrait nuancer tout ça, il faut toujours beaucoup nuancer, c’est le premier peintre qui a mené à jour, sous sa forme la plus brute, ce que c’était qu’un [54 :00] “fait pictural”. Je me dis, si il fallait dater cette notion, ça serait Michel-Ange.

Alors, si on essaie un peu là, maintenant, je prends donc un peintre tout à fait différent, par les dates, par le style de ceux que j’avais considéré la dernière fois, je dis : “le fait pictural”, il naît dans sa réalité, c’est-à-dire, il s’impose sur la toile avec Michel-Ange. Ça serait ça l’apport, l’apport insondable de Michel-Ange.

Alors, si c’est vrai mon impression, je me dis, c’est le moment où jamais d’essayer de préciser, qu’est-ce que c’est qu’on pourrait appeler le fait pictural par opposition aux données pré-picturales. Encore une fois, les données pré-picturales, c’est le monde des clichés, au sens le plus large du mot, c’est-à-dire, [55 :00] ce contre quoi ou le monde des fantômes, ce contre quoi ou le monde de la fantaisie ou le monde de l’imaginaire, tout ce que vous voulez, tout ça là, j’y mets… ça, c’est le monde des données, c’est avec tout ça que le peintre a à rompre, à briser. S’il en reste là, il est perdu. S’il en reste là, ça sera un joli petit peintre et puis c’est tout quoi. Mais alors le fait pictural pourquoi est-ce que… il me semble que c’est Michel-Ange qui, d’une certaine manière, invente le fait pictural, ce qui ne contredit pas l’idée que j’ai aussi que… ça existait de tout temps mais c’est lui qui précisément le fait voir, nous le fait voir. Là, j’en reste au niveau des anecdotes parce que ça va nous faire avancer.

Michel-Ange d’abord, c’est avec lui que se fait véritablement un [56 :00] changement de statut du peintre. Je veux dire, le peintre, il fallait sans doute, toute sa personnalité, il fallait aussi son époque, l’époque est bonne pour ça mais le peintre cesse d’être un type qui exécute des commandes. Je veux dire, les autres, ça ne les empêchait pas d’être géniaux et de faire passer tout ce qu’ils voulaient mais ils ne discutaient pas, hein, si un Pape les… leur faisait une commande, ils discutaient pas. Qu’est-ce qu’il y a de nouveau avec Michel-Ange, de très important au niveau de la pure anecdote ?

La première anecdote que je retiens de Michel-Ange, c’est que Jules II, il lui dit de faire ceci. Et Jules II, il a des idées très précises sur ce qu’il veut et rien du tout. Rien du tout. Michel-Ange fait complètement autre chose. En plus, il discute avec le Pape, il convainc le Pape, et finalement le Pape, [57 :00] il en a marre, et il lui donne, comment on dit, carte blanche. Bon, ça, c’est quelque chose quand même de nouveau. Bien, vous me direz, qu’est-ce que ça veut dire picturalement cette anecdote qui sinon n’aurait pas grand intérêt ?

Bon, qu’est-ce que ça peut vouloir dire ? Je prends une deuxième anecdote. Michel-Ange, c’est un de ceux chez qui éclate – alors peut-être que ça existait avant, peut-être que c’était moins visible – éclate une splendide indifférence au sujet. Alors sans doute, tous les peintres, on verra ça, est-ce que c’est vrai ? mais peut-être que le sujet, ça fait peut-être partie du cliché. Le sujet où l’objet représenté, ça a peut-être été toujours, pour tous les peintres, ça, l’équivalent du cliché, et c’est sans doute ça que [58 :00] de tout temps, il fallait brouiller pour qu’en sorte le fait pictural. En d’autres termes, le cliché, ça a toujours été l’objet. Bon. Alors on brouillait le cliché, on brouillait l’objet, pour en faire sortir quoi ? Ben, la réponse, elle est simple : le fait pictural qui était déjà la lumière et la couleur. Bien.

Mais il se trouve que avec Michel-Ange, cette indifférence à l’objet ou au sujet prend une espèce d’air d’insolence telle que — savoir quelle scène biblique représente Michel-Ange, savoir qu’est-ce que font les personnages du fond — et on a presque honte de poser ces questions. Le fait qu’on ait honte de poser ces questions, et que particulièrement avec Michel-Ange, on ait honte de poser ces questions, là on se sent vraiment stupide [59 :00] quand on dit : “mais qu’est-ce que c’est que ces quatre bonhommes dans le fond ?”. Par exemple, quatre bonhommes au fond de la Sainte Famille, tous nus, avec une attitude que… du point de vue de la figuration on ne peut appeler qu’une attitude homosexuelle prononcée. Qu’est-ce qui font ces quatre bonhommes ? On se sent gêné de poser une question comme ça tellement elle est stupide. Bon. C’est que… Bon. Dans la scène, ils ne font rien. Qu’est-ce que c’est que cette scène ? Ça s’appelle la Sainte famille. D’accord. Bon. Splendide indifférence au sujet-là.

C’est par là que je veux procéder par anecdote. On lui commande un tableau sur une bataille, sur une bataille célèbre. Très bien. Il dit : “bon, d’accord”. Et qu’est-ce qu’il fait ? Il ne fera pas le tableau, il ne pourra [60 :00] pas le faire. Il fait un carton. Qu’est-ce que représente le carton ? Un ensemble de jeunes gens nus. Dans l’eau, sortant de l’eau et dans le fond, des soldats. On dit : “Ouf, il y a des soldats, c’est déjà ça”, hein. [Rires]. Et un ensemble… qu’est-ce qu’il fait là, bon alors ? C’est un chef-d’œuvre de Michel-Ange ; ces jeunes gens nus dans l’eau, splendides, splendides, les soldats à l’horizon. Les érudits cherchent bien. Quand même on se dit, pourquoi il appelle ça “Bataille de Cascina” ? Les érudits cherchent bien. Alors, on trouve un, un commentateur de l’époque qui dit que dans cette bataille, un petit [61 :00] groupe de soldats florentins a pris un bain… et que leur chef les a rappelés à plus de décence ; ils n’ont absolument pas été surpris. Pas du tout surpris. Bon. Michel-Ange, le sujet, ça ne l’intéresse pas beaucoup. La bataille, il dit : “bon, je vais faire des jeunes gens nus dans l’eau.” Il dit : “on veut une bataille, bon je vais flanquer…” alors il invente, épisode purement inventé que ces jeunes gens nus dans l’eau qui se baignaient auraient été surpris par l’ennemi, ça fait un peu bataille ça. [Rires]

Qu’est-ce que ça veut dire ? En quoi c’est plus que de l’anecdote ? Voilà. Je reviens — j’ai l’air de sauter mais ce n’est pas tellement des sauts ; tout ça reste très identique — je reviens à ce peintre actuel dont je vous [62 :00] parlais : Bacon. Bacon ne cesse dans ses entretiens de dire : “il n’y a que deux dangers de la peinture” — et ça ce n’est pas une idée originale parce qu’il me semble que ça toujours été l’idée de tous les peintres — “il n’y a que deux dangers de la peinture, c’est l’illustration et pire encore, la narration”. Un très grand critique de peinture, Baudelaire, parlait déjà de ces dangers : illustration et narration. Et ce qu’on appelle la figuration, généralement, c’est — la figuration — c’est le concept commun qui groupe ces deux choses : l’illustration et la narration. Alors devant certains tableaux, bon, qu’est-ce qui se passe ? Ah ben, oui, qu’est-ce qu’il fait ? Ah oui, c’est quelqu’un qui coupe la tête à quelqu’un d’autre, etc. C’est une bataille, bon. Il y a tout un aspect figuratif, tout un aspect narratif. Bien. [63 :00]

Alors vous comprenez, à force de faire des cercles et de revenir toujours à mon point de départ, je dirais la lutte contre le cliché, c’est la lutte contre toute référence narrative et figurative. Un tableau n’a rien à figurer et un tableau n’a rien à raconter. C’est la base. Si vous voulez raconter quelque chose, il faut prendre d’autres disciplines, il faut prendre des disciplines narratives. Un tableau n’a rien à faire avec un récit, ce n’est pas un récit. Donc, c’est bien, mais en même temps, comprenez, les narrations et les figurations, elles existent ; ce sont des données avant même que le peintre ait commencé à peindre, ce sont des données. Et elles sont là sur la toile, les figurations [64 :00] et les narrations.

Il y a un certain nombre de tableaux qui pourraient être très beaux et dont on sait déjà que ce ne sont pas de grands tableaux, précisément parce que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous dire : “tiens, mais qu’est-ce qui s’est passé ?” Non seulement : “qu’est-ce que ça représente”, ça se serait… mais : “qu’est-ce qui s’est passé ?” Par exemple, Greuze, c’est une peinture narrative en quel sens ? C’est que vous éprouvez le besoin de… Il y a un très beau tableau de je ne sais plus quel Hollandais qui présente un père grondant sa fille. Et la fille, elle, elle est vue de dos, un dos incliné. On ne peut pas voir ce tableau, il ne faut quand même pas nous tendre des pièges à ce point-là, on ne peut pas voir ce tableau sans se dire : ” mais [65 :00] quelle est l’expression de la fille ?” Ce n’est pas bon, ce n’est pas bon. Je veux dire, ça peut être très joli, ça peut être formidable, ce n’est pas de la grande peinture, c’est vraiment un tableau qui est inséparable d’une narration quoi. Comprenez, ça ne va pas ça. Ce qui me gêne… je dis ça… mais vous… ce n’est pas du tout… ce qui me gêne abominablement dans un peintre actuel pourtant très bon, comme Balthus, c’est que… Balthus, on a constamment l’impression que l’image est prise, prélevée sur quelque chose qui se passe. Sur… Il y a une histoire là-dedans. Je comprends que ceux qui aiment Balthus peut-être trouvent odieux ce que je dis alors, je supprime, hein, je barre cet exemple si fâcheux.

Bon, bon, bon, supprimer la narration [66 :00] et l’illustration, ça serait ça le rôle du diagramme et du chaos catastrophe. Donc supprimer toutes les données figuratives car les figurations et les narrations, elles sont données. Elles sont données. Donc, faire passer les données figuratives et narratives par le chaos catastrophe, par la catastrophe germe, pour qu’en sorte quelque chose de tout à fait autre, à savoir le fait.

Le fait, c’est quoi ? Bacon le définit assez bien et là, ça vaut vraiment pour toute la peinture. Le fait pictural, c’est lorsque vous avez plusieurs — on peut le voir mieux au niveau de plusieurs — lorsque vous avez plusieurs Figures sur le tableau, sans que ça raconte aucune histoire. Et Bacon prend un exemple qui pourrait nous toucher : “Les Baigneuses” de Cézanne. [67 :00] Il dit : “c’est formidable, il a réussi à mettre douze figures ou quatorze figures”, prenez toutes les versions des Baigneuses, et il a réussi à mettre plusieurs figures, à faire co-exister sur la toile — sous-entendu sinon ça n’avait aucun sens, “avec nécessité”, “avec nécessité” — Bon. J’ajoute “avec nécessité” : faire co-exister plusieurs figures, sans aucune histoire à raconter. Si il y a une nécessité de cette co-existence, vous pressentez dès lors ce qu’est le fait pictural. Cette nécessité propre de la peinture.

Je prends un exemple particulièrement célèbre. Un très grand tableau du XIXè présente une femme nue dans un bois. Une femme nue et des hommes habillés. Tableau qui fit scandale, [68 :00] du point de vue figuratif, en effet, cette femme nue et ces hommes habillés. Vous l’appréhendez picturalement lorsque vous supprimez toute histoire. Cette histoire ne pourrait être que dégoûtante si il y avait une histoire. Qu’est-ce que c’est que cette femme nue assise dans l’herbe avec ces hommes habillés ? Ça serait une histoire de petits pervers, quoi. Comment supprimer toute donnée narrative, toute donnée figurative, pour faire surgir le fait pictural de ce corps nu par rapport aux corps habillés, la gamme de couleurs ou la gamme de lumière, etc. ?

Alors, je reviens à Michel-Ange. Je reviens à Michel-Ange : dans ce tableau célèbre de Michel-Ange la Sainte Famille. On dirait que là, il est plus scrupuleux, [69 :00] il représente en effet la Sainte Famille et en même temps, l’indifférence au sujet éclate. Comprenez, c’est seulement de l’indifférence au sujet que peut sortir le “fait pictural”, à savoir la peinture engendre son propre “fait”. Et le “fait”, c’est quoi ? C’est que, il y a trois corps. Le petit Jésus est comme sur l’épaule de la Vierge. Les trois figures sont prises – là, c’est très bien… vous verrez, vous l’avez dans l’esprit, vous voyez tout de suite – dans une espèce de mouvement de serpentin. On appelait à l’époque, ça venait de Vinci ce traitement des figures, mais Michel-Ange l’a porté à un point… [Deleuze ne termine pas la phrase] [70 :00] Un mouvement de serpentin comme si les trois figures étaient à la lettre coulées en un jet continu. Pas étonnant après tout que ce soit un sculpteur qui ait porté aux yeux de tous ce que devait être le fait sculptural et pictural ; peut-être que la sculpture, c’était plus facile pour elle de faire surgir un fait sculptural. Mais en tant que peintre-sculpteur, Michel-Ange impose le fait nécessaire. Le “fait” “nécessairement” pictural, il l’impose. Ce mouvement de serpentin, en effet va être prodigieux parce qu’il donne à l’enfant Jésus, une position absolument dominatrice qui va dès lors complètement fixer l’expression de la figure. La figure de l’enfant Jésus n’a figurativement cette expression qu’en vertu de sa position dans le serpentin. [71 :00] Et les trois corps sont donc coulés dans une seule et même figure ; une même figure pour trois corps, c’est ça, il n’y a pas d’histoire. Aucune histoire, aucune narration et la figuration même s’écroule. A ce moment-là, le serpentin va distribuer toute une gamme de couleurs. Le serpentin joue exactement le rôle du diagramme. Qui brise avec les données figuratives et narratives pour faire surgir le “fait pictural”. Le “fait pictural”, c’est trois corps en une figure.

Bon, “trois corps en une figure’”, soit, soit, soit. La “nécessité” — là je ne peux pas vous dire, je ne trouve pas mes mots [72 :00] donc il n’y a pas de problème – que il ne s’agit pas de le dire, il s’agit de le faire. Qu’il y ait une “nécessité picturale” d’une même figure pour trois corps, pas une “nécessité figurative”, pas une “nécessité narrative”, une “nécessité picturale”, c’est-à-dire qui ne peux venir que de la lumière et de la couleur. Si bien que je dirais, nous les peintres, c’est des athées farouches. Et en même temps, c’est des athées qui hantent vraiment ou du moins, les peintres du… qui hantent le christianisme, la manière dont ils arrachent le christianisme à toute figuration et narration pour en tirer un “fait pictural”. Ça, on aura appris de ce thème. Pourquoi le christianisme leur semble-t-il tellement ou pourquoi est-ce qu’ils le [73 :00] vivent comme favorisant éminemment le surgissement du fait pictural. Ça date de longtemps ça, si vous voulez, c’est Byzance. Avec Byzance, c’est déjà à l’état pur- quand je disais Michel-Ange, c’est lui la naissance du fait pictural – c’était idiot, quitte à me corriger. La peinture de mosaïque à Byzance, elle est fondamentalement, cette fondation du fait pictural. Bon.

C’était en mosaïque surtout, là, en peinture à l’huile, je me dis que peut-être après tout qu’il faut attendre. Or, comment on a appelé le mouvement qui coïncide avec Michel-Ange et dont Michel-Ange fait réellement partie ? Alors, je vais dire quelque chose sur ce point parce que ça m’intéresse beaucoup moi. Il y a un terme d’école. On a désigné toute une école dans laquelle Michel-Ange est comme prise, comme [74 :00] fondateur, co-fondateur au moins et qui se prolongera bien après lui, on appelle ça les Maniéristes. Et les Maniéristes, pourquoi on a dit ça ? Maniéristes. C’est que les corps ont des attitudes très contournées. A la limite, elles sont très artificielles. Par exemple, dans la Sainte Famille, les quatre personnages du fond. Très artificielles, très… avec des grâces, des grâces tantôt homosexuelles, tantôt des grâces contorsionnées. Le Maniérisme, c’est bien intéressant comme… [Deleuze ne termine pas la phrase] Or, chez un peintre comme Bacon, si vous voyez des tableaux de Bacon, vous retrouvez singulièrement – l’influence de Michel-Ange sur Bacon me paraît sûre. [75 :00] Si vous voulez voir ce que c’est que la découverte d’un large dos d’homme… il lui a fallu évidemment faire un triptyque, il en fallait trois. Il y a un triptyque de Bacon qui représente vu de dos, un homme, une figure qui se rase, hein. Je le montre comme ça, vous ne verrez rien mais c’est juste pour que vous ayez une idée. Je le fais tourner lentement — Et j’ai honte de vous montrer des images, ça devrait vraiment être un cours sans images — Vous avez vu ? [Rires]

Bon, vous voyez les trois dos d’hommes. C’est intéressant parce que y a une gamme… la couleur je crois est nulle, nulle, nulle de la reproduction, parce que c’est une couleur difficile, hein. En fait, c’est… il y a une dominante rouge [76 :00] ocre, une dominante bleue sur le panneau central et à droite, co-existence du bleu et du rouge. Ce qui m’intéresse là-dedans, c’est que… Prenons un problème, parce qu’on aura à le retrouver. La question de la peinture en vertu de ce qu’on vient de dire mais que vous saviez déjà, ce n’est pas de peindre des choses visibles, c’est évidemment de peindre des choses invisibles. Or, il ne reproduit du visible, le peintre, que précisément pour capter de l’invisible. Or c’est quoi, peindre un large dos d’homme ? C’est quoi ? Ben, ce n’est pas peindre un dos, c’est peindre des forces qui s’exercent sur un dos ou des forces qu’un dos exerce. C’est peindre des forces, ce n’est pas peindre des formes. L’acte de la peinture, le “fait pictural”, [77 :00] c’est lorsque la forme est mise en rapport avec une force. Or les forces, ce n’est pas visible. Peindre des forces, en effet, c’est ça, le “fait”.

Tout le monde connaît le mot de Klee, la peinture, il dit : “il ne s’agit pas de rendre le visible, il s’agit de rendre visible”, sous-entendu, rendre visible l’invisible. Rendre visible quelque chose d’invisible. Bon, rendre le visible, c’est la figuration. Ce serait le “donné pictural”, c’est lui qui doit être détruit. Il est détruit par la catastrophe. La catastrophe, c’est quoi ? Alors on peut faire un petit progrès, la catastrophe, c’est le lieu des forces. Evidemment, ce n’est pas n’importe quelle force. “La catastrophe, c’est le lieu des forces”. [Le titre du chapitre 8 dans Francis Bacon. La Logique de la sensation est “Peintre les Forces”, et le développement qui suit correspond à ce chapitre] [78 :00]

Le “fait pictural”, c’est la forme “déformée”. Qu’est-ce que c’est qu’une “forme déformée” ? La déformation, ça, c’est un concept cézannien. Il ne s’agit pas de transformer, les peintres, ils ne transforment pas, ils déforment. La déformation comme concept pictural c’est que la déformation de la forme, c’est la forme en tant que s’exerce sur elle une force. La force, elle n’a pas de forme, elle. C’est donc la déformation de la forme qui doit rendre visible la force, qui n’a pas de forme. Qui doit faire rendre visible la force. Si il n’y a pas de force dans un tableau, il n’y a pas de tableau. Je dis ça parce que souvent, on confond ça avec un autre problème, qui est plus visible mais qui est beaucoup moins important. On confond ça avec un tout [79 :00] autre problème qui est celui de la décomposition et de la recomposition d’un effet. Je veux dire, prenez par exemple, “peinture de la Renaissance : décomposition-recomposition de la profondeur”. Prenez des siècles après, “l’impressionnisme : décomposition-recomposition de la couleur”. Prenez après, “le cubisme ou d’une autre manière, le futurisme : décomposition-recomposition du mouvement”.

Bon. C’est très intéressant ça mais ça ne concerne que les effets. Ce n’est pas ça, l’acte de peindre, ce n’est pas ça. Ce n’est pas décomposer, recomposer un effet. [80 :00] C’est quoi ? Je dis, c’est capturer une force. Et c’est ça, il me semble que veut dire Klee lorsqu’il dit, il ne s’agit pas de rendre le visible, il s’agit de rendre visible.

Donc, il faudra que la forme soit suffisamment déformée pour que soit capturée une force. Ce n’est pas une histoire, ce n’est pas une figuration, ce n’est pas une narration. Et le rôle du diagramme, ça va être d’établir un lieu des forces telle que la forme en sortira comme “fait pictural”, c’est-à-dire, comme forme déformée, en rapport avec une force, c’est dès lors la déformation de la forme picturale qui fait voir la force non-visible.

Je prends un exemple très simple parce que là aussi, Bacon a étrangement réussi, ça c’est un de ses domaines, toujours dans la série de questions pour chaque peintre. Qu’est-ce qu’il a compris picturalement ? Bacon, qu’est-ce qu’il a compris picturalement ? [81 :00] Bon, encore une fois, aucun peintre ne comprend beaucoup, hein. Trop fatigant de comprendre quelque chose. Ce n’est pas faux de dire que Cézanne, il en a eu “pour la vie avec ses pommes”. Bon, Bacon, si je me demande, bon, il a compris en effet, dans un cadre, dans un triptyque, il a compris “un large dos d’homme”. Mais là, ce n’est pas faux de dire, ce n’est peut-être pas le meilleur Bacon parce que Michel-Ange l’avait compris et de la même manière.

Mais un large dos d’homme, ça veut dire y compris le rapport avec les forces. Quelles sortes de forces ? Là, toutes sortes de forces. Dans le cas de Michel-Ange et ça répondrait à ces variations mêmes de procédés de style, tantôt c’est des forces intérieures… [Interruption de l’enregistrement] [1 :21 :57]

 

Partie 3

… [82 :00] les poses les plus naturelles en fonction de la force invisible qui s’exerce sur le corps. Bacon peut faire les figures les plus contournées du monde. Mais, on a l’impression que, c’est comme des corps à la torture. Mais c’est une première impression qui, elle, est figurative et narrative car si vous prenez plus un regard, comment dire, pictural, vous apercevez que, si vous arrivez à comprendre vaguement la force qui est en train de s’exercer sur le corps, le corps a la position la plus naturelle en fonction de cette force. Prenons des exemples quotidiens, alors là, au point de restaurer comme une espèce de figuration, mais la figuration secrète d’un tableau. Prenez quelqu’un qui a mal au dos, un peu mal au dos, pas très, hein, qui a une vertèbre un peu déplacée et qui doit rester, qui pour une raison quelconque, doit rester assis très longtemps. [83 :00] Si vous le regardez, vous verrez qu’il prend, de l’extérieur, toute l’attitude du corps qui peut vous paraître la plus suppliciée, la plus contournée du monde, mais qui en fait, et en fonction des forces qui s’exercent sur lui, est la plus naturelle et précisément celle qui lui permettra de tenir le plus longtemps.

Si la peinture, si le fait pictural… ce que je veux dire c’est ceci : le fait pictural est fondamentalement et essentiellement “maniériste”. Pourquoi ? Parce que le maniérisme c’est exactement l’effet que nous fait une figure, que nous fait une forme, une forme visible, lorsque l’on ne voit pas la force invisible qui s’exerce sur elle. Si [84 :00] par votre œil pictural, c’est-à-dire votre troisième œil, si par votre troisième œil vous saisissez la force qui s’exerce sur le corps — puisque c’est ça l’objet de la peinture : capter la force — à ce moment-là ce corps cesse d’être maniéré ; il reste maniériste, parce qu’il faudra définir le maniérisme comme ceci : le rapport du corps visible avec la force invisible. Et c’est ça qui lui donne cette attitude maniériste. Si bien que je crois que le maniérisme est en fait une dimension fondamentale, une dimension consubstantielle de la peinture.

Alors, bon, mais capturer une force, vous savez, ce n’est pas facile. Voilà : vous êtes peintre, vous êtes peintre ; [85 :00] vous voulez dessiner un bonhomme qui dort. [Pause] Ce n’est rien, qu’est-ce qu’il ferait un peintre si vous, si on… quand on n’a pas de génie, on peut dessiner même très bien un bonhomme qui dort ! C’est illustratif dans quel cas et ça cesse d’être illustratif et même narratif… eh ben, narration, bon : cet homme s’endort, il était fatigué. Alors le contexte est bien narratif : ça peut être la nuit, ça peut être le jour, ce n’est pas la même histoire si je m’endors le jour, la nuit, tout ça. Bon, les traits que vous faîtes sont figuratifs : un personnage sur un lit, bon. Je dis, tout ça, c’est le monde des données pré-picturales. Alors ça compte assez peu finalement que des peintres passent par ces données-là. Que d’autres peintres ne les tracent pas sur la toile, qu’est-ce que ça peut faire ? [86 :00] Ça compte très peu. De toute manière, même ceux qui les tracent c’est pour les brouiller, c’est pour les faire passer par le diagramme. Et qu’est-ce que c’est le fait pictural qui sort du diagramme ? Qu’est-ce que c’est ? Ce serait trop facile de dire : ah bon, c’est le corps en tant qu’il est en rapport avec la force de sommeil. “Force de sommeil”, ça ne veut rien dire, c’est qu’un redoublement qu’il dort. Comprenez, un grand peintre il arrive à très bien capter. La force de sommeil, elle est multiple. Dans le cas de Bacon il dessine beaucoup, il peint beaucoup de personnages qui dorment. A mon avis, c’est ses grandes, c’est parmi ses grandes réussites. Les dormeurs de Bacon sont très, très prodigieux.

Qu’est-ce qui nous frappe ? Eh bien, je crois que ce qui frappe, c’est une chose, si vous voyez des reproductions ou si vous en avez dans vos souvenirs, c’est que, ce qu’il a saisi — et vraiment je ne vois que lui, [87 :00] il y en a peut-être d’autres qui ont réussi ce coup-là — il a complètement capté ce qu’il faut appeler la force d’aplatissement dans le sommeil. Savez, un corps vraiment fatigué, qui se couche, et on le voit même visuellement ! mais comment le rendre ? Ça c’est être un grand peintre. Le corps qui semble complètement se vider, s’aplatir sur le matelas. Si bien que, à la lettre, ce n’est pas que ce soit un corps sans épaisseur ; si je peins un corps sans épaisseur, c’est nul, ça rate. Si je peins un corps en train de perdre son épaisseur, c’est réussi. Bon. Cela, j’ai mis : la forme en rapport avec une force de déformation à savoir la force qui l’aplatit. Or les dormeurs de Bacon prennent… Alors à ce moment-là on comprend pourquoi il les flanque de figures témoins debout. Des figures témoins…

Et ça permet de répondre aussi à des questions [88 :00] comme : dans un tableau complexe, qu’est-ce qui est important, qu’est-ce qui est secondaire ? Vous voyez par exemple des dormeurs de Bacon, et là aussi c’est, c’est… encore une fois ça me parait ses grandes réussites, hein. Des dormeurs de Bacon qui sont couchés donc sur un lit. Et puis, ça peut être en triptyque, les deux autres panneaux, panneau gauche et panneau droit, présentent des personnages volumineux et très contorsionnés. Bon, votre regard, ce n’est pas parce que c’est au centre. Il y a des triptyques de Bacon où l’essentiel il est dans un panneau extérieur, droite au gauche, pas au centre. Les dormeurs peuvent très bien être dans un panneau extérieur. Alors, on se dit, bon : où est la force, de quelle force il s’agit ? Et quelle est la force qui vous touche, vous, là-dedans ?

Eh ben, pour Bacon c’est très curieux, c’est sa manière de vivre le sommeil, mais là, comprenez, ce n’est plus du cliché. [89 :00] J’aurais pu faire sinon un bonhomme qui dort, que ce soit une merveille, une merveille, une merveille de traits, une merveille de couleurs. J’aurais pu faire le lit, une petite merveille de lit. Bon, d’accord, on passe au tableau suivant quoi. Aucun intérêt. Quand quelque chose vous frappe, c’est le fait pictural qui vous frappe. Ces tableaux dont je parle tout à l’heure, ils n’ont pas de fait. Il n’y a aucun fait pictural. Il y a un fait qui est celui du sommeil, il y a un fait narratif, il y a fait un illustratif, il y a tout ce que vous voulez, il n’y a pas de fait pictural. Aucun avènement d’un fait pictural.

Alors qu’est-ce qu’il faut faire ? Qu’est-ce qu’il faut faire, pour ça, pour être un grand peintre, hein ? Eh ben, vous regardez… moi, je vois deux forces ; en fait c’est toujours très compliqué parce que… Bacon, c’est son affaire, je suis sûr que c’est un homme qui a avec le sommeil un rapport particulier. Parce que, c’est là le rapport du vécu et de la peinture, hein, il faut que… [90 :00] j’imagine Bacon dormant beaucoup, beaucoup, beaucoup. Ce n’est sûrement pas un insomniaque. Un insomniaque n’aurait pas à peindre ça. Alors, sous quel agent dort-il ? Je n’ose y penser… mais il dort beaucoup, sûrement. Enfin s’il était insomniaque ce serait un catastrophe mais ça ne fait rien. Bien. Alors, pour lui c’est très curieux. Là aussi, il y a quelque chose de purement illustratif. Il y a énormément de dormeurs ou de dormeuses de Bacon, vu qu’il a fait des séries de dormeurs ou de dormeuses, énormément de dormeurs qui dorment avec un bras ou même deux bras dressés. Hein, voyez, ils sont couchés… et ou bien, la cuisse levée.

Bon, ce que je dis là, c’est figuratif. [91 :00] C’est ça que j’appelle le donné. Je peux dire à un peintre : en effet c’est du donné, c’est du pré-pictural. Peut-être que Bacon lui-même dort comme ça. C’est du pré-pictural. Peut-être que Bacon aime cette position. Hein, une jambe dressée, ou un bras dressé, et dormir comme ça. Il y a toutes les combinaisons possibles : l’oreiller peut être haut, le bras comme ça et le corps comme ça, appuyé sur l’oreiller le bras mais… bon. Voyez, si je dis, eh ben, je peux toujours dire à un peintre : dis-donc, j’aimerais bien que tu peignes un, un dormeur avec une, un bras dressé, bon. Quelle différence avec un dormeur de Bacon ? Je disais tout à l’heure : regardez les dormeurs de Bacon et voyez si vous avez le même sentiment que moi c’est-à-dire que la forme est en effet déformée, [92 :00] même au besoin très peu, par une force d’aplatissement. Dès lors, le sommeil ne serait pas du tout défini simplement de manière tautologique comme force d’endormissement. Le sommeil pour Bacon, tel que le vit Bacon, c’est une force d’aplatissement du corps. S’aplatir de fatigue, s’aplatir de sommeil.

Et autre chose, autre chose qui me paraît très curieux. Je dirais que, Bacon, vous savez il a fait aussi — alors on va voir comment des thèmes différents d’un peintre peuvent se court-circuiter — Bacon il a fait énormément de quartiers de viande. Il les appelle même d’un nom particulièrement coquet : crucifixions, des quartiers de viande qu’il nomme “crucifixions”. Le quartier de viande, ça a toujours été… peu de peintre ont résisté [93 :00] au quartier de viande. Formidable pour un peintre, un quartier de viande. Puisque, je veux dire, c’est une telle matrice de couleurs. Bon. Certains peintres sont particulièrement connus pour leurs quartiers de viande. Il y a au moins un grand quartier de Rembrandt qui est une merveille, une carcasse, une merveille. Et puis il y a les séries infinies mais tellement, tellement belles de Soutine. Or quand vous voyez les quartiers de… Figurativement on peut dire, bon, au moins trois grands peintres — Rembrandt, Soutine et Bacon — ben, ont figuré des quartiers de viande et des carcasses entières. Bon, figurativement, narrativement, d’accord, aucun intérêt jusque-là. [Le titre du chapitre 4 dans Francis Bacon. La Logique de la sensation est “Le corps, la viande et l’esprit, le devenir-animal”, où Deleuze considère des aspects de ce développement]

Si je me demande : qu’est-ce que c’est la manière dont, qu’est-ce qui intéresse Bacon dans [94 :00] le quartier de viande ? Pas forcément la même chose que ce qui intéresse Soutine. Ou que ce qui intéresse Rembrandt. Ben, il me semble à tout ça, il faudrait… il faudrait que vous en voyiez. Ben, il me semble qu’il y a quelque chose de très curieux dans les quartiers de viande. C’est qu’il vit le quartier de viande, la carcasse comme étant un mouvement — bien sûr, ça ce n’est pas nouveau ! — mais un mouvement par lequel la chair décolle des os. La chair décolle des os comme si au lieu d’une organisation, dans un corps vivant, il y a une espèce d’organisation chair-os ; chez Bacon, la carcasse, elle se distingue précisément du corps vivant en ceci : que la chair, ce n’est pas du tout que la chair devienne molle, c’est une chair ferme, hein, c’est une chair ferme, et c’est une chair [95 :00] qui décolle des os. A la lettre, je ne trouve rien de mieux, c’est une chair qui descend des os. Elle descend des os. Or si vous regardez – je suppose que vous regardiez un Bacon et que vous ne me donniez pas tort – c’est ça qui l’intéresse dans un quartier de viande : la chair descend des os. Faut le faire, hein ! Comment peindre une chair qui descend des os ? Pas de recette, c’est une force. Il y a une force de pesanteur propre à la viande — c’est ça qui intéresse Bacon dans la viande — force par laquelle la chair descend des os. Tiens ! descente-crucifixion ! L’opération par laquelle la chair descend des os, c’est ça la crucifixion [96 :00] ou la manière dont Bacon vit la crucifixion.

Si bien que ces espèces de quartiers de viande qui sont comme dégoulinants, qui descendent des os, il les appellera : crucifixions. Bien, ça nous ouvre des horizons, qu’est-ce que… En d’autres termes, les crucifixions qui l’intéressent ce sont des descentes. Mais le thème de la crucifixion dans son rapport avec la descente, il parcourt toute la peinture. D’où question qui rebondit : et les vieux, vieux peintres que nous admirons, qu’est-ce qu’ils faisaient passer dans la descente de la croix ? Qu’est-ce qu’ils faisaient passer ? Qu’est-ce qui les intéressait dans la descente de croix ? Sûrement pas la même chose que Bacon. Je dis pas du tout que c’était la chair descendant des os, ce n’est pas ça, mais ça devait être autre chose, ça devait… est-ce que ce n’était pas aussi une histoire de force ?

En tout cas, vous voyez ce que je veux dire. Lorsque Bacon peint ses dormeurs, [97 :00] avec bras levé ou cuisse levée, mais si vous regardez le tableau, et ça c’est une question vraiment de regard, je dis pas du tout ce n’est pas, ce n’est pas du raisonnement, comprenez-moi, c’est formidable en effet : c’est tout un mouvement par lequel le bras vaut comme un os, la cuisse levée vaut comme un os, et dès lors tout le corps du dormeur descend de ce quasi-os, descend de cet os. C’est le processus de la descente : tous ces dormeurs c’est des “crucifixions”, c’est le mouvement de la chair qui descend des os. Et il lui faut… Même si par goût, donnée figurative, il aime dormir comme ça, la fonction picturale du bras levé est complètement autre : c’est assigner [98 :00] une force du sommeil, la force du sommeil, une des forces du sommeil étant pour Bacon le mouvement par lequel la chair descend des os. Un peu comme lorsque vous mettez la tête à l’envers, plus bas, et que vos joues, là, remontent. Remontent, c’est-à-dire, tendent à quitter l’orbite. Ce mouvement de la chair qui descend des os, la tête en bas etc., le corps qui coule du bras levé, le corps qui tombe de la cuisse levée. Et en effet vous ne pouvez pas voir les tableaux de Bacon, ces dormeurs, sans tout constituer le corps comme descendant de cette cuisse, comme descendant de ce bras, et c’est ça que j’appelle “le fait pictural”.

Si bien que je dirais dans les dormeurs de Bacon vous avez en effet une déformation de la forme, le fait pictural, c’est exactement ceci : déformation de la forme, en fonction de [99 :00] deux forces – je n’en vois que deux moi, mais quelqu’un d’autre en verra d’autres ! — Je ne pense pas que ce soit les seules forces ou bien peut-être que Bacon vit le sommeil comme le lieu d’exercice de ces deux forces principalement – une force d’aplatissement, aplatissement du corps et une force de descente. Le corps descend des os. Un corps qui dort c’est une viande parce que c’est un corps qui descend des os. Et c’est un corps aplati. Il n’y a pas d’histoire là-dedans. Quand vous avez atteint ça, il me semble que vous avez atteint, je ne sais pas, mais vous avez atteint ce que le peintre vous montre, c’est-à-dire, ce qu’il rend visible. Il a rendu visible dans ce tableau deux forces invisibles. Et s’il lui faut des corps témoins debout [100 :00] et contorsionnés, à leur tour ils ont des forces ces corps, ils rendent visibles des forces, mais à mon avis – à chacun de percevoir le tableau comme il veut – à mon avis, c’est secondaire. La réussite du sommeil était plus importante. Si bien que les corps volumineux et contorsionnés ne sont que comme des témoins du sommeil et ne valent que secondairement, mais on pourrait dire autre chose…

Bon, voyez, je reviens toujours à mes trois temps : des données figuratives et des données narratives vous en avez toujours. Vous en avez toujours. C’est pré-pictural, elles sont déjà là. C’est les photos, les clichés, tout ce que vous voulez. Les idées. C’est… pourquoi est-ce qu’ils sont toujours là ? C’est l’intention du peintre. L’intention ne peut être que figurative et narrative. Et même pour le peintre le plus abstrait, [101 :00] c’est pour ça que, il y en encore lieu de faire aucune différence. On verra à quel moment on peut faire une différence entre tel courant et tel autre courant. Au point où en est, il n’y a aucun lieu de faire la moindre différence. Quand Mondrian peint un carré, ben, il y a tous les carrés tout faits qui sont déjà là. Il se trouve exactement dans la même situation que les autres. Quand Pollock fait sa ligne d’un bord à l’autre, sa toile elle est déjà pleine de toutes les lignes qui ratent, de toutes les lignes clichés, de toutes les lignes toute faites. Bon.

Donc, il n’y a aucun, aucune raison de faire la moindre distinction à ce niveau. Vous avez donc tout ce monde de données, de clichés, et je dis : c’est l’intention du peintre. En quel sens ? C’est que les clichés, le tout fait, il est inséparable de l’intention du peintre en tant que le peintre veut peindre quelque chose. Or encore une fois, quand on est peintre, on veut peindre quelque chose. [102 :00] Je dirais, vous comprenez, ce qui rend le cliché inévitable c’est que le cliché, il est fondamentalement intentionnel. Toute intention est intention de cliché. Toute intention vise un cliché.

Or il n’y a pas de peinture sans intention. Qu’est-ce que j’appelle intention ? Ben, j’appellerais intention, si j’essaie de donner une définition abstraite mais en même temps simple, je dirais : c’est la différence entre une pomme et une femme. Je veux dire : Cézanne n’a pas la même intention suivant qu’il se propose de peindre une pomme et de peindre une femme. Et vous me direz : “quand on se propose de peindre un rien ?” Il n’y a pas de “peindre un rien”… [103 :00] Mondrian n’a pas la même intention quand il veut peindre un grand carré, un petit carré, voilà. Bon. Or c’est l’intention qui promeut déjà le cliché. Dès lors, c’est forcé que le cliché soit sur la toile, avant que le peintre ait commencé. Je dirais : la forme intentionnelle est toujours en peinture figurative et narrative. Elle ne peut pas être autrement.

Si bien que la tâche du peintre et l’acte de peindre, ça commence avec la lutte contre la forme intentionnelle. Je ne peux réaliser la forme intentionnelle — s’il y avait une dialectique dans la peinture, ça me semblerait celle-ci — je ne peux réaliser la forme intentionnelle, c’est-à-dire la forme que j’ai l’intention de produire, je ne peux la réaliser que précisément en luttant contre le cliché qui l’accompagne [104 :00] nécessairement, c’est-à-dire en la brouillant, en la faisant passer par une catastrophe. Cette catastrophe, je l’appelle, ce chaos-germe, je l’appelle : le lieu des forces ou diagramme. Et si ça réussit, si le diagramme ne tombe pas dans un des multiples dangers que l’on a vus — une fois dit que les dangers sont multiples, on reviendra là-dessus — si le diagramme est vraiment opératoire, comme dirait un logicien, si le diagramme est vraiment opératoire, qu’est-ce qui en sort ? Le diagramme c’était la possibilité de fait, il en sort le fait. Le fait c’est la forme en rapport avec une force. Qu’est-ce que le peintre aura rendu visible ? Il aura rendu visible la force invisible.

Je voudrais donner un exemple, moi qui me frappe énormément, mais c’est plutôt pour que vous en trouviez, [105 :00] que vous trouviez vos exemples à vous. Il y a un peintre du XIXème-XXème siècle, et qui fait partie de la grande tradition expressionniste : [Frantisek] Kupka. Kupka, il me semble que, là, on dirait : qu’est-ce qu’il a compris lui, si c’est vrai que Cézanne il a compris une ou deux pommes et puis que Bacon il a compris un dos d’homme et trois dormeurs ? Qu’est-ce qu’il a compris Kupka ? Lui, il a compris quelque chose qui parait beaucoup plus important et pourtant ce n’est pas un plus grand peintre que Cézanne ou Bacon. Il fait beaucoup de… de planètes qui tournent, hein, avec des couleurs très, très… c’est du bel expressionnisme, hein. Or, là, et je ne trouve pas, pour Bacon, j’arrive un peu à commenter comment si vous voulez, j’ai l’impression que ce que j’ai dit tout à l’heure, ça cernait bien les forces que Bacon a pu capter [106 :00] dans le cas du sommeil. Pour Kupka, j’en parle parce que, là je me sens infiniment plus modeste, c’est pour moi un mystère absolu : comment expliquer que avec des espèces de petites boules — bien sûr avec des indications de rotation etc. — Kupka ait réussi à ce point à donner, à capter une force qu’on ne peut appeler qu’une force de rotation et de gravitation. Une espèce de force, alors, astronomique. Ça, je veux dire à la limite, moi j’aimerais que, que quelqu’un qui comprend Kupka mieux que moi, que, ou qui l’aime… j’admire ça très prodigieusement parce que j’y vois une, une très, très grande réussite… ou autrement dit, ce n’est pas rien, hein, capter une force de cette nature ! Et c’est vrai que dans un tableau de Kupka, même, même rapide, [107 :00] même presque une ébauche, ça, c’est, c’est, c’est… c’est, c’est une espèce de truc, mais, mais fantastique. Dans les beaux Kupka, bien sûr ! Là-aussi vous sentez à quel point ça peut rater. Il s’en faut de quoi, pour que l’invisible soit capté ou pas capté, c’est-à-dire rendu visible, il s’en faut de quoi ?

Je reprends un mot de Bacon, là-aussi qui est, comme ça j’en parlerai plus : à un moment il a fait beaucoup de séries de gens qui criaient. De gens qui criaient. Des papes notamment. Il y a une série de papes qui crient, c’est une merveille. C’est dans la série des “papes” de Bacon. Bon, bon, un pape qui crie, tout ça. Qu’est-ce que ça veut dire ça ? Et il a une formule qui me paraît très belle, il dit dans ses entretiens : moi vous savez, hein, il faut bien, il faut bien regarder tout ça parce que moi, ce que je voudrais — il est modeste — ce que je voudrais, [108 :00] c’est peindre le cri plutôt que l’horreur. Peindre le cri plutôt que l’horreur, ça ça me paraît vraiment du, une phrase de peintre. Pourtant c’est un des peintres qui a peint le maximum d’horreurs. Il le sait bien. Il ne nous a pas épargnés, c’est affreux. C’est affreux, d’accord, oui, c’est affreux. Ces crucifixions, c’est affreux ! Il y a une crucifixion qui représente un quartier de viande avec une bouche qui hurle, hein, pris dans le quartier de viande, et en haut de la croix un chien qui attend, hein. Et le chien, il est très, très inquiétant, enfin c’est une horreur, il a peint une horreur là. Alors pourquoi il nous dit : moi vous savez ce qui m’intéresse c’est peindre le cri plutôt que l’horreur ? Ben, il sait bien, il sait bien, et plus il ira… et c’est ça le cheminement d’un peintre. Mais ils sont très sévères quand ils jugent, encore une fois. Il dit : ben oui, dans tous mes débuts, je n’ai jamais su séparer, hein, le cri et l’horreur, [109 :00] j’ai peint l’horreur. Seulement, peindre l’horreur, c’est que du figuratif encore, c’est encore du figuratif, c’est encore du narratif. L’horreur c’est facile. C’est ça la leçon de la sobriété. De plus en plus sobre.

Ça veut dire quoi : de plus en plus sobre ? Seulement, ce n’est pas facile, c’est tellement difficile à y arriver, que faut bien passer par ces espèces d’excès et de gamineries. Peindre l’horreur. Peindre l’horreur, peindre une scène abominable, oui, d’accord. Il fallait peut-être passer par là… Mais même déjà quand il peignait l’horreur c’était sans doute pour en extraire autre chose, à savoir le cri. Peindre le cri, c’est autre chose. Pourquoi peindre le cri ? Le cri, ben, qu’est-ce que c’est le cri, qu’est-ce que c’est ? Si je compare le cri et le sommeil. Quelle différence il y a entre le cri et le sommeil ? [110 :00] Quelle ressemblance plutôt ? Entre le cri et le sommeil il y a au moins une ressemblance qui est la ressemblance picturale, à savoir c’est que dans tous les cas, c’est des figures du corps – j’emploie figures précisément, expression bizarre en apparence, figures du corps – c’est des figures du corps, c’est-à-dire, qui n’existent que dans la mesure où le corps est en rapport avec des forces. Soit forces intérieures, soit forces extérieures. [Sur la distinction “horreur-cri” et la série des papes, voir le chapitre 6, “Peinture et sensation”, dans Francis Bacon. La Logique de la sensation, notamment pp. 28-29]

Il n’y a que ça d’intéressant : quand le corps est en rapport avec des forces. Alors, que le peintre ait tendance d’abord à mettre le corps en rapport avec des forces insupportables, insurmontables, même Michel-Ange il est tombé là-dedans ! Qu’est-ce que ça veut dire de plus en plus de sobriété ? Apprendre que le secret de la peinture ou que les faits picturaux les plus beaux c’est lorsqu’au besoin les forces sont très, très simples, très rudimentaires. [111 :00] Ce ne seront plus des forces qui supplicieront un corps, ce ne seront plus des forces horribles, ce sera la force d’aplatissement du sommeil. On commence par faire des scènes d’accident abominables par exemple quelqu’un qui passe sous un autobus, et puis on s’aperçoit que le vrai aplatissement du corps ce n’est pas du tout l’autobus qui vous écrase, que le vrai aplatissement du corps, c’est le fait quotidien que vous vous endormez. Et que dans le fait de s’endormir, il y a un fait pictural, alors qui vaut peut-être pour toutes les souffrances du monde, qui vaut peut-être pour tous les écrasements. A ce moment-là vous pourrez récupérer tout, et la torture, et la torture du monde et les horreurs du monde, rien qu’en peignant un bonhomme qui dort. C’est forcé. C’est ça que je veux dire. L’espèce de, de recherche d’une sobriété, d’une simplicité toujours plus grande… Ce qu’en littérature, [112 :00] Beckett a réussi à, lui, faire quelque chose de plus en plus sobre et que ce soit en un sens d’autant plus frappant, d’autant plus bouleversant. Mais dans les premiers Beckett il y a encore trop de richesse, il y a encore une espèce de richesse narrative et figurative. Puis il arrivera à, bon, il arrivera à cette espèce d’état, alors, de fait pictural, chez lui ça deviendra le fait littéraire, quoi, une espèce de fait littéraire à l’état pur. Bon. Eh ben, c’est ça, vous comprenez, cette espèce de capture de forces.

Alors, le cri plutôt que l’horreur. Le cri, bon. C’est quoi ? C’est le corps en rapport avec une force qui le fait crier. Bon, quelle est cette force ? Comprenez, si je réponds comme tout à l’heure je ne voulais pas répondre “la force qui fait dormir c’est, c’est le besoin de sommeil”, on n’aurait rien appris. Là, je serais renvoyé au figuratif, et au narratif. [113 :00] Si je dis “la force qui fait crier, et bah, c’est le spectacle du monde”, je suis en plein dans le figuratif, à ce moment-là, il faut que je peigne une scène qui va rendre compte que la figure que je peins en même temps dans la scène, crie. Je serai en plein dans le figuratif. C’est donc pas ça que j’appelle une force. Une force c’est la force invisible. C’est en ce sens que je vous disais : il n’y a de lutte qu’avec l’ombre. Il n’y a de rapports du corps qu’avec les forces invisibles, ou avec les forces insensibles. Il n’y a de lutte qu’avec les forces. Et quel est le rôle, quel est le rapport du visible et de l’invisible ? Du visible et de la force qui n’est pas visible ? Le rapport du corps avec la force, il me paraît très, très simple finalement, c’est que : parce que le corps est visible [114 :00] et qu’il va subir de la force une déformation créatrice, alors, la visibilité du corps va me permettre de rendre visible la force invisible.

C’est dans la mesure où le corps étreint la force invisible qui s’exerce sur lui — d’où le thème de la lutte avec l’ombre — c’est dans la mesure où le corps étreint la force invisible qui s’exerce sur lui que la force invisible devient visible. De quelle manière ? Là, tout devient flou. Que le corps la rende visible en tant qu’ennemie ou qu’il la rende visible en tant qu’amie ? Si le peintre arrive à faire qu’un corps qui meurt rende visible [115 :00] la force de la mort, peut-être à ce moment-là que la mort devient pour nous, et pour le corps représenté, devient une véritable amie. C’est-à-dire que tout ce qu’il y avait de facile, de figuratif, d’affreux, d’horrible, devient très secondaire par rapport à une espèce d’immense consolation vitale. De toute manière une capture de force c’est gai.

Alors, la bouche qui crie, bien sûr elle est en rapport avec quoi ? Pas avec un spectacle visible. Je pense à une phrase très belle de Kafka dans une lettre, dans une lettre il dit ceci, il dit : bah oui, ce qui compte finalement, ce n’est pas le visible, c’est quoi ? C’est capter, détecter — non, il ne dit pas capter lui, ça revient au même — détecter, détecter les puissances diaboliques de l’avenir qui frappent à la porte, qui frappent déjà à la porte, c’est-à-dire qui [116 :00] d’une certaine manière sont déjà là. Mais elles ne sont pas visibles. Je veux dire, prenez par exemple, bon, le fascisme, les états de torture, tout ça, il y a du visible mais il y a quelque chose encore qui excède toute visibilité. Ce qu’il y a de terrible, ce n’est jamais ce qu’on voit, c’est, c’est encore quelque chose qui est, qui est quoi ? En-dessous ? Pas visible ? Les puissances diaboliques de l’avenir qui frappent déjà à la porte. Eh ben, voilà, premier stade : je peins un spectacle horrible et une bouche qui crie devant ce spectacle. Si beau que ce soit c’est encore du figuratif et du narratif.

Deuxième [117 :00] stade : j’efface le spectacle. Je ne peins plus que la bouche qui crie. Il m’a fallu passer par le diagramme. Par la catastrophe qui entraînait toute figuration. Et peindre la bouche qui crie seulement ça veut dire, en fait je ne la peins pas seulement, c’est qu’à ce moment-là j’ai capté les puissances. Les puissances qui font crier. Puis de telle manière que la bouche qui crie devienne aussi bien l’amie de ces puissances que l’ennemie. Ces puissances sont comme transformées. C’est curieux tout cela.

Alors on voit bien que dans le cas de Bacon, j’ai pris ça, bon, justement, il faudra voir, ça me parait tellement constant tout ce que je dis sur toute la peinture, des gens qui dorment, des gens… Mais Bacon, il a ses coquetteries, les peintres ils ont toujours leurs coquetteries. Lui, il fait en effet plutôt dans l’horrible, hein, ou même parfois dans l’abject. Mais il fait de moins en moins dans cette voie, [118 :00] il a épuisé cette voie, il se, il se traite très sévèrement d’être passé par cette voie. Mais, il peint énormément de hoquets, vomissements. Il y a un tableau très beau de lui : “Personnage au lavabo”. Il y a un type qui, qui vomit dans un lavabo, on ne voit pas le vomissement, mais toute l’attitude du corps, le dos. Un dos qui vomit, tiens ! un dos en proie à la force de vomissement. Comprenez, ce n’est pas facile à faire après tout, à peindre. Hein, alors, il tient au lavabo, là, comme si le lavabo, bon. Qu’est-ce qu’il y a de commun entre un vomissement et un cri ? Pas difficile. C’est deux efforts — là aussi on va peut-être retrouver alors une obsession de Bacon — c’est deux mouvements par lequel le corps tend à s’échapper. Curieux ça. S’échapper, s’échapper. Mon corps m’échappe. [119 :00] C’est une impression de panique très vive, c’est la panique. Là, c’est la catastrophe. Il va falloir que le corps, bon, si le corps doit être peint, dans le cas de Bacon, faudra qu’il passe par cette catastrophe du corps qui s’échappe : c’est le diagramme de Bacon. Alors il peut s’échapper de manières très différentes : il peut s’échapper dans le vomissement et dans le cri. C’est pas du tout la même bouche, la bouche qui vomit et la bouche qui crie. Ce n’est pas du tout pareil. S’échapper, un corps qui s’échappe, c’est curieux ça. Mon corps m’échappe.

Je ne sais pas si vous avez été opérés mais ceux qui ont été opérés ont cette expérience qui me parait faire comprendre des choses. Ceux qui ont subi, enfin, une, une opération importante. C’est marrant. D’abord l’opération, ça… moi je serais peintre, c’est ça que j’essaierais de… Quelqu’un qui a subi une opération grave, hein. Quelque chose de formidable, alors.  [120 :00] Faire de la figuration ce serait représenter une opération. Aucun intérêt évidemment, aucun intérêt. Bon. Mais dans une opération, vous savez, il y a quelque chose de très bizarre, c’est que même lorsque l’opération ne mettait pas la vie en danger, le type qui en sort, il suffit de le regarder après, c’est absolument comme s’il avait vu, mais vu sans tragique, je ne dis pas que ce soit tragique, comme s’il avait vu la mort. Je veux dire, les yeux sont extraordinaires, les yeux d’un opéré frais [Rires], si vous n’en avez pas eu, si vous n’en avez pas eu autour de vous, faites les cliniques, n’importe quoi, mais ça, il faut avoir vu ça je ne crois, même, pas par curiosité ; là je ne dis pas des choses de petite perversion lamentable, je dis des choses de, presque de tendresse. Si vous voulez sentir vraiment quelque chose pour l’humanité, voyez des gens qui se sont fait opérer. Les yeux sont [121 :00] comme complètement lavés, comme s’ils avaient vu quelque chose — qui n’était pas horrible, ce n’est pas du tout… — comme s’ils avaient vu quelque chose qui ne peut être que la mort, quoi, qui ne peut être que, qu’une espèce de limite de la vie, hein. Ils en ressortent avec cette espèce de regard très, très pathétique, très… Bon.

Rendre ce regard. Rendre ce regard ça ne pourrait être fait que si le peintre arrive à capter la force. Alors, avec quelle déformation du regard ? Ce n’est pas comme s’il avait une thèse sur l’œil. C’est, c’est bien autre chose, c’est bien autre chose, c’est… Bon. Impossible à dire. J’arrivais un peu à dire pour Bacon dans le cas du sommeil. Je n’arrive pas, je n’arrivais pas à dire pour Kupka dans le cas des forces astronomiques de Kupka. C’est, c’est ça qui définit un grand peintre, vous comprenez ? Alors, dans ces, dans l’expérience post-chirurgicale, il y a quelque chose de très étonnant, c’est que votre corps a tendance à s’enfuir, [122 :00] s’échapper partout à la fois. Au point que… il fuit par tous les bouts. Et c’est pas du tout inquiétant, c’est même ce qu’on appelle une bonne convalescence, quoi ! Si vous prenez, vous sentez que votre corps vous ne le tenez plus du tout, qu’il s’échappe partout. Alors, c’est une drôle d’expérience ça. Et quand je dis ce regard comme de gens qui ont vu quelque chose, hein – c’est dommage qu’ils oublient tellement, en effet, sinon les gens ils seraient merveilleux, hein, ils n’oublieraient pas une opération, ils en sortiraient bons. On a l’impression après une opération qu’ils ont compris quelque chose. Pourtant ce n’est pas eux ! Mais que leur chair a compris quelque chose. Le corps, il est intelligent quand même… Leur corps a compris quelque chose, qu’ils vont ensuite oublier tellement vite, tellement vite — bon, dommage, hein ? — une espèce de [123 :00] bonté, une espèce de générosité émane d’eux, car cette mort qu’ils ont vu, et qui devient visible dans leurs yeux, c’est très curieux, dans la mesure où elle devient visible, elle cesse d’être l’ennemie, elle est d’une certaine manière l’amie. C’est-à-dire elle devient en même temps autre chose que de la mort. Or c’est ça que rend un grand peintre.

Bon, je dis dans le cas de Bacon, alors : le corps s’échappe, un vomissement. Un vomissement, bon. Je lis, justement, alors je vais prendre les lunettes. Voilà ! Je vous lis un passage d’un très grand romancier. C’est curieux, d’avant Bacon, hein. Ouais. Voilà l’histoire, je dis la narration, hein ? [124 :00] C’est un moment du roman — c’est justement un romancier qui déborde tellement la narration ! Je le dis tout de suite, c’est Conrad, c’est Joseph Conrad, dans un très beau roman intitulé Le Nègre du Narcisse. La situation est celle-ci : le bateau coule, le bateau est en train de couler. Et il y a un marin, il y a un marin qui est pris dans une cloison – dans une… non pas dans une cloison, dans une cabine ! Tout s’est effondré, là, tout est bloqué, on ne peut pas le sauver. Et ses copains veulent le sauver parce que c’est… il est fétiche, parce que d’une part il est noir, c’est le seul noir du navire, et d’autre part il est tout le temps malade.

Alors là, entre les obscurités de Bacon, on veut d’autant plus le sauver qu’il est condamné, hein. Et tout l’équipage [125 :00] s’y met, comme des fous, sans savoir pourquoi, il faut le sauver, lui. Il faut le sauver lui et enfin ils arrivent jusqu’à la cabine après toutes sortes d’efforts et avec un appareil, je sais plus quoi, avec un morceau de fer, ils attaquent une cloison. Ils attaquent une cloison. Voilà le texte : “Nous regardions le fer attaquer obstinément le joint de deux planches. Un craquement, puis soudain la pince disparut à demi parmi les échardes d’un orifice oblong” — voyez, s’enfonce la pince, la cloison cède tout d’un coup et passe de l’autre côté – “Archie” — le marin qui tenait la pince – “Archie la retira prestement et” — c’est là que le texte commence, formidable, [126 :00] donc, c’est le nègre du Narcisse qui est enfermé dans la cabine – “et ce nègre infâme” — pourquoi infâme ? Vous allez comprendre tout à l’heure – “et ce nègre infâme se jetant vers l’ouverture y colla ses lèvres et gémit : ‘au secours’ d’une voix presque éteinte… — voyez, il y a un trou minuscule, tout petit trou dans la cloison et le type, là, qui est enfermé, qui était dans la panique, colle ses lèvres, au risque de se blesser avec la pointe, là, et murmure “au secours” – “d’une voix presque éteinte, pressant sa tête contre le bois dans un effort dément, pour sortir par ce trou d’un pouce de large sur trois de long.” [Sur le corps qui s’échappe et aussi cette scène du roman de Conrad, voir Francis Bacon. La Logique de la sensation, pp. 15-16]

Un effort, pourquoi infâme ? Je me dis, cherchant à définir [127 :00] physiquement – on ne fait pas de philosophie – l’abjection. L’abjection. Qu’est-ce que ce serait l’abjection ? Je me demande si l’abjection ce n’est pas l’effort constant — on est tous abjects à ce moment-là, ce serait bien ! — l’effort constant, ou de temps en temps, qui traverse le corps, l’effort par-lequel le corps tend à s’échapper, tend à s’échapper par un orifice, soit orifice lui appartenant, c’est-à-dire faisant partie de son organisme, soit orifice extérieur. Ce serait ça. Pourquoi est-ce que ce serait ça l’abjection ? Je n’en sais rien ! Quelqu’un me dit tout d’un coup : “oh, je voudrais passer par ce trou de souris”. Abject. Pourquoi ? Je ne sais pas. [128 :00] Oh, il y a quelque chose d’abject là-dedans. “Je voudrais me faire…” tiens ! et en effet, pourquoi est-ce qu’il veut passer par le trou de la souris ? Parce qu’il a honte, hein. “Dans la honte, je vais me faire plus petit qu’une souris”. Mais oubliez le tout courant de la formule, le tout fait de la formule : passer par un trou de souris, c’est abject ça. Comment un homme peut-il être réduit à passer, à vouloir passer par un trou de souris ? C’est grotesque, quoi. Celui qui vomit, il est doublement abject, il est doublement abject car d’une part son corps se réduit à cet… [Interruption de l’enregistrement] [2 :08 :43]

… grave, ce n’est pas grave. Bon, très bien. Alors, vomir, c’est ça. Tout mon corps — parce que ce n’est pas simplement ce que j’ai mangé — c’est tout mon corps qui tente de s’échapper [129 :00] par un de mes orifices. Et le cri ? Le cri, c’est pareil. Voilà, donc, j’appelle abjection, mais sans aucun sens péjoratif, hein, aucun, l’effort du corps par… Alors, s’échapper ainsi. Mais bien plus il est redoublé par ceci que… alors, ce que je, je tente de m’échapper par un de mes orifices, en fait c’est toujours redoublé : je tente de m’échapper aussi par un orifice extérieur, comme le type du Narcisse, à savoir, le spasmodique de Bacon en train de vomir, là, et qui s’accroche au lavabo, manifestement tente de s’échapper par le trou de vidange du lavabo. Tout son corps tente de fuir par là. Est-ce que la peinture rend compte de ça, si elle ait rendu compte de ça ? Bacon à la limite aurait pu appeler ça “Abjection”. [130 :00] Il est très sobre dans ses titres parce que ça aurait été un titre trop figuratif, il appelle ça : “Figure au lavabo”. “Figure au lavabo”, très bien. Bon, ça appartient à une série, on voit le rapport avec le cri. Là aussi c’est en termes de “corps / force”. [Sur cette peinture, voir Francis Bacon. La Logique de la sensation, pp. 16-17]

Ça ne vaut en effet, alors vous voyez, toute figuration — même si elle continue à être présente, elle peut continuer à être présente — elle sera neutralisée, elle sera annulée. Chez Michel-Ange, elle continue à être présente, chez Bacon, elle continue à être présente. Chez un peintre dit informel, elle ne sera plus présente. Chez un peintre dit abstrait, elle ne sera plus présente. Mais, présente, actuellement présente ou pas, même quand elle ne l’est plus, elle est virtuellement présente. Evidemment ! Elle ne fait qu’un encore une fois avec la forme intentionnelle. [131 :00] Toute forme intentionnelle est figurative et narrative. Seulement en peinture la forme intentionnelle c’est le premier temps de l’acte de peindre. Le second temps, on a vu, c’est instaurer le chaos, le chaos-germe, ou le diagramme, qui va définir la possibilité du fait pictural. Et le troisième temps, c’est le fait pictural lui-même.

Alors, vous comprenez, je voudrais donner pour en finir, comme ça j’en aurais fini avec ce que j’avais à dire par exemple sur, l’exemple même de Bacon. Il y a un texte de Bacon qui me paraît très beau. Voilà. Mais il faut hélas ! que je vous montre encore un petit bout de peinture. Mais vous ne verrez rien alors ça ne sert à rien. [Rires] Voyez, je dis, voilà : parapluie. Il y a un parapluie, hein, [132 :00] pour ceux qui ne voient pas. Il y a un parapluie. Il y a un homme sous le parapluie, mais là, soyez justes, j’espère que vous n’allez pas me contredire, et puis comme vous ne voyez rien, je peux dire ce que je veux. [Rires] L’homme sous le parapluie, la tête, on ne voit que la moitié inférieure du visage, avec une bouche assez inquiétante, une bouche dentelée, hein, et cette bouche et toute cette moitié inférieure, ça monte, hein, ça monte. A mon avis ça monte. Impossible de le faire descendant du parapluie. Il est comme happé par le parapluie. Il monte dans le parapluie comme pour fuir par une pointe. Bon. Et puis, en haut, un grand quartier de viande, voyez. Plus, les couleurs des, des aplats de Bacon, qu’on retrouve constamment chez Bacon, bon. [Sur cette peinture, voir Francis Bacon. La Logique de la sensation, p. 17]

Vous avez bien compris. Bacon, dans les entretiens il dit : voilà, voilà pour ce [133 :00] tableau, qui est intitulé “Peinture”, “Peinture 1946”, il dit : c’est tout simple, je voulais peindre, j’avais l’intention – là on va très bien retrouver nos trois états et comme ça après ce sera fini pour… – j’avais l’intention, c’était de peindre un oiseau qui se posait dans un champ. Un oiseau qui se posait dans un champ. Vous me suivez, hein, ça ça peut venir à l’esprit d’un peintre, c’est un bon sujet, un oiseau qui se pose dans un champ. Et il dit : j’ai commencé et petit à petit s’est imposé autre chose, s’est imposé autre chose, et j’ai fait cet homme au parapluie, [134 :00] cette figure au parapluie. La première réaction, heureusement qu’il y a le type qui l’interviewe, qui justement joue le rôle de la première réaction, ça nous aide beaucoup, la première réaction ça serait de dire : ah oui, je comprends, au lieu de l’oiseau, au lieu de la forme oiseau, il a fait la forme parapluie. Très important. Et en effet, si vous voyez le parapluie, c’est un peu comme une espèce de grosse chauve-souris. Bon, il y a un thème d’oiseau.

Rien du tout ! Car, à son interviewer qui lui dit : “oui, vous voulez dire que l’oiseau est devenu parapluie”. Ce qui m’intéresse, c’est ceci, c’est que Bacon répond : “pas du tout, pas du tout”. En d’autres termes : vous n’avez rien compris, quoi. [135 :00] Pas du tout, il dit, je ne veux pas dire ça. Ce qu’il faut mettre en rapport avec l’oiseau que je voulais faire, c’est, dit-il, l’ensemble qui m’est venu d’un coup — je cite presque exactement, je contracte un peu pour aller plus vite — c’est l’ensemble qui m’est venu d’un coup ou la série que j’ai faite progressivement. Ouh, ça ça m’intéresse bien, comprendre comment un peintre procède. Et déjà le texte est très bizarre, la réponse de Bacon est d’une grande confusion parce qu’enfin, il dit : il ne faut pas mettre en rapport mon intention d’oiseau et le parapluie. Il faut mettre en rapport mon intention d’oiseau et l’ensemble en un coup, c’est-à-dire la série graduelle. C’est l’un ou l’autre, à première vue. [136 :00] Une série graduelle et un ensemble en un coup, ça semble parfaitement contradictoire. Donc, si Bacon veut dire quelque chose, et on a toute raison de penser qu’il veut dire quelque chose, c’est qu’il se place à un point de vue où “série graduelle” ou “ensemble donné en un coup”, la différence n’a plus d’importance. Il veut dire, de toute manière, le tout du tableau, envisagé spatialement ou temporellement. Envisagé temporellement, c’est la série graduelle, envisagé spatialement c’est le tableau tel qu’il se présente à nous : ensemble en un coup. Bon, d’accord.

Alors, et il dit : ce qu’il faut mettre en rapport avec la forme intentionnelle oiseau, c’est toute la série ou tout l’ensemble. Bon. C’est quoi toute la série ou tout l’ensemble ? Si on comprend ce qu’il dit : la série, je peux la définir de haut en bas. [137 :00] Viande, quartier de viande, en haut ; parapluie, homme au visage rongé par le parapluie et à la bouche ouverte. Voilà. Ça me fait ma série. Ce que Bacon ne veut pas c’est qu’il y ait simplement un rapport d’analogie entre forme-oiseau et forme-parapluie. Et il dit : ce n’est pas comme ça que je procède. En effet, ce serait simplement une transformation : comment un oiseau se transforme en parapluie. Ca n’aurait pas beaucoup d’intérêt. A la limite, ça donnerait une espèce de vague surréalisme, hein. Bon. Ce n’est pas ça, il dit.

Et pourtant, [138 :00] il y a une analogie entre la forme-oiseau et l’ensemble du tableau. En d’autres termes, c’est la première fois que nous avons à rencontrer l’idée suivante quitte à la vérifier seulement plus tard : est-ce qu’il n’y aurait pas deux formes d’analogie très très différentes ? Voyez, je peux parler d’une première forme d’analogie, s’il y a analogie entre la forme-oiseau et la forme-parapluie. Je dirais quoi à ce moment-là ? Je dirais : il y a un transport de rapports. C’est-à-dire les mêmes rapports se trouvent entre les éléments de l’oiseau dans la forme 1 et les tranches du parapluie, les éléments du parapluie dans la tranche 2, dans la forme 2. Il y a transport de rapports identiques. Il y a identité de rapports. Bon.

Des rapports [139 :00] donnés se transportent d’une forme à une autre. Peut-être qu’il y a une analogie esthétique qui n’a aucun rapport avec ça, qui est tout à fait différente. Ce serait quoi l’analogie esthétique ? Eh bah reprenons le tableau, dans notre souvenir confus : il y a la viande qui a comme deux bras par lesquels elle est suspendue comme à des crocs de boucher. Il y a une espèce, cette fois-ci, ce n’est pas une viande qui desc… si, il y a le thème des bras, la viande va descendre de ces espèces de deux bras indiqués. En d’autres termes, le rapport propre à l’oiseau “ailes qui s’ouvrent” [140 :00] est devenu quoi ? Il est devenu l’équivalent, ou il est devenu, il s’est… là, je ne trouve pas mes mots, mais c’est exprès. Il s’est transformé, c’est le rapport même qui s’est transformé en un tout autre rapport. Rapport os/viande, la viande descend des os, il y a des petits bras de la viande qui sont comme des os d’où la viande tombe, descend. Voilà. Ce qui évoque très vaguement l’oiseau c’est ce mouvement des bras dont la viande va tomber qui évoque très très vaguement une espèce d’ouverture d’ailes. Si bien que la viande qui tombe de ces deux petits bras, elle tombe à la lettre, disons quelque chose comme une espèce de ruissellement [141 :00] de viande. Elle tombe des os. [Sur l’oiseau et “l’oisellité”, voir Francis Bacon. La Logique de la sensation, pp. 100-101]

D’où, d’où, comprenez, là, je suis en train de parler en termes de fait pictural, la viande descend des os, c’est la première connotation avec l’oiseau. L’oiseau qui ouvre ses ailes. Deuxième connotation : la viande tombe, elle tombe sur le parapluie, elle ruisselle sur le parapluie. Deuxième connotation avec l’oiseau, là cette fois-ci, le parapluie c’est comme les ailes qui se ferment. Troisième connotation : seul le bas de la figure, du visage de la figure, est visible, une étrange bouche tombante et dentelée, cette bouche comme bec dentelé. En d’autres termes, l’oiseau est complètement dispersé [142 :00] dans l’ensemble ou dans la série. Il est complètement dispersé au point qu’il n’existe plus du tout figurativement. On pourrait dire tout au plus que le tableau contient — comment appeler ça ? — des traits d’oisellité. Premier trait d’oisellité : les petits bras levés de la viande. Deuxième traits d’oisellité : les tranches du parapluie. Troisième trait d’oisellité : le bec dentelé du, de la figure. Complètement dispersés dans le tableau. Les rapports constituants du tableau c’est : le rapport de la viande qui tombe avec le parapluie sur lequel elle tombe et de la figure qui est happée par le parapluie. Ça, c’est les rapports constitutifs du tableau. En d’autres termes le fait pictural est produit par de tout autres rapports. Le fait pictural est produit par de tout autres rapports. [143 :00] Si vous voulez, est-ce qu’il n’y aurait pas deux types d’analogie ? Une qui procède par ressemblances qui se transportent, il me semble qu’on ne pourra voir ça que plus tard, et une autre qui procède tout à fait autrement, qui procède au contraire par rupture de ressemblances. Bon, supposons.

Tout ce que j’ai fait aujourd’hui c’était, si vous voulez, confirmer, en m’appuyant surtout sur le cas Bacon, c’était donc confirmer comme la présence de ces trois… Si je résume tout, j’ai bien à la fois : ce monde de données pré-picturales fait de narration et d’illustration. L’instauration, l’instauration vraiment fondamentale du chaos-germe, [144 :00] c’est-à-dire le tracé du diagramme. Le diagramme, il y est dans ce tableau, hein, vous ne pouvez pas voir mais si vous voyez, si vous êtes amenés à voir une reproduction, vous verrez que, un peu à gauche, sous le, au niveau du corps du bonhomme qui sourit, qui, au bec dentelé qui est happé par le parapluie, il y a une zone proprement qu’on peut appeler “diagrammatique” qui est précisément faite de gris, d’une espèce de gris très tourmenté. Et, toute la série ascendante : bonhomme, parapluie qui le happe et viande au-dessus, là, sort, en quelque sorte sort de cette espèce de diagramme gris. Et puis, le fait pictural qui en sort. Bon.

Voilà, alors, ce que je voudrais surtout retirer c’est l’impression de, comme, de formule appliquée. Ça, ce n’est pas une formule appliquée. Pensez qu’en effet, [145 :00] tout ce que je dis perd strictement tout sens si vous uniformisez cette notion de diagramme. Il faut voir que par exemple des diagrammes de peintres de lumière n’ont strictement rien à voir avec des diagrammes de coloristes. … Ou un dia… Si, s’il y en a chez tous les peintres, je ne suis même pas sûr qu’il y en ait chez tous les peintres, mais encore une fois, un diagramme Cézanne et un diagramme de Van Gogh, là où il y en a de toute évidence, n’ont strictement rien à voir. C’est pas du tout une idée générale le diagramme. C’est quelque chose d’opératoire dans chaque tableau. C’est une instance opératrice. Ce que je voudrais arriver, oui c’est ça qu’on fera après pâques, et comme ça on se rapprochera un peu de problèmes de pure logique ou de philosophie, c’est, je voudrais arriver à une conception du diagramme qui montre bien la différence entre des termes modernes comme “diagramme” et la différence d’un diagramme avec un code, en quoi [146 :00] c’est complètement autre chose qu’un code précisément. Si c’était un code, c’est la catastrophe, il n’y aurait pas, il n’y aurait aucun lieu de rapprocher ça de la peinture. Mais justement ça n’a rien à voir avec un code.

Et encore une fois, il y a à chaque instant possibilité jusqu’au bout que le diagramme rate. A ce moment-là, oui, le tableau devient un gâchis. Mais si dans un tableau vous ne voyez pas en quoi il a frôlé le gâchis, en quoi il a failli rater, vous ne pouvez pas avoir assez d’admiration pour le peintre. Courbet, c’est, c’est, mais n’importe qui, moi, je cite à mesure qu’ils me viennent à l’esprit, mais devant les Courbet, on se dit : c’est un miracle. Ca sort vraiment comme un miracle. Ca a tellement frôlé un truc qui allait rater. Et puis, non. Il se rattrape. Prodigieux ! Prodigieux. Or, tous les grands peintres donnent cet effet. Il s’en faut d’un rien qu’un Michel-Ange, ça devienne une boule de muscles, [147 :00] une boule de muscles qui vraiment ne… C’est la différence entre un disciple et un… Mais des Cézanne, ce n’est même pas la question des vrais et des faux, c’est la question des disciples et des, et des créateurs. Après Cézanne, bah oui, après Cézanne ce qui était chez Cézanne lutte contre le cliché est devenu chez ses imitateurs quoi ? Bah c’est devenu un cliché, forcément. Alors il faut chaque fois que la peinture se ré-arrache à son état de cliché.

Il y a un truc qui m’a toujours frappé, c’est Rauschenberg. Rauschenberg qui, il me semble est un très grand peintre, avait à un moment dans ses périodes de provocation, il avait pris une esquisse d’un, d’un tableau, d’un, d’un peintre antérieur à lui et très grand aussi, et il l’avait simplement effacé et il avait mis : “Tableau effacé par Rauschenberg.” [Rires] [148 :00] C’est stupide, c’est stupide, mais c’est l’illustration même de cette zone d’effacement, de nettoyage. Ce n’est pas que le tableau de l’autre était médiocre, au contraire, il était prodigieux. C’était un très, très beau dessin, hein. Mais, c’est vrai que quand le peintre l’a réussi, ça devient un cliché à une allure folle. Alors la réaction du peintre qui tantôt, et ça revient un peu au même, lorsqu’un grand peintre, vous savez, fait des études, c’est-à-dire copie le tableau d’un autre grand peintre — des exemples célèbres, bon — ou lorsqu’il l’efface simplement, ça revient au même. Ça revient au même, il y a une espèce de volonté, là, de, de passer par le diagramme. Pour qu’en sorte un nouveau fait pictural.

Alors ce qui m’intéresse maintenant c’est : en quoi, en quoi le diagramme est tout à fait autre chose qu’un code de la peinture. [149 :00] Eh bien, ayez de bonnes vacances ! Merci. [Fin de la séance] [2 :29 :09]

Notes

For archival purposes, the transcript was completed by Paris 8. The translation was completed in July 2020, and the time stamp as well as updates to the transcription and translation were completed in June 2022, with additions and a revised description completed in September 2023. Both the transcript (and the translation) have benefited greatly from the corrections brought to the transcription in preparation for publishing the translation of  Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023), edited by David Lapoujade.

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March 31, 1981

We do not even conceive of a great painter who doesn’t know quite well how to create these kinds of reproductions. They’ve all been through this, all of them, all. Fine, but they know that this is what one has to bring through catastrophe. You see… I am saying, if the act of painting is essentially concerned with a catastrophe, it’s first of all because it’s in necessary relation with a pre-pictorial condition and, on the other hand, because in this relation with a pre-pictorial condition, it must make impossible everything that is already “danger” on the canvas, in the room, in his head, in his heart. So, the painter has to throw himself into this kind of storm, which is going to what? Which is precisely going to cancel and cause clichés to flee. [It’s] the struggle against the cliché.

Seminar Introduction

Following nearly a decade teaching material included in his and Félix Guattari’s A Thousand Plateaus, and also in his first year at St. Denis, Deleuze turned his attention, first, to Spinoza, and then to eight sessions on painting and its intersections with philosophy. These newly transcribed, annotated and now translated sessions are devoted to diverse questions: What relation does painting establish with catastrophe and with chaos? How does a painter ward off greyness and attain color? What is a line without contour? What is a plane, an optical space, a regime of color? Why paint today? Through works by Cézanne, Van Gogh, Michelangelo, Turner, Klee, Pollock, Mondrian, Bacon, Delacroix, Gauguin and Caravaggio, Deleuze entertains important philosophical concepts, such as the diagram, code, modulation, the digital and the analogical, renovating these concepts in dialogue with his students.

English Translation

Edited
Bacon and Velasquez
Left: Diego Velázquez, Portrait of Innocent X, oil on canvas, c. 1650, Galleria Doria Pamphilj, Rome (SourceWikipedia); right: Francis Bacon, Study after Velázquez’s Portrait of Pope Innocent X, oil on canvas, 1953, Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa (SourceWikipedia).

 

This session serves two purposes, first, to mark the end of the Spinoza seminar and to start of the seminar on “Painting and the Question of Concepts.” During the session’s first part (approximately 54 minutes), Deleuze sums up the Spinoza seminar, answering several students’ questions (see the summary of the Spinoza seminar, session 15).

Foremost in Deleuze’s initial presentation for the Painting seminar is the importance of the “concept”, for example, color as “concept”, thereby foreshadowing the concept’s importance in developing the broader theme of “what is philosophy?”. He immediately raises the importance of the catastrophe in painting, the painting of imbalance, the relation of catastrophe, and the birth of color, and with reference to different painters and theorists, he links catastrophe to the previous discussion of affects such that color emerges from chaos. Emphasizing Joachim Gasquet’s book on Cézanne and Cézanne’s letters, Deleuze briefly connects these perspectives in terms of Kant’s theory of the sublime, then emphasizes the first moment of “chaos-abyss” following which color would emerge, but he also reflects on possible failure of this emergence, i.e., the greyness in non-emergence. First discussing kinds of grey in Kandinsky, Deleuze takes a detour into painting operating a synthesis of time. Referring to Paul Klee on the grey point, on chaos and the emergence of color, Deleuze shifts to Francis Bacon’s interviews and pursues a reading from Bacon to create a bridge to the next session. Several notions emerge, e.g., the diagram as germinal chaos, similar for Cézanne and Klee, the tension towards a pre-pictorial condition, and this indicates starting points for each painter (Turner’s 1830 diagram; Van Gogh’s diagram; Klee’s black-and-white grey point as matrix for all colors). Deleuze considers when Bacon found his diagram, with this history of the catastrophe and the seed for the act of painting, namely, the notion of the diagram being the first step of the seminar’s analysis.

Gilles Deleuze

Painting and the Question of Concepts / Spinoza, The Velocities of Thought

Session 1, 31 March 1981 / Session 15 (Spinoza)

Transcriptions: Voix de Deleuze, Part 1, Cécile Lathuillère (duration 46 :52); Part 2, Eva Szarzynski (duration 46:47); Parts 3 & 4, Lucie Marchadié (duration 46 :55 + 11 :36 ) ; augmented transcription and time stamp, Charles J. Stivale

Translation by Charles J. Stivale

Part 1

Deleuze: So, what’s the question? [Pause] You are out of batteries? So, someone will lend you some… There, take some of them. [Pause] So, no questions on Spinoza?

Claire Parnet: No.

Deleuze: I’d really like you not to give up on your reading.

Claire Parnet : No, we’ve started it.

Deleuze: Ok, good.

A student: I’ve recently been looking through a book by Hölderlin, and in a letter from Hölderlin’s book, there is an expression from Spinoza. I don’t know if Spinoza read him or not, but there’s a statement emphasizing the connection between Leibniz and Spinoza. We’ve seen Spinoza and Descartes, Spinoza and Freud, Spinoza and Hegel. We took a look at Leibniz last year. They’re somewhat contemporaries of each other, right?

Deleuze: There’s a book called Leibniz and Spinoza; they’re contemporaries. They knew each other.

The student: Ah, they knew each other. No doubt, they were connected to one another.

Deleuze: Leibniz visited Spinoza. Yes, they met.

The student: Ah, they met.

Deleuze: We don’t really know what they said to each other, but… Yes, there are even similarities.

The student: Oh, yes, I think so too.

Deleuze: So, after this question…

Richard Pinhas: There’s mine!

Deleuze: Yes, there’s still another question?

Pinhas: This is quite democratic; we have thirty of us asking it, and I’m the spokesperson.

Deleuze: So, there are thirty of you asking it? You, you, and you…

Pinhas: If that doesn’t bother you?

Deleuze: It does.

Pinhas: Really? It does?

Deleuze: No, no.

Pinhas: We’d like to develop this point a bit. In my own case, I’d like to know if, when a composer – or when it’s a painter, the question is the same, or a philosopher; this is, in fact, why I am asking it, or a writer – creates something, then (still in quotes) “perceives” something that doesn’t yet belong beforehand to the outer world, although it’s in an immediate relationship with the outer world, so with the world of relations; or from the moment that Mozart has the perception of a sudden instant in which he is going to develop a whole piece of music; [or] when a writer has a perception of something that moves into his body or his “soul” (in quotes), he is about to develop a text; or when a philosopher like Bergson is going to discover what he calls intuition; [or] when a musician says “there we are, what I am creating” – he doesn’t say it like that, it’s from the cosmos – but I sense it within me and so what emerges is within me, full stop, could that belong, in [light of] the analysis that you did of auto-affections in Spinoza, to the third kind of knowledge (connaissance) or be a step toward the third kind of knowledge? In that case, what would be the direct relation between this perception? Is there something that occurs within and that is already of a somewhat elevated order, on the creative level, as much in the painter as in the musician, the philosopher, or writer, indeed in other people, the relation between that perception, this internal perception and the other perception, even if the term “perception” is not quite right? It’s not necessarily perception. So, that’s it.

Deleuze: Yeh… That’s two questions, yes?

Pinhas: Yes, but together that lets me reach the same thing. [Pause]

Deleuze: I’ll quickly start with the second one because it’s obviously the most interesting, and the most… well, the most difficult, but to which we can only answer generally. So, you are asking both about the nature of certain states, states for which the most striking examples belong no doubt, in fact, to art. What does it mean when an artist – but this must be valid as well for things other than art – when an artist begins to take hold of a kind of certainty? A kind of certainty about what? So, already, to define this kind of certainty… At a [particular] moment… at a somewhat specific moment, it’s perhaps also the moment in which he is the most — this gets difficult — he is the most fragile in his certainty and is also the most invulnerable. He reaches a kind of certainty regarding what? Regarding what he wants to do, regarding what he is able to do, all that… So, Richard’s question is: if you see these states, in fact, that… which are not at all givens (donnés), even for artists. These things are not givens. A date can almost be assigned when someone starts having a – yes – I am not managing to find any other term that this kind of “certainty”.

Oh yes, and yet he couldn’t say… He couldn’t yet say, and there’s no grounds for saying what he wants to do, even if it’s a writer, even if it’s a philosopher. But there’s this “certainty”. And this certainty isn’t at all a vanity because, on the contrary, it’s a kind of immense modesty. So, if you see a few such states – indeed, we are going to speak of this regarding painting because that, to me, it’s striking that in the case of great painters, one can almost assign dates in which they enter into this element of certainty. Richard’s question is: could we say – of course, he is the first to know that his question is a bit strained; Spinoza does not speak of this directly – but, can we assimilate that into something like the third type of knowledge, these states of certainty?

At first glance, I’d say: yes, because if I try to define the states of the third kind, well, what is it? There is a certainty. It’s a very special mode of certainty that Spinoza expresses even with the rather strange term “conscius”, consciousness (conscience), it’s a consciousness. It’s a kind of consciousness, but that’s raised up to a power of action (puissance). I’d almost say that it’s the final power of action of consciousness. And what is this? How do we define this consciousness? It’s… I’d say, it’s the internal consciousness of something; specifically, it’s a “self-consciousness,” but this [is] self-consciousness insofar as it apprehends a power of action. So, this self consciousness is raised up, has become a consciousness of power of action, with the result that what this consciousness grasps, it grasps within the self. And yet, what it grasps in this way within the self is an exterior power of action. So, this is indeed how Spinoza tries to define the third kind. In the end, you attain a third kind, this almost mystic kind, this intuition of the third kind; one could practically say how to recognize it. It’s really when you confront an exterior power of action – one must maintain both of them – and when this exterior power of action is within you as you confront it. You grasp it within you.

This is why Spinoza says, in the end, the third kind [of knowledge] is when “being conscious of one’s self, being conscious of God, and being conscious of the word, are but one.” I believe that it is important here, that we have to take him literally, Spinoza’s expressions. In the third kind of knowledge, “I am indissolubly conscious of myself, of others or of the world, and of God.” So, that means, in fact, if you will, that this kind of knowledge of self is at the same time knowledge of power of action, knowledge of power of action that is at the same time knowledge of self.

So, in the end, I’d say yes. Why are we at once safe and yet quite vulnerable in this? Well, we’re quite vulnerable because all that is ever needed is a minuscule point in order for this power of action to sweep us away. It overwhelms us so much that, at that moment, everything occurs such that we are battered by the enormity of this power of action. And at the same time, we are safe. We are safe because it’s precisely within me that I grasp the object of this knowledge that’s so exterior insofar as it is power of action. As a result, Spinoza insists emphatically on the following point: for happiness of this third kind, he reserves the name “beatitude.” This beatitude, well… in the end, it’s a strange kind of happiness. That is, it’s a happiness that only depends on me. Are there forms of happiness that only depend on me? Spinoza would say: to ask if any of these exist is a false question since it’s truly the product of a victory (conquête). The victory of the third kind is quite precisely to attain these states of happiness in which simultaneously there is a certainty that, whatever happens, to a great extent no one can take them from me. Anything can occur. The idea… You know, we sometimes go through states like that, also, ones that don’t last. Whatever occurs, well yes… perhaps I could die, yes, fine. But there’s still something that cannot be taken from me, literally, this strange happiness. And there, in book V [of The Ethics], I believe that Spinoza describes it very, very admirably.

Hence, I return more toward the first question which is more… Yes, I don’t know if I answered, but so I’ll say, yes, it’s what we called the last time, what I called auto-affection: it’s precisely this knowledge of power of action that has become knowledge of self. So, perhaps it’s art that presents these forms of knowledge, especially in a particularly sharpened form. The impression of becoming invulnerable, well there, I cannot manage to state the extraordinary modesty that accompanies this certainty. It’s a kind of self-confidence that basks in modesty; that is, it’s like a relation with power of action. Fine.

But then, to get back to the simpler of Richard’s questions, so these auto-affections that define the third kind and that already define the second kind [of knowledge], I insist simply on undertaking some review so that… I believe that it’s very important for how the Ethics unfolds. You see, I really believe that Spinoza starts from a plane, a plane of existence in which he shows us, for all manner of reasons, how and why we’ve been condemned to inadequate ideas and to passions. And once again, the problem of the Ethics is indeed: but how can one get beyond inadequate ideas and passions? So, he gathered up all the arguments to show us that, at the extreme and at first glance, we cannot get beyond them. That is, Spinoza gathered all the arguments to show us that, apparently, we are condemned to the first kind of knowledge.

I’ll give a single example: we aren’t free. Fine. We aren’t free — [there’s] Spinoza’s hatred for this concept, that seems to him to be a very bad concept of freedom. — We aren’t free because we always endure actions — his idea is very simple – yes, indeed, we always endure the effects of exterior bodies. What does freedom mean? It’s even a true idea that we don’t grasp. If we take seriously Spinoza’s description of the first kind of knowledge, we cannot even see how it might be a question of getting beyond it. We endure the effects of other bodies; there is no clear and distinct idea; there is no true idea. We are condemned to inadequate ideas; we are condemned to passions. And yet, the entire Ethics goes on to trace the path, and it’s on this that I am insisting: it’s a path that does not pre-exist. It’s truly the Ethics that, in the most closed off world of the first kind of knowledge, goes on to trace the path making possible an exit from the first kind.

So, if I try to summarize this procedure, because that seems to me truly to be the Ethics’s procedure, how does one get beyond, once again, this world of the inadequate and of passion? Well, what’s fundamental are the steps of this exit. If I summarize completely, I’d say that this is the first step: one realizes that there are two kinds of passion. We remain within passion, within the first kind. But, there we have, and this is going to be decisive, there’s a distinction between two kinds of passion. There are passions that increase my power of acting (puissance d’agir), passions of joy. There are passions that reduce my power of action, passions of sadness. Each of these is a [kind of] passion. Why? Each is a passion since I do not possess my power of acting. Even when it increases, I don’t possess it. Fine.

Thus, I am still fully within the first kind of knowledge. You see, this is the first step, the distinction of joyful passions and sad passions. I have both; why? Because sad passions are the effect on me due to my encounter with bodies that do not agree with me, that is, that do not directly compose themselves to my relation. And joyful passions are the effect on me due to my encounter with bodies that agree with me, that is, that compose their relation onto my own. Fine. [Pause]

Second step: when I feel joyful passions – you see, joyful passions are always within the first kind of knowledge – but when I feel joyful passions, [there’s] an encounter effect with bodies that agree with mine; when I feel joyful passions, these joyful passions increase my power of acting. What does that mean? It means that they lead me – they don’t force me – they lead me, they give me the opportunity. They give me the opportunity; they lead me toward forming a common notion. A notion common to what? A notion common to both bodies, the body affecting me and my body. You see, that’s a second step.

First step: joyful passions are distinguished from sad passions because joyful passions increase my power of action, whereas sad passions reduce them.

Second step: these same joyful passions lead me toward forming a common notion, common to the body that affects me and my own body.

There’s a subordinate question for this step: and why don’t sad passions lead me toward forming common notions? Spinoza is very firm; he can prove it mathematically: because when two bodies disagree, when bodies don’t agree, if they don’t agree, it’s never due to something that they have in common. If two bodies don’t agree, it’s due to their differences, or their oppositions, and not due to something that they’d have in common. In other words, sad passions – think about this well because it’s very… here, there’s a theoretical passage to understand, but in fact, it’s very practical – sad passions are the effect on my body by a body that doesn’t agree with mine, that is, that doesn’t compose its relation with my own relation.

Henceforth, sad passion is the effect of my body by a body that is grasped from a viewpoint of having nothing in common with mine. This same body, if you manage to grasp it from a viewpoint of having nothing in common with yours, at that point, it no longer affects you with a sad passion. As long as it affects you with a sad passion, it’s because you are grasping this other body as incompatible with yours. [Pause] So, Spinoza can very well say: only joyful passions, and not sad ones, lead me toward forming a common notion. You recall that common notions are not at all theoretical matters. These are extremely practical notions. These are practico-ethical notions. One must not at all make of it… We cannot understand anything if we make mathematical ideas of them. Thus, the fact is that the joyful passion, which is the effect on me of a body agreeing with mine, leads me toward forming the common notion between two bodies. [Pause] I’d say, literally, that in order to account for this second step, joyful passions overlap common notions. [Pause] So, common notions are necessarily adequate. We’ve seen this; I won’t go back over it.

So, you see what the pathway is, whereas we were tending to say, we never could get beyond the first kind of knowledge. There’s a pathway, but it’s a very broken line. If I became aware of the difference of nature between joyful passions and sad passions, I realize that joyful passions give me the means to go beyond the domain of passions. It’s not that the passions are suppressed. They are there; they will remain. Spinoza’s problem is not to cause passions to disappear. As he himself says, it’s so that in the end, they only occupy my smallest part. Well fine, what does it mean for them only to occupy my smallest part? That’s not so easy to do either! It’s up to me to create my own parts that are not subject to passions. Nothing is given! Nothing is given up front.

So how do I create my own parts that would not be subject to passions? Look at Spinoza’s answer: I am making the difference between sad passions [and] joyful passions. So yes, I have sad passions. “To the extent that it’s within me”, as he says according to his formulation, I attempt to feel the most joyful passions possible and the fewest sad passions possible. Fine. I do what I can. All of this is quite practical. I do what I can. You’ll tell me: that goes without saying; it happens quite naturally. No. Because, as Spinoza insists, we never stop… People never stop poisoning life. They never stop wallowing in sadness. They never stop; they never stop. Fine. The whole art of impossible situations that we discussed, they deliver themselves to impossible situations. All of this, fine… A wisdom is already needed to select passions of joy, to try to have as many of them as possible. Fine. And about this, passions of joy remain, survive as passions. But they lead me toward forming common notions, that is, practical ideas of what there is in common between the body that affects me with joy and my body.

The common notions are adequate ideas and they alone. Between a body that does not agree with mine, between a body that destroys me and my body, there are no common notions. For the viewpoint from which a body does not agree with me is incompatible with the common notion. In fact, if a body does not agree with me, it’s from the viewpoint in which it has nothing in common with me. From the viewpoint in which there’s something in common with me, it agrees with me. That’s obvious; that’s for certain.

So, you see, at the point I’ve reached, the second step, I’ve formed common notion. But these common notions, if you take them practically, if you don’t make abstract ideas out of them… The idea of a common relation, that is,… And at the same time, I construct it. A common relation between the body that agrees with me and my body, what does that come down to saying? That comes down to saying: the formation of a third body of which we – the other body and mine – are parts. That doesn’t pre-exist either. This third body will have a composed relation which will be located both within the exterior body and within my body. That’s what it means to be the object of a common notion.

Thus, from common notions will result… From common notions that are adequate ideas will result affects, feelings. Above all, don’t confuse – here’s what I wanted to say – above all, don’t confuse affects what are at the origin of common notions, and affects that result from common notions. This confusion would be a serious misunderstanding; that is, at that point, the Ethics could no longer function, just to tell you that this is serious.

What differences are there between two sorts of affects? The affects at the origin of common notions – I just tried to state what these are – are joyful passions. Joyful passions – again I am repeating so that, I hope, this will be clear – as the effect on me of a body agreeing with my body, joyful passions lead me toward forming the common notion, that is, an idea of what there is in common between two bodies. And the idea of what there is in common between the two bodies is the idea of a third body of which the external body and mine are parts. Thus, you see that the feelings that lead me, leading me toward forming a common notion, are passions of joy. They’re passions of joy. We saw that passions of sadness didn’t lead us toward forming common notions, whereas feelings that result from common notions are no longer passions of joy. [Pause] These are active affects.

Since common notions are adequate ideas, from this result affects that are not satisfied with increasing my power of action, like joyful passions. The affects resulting from this, on the contrary, depend on my power of action. Be very careful about Spinoza’s terminology and make no mistake since he never confuses these two expressions: that which increased my power of action and that which results from my power of action.

That which increases my power of action is necessarily a passion since, in order for my power of action to increase, we must indeed assume that I have not yet taken it into my possession. My power of action increases to the point that I tend toward possessing this power, but I haven’t done so. That’s the effect of joyful passions. As a result, under the action of joyful passions, I form a common notion. At that point, I possess my power of action because the common notion is explained through my power; it’s explained through my power. At that point, therefore, I enter into possession of my power. Within formal possession, I possess my power formally. From this this formal possession of my power of action through the common notion, active affects result.

As a result, if I try to summarize all these moments, I’d say: the active affects that themselves result from common notion are the third step. I’d say that we have here the three steps: first step, you select joyful passions as much as you can; second step, you form common notions – these are formulas (recettes), eh! – you form common notions that overlap the joyful passions. They do not suppress them; they overlap the joyful passions; third step, from the common notion overlapping the joyful passions, active affects result and overlap the joyful passions anew.

At the extreme, passions and inadequate ideas no longer concern… no longer concern – but I couldn’t say this earlier; we had to develop this – no longer concern anything but the smallest proportional part of yourself. And the greatest part of yourself is concerned with adequate ideas and active affects.

The final step: in fact, common notions and active affects that result from common notions are themselves going to be overlaid with new ideas and new states, or with new affects, the ideas and the affects of the third kind, that is, these auto-affections that remain for us a bit mysterious, [Pause] and that will define the third kind [of knowledge] whereas common notions only defined the second kind. You see?

So, there is a thing that fascinates me, to conclude all of this. The thing that fascinates me is this: it’s why doesn’t Spinoza say this? The answer obviously must be complex. In fact, if he didn’t say this, it means that all I am saying would be false. He has to say this. And he did say it. So then, my question is transformed: if he said this, why didn’t he say this very clearly? Well, then, here I think it’s simple. He couldn’t do otherwise. Where does he say this? He says this and he has this very curious order: [first step] inadequate ideas and joyful passions, selection of joyful passions; second step: formation of common notions and active affects resulting from common notions; third step, third kind of knowledge: ideas of essences, no longer common notions, but ideas of singular essences, and active affects resulting from them.

These three steps, they… He presents them as three successive steps, but in the fifth book. And the fifth book is not an easy book, as we saw, since it’s a book in great acceleration (à toute vitesse) and, once again, not because it’s poorly or quickly completed. For, in the third kind of knowledge, we reach a kind of speed of thought that Spinoza follows and results, in the Ethics, and gives to the Ethics this admirable ending, like a kind of accelerated ending (terminaison à toute allure), a kind of lightening ending. Fine.

So, he says it in the fifth book, it seems to me. I draw your attention notably toward a theorem, a proposition. At the start of the fifth book, Spinoza says: [Proposition XXXVIII Proof; also Prop. X and Proof] “the greater will be the part not touched by… the greater will be the part not touched by emotions that are contrary to our nature” (“tant que nous ne sommes pas tourmentés par des sentiments contraires à notre nature, nous pouvons”). For me, this text is fundamental since this cannot be stated more clearly: what are emotions that are contrary to your nature? You will look at the context. These are the aggregate of passions of sadness. How are passions of sadness or emotions of sadness contrary to our nature? Literally, by virtue of their very definition, to wit: these are effects of the encounter of my body with bodies that do not agree with my nature. Therefore, these are literally emotions contrary to my nature.

So then, “so long as we are not touched by emotions”, that is, “to the extent” that we are touched by such emotions, that we experience a sadness, feel a sadness, there’s no question of forming a common notion relative to this sadness. I can only form a common notion when joys are accessible. That’s it, passive joys. Only when I have formed a common notion, when a passion of joy is available, at that moment, my passion of joy is overlaid with adequate ideas, common notions of the second kind and ideas of essences of the third kind, and again overlaid with active affects, active affects of the second kind and active affects of the third kind. [Pause]

So, what is happening? And at the same time, there really is no need [for this]. I insist on this to conclude. But what’s bothering me is that, obviously, joyful passions are leading me to form [common notions]. That’s like a good use of joy. But at the extreme, I imagine someone who might feel joyful passions through… Chance would be good, fate would favor this, he’d be greatly filled with joy. And there wouldn’t be… He wouldn’t form any common notion. He would remain completely within the first kind of knowledge. So there, it’s obvious that this isn’t a necessity. Joyful passions do not prevent me from forming the common notion. They give me the opportunity. It’s there that, between the first and second kinds of knowledge, there is something like a gap. So, do I jump across it or not?

If freedom is decided at a given moment, for Spinoza, that’s it. It seems to me that’s it. In fact, I could stay, even while feeling joyful passions, I could remain eternally within the first knowledge. In that case, I’d be making a very bad use of joy. However strongly I might be led toward forming common notions, I am not, properly speaking, bound to do so. [Pause] There we are. In any case, it seems to me that it’s a kind of very solid succession, both logical and chronological in the history of modes of existence or of the three kinds of knowledge.

I am insisting on this idea of doubling or overlapping. In the beginning, I am filled with inadequate ideas or passive affects. And little by little, I manage to produce things that are going to overlap my inadequate ideas and passive affects, to overlay them with ideas that themselves are adequate and with affects that themselves are active. As a result, at the extreme, if I succeed… if I succeed, I will always have inadequate ideas and passive affects since they are linked to my condition as long as I exist. But these inadequate ideas and these passive affects will, relatively speaking, only occupy the small of part of me. I will have hollowed out within me – literally, that’s what it is – I will have hollowed out within me some parts that are concerned with adequate ideas and active affects or auto-affections. There we are. … Yes?

A student: [Inaudible comments]

Deleuze: [Pause] I am thinking, ok? I’m thinking. [Pause] They both are not necessarily opposed to one another. [Another student briefly answers here, comments inaudible] Yes, agreed. [Pause] They are not necessarily in opposition. In any case, I’d answer that it’s not a question of… [Deleuze does not complete the thought] because quite often, there’s a tendency to interpret Spinoza that way, and that really make him very ordinary, I believe. It’s not a question of a science. Once again, that’s why I am insisting: common notions, of course, have a viewpoint. If you will, I believe… I’d say rather, for example, that geometric ideas… doing geometry is very important for Spinoza, for life itself, really, within life. But geometric ideas are not what define common notions. Geometric ideas, we could say, [or] geometry, this is the science of common notions. And common notions are not in themselves a science; they are a certain kind of knowing (un certain savoir). But it’s almost a skill (savoir-faire).

So, concerning your precise question, I’d say, Anne [Querrien] stated it well: there are, in fact, three things in the terms you are using. I’d say: common notions are not at all opposed to the idea of a game. There is a veritable game, in the wide sense, of common notions since it’s a play of composition. There is a common notion once there’s a composition of relations. So, I can always try to compose. That’s certainly opposed to improvisation since it implies and assumes, first, the long, selective procedure in which I have separated my joys from my forms of sadness.

Anne Querrien: [Barely audible comment; she addresses several aspects of improvisation]

Deleuze: If you think about improvisation defined, in fact, as feeling, then a kind of lived feeling of the composition of relations, for example, in fact, in the example of jazz, one can take in everything, but… Well, in the jazz example, for example, the trumpet enters in at a particular moment. I believe that this is exactly what the English word “timing” expresses, “timing”, that is, timing… There are words… Here, French doesn’t have these words. The Greeks had a very interesting word that corresponds exactly to American “timing”: it’s kaïros. Kaïros is a notion entirely… The Greeks make extensive use of it. Kaïros is precisely the correct moment, not missing the correct moment. It’s also, it’s translated… but French doesn’t have as strong a word… There was a god; there was a kind of divine power of kaïros among the Greeks. The favorable occasion, the opportunity, the spot: so, well yes, it’s the moment when the trumpet can take things over there.

Anne Querrien: [Barely audible comments; she compares the concept of improvisation with collective assemblages]

Claire Parnet: In fact, the collective assemblage is constructed as soon as each person understands what the relations are that constitute it. In the end, there nothing else that can permit it, really.

Anne Querrien: [Inaudible comments]

Claire Parnet: Well, of course.

Anne Querrien: [The inaudible answer continues]

Claire Parnet: But that’s not an improvisation; it’s an understanding of the relations that constitute you.

Anne Querrien: [Barely audible response; she refers to the experience of jazz musician friends and how their interplay might correspond to a collective assemblage]

Deleuze: The notion of collective assemblage is difficult because it cannot contribute much to our understanding of Spinoza, especially since Spinoza uses his own term that mostly replaces that one. When he says, “common notion”, once again, that means something quite precise. I even think that, in the end, it’s impossible for him, as he sees it, that I, me, a living individual, would form – I tried expressing this earlier, understand – I cannot form – it’s a notion that is hardly intellectual, common notion, but it’s so vital – I cannot form a common notion, that is, the idea of something common between my body and an exterior body without, once again, a third body coming into existence, into which the exterior body and my own are only parts. If I form the common notion of my body and the body of the sea, of the wave, returning to my example: through learning to swim, I form the common notion of my body and the wave. At that point, I am forming a third body in which the wave and I are parts.

And with all the more reason, this is why Spinoza tells us: “But it’s obvious between men that common notions…” [citation left incomplete]. Here we see quite well what he has in mind and the extent to which it’s not at all like… like people sometimes say about notions. Once again, they’re treated… It’s a catastrophe when they… In my view, the catastrophe preventing us from understanding all that [Spinoza] means is when common notions are treated like abstract things. And in this, it’s his own fault, but he had his reasons. It’s his fault because the first time that he introduces common notions, he does so in this way: “the most universal common notions; example: all bodies are within extension”, extension as common notion. [Interruption of the recording] [46:50]

Part 2

… That’s what bothers the reader. So, he has a reason, and this reason doesn’t help us. So, when he tells us, on the contrary, but in the end, privileged common notions are notions that are shared by several men, that is, this is the human community. That’s what it is! That’s the site of the common notion. In other words, here, notions emerge as essentially political, to wit: the common notion is the construction of a community.

Here we see quite well the point at which this overlaps, and greatly so, the physico-mathematical notions that he nonetheless demanded in Book II [of the Ethics]. In Book II, as he wants to start by explaining the most universal common notions, there they really seem to be abstract things, to be things like kinds of science. All bodies are in extension, speed and movement as a notion common to all bodies, etc. So, if we remain stuck at this particular moment, I believe we lose all the concrete richness of common notions.

You understand, the common notion is when, fine… It’s which third body you create with someone you love or really like, how… what rhythm… Yes, here are examples. Here, the example provides the rhythm, in fact. Rhythm is a common notion with at least two bodies. Rhythm is fundamentally common on at least two bodies. There is no rhythm of the violin; there’s the rhythm of the violin that responds to the piano and the rhythm of the piano that responds to the violin. There we find a common notion in this case. It’s the notion common to two bodies, the body of the piano and the body of the violin, from the viewpoint, from one viewpoint or another, that is, from the viewpoint of the relation… of the relation that will constitute a particular musical work and that forms the third body. You see, it’s very concrete.

So, I’d say, yes, everything is possible, yes, in this question. It’s not just any kind of knowledge; it’s not just any kind of game since it’s a game or play of composition, of combinations with an understanding of relations. So, the expression “game” (jeu) is obviously very ambiguous because I conceive of games that would consist, for example, uniquely of games of chance, if we don’t go seeking a martingale strategy. As soon as we go looking for a martingale – however, these are abominable examples in Spinoza’s case – you can play in a way that you simply accept the results. And it’s quite funny! You accept the results. For example, you are playing a game of roulette, and you accept the results. With Russian roulette, you turn roulette in to a mortuary practice, and that could happen. So fine, these are passions of sadness. You are playing, you win or lose; if you lose, you’re sad, unless you happen to be especially strange; if you win, you’re happy. But it’s a passion. What does it mean to go looking for a martingale or roulette? Fine, you find people who seek out a martingale [scheme] as a kind of job. It’s not a kind of science, but it is work. So, what does that mean? In this, they raise themselves, they are trying. Now, they might be completely wrong; I do know that Spinoza would obviously say that this is not material for common notions as this game, precisely, is condemned to the first kind of knowledge.

But let’s imagine a Spinozist gambler. He’d say that, in the attempt to elaborate a martingale strategy, there already is a search for common relations, research into a kind of relation and law for the relation. Fine, we cannot say that this is scientific research, [but] it’s research into forms of knowledge (saviors), it’s an entire craft, it’s an entire… What is it? Do we arrive at a common notion that would be an adequate idea? There is a small treatise; nonetheless, he had great interest in these questions since he participated – as did the entire 17th century, a century of gambler, you know, the 17th – he participated in this, and in Dutch, he wrote a very small treatise, of a few pages, titled “Calculation of chance” (Calcul des chances). Like everyone, he was reflecting on games with dice, the dice throw. All this is the birth of the calculation of probabilities. It’s not just Pascal, it’s… All mathematicians of the era were enormously interested in probabilities, and Spinoza produces a little treatise, it’s…

Anne Querrien: [Comments inaudible]

Deleuze: That gets interesting, but in the end, it’s not Spinozist joy, it’s not Spinozist joy! [Laughter] [Pause] So there you are, I leave it to you to follow up on all this, but above all, follow up with the Ethics, with your readings.

Richard Pinhas: The rare discussions that I’ve been able to have with some remarkable musicians has given me the intuition that from the moment that one is overtaken by [inaudible; inspiration?] — because in fact it’s not something that is deliberately accessible – so from the moment that there’s this encounter, it is completely impossible to avoid it, that is, there’s a characteristic of necessity, of inevitability unless one were to destroy all relations. [Subsequent comments are inaudible]

Deleuze: Yes! And at the same time, I firmly believe that even at this level, Spinoza doesn’t express it that way, so in fact, we are no longer speaking of Spinoza. I have the impression that at the same time, however strong the certainty of the third kind [of knowledge] might be, everything can still be ruined. Life is so amazing in this way because — and through this, we are introduced to what we will now be undertaking – there isn’t any moment, however strong my certainty might be – it could be huge –, in which everything might be not ruined. That’s very strange. Everything could collapse. Why then… And well, I can be swept away by that power of action instead of harnessing it; I can be swept away. A kind of exasperation can always arise, exasperation. Exasperation is when suddenly, fine, I have a power of action, but in the end, I have no more words. In short, I collapse (je craque, quoi).

[Here begins the new seminar, on painting]

So, there you are, you understand that this introduces us well to what I would like to do for the rest of the year, and this presumes that I am speaking to those here… [It’s] yet another reason for me not to pretend to say things with any great depth (grand savoir). I’d like to speak about painting, and in what way? So, I’d like to speak about painting. I myself am not sure – we’ll see how it goes – that philosophy has brought anything at all to painting; it’s even… I don’t know… And then, perhaps this isn’t the way to pose questions. But I’d rather ask the question in reverse, to wit: the possibility that painting has something to bring to philosophy and that the answer might not be completely in one direction. I mean that we cannot transfer the same answer for music onto painting. For music, we’ve encountered the need – in this, it wasn’t through preference or choice of a path — the need to refer to it because, in previous years, we expected something I don’t know what from it. What can philosophy expect from things like painting, like music? What it can expect is, once again, some very, very different things. We have to… If philosophy expects something from painting, it’s something that only painting can offer it.

So, what is it? What is it? Perhaps some concepts, but does painting concern itself with concepts? Fine, but since we’ve already asked the question, is color a concept? Is color a concept? I don’t know; what is a color concept? What is color as a concept? This would be… If painting brings that into philosophy, where is that going to lead philosophy? I mean, how do we proceed? How do I proceed so that… Here, I’d like to… There’s also a problem of speaking about painting; what does “speaking about painting” mean? So I believe that it means precisely forming concepts that are in direct relation with painting and only with painting. At that point, in fact, the reference to painting becomes essential. If you understand, even in a vague way, what I mean, at that point, I’ve already resolved a question. – [Deleuze questions his own grammar, the past participle of résoudre] I’ve “résous”? “Résolu”? What do we say? [Claire Parnet: Résolu] – I’ve resolved a question, specifically: speaking about painting, fine, I assume that those who will listen to this will know as much as me, and sometimes much more, about painting. What I don’t want to do is to bring in any reproductions, to show [them] to you… So, we’d even no longer have any desire to talk… We’d say: “Oh, well, yes, what’s there to say?” So, I will call upon your memory. Only in some very rare cases will I show a small image, when we will really need to do so. Otherwise, you will recall from memory, or you can go see them or else… But this will go easily, with no need for any reproductions.

So here we are, each time perhaps… Nor am I pretending to say, to reflect on what the essence of painting is. So, each time, I’d like, in order for those attending the sessions on this research topic to be able to follow me, I will try to indicate more or less precisely the theme that I am following each time and the painters to whom I am referring because there is no reason – the unity of painting poses a problem – there is no reason to establish one [a unity], I mean… There’s no reason to establish one.

For example, we’ll nonetheless again be led to consider, on the level of materials – and here also, this might have something to do with philosophical concepts, even in things related to philosophy – [materials like] watercolor and oil, and oil and acrylics today, all that, fine, because these are not the same things. Where is the unity of painting located? Is there a common genre for watercolor, for oil, for acrylics, all that? I don’t know; we take nothing for granted (on ne se donne rien). I’ve chosen the themes that interested me, and sometimes they will flow into philosophy – those will be delightful moments for me. This will happen when painting inspires a spark within me, a new spark for me onto philosophical concepts. Fine, so let’s give it a try.

So, today I am saying that my whole research endeavor is extended onto this notion about which I once spoke, the notion of catastrophe, the notion of catastrophe, which assumes what? This obviously assumes that painting has a very special relation with catastrophe. And first of all, I won’t try to found [the relation] theoretically. It’s rather an impression, a very special relation [which] means that writing and music wouldn’t have this relation with catastrophe, or not the same kind, or not as direct, and very precise painters. But I’d just like for you to sense precisely the extent to which these are limited examples so that we can then consider if they indicate something more general about painting or if that’s only valid for certain painters. I don’t know anything in advance. The painters on which I would like to establish this are chosen within a relatively similar and relatively recent period. I am taking them – I am stating immediately [that] I’d like to base myself on this series “the catastrophe,” and we shall see where it leads us – I am choosing, for example, Turner, an English painter, nineteenth [century], a great, great English painter – I’m only choosing great ones, of course! – Turner, Cézanne, Van Gogh, Paul Klee, and another English modern, [Francis] Bacon.

Fine, so that’s what I want to say – and I am immediately careful, very, very careful. I am saying that, when we go to a museum, we are immediately taken, struck by a certain number of paintings. There are very few museums that don’t offer some paintings of this type, paintings that depict a catastrophe, and what kind of catastrophe? For example, when the painting presents mountains to us – paintings of an avalanche, paintings of storms, the storm, the avalanche, etc., fine, this [is] a comment having entirely no interest. There is even a Romanticist painting in which this theme of a certain kind of catastrophe seems… [Deleuze does not complete this] Fine, what does all that mean? It’s idiotic, really, it’s idiotic. But, no it’s not because I notice that these paintings of catastrophes extend into the entire painting something that is always present in… that is perhaps very often – yes, you correct this yourself; I never say “always” – that is very often present in painting, to wit, they extend into the entire painting, these paintings of catastrophes, they extend into the entire painting, they generalize a kind of imbalance, of things that are falling, collapsing, kinds of disequilibrium.

And painting following a particular manner has always meant painting local imbalances. Why? Why is this theme of the thing in disequilibrium so important? One of the writers who wrote the most deeply, truly the most deeply, about painting is [Paul] Claudel, notably in a splendid book titled The Eye Listens and that especially addresses the Dutch [painters]. And Claudel says it very well; he says, “What is a composition?” You see, this is a pictorial term. What is a composition in painting? He says, “It’s an aggregate (ensemble)”. He says something very odd, as he says this precisely about the Dutch masters that he was considering. “A composition is always an aggregate, a structure, but in the process of becoming imbalanced or in the process of coming apart.” Fine, we will only hold onto this for the moment: the point of collapse, a glass about which we’d say it’s going to tip over, a curtain about which we’d say it’s going to fall back. So fine, here, there is no need to refer to Cézanne, the pots by Cézanne, the strange imbalance of these pots, as if they were really grasped at the moment, at the birth of a collapse. Fine, I tell myself good, very good. I no longer know who, there’s a contemporary of Cézanne who spoke about the drunken pottery, the tipsy pots.

So, I tell myself, fine, a painting of an avalanche, all that, this is generalized disequilibrium, ok. But in the end, this doesn’t go that far because, at first glance, we remain within the painting, within what the painting represents. So, I am also going to refer to another catastrophe in painting, specifically a catastrophe that would affect the act of painting itself. You see, we are going from the represented catastrophe, either the local catastrophe or the catastrophe of the aggregate within the painting, to a more greatly secret catastrophe, one that affects the act of painting itself. [Pause]

And my question becomes, good, in this way, can the act of painting be defined without this reference to a catastrophe that affects it? Doesn’t the act of painting, at the deepest depth within in itself – I’ll make corrections, I’ll adjust for certain painters, etc., we shall see – confront, encompass this catastrophe, even when what is represented is not a catastrophe? In fact, Cézanne’s pottery isn’t a catastrophe; there was no earthquake. For Rembrandt’s glasses, there was no catastrophe, fine. So, it’s a matter of a deeper catastrophe that affects the act of painting in itself. What would this be, to the point that the act of painting could not be so defined otherwise?

The example – I’d like to provide examples, as one offers musical examples, so to take up pictorial examples – for me, the fundamental example is that of Turner, since in Turner, we would see this as a kind of typical example. Also, in his initial [period]… He had something like two periods, two great periods, and in the first one, he paints a lot of catastrophes. What interests him in the sea is storms; what interests him in the mountains is often avalanches. So, this is a painting of avalanches, storms, fine. He already shows great genius.

What happens around 18.. – Is everyone fine with this assignment of dates? – around 1830? I’ll need that [date] later, as if this catastrophe that affects the act of painting, well, could be strangely dated overall. For Turner, [it’s] 1830. Around 1830, ok, everything unfolds as if he entered into a new element, in fact so deeply that it remains linked to his first manner of painting. What is this new element? Catastrophe is at the heart of the act of painting. As it is said, the forms vanish. What is painted and the act of painting tend to be identified with each other, and in what form? In the form of gusts of steam, of balls of fire, in which no form any longer maintains its integrity, or in which some strokes are merely suggestive.[1] We proceed through strokes, into what? Into a kind of furnace (brasier), as if the entire painting there emerged from a furnace. A ball of fire, the famous dominant, Turner’s famous dominant, the golden yellow. A kind of oven (fournaise), fine, boats split open by this oven.

A typical example – try to go see a reproduction – a painting with a complicated title: “Light and color”. He himself called it “Light and color,” and in parentheses “Goethe’s Theory”, since Goethe created a theory of colors. So the title is: “Light and Color (Goethe’s Theory, the Morning After the Deluge)”. We will need all that, so try to go see it. And the painting is dominated by a gigantic and admirable ball of fire, a golden ball that provides a kind of gravitation for the entire painting. So then… What? Yes?

[Interruption by someone outside the classroom, inaudible comments; Deleuze briefly speaks to her about a scheduling matter.]

Yes, why is this title important? In this as well, Turner left stacks of watercolors in groups; you know, Turner’s history at the end is very, very… As is said, he was so much, so much, so much ahead of his time that he didn’t exhibit his paintings; he stored them away, all that. He left all of that to the State, England, which left that for a long while in crates. And then there’s [John] Ruskin, at once admirable and vexing, who was his passionate admirer, who burned many of them because some were pornographic, so in the end, this was catastrophic. There’s a text by Ruskin, a declaration that makes one shiver – well, in the end, no one can condemn anyone – in which Ruskin says: “I’m proud, quite proud to have done that, to have burned all kinds of stacks of Turner’s drawing and watercolors.” But in the end, Ruskin’s merit remains for having been one of the few to understand Turner while he was alive. So, Ruskin baptizes all kinds of stacks of watercolors: “the birth or the start of color”. For this introduction, I don’t want to say more.

If you will, here we have Turner who I am using to present one case. It’s not at all that this is general, that we pass from one kind of painting that in certain cases represents avalanche-type catastrophe, storm-types, into a infinitely deeper catastrophe, a catastrophe that concerns the act of painting, that affects the deepest aspect of the act of painting. And I am adding – this is all we can grasp for the moment – this catastrophe is inseparable, in the act of painting, this catastrophe is inseparable from a birth. A birth of what? The birth of color. We almost have a problem here, you see; we constructed it almost voluntarily. Was it necessary for the act of painting to pass through this catastrophe in order to engender this creative element, specifically, color? Was it necessary to pass through the catastrophe in the act of painting so that color would be born, color as pictorial creation?

Good, so at that point, we have to believe that the catastrophe affecting the act of painting is also something other than catastrophe. What is it? We haven’t made much progress. What is this catastrophe? If you see a Turner from the end of his career, I am assuming that if you have it in mind, or if you go see it, you accept the term “catastrophe”, and why at that point, coming to our aid – I see this as something else – are painters who use the word, who use the word, who say, yes, painting the act of painting passes through chaos or through catastrophe? And they add, but see here, something emerges from this. And our idea is confirmed, the necessity for catastrophe in the act of painting so that something might emerge.

What emerges? It’s strange in that perhaps I’m choosing painters of the same tendency; I don’t know, but the answer is the same: in order for color to emerge, for color to emerge… And who are these catastrophe painters? There’s Cézanne fine statement, that catastrophe affects the act of painting, so that what emerges? Color, according to Cézanne, so that color arises. And [from] Paul Klee, the necessity of chaos for the emergence of what he calls the egg, cosmogenesis, the egg or cosmogenesis, and at the same time, panic. My God, or at least the painters’ God! Who prevents catastrophe from seizing everything?

What happens if catastrophe seizes everything so that nothing emerges? So, in this regard, would there be on this level a danger in painting? There would be a danger in painting; what is it? If the painter confronts – even here, we’ve left literature behind, I believe – if there is indeed this kind of catastrophe for the painter himself, for something that concerns the painter, if he confronts this catastrophe in the act of painting, if he cannot paint without a catastrophe affecting his act at the deepest level, but at the same time, the catastrophe must be like what? What does this mean? To control. What happens if nothing emerges, if the catastrophe spreads, if it creates a mess? Fine, don’t we have the impression that in certain cases, right, the painting gets ruined. Painters never cease failing; they never cease throwing out their paintings. Painters are astonishing, right? There’s a kind of destruction, consumption, consuming of the painting. Fine, when catastrophe overwhelms, can one again control a catastrophe? Certain [painters], Van Gogh, that’s right, that’s right. As it’s said, he brushes against something. Good, where does Van Gogh’s madness come from? Does it come from his relations with his father, or from these relations with color? [Laughter] I have no idea. In any case, color is perhaps more interesting, right?

So, our task now is going to be to look at two texts, since after all this has laid out our problem, I have not yet spoken about any painters’ texts. I believe that the manner in which a painter speaks about his painting is not analogous or the same thing as the manner in which a musician speaks about his music. There is a relation, in both cases; I am not saying one is better than the other. I am saying that we can expect from a painter’s text some things that aren’t at all, that are of a very special type. I am going to refer to some texts presumably by Cézanne and a formal text by Klee, that have in common to speak deliberately about catastrophe in its relations with painting. Fine, I am going to the secretary’s office, so take a break. [Brief pause in the session] [1:18:07]

[…] And with him and named [Joachim] Gasquet. And Gasquet created a book on Cézanne, a very important one, and in this book, he reestablishes, he takes himself a bit for Socrates’s Plato, that is, he reconstitutes dialogues and conversations with Cézanne. But it’s not transcriptions; it’s many years later, and it’s not transcription. And the question is: What does Gasquet – who wasn’t a painter, but a writer – what does Gasquet reinsert of himself? Many critics are suspicious of this text for this reason.

As for me, I am entirely following [Henri] Maldiney on this point who, on the contrary, considers this to be a text that truly risks being very faithful because the arguments there are very strange. You know that there is a kind of – I am saying this in passing – there’s a kind of thing, an expression, rumors, that painters are always treated a bit as if they were uneducated creatures or not very clever. As soon as we read what painters write, we’re reassured; it’s neither of these things at all. And one of the reasons the authenticity of Gasquet’s text gets discussed is that Cézanne strangely starts speaking from time to time like a post-Kantian, so people say its… [Deleuze doesn’t finish the sentence]

But Cézanne, in fact, greatly enjoyed speaking with people, when he trusted them. He would ask them lots of things. On the other hand, Cézanne was very, very educated; he didn’t reveal it, or did so rarely. He played an astonishing role as, really, as a peasant, a yokel (bouseux), whereas he had considerable knowledge, and read a lot. It’s difficult to understand. Painters always pretend to have seen nothing, to know nothing. I think that they read a lot at night. [Laughter] And one easily imagines even that Gasquet told Cézanne some things about Kant, and what Cézanne understood is quite fine because he understood much more than someone university educated.

Following Gasquet, [Cézanne] at one point makes this great statement, indeed: “I would like to paint space and time and make them become forms of the sensibility of colors, since I sometimes imagine that colors are like great noumenal entities, living ideas, creatures of pure reason.”[2] So, as commentators have said, Cézanne couldn’t have said that; it’s Gasquet that attributes it to him. I’m not sure that, one evening, they weren’t talking about Kant, whom Cézanne understood quite well, because when I say that he understood better than a philosopher, he saw very well that in Kant, the noumen/phenomenon relation was particular (était tel). To some extent, the phemonenon was the appearance of the noumen, hence the reflection [that] colors are noumenal ideas. Colors are noumens, and space and time are the form of the appearance of noumens, that is, of colors, of colors appearing in space and in time, but in themselves, they are neither space nor time. This seems to me to be a very, very interesting idea; in this, I only see great similarities that… [Deleuze does not finish the sentence]

So, of course, at the same time, Gasquet’s text takes things from letters sent to him by Cézanne, so he creates mixtures, yes, but concerning what’s essential, everything is fine for us since, in the text that I am going to read, I am going to take as it unfolds. Cézanne – I am commenting on this almost logically – distinguishes two moments in the act of painting. So, he is going to bring things to us fully situated within our problem. And in one of these moments, he calls it “chaos” or “abyss”, chaos or abyss, and the second moment — if you read the text closely, since it’s not clear, in fact, but it’s a supposed conversation – he calls the second moment: “catastrophe”, fine. And so, in the end, the text is very logically and very rigorously organized; in the act of painting, there is the moment of chaos, then the moment of catastrophe, and something emerges from this, from chaos-catastrophe, which is color. When it emerges! Once again, there is still the possibility that nothing emerges, one is never certain; in this, nothing is given in advance.

Here’s the text; I am beginning with the first aspect. I’ll indicate when, in my view, the first moment ends: “In order to paint a landscape correctly, first I have to discover first the [geological] strata. Imagine that the history of the world dates from the day when two atoms met, when two whirlwinds, two chemicals joined together. [I can see rising] these rainbows, these cosmic prisms, this dawn of ourselves above nothingness” (Conversations, p. 114)[3] – If I am mixing up everything, no matter, it’s not far off – “These rainbows, these cosmic prisms, this dawn of ourselves above nothingness.” Fine, the style is good, but some might say this is from Turner. So yes, why not? The history of the world, what does that mean? What interests us in this? It’s the first time that one finds a theme that, in my view, traverses most of the great painters, the theme of “they never paint but one thing: the start of the world,” that’s their business: they depict the beginning of the world.

Fine, so what is the beginning of the world? It’s the world before the world, that is, something exists; it’s not yet the world. It’s really the birth of the world. Henceforth, why can painters be Christians? Can the history of creation be of interest to them? Insofar as someone is a painter, it’s obvious. It’s obvious that they are involved in something that concerns the creation of the world. You understand that each day, I should add a coefficient of essentiality to this; I mean, it’s an essential concern of painting, having us face all this.

Fine, “Imagine that the history of the world dates from the day when two atoms met, when two whirlwinds, two chemicals joined together.” — [For] Turner, it’s about chemical dances, of, fine. Yes, these are chemical dances of color. — “… this dawn of ourselves above nothingness, I can see them rising, I immerse myself in them when I read Lucretius.” And then, in fact, Cézanne read lots of Lucretius, fine. And, in fact, Lucretius’s interest concerns atoms, of course, the dance of atoms, but equally strangely, it concerns colors and light. There’s no question of understanding anything in Lucretius if one doesn’t attend to what he says about color and light in relation to the atom, fine.

“These rainbows, these cosmic prisms, this dawn of ourselves above nothingness, I see them rising, I immerse myself in them when I read Lucretius. In this fine rain …” – he’s standing under a fine rain – “in this fine rain” – that’s what his subject is for painting, this fine rain. And understand, although he creates a portrait, although he creates a pot, although he paints a woman, fine, one mustn’t forget this, that’s it’s always about expressing the fine rain, or expressing something of this order – “In this fine rain, I breathe the virginity of the world.” What does “the virginity of the world” mean? It’s the world before man and before the world, before man and before the world. Fine, but what is this?

“A sharp sense of nuances works on me. I feel myself colored by all the nuances of infinity. At that moment, I am as one with my painting.” This is strange, “I am as one with my painting”… ; what does that mean? We have to comment on this precisely, my painting in waiting since — as the rest will remind us even more precisely – he hasn’t yet begun to paint. Perhaps we even have a reason for already understanding better, or for anticipating why the catastrophe belongs to the act of painting. [The catastrophe] comes before. It occurs during as well. But the catastrophe, it begins before. The painting is yet to be painted.

“Under this fine rain, I breathe in the virginity of the world.” A sharp sense of work, it’s the pre-pictorial work, and here, the catastrophe is already pre-pictorial. That at once suits us fine and yet bothers us because at that point, a definition for it, also pre-pictorial, is necessary. It’s as if the condition for painting comes before the act of painting.

A sharp sense of nuances works on me. I feel myself colored by all the nuances of infinity. At that point, I am as one with my painting. We are” – me and the painting. Hey, to go back to the other [earlier] point, this is really the composition of the third side, the painting not yet undertaken and the painter not yet having started to paint. “We are an iridescent chaos.” – We are an iridescent chaos – “I come before my motif ” – you see, he hasn’t painted anything yet – ” I come before my motif, I lose myself in it. I dream I wander.” – He gets lost facing his motif, a chaos – “Silently the sun penetrates my being, like a faraway friend [who] warms my idleness, [fertilizes it]. We germinate.” Hey, if he comes from the germ or seed, this will literally recur with the same term used by Klee. “We germinate. When night falls again, it seems to me that I shall never paint, that I have never painted.” All this is pre-pictorial; it’s the “before painting” for eternity. “I need night to tear my eyes away from the earth, from this corner of the earth into which I have melted. The next day, a beautiful morning”– I’m still in the first moment, and you see, this pre-pictorial moment of chaos has taken place. He no longer sees; he merges with his motif; he no longer sees anything, night is falling.

As he says, explaining in a letter, my wife scolds me because when I return, my eyes are red. What does that mean?[4] He no longer sees anything. The eye, we have to ask: what is the eye? What is an eye? A painter’s eye? What does an eye in painting mean? How does it function, an eye? Fine, so, it’s already a reddened eye. “The next day, a beautiful morning, slowly, [geological] foundations appear, the layers, the major planes form themselves on my canvas. Mentally I compose the rocky skeleton.” — “The next day, a beautiful morning, slowly, [geological] foundations appear, the layers, the major planes form themselves on my canvas. Mentally I compose the rocky skeleton.” If you see the landscapes of Aix by Cézanne, you immediately see what he is calling the rocky skeleton. “The major planes form themselves on my canvas. Mentally I compose” – you see, he still hasn’t yet begun – “Mentally I compose the rocky skeleton, I can see the outcropping of stones under the water; the sky weighs on me. Everything falls into place.” – Everything falls into place. – “A pale palpitation envelops the linear elements. The red [patches of] earths rise from an abyss.” – The abyss is the chaos seen earlier. It’s the previous evening’s chaos – “Red [patches of] earths rise from an abyss.” – But what form of red? These must be brownish red patches of earth; these must be darkish purple, tending toward black – “Red [patches of] earths rise from an abyss. I begin to separate myself from the landscape, to see it.” – You see, this is also a genesis of the eye, this tale, at the moment of pure chaos; no eye, it’s melted, the eye is completely red, it no longer sees anything. I am beginning to see the landscape. – “I detach myself from these geological lines.” – I detach myself from the landscape, meaning that there’s a relation with vision – “I detach myself from these geological lines. Geometry measures the earth.” In other words, geometry is identical with geology.

Fine. What am I saying, to sum up? I am saying that this first, very pictorial moment is the moment of chaos. One has to pass through this chaos. And according to Cézanne, what emerges from this chaos? The sheathing of the canvas. Here we have the great planes being sketched out. “Everything falls into place”: this is already dangerous. There’s a letter in which Cézanne says, “This isn’t going well.” He says, “Planes collide with each other” (Conversations, p. 48). There, in that moment, everything could collapse; it’s the first coefficient of a possible collapse. The distinction of planes might very well not succeed in occurring. The distinction of planes emerges from chaos, fine. If chaos seizes everything, if nothing emerges from chaos, if everything remains chaos, the planes fall onto each other, instead of falling upright. The painting is already ruined; it’s already ruined before having started. That’s what shit is, and it’s true that in the painter’s experiences, there are things, it goes fine, it doesn’t go well at all, I’m blocked off, I’m not blocked off… [Interruption of recording] [1:33:42]

Part 3

Deleuze: Yes, perhaps, right ?

Anne Querrien: I have the impression that there is exactly the same thing for architects in the great debate that occurs at the end of the eighteenth [century] about the sublime and the picturesque. And precisely, within the picturesque, they pass through three stages whereas, in the sublime, they only keep two of them, and they raise up the sublime directly through its opposition to chaos. And finally, chaos comes first. From chaos, they construct the sublime, and either they remain within the sublime, that is, geometrical lines, etc., or they manage to pass into the picturesque, that is, into color and all that. … [Inaudible comments], and it was by inheriting, by composing with what my architect friends told me in their discussions about the sublime and the picturesque and about what you were telling us about Kant and the sublime and chaos in Kant… [End of comments are inaudible]

Deleuze: Well, in that case, we’d have to, perhaps it might be better, in fact, to go back, but to do that is beyond us. Let me indicate for those who might find this point of interest, there’s a book by Kant that, I believe, is one of the most important books in all of philosophy, the Critique of Judgment, that Kant wrote at a very, very old age and that contains one of the first great philosophical aesthetics. There’s a theory of the sublime, and Kant distinguishes two aspects or two moments of the sublime. One he names the “geometric or mathematical sublime”, and the other, “the dynamic sublime.” And here, if we really wanted to, in fact, one would have to – for those interested in this, consult his texts – they are quite difficult, but if we have the time, perhaps I will make some comments about them. This would be quite curious; in fact, perhaps we could create, without forcing the texts too much, an intersection of Cézanne’s two moments with Kant’s two moments of the sublime, the first one being a geometrical sublime according… the expression itself, or “geological”, according to Cézanne’s very expression. But Kant’s text is extraordinary. It’s one of the great founding texts of Romanticism.

Fine, we are now moving into the second moment. You see that the first moment is chaos, and something emerges from it, specifically the framework (armature). The second moment, “a feeling of tenderness comes over me”, a feeling of tenderness comes over me. “Some roots of this emotion raise the sap, the colors. It’s a kind of deliverance. The soul’s radiance, the gaze, exteriorized mystery are exchanged between the earth and the sun, [ideal and reality], colors! An airborne logic”– Before, there was a terrestrial, earthly logic in play, with the geological strata – “an airborne, colorful logic quickly replaces the somber, stubborn geometry.” — This is a beautiful text. You see, elements are being changed — “An airborne, colorful logic quickly replaces the somber, stubborn geometry. Everything becomes organized: trees, fields, houses.”  (Conversations, p. 114). – Hey, by commenting in this way, I… [Deleuze does not finish]

But then, everything wasn’t organized, yet the planes were falling into place, and all that. – “Everything becomes organized” – As if he was recommencing from zero. This is strange. “I see. I see” – and there’s a second genesis of the eye – “I see. By patches: the geological strata.” This is what will reveal the secret to us. This is strange, he doesn’t say it; he seems to be starting again from zero. Whereas “I see”, he already said this, “I am beginning to see”, and here he acts as if he were seeing for the very first time. What has happened? There’s only one answer: it’s that the first time, it was chaos or the abyss and something emerged from it, specifically the framework, and so what emerged at the first moment, the framework, collapsed once again, in fact, collapsed again: “I see. By patches: the geological strata, the preparatory labor.” There he says it formally: the entire first moment was a preparatory, pre-pictorial work: “… the geological strata, the preparatory work, the world of drawing all cave in, collapse as if in a catastrophe.”

What makes this text very, very interesting to me is that [Cézanne], in his own name, in his own experience, distinguishes, in what we can call “the catastrophe” in general, he distinguishes two moments: a moment of chaos-abyss from which the “strata” or “the framework” emerges; and then a second moment, the catastrophe that sweeps away the strata and the framework, and what is going to emerge? “The geological strata, the preparatory work, the world of drawing all cave in, collapse as if in a catastrophe. A cataclysm has carried it all away, [regenerated it]. A new era is born. The true one! The one in which nothing escapes me, where everything is dense and fluid at the same time, natural. All that remains is color, and in color, brightness, clarity, the being who imagines them, this ascent from the earth toward the sun, this exhalation of the depths toward love” (Conversations, pp. 114-115).

This is odd because, as [Henri] Maldiney points out here, we could make a connection not only with Kant’s texts on the sublime, but term for term, the equivalent would be located as well in texts by Schelling, the Schelling who is associated greatly with painting. That’s quite bizarre. Fine.

“I want to use this idea, this burst of emotion, this smoke of existence” – color that is rising – “of the smoke of existence above the universal fire.” Here as well, this is a way of honing a description of Turner’s painting. And it’s not about Turner that he is saying this; it’s about his own paintings, it’s about what he wants to create: “this universal fire”.

So look, I am starting over: a first, decomposed moment in two aspects, the “chaos-abyss”, I am seeing nothing; a second aspect of the first moment: something emerges from the “chaos-abyss”, the great planes, the framework, geology. A second moment: catastrophe sweeps away the strata and the great planes. Catastrophe carries them off, that is, we again start from zero. We again start toward a new conquest, and yet if the first moment hadn’t been there, no doubt this would not work. And again, there’s a danger that catastrophe might seize everything and that color wouldn’t arise.

Hey, let’s consider a bit of progress: what happens when color does not rise, when color does not set within the fire? Color has to emerge from this kind of fire, from this catastrophe fire. If it does not emerge, if it doesn’t cook or it cooks badly… It’s odd, it’s as if the painter… [Deleuze does not finish] Fine, is the painter concerned with ceramics? Yes, obviously yes. He uses other means, but he has his furnace; there’s no color that doesn’t emerge from this kind of, from a furnace which is what? Well, which is at the same time on the canvas. It’s the globe of fire, Turner’s globe of light. What will it be for Cézanne, and what do we call it? We don’t know yet. Color is supposed to emerge from it, but if it doesn’t emerge, what is it? What do we say about a painting in which the color doesn’t rise, doesn’t emerge? If color rises, what does one have to grasp? Is this a metaphor? No, it’s no metaphor, obviously not for Cézanne. That means that color is a matter of ascending scales (gammes ascendantes). It must rise. Fine, must it rise? Is this true for all painters? Obviously not. No, on the contrary, there are painters for whom there are descending scales. It happens that, for Cézanne, we’ll see why, [it’s] ascending scales, such that what seems to be like metaphors are not metaphors.

Anne Querrien: And so, that rises toward white.

Deleuze: Ah, it rises toward white? No, not really.

Claire Parnet: [It’s] toward blue.

Anne Querrien: No, no, because [Inaudible comments; we hear Deleuze groaning] there’s an ascending scale toward black; it’s the intense black body. So, one has to know…

Deleuze: Yes, but for Cézanne, it doesn’t rise toward white. It rises.

Anne Querrien: So, it’s colors. [Deleuze: Yes…] So, that goes into light…

Deleuze: No, these are ascending scales; it’s within the order… In the end, it’s… Well, we’ll see that.

Anne Querrien: No, because in the exhibition of forms of realism of the interwar years, it appears that there are people who were beginning to promote black and darkness as intensity.[5]

Deleuze: Yes, yes, yes, but here, this is Cézanne, right? So, what does it mean when the color does not rise, when it doesn’t set, when it doesn’t cook? People say: oh, all that? It was… Oh, la, la, the planes fall atop one another; they are not in place, the failure of geology. They aren’t in place. And what does “in place” mean? Since it’s an uprightness that only exists in the painting; is it the uprightness of resemblance? It’s necessary that… Otherwise, if the planes fall one atop other, the painting is already ruined.

Fine. You see, this is much more important than the problem of depth. The problem of depth is completely subordinate to the problem of planes and of how planes fall. Planes have to fall and not onto each other. All kinds of creation are permitted as far as depth is concerned. But we always get exactly the depth we deserve as a function of the way in which we cause the planes to fall. That’s the painter’s problem. The painter never had the least problem with depth. The problem of depth is a joke (c’est pour rire).

Fine, the second [moment], colors don’t rise, so what is the danger? The danger is – it’s stated quite well; painters say it quite well – it’s… what is it? It’s swampy colors; it’s a swamp, a marsh, it’s a mess, a mess, I’ve created a mess. It’s grey; it’s greyness (grisaille). The colors don’t rise, the planes don’t fall, it’s awful. It’s… [they] collide with each other. It’s confusion. [If] the colors don’t rise, it’s greyness. Hey, it’s greyness. Oh yeh? Isn’t this going to help us a bit? It’s greyness. In fact, that creates paintings, in the end, at the extreme, dirty paintings. Gauguin was very annoyed because a very great critic of the era had said: all the colors are “muted and scabby” (sourdes et teigneuses). [Laughter] For that, [Gauguin] was unforgiving; twenty years later, he remembered that, “the muted and scabby color”, that someone said that about him. Color is difficult; it’s difficult to get away from the muted, the scabby, the grayness.[6]

Ah good, but then, what would this be? How does that occur? Why am I introducing this idea? It’s because… [Deleuze does not finish] There’s a famous text that all painters always repeated, a text by Delacroix in which he says: “Grey is the enemy of color; it’s the enemy of painting.”[7] We indeed see that what means, right? At the extreme, what is grey? It’s where white and black are mixed together, at the extreme, where all colors are mixed together. All colors are mixed together; colors do not rise. It’s greyness.

And, not long after this text that I just read, the same Cézanne said this; listen a bit. He said to Gasquet: “I was at Talloires. […] You want grays? Well, you’ve got them. And greens, all the greenish grays in the whole world. The surrounding hills are high enough, it seemed; they appear low, and it rains. … There’s a lake between two gorges, a landscaped English lake. Sketchbook pages fall, already watercolored, from the trees. Surely that’s still nature… But not as I see it. Do you understand? … Gray on gray.” — Grey on grey. – “You’re not a painter if you haven’t painted gray. Delacroix said that gray was the enemy of all painting, but he was wrong. You have to know how to paint gray to be a painter.” (Conversations, p. 118).

What does he mean? It’s fine, because he’s wrong to criticize Delacroix. Delacroix’s text is as important and passionate as Cézanne’s, and furthermore, they are saying exactly the same thing. There’s a grey that is the grey of failure. And then, there’s another grey. There’s another grey. What is it? There’s a grey that’s one of the colors that rise. Would there be two greys? There I feel that we can… This touches so much on… Or else, there are a lot of greys, there might be a huge number of greys. In any case, it’s not the same grey. The grey of colors mixing together, that’s the grey of failure, and then [there’s] an essentially luminous grey, a grey from which colors emerge.

We have to proceed very carefully because it’s known that there are two manners of creating grey. Kandinsky recalls this; he has a beautiful text about this, on the two greys, a passive grey and an active grey. There’s the grey that’s the mixture of black and white and, at the same time, we can’t limit ourselves to that. I emphasize this immediately to avoid objections. There’s a grey, let’s say, that’s a mixture of black and white, and then there’s a grey that is a mixture, the great grey, and it’s not the same, that is the mixture of green and red, or in an even more extended manner, that’s a mixture of two complementary colors, but above all, a mixture of green and red. And Delacroix spoke about this other grey, that grey, of green-red. It’s obviously not the same grey.

So, this would be easy for us to say: “Ah well yes, there’s a grey of colors that are mixed, it’s the white-black grey.” And then, there’s a grey that is like the matrix of colors, the green-red grey. Kandinsky calls the green-red grey a truly “dynamic” grey, in his theory of colors, a grey that rises, that rises to color. Good, but why is it not enough to say that? Because if, for example, we take Chinese or Japanese painting, it’s well known that they already obtain all the nuances that we’d like, but an infinite series of nuances of grey beginning with white and black. So, we cannot say that the mixture of white-black isn’t also a matrix. I am simply posing the question of grey. Why am I posing the question? No doubt in order to move from Cézanne to Klee, because we’re going to see the story of grey return again.

I am summarizing everything regarding Cézanne. Here’s what he tells us: he nonetheless gave us significant information for our work: Catastrophe belongs so much to the act of painting that it’s already there before the painter can begin his task. He has given us a detail. It’s a detail, and it’s one that we haven’t worked through, you see? Why does this interest me? Because what is it that we are in the process of grasping, of beginning to grasp? We are in the process, and that interests me; at least for my own purposes, that interests me.

It doesn’t suffice to place painting in relation with space because this is obvious. I even believe that in order to understand its relation with space, we have to take a detour. What detour? The detour of placing [painting] in relation with time, a time that’s specific to painting, to treat a painting as if a painting already operated a synthesis of time, to say that a tableau implies a synthesis of time, to say: careful, painting only concerns space because, first, it incarnates a synthesis of time. There is a synthesis of a properly pictorial time, and the act of painting is defined by this synthesis of time. So, this would be a synthesis of time that is suitable only for painting.

If I tell myself how to find and how to manage to define – if this hypothesis is correct – how to manage to define the synthesis of time that I could call properly pictorial, we are beginning to understand. Let’s suppose that the act of painting refers necessarily to a pre-pictorial condition, and on the other hand, that something has to emerge from what the act confronts. The act of painting must confront its pre-pictorial condition in order for something to emerge. There I indeed have a synthesis of time. In what form? A temporality belonging to painting in the form of a pre-pictorial, before the painter begins, of an act of painting and of something that emerges from this act, fine, and all of that would be within the painting. This would be the time belonging to the painting to the extent that about any painting, I would have the right to say: What is the pre-pictorial condition of this painting? These are not at all general categories. Where is, where is, show me that act of painting in this painting, and what emerges from this painting? I would therefore have my synthesis of properly pictorial time.

So, if I take, if I summarize Cézanne’s topic from this perspective, first of all, pre-pictorial conditions: chaos, chaos or abyss, from which the great projected planes emerge. So, that’s the first [time].

A second moment: the act of painting as catastrophe. The great planes must be swept away by catastrophe. And what emerges from this? Color. Fine, I’m moving on.

Above all, you must not relax nor reflect, not that. I am moving on to Paul Klee. For Paul Klee, there was always a very strange matter in all his, in many of his texts. It’s recurrent: the topic of the grey point, what he calls the grey point. And we sense that he has a relation with the grey point; it’s his own private matter, and that’s how he can explain what painting means to him. And it’s not to a particular text; for example, there is in what’s been translated under the title Theory of Modern Art (in the French edition Médiations), there’s a text by Klee titled “Notes on the grey point”, p. 56.[8] But all the way through it, he won’t abandon his idea of the grey point and the adventures of the grey point. He discusses it everywhere, or rather, he talks about it often. And here’s what he tells us; I’ll read this very quickly:

“Chaos as the antithesis of order is not properly chaos; it’s not true chaos. It’s a localized notion, relative to the notion of cosmic order. True chaos couldn’t place itself on the disc of a scale, but forever remains imponderable and incommensurable. It would correspond rather to the center of the scale.” In fact, it doesn’t correspond; he says “rather”. You are going to see why it doesn’t correspond. What does he tell us here? He is very philosophical; he says, if you talk about chaos, you know, you cannot just take it on like that because if you do, you cannot get out of it. I say, I’m ready to take it on. I’m ready to take it on because I’m a painter. But you cannot, from a logical perspective, take on chaos as if it were the antithesis of something because chaos seizes everything, and it risks seizing it all. You cannot call chaos the opposite of order. Chaos is relative to nothing. It is opposed to nothing; it’s relative to nothing; it seizes everything. And so, from the start, it already places in question any logical thought of chaos. Chaos has no opposite; no, it has no opposite. If you take on chaos, how are you going to get out of it? Klee is going to try to say how, for himself, he gets out of a chaos that has no opposite, a chaos that’s not relative.

He says, so chaos is a non-concept. That’s interesting for my question: can painters bring concepts to us? Yes, he starts by telling us, you know, chaos, you know, if you take seriously the idea of chaos as a non-concept. The symbol of this non-concept is the point. So good, we say, “aha”, we must discover this text with pleasure, with delight. So, it’s not a question of discussing nor even asking him why; we have to allow ourselves to consult the text. “The symbol of this non-concept is the point, not a real point, but a mathematical point,” that is, a point that has no dimension. This is what he means. “This being-nothingness or this nothingness-being” – Klee is very philosophical – “This being-nothingness or this nothingness-being is the non-conceptual concept of non-contradiction.” That’s good, that’s very joyful. About chaos, he says, “this being-nothingness or this nothingness-being is the concept of non-contradiction since it is opposed to nothing. Since it’s not relative, it’s absolute. Chaos is absolute.” He says, it’s quite simple. “To bring it into view,” that is, in order to have a visible approximation of it – “coming to something like a decision on this matter, one must reach out to the concept of grey, to the grey point, the fateful point between what becomes and what dies.”

You see, it’s the grey point that is responsible for being like the pictorial sign of chaos, of absolute chaos. “This point is grey, because it’s neither white, nor black or because it’s white as much as it’s black.” You see, this grey that he’s discussing, it’s the grey of black-white. He says it there explicitly. “It’s grey because it’s neither high nor low, or because it’s above as much as it’s down; [it’s] grey because it’s neither hot nor cold.” In terms of colors, you know, hot colors [are] with expansive movement, cold colors [are] with contracting movement. “[It’s] grey because it’s neither hot nor cold, grey because [it’s a] non-dimensional point” – this text is beautiful; we don’t know where he’s going, but he’s going there with a sense of rigor – “grey because [it’s a] non-dimensional point, a point between dimensions, between dimensions and at their intersection, at the crossroads of paths.” There you are; there’s the grey point-chaos.

He continues, and here, I am going to combine texts. He continues the very text I am quoting: “To establish a point in chaos is necessarily to recognize it as ‘grey’ by reason of its principled concentration and to confer on it the character of an original center from which the order of the universe is going to spring forth and emanate in all dimensions. To realize a point with a central merit is to transform it into the locus of cosmogenesis. To this becoming corresponds the idea of every beginning, or better yet, the concept of the egg.” Well, well. He brings two concepts to us: the non-conceptual concept of grey and the concept of egg. Fine. If you were listening to the second paragraph, I’ll re-read it very rapidly: “To establish a point in chaos is necessarily to recognize it as ‘grey’ by reason of its principled concentration and to confer on it the character of an original center from which the order of the universe is going to spring forth and emanate in all dimensions.”

That’s where we are, on this second level; we are at the genesis of dimensions. The first grey point is “non-dimensional”. The second paragraph evidently speaks to us about a second grey point. What is this second grey point? This time, in contrast to the first one, or rather, it’s the first one, but how is it first? [It’s] affixed (fixé). It’s the centered first one. If you understand something, you see here the echo of Cézanne’s text. The planes topple down. Ah! I have affixed the non-dimensional grey point. I’ve affixed it; I’ve made it the center. In itself, it’s not at all the center, not at all. Here, I’ve affixed it; I’ve made it a center, so that it becomes the matrix of dimensions. The first point was unidimensional, the second is the same as the first, but affixed, centered.

In another text – this is why I need other texts – he has an even stranger expression, it’s very, very odd – “The established grey point,” that is, understand this well, the grey point once it’s affixed (une fois fixé), once it’s taken as center. It’s a cosmogenesis of painting that he is trying to create here, I believe. “The established grey point jumps past itself” – you see that it’s the same and not the same – “the established grey point jumps past itself into the field where it creates order.” The first point was the grey chaos, non-dimensional point. The second one is the same, but the same in another form, at an entirely different level, at another moment. There are two moments of the grey point.

This time, it’s the grey point [that’s] become center, henceforth the matrix of dimensions, to the extent that it is established, that is, between the two, that has jumped beyond itself. And as Klee adored creating little drawings of his cosmogenesis – you see quite well the grey point that jumps beyond itself – what does that mean? Consulting yet another text, I add – so much is he obsessed with the tale of the grey point — this text, this excerpt from Klee, seems to be extremely valuable for us. “If the grey point expands” – it’s a question of the second grey point as center that’s become matrix of dimensions – “If the grey point expands and occupies the totality of the visible, then chaos changes its meaning, and the egg becomes dead.”

This is the Paul Klee version of the question we were asking earlier: And if chaos seizes everything? So, if chaos seizes everything, well, we have to pass through chaos, but something has to emerge from it. And if nothing emerges, if chaos seizes everything, if the grey point doesn’t jump beyond itself, then the egg is dead. What is the egg? It’s obviously the painting. The painting is an egg, matrix of dimensions. So what is Klee’s grey? I’d say, to create a parallel with Cézanne’s text:

First moment: the grey chaos point, it’s absolute. Obviously, this is prior to painting. There’s no question of painting this grey-chaos point. And yet it has an impact fundamentally. Painting, the act of painting, begins when? It’s on both sides at once (à cheval). The act of painting, if I dare say, has a foot, a hand in the pre-pictorial condition, and the other hand within itself. In what sense? The act of painting is the act that seizes the grey point in order to “affix” it, in order to make it into the center of dimensions. That is, it’s the act that results in… that makes the grey point jump beyond itself. The grey point jumps beyond itself and, at that moment, it engenders order or the egg. If it doesn’t jump beyond itself, it’s ruined, the egg is dead.

So, the two moments, grey-chaos point, grey-matrix point. Between the two, the grey point has jumped beyond itself, and that’s the act of painting. It was necessary to pass through chaos because it’s in chaos that the pre-pictorial condition is located.

So, since here Klee does it explicitly, even more directly than Cézanne, can we reconnect with the problem of color and grey? Fine, is it the same grey? Can we say, is it enough to say – there would even be all sorts of questions – can one say, yes, perhaps? One can say approximately yes, the first grey, the grey chaos point, is the grey of black-white. [Pause] The grey point that jumped beyond itself is not the same. It’s the same and not the same. It’s still the grey point, but this time, when it jumped beyond itself, wouldn’t this be this “other” grey, the grey of green-red, the grey that organizes the dimensions and, henceforth, simultaneously, organizes colors, the matrix of dimensions and colors? Can we say this? Yes, we can. Yes, certainly. Is it enough to say this? No, because it would be stupid to say that the grey of black-white isn’t also already the entire egg, the entire rhythm of painting, everything. So, it’s a way of saying all that. Fine.

How to get beyond this? We are very slowly making progress, that is, we are beginning to perceive [that] this synthesis of time is present. In my view, this is how when we can, if you will, it’s really a question of assignment (assignation). In a painting, well yes, that works for Turner, evidently. That works for Cézanne; for Klee as well, certainly. And you see why henceforth they can be linked so much to the idea of a beginning of the world. The beginning of the world is their business, their business, their direct business. I want to suggest that if [Gabriel] Faure, for example… Does music have a relation with the beginning of the world? Yes, yes certainly. In what way? I don’t know, I really don’t know. Here, one has to think for the… In any case, we cannot mix everything up. So, there you are, you understand.

Fine, we feel blocked. So, each time we feel blocked, we have to jump to another painter, but perhaps among you, there are some… What am I looking for? Well, I’m looking for something to help me move forward a little. So, I shift to a painter that’s going to come… These connections are not required, but it’s connections of painters that I’m undertaking. I’m going to look into this current painter, this contemporary painter, Bacon, because I’ve been very impressed, and I’m staying with texts. The next time perhaps, I’ll show you exceptionally a small painting, one small painting so that you see what he is trying to say, perhaps, but maybe not.

There’s a very, very odd text. Bacon did some interviews that have been published in the Skira Editions. And there’s a passage that seems to me completely bizarre because he also is lucky enough to be English, well, English, Irish, and he makes a statement, a statement that the English greatly admire – and this statement then, perhaps we shall find salvation there in our… Here’s the text. Why am I citing this text right now? For me, it comes now because Bacon says that, before painting, there are many things that have occurred. Before even starting to paint, there are many things that have occurred. What? Well, let’s leave that aside. And this is why painting precisely implies a kind of catastrophe; why? It implies a kind of catastrophe on the painting, in order to undo everything that precedes, everything that weighs on the painting before the painting has even started. [It’s] as if the painter had to get rid of something; so what do we call these things that he has to get rid of? What are these ghosts of which the painter… What is this struggle with ghosts that precedes painting?

Painters have often provided an almost technical term in their own vocabulary: clichés. We might say that cliches are already on the painting before they’ve even begun, that the worst is already there, that all the abominations of what is bad in painting are already there. Cézanne knew about clichés, the struggle against the cliché before even starting to paint. As if clichés were there like animals rushing in, already there on the painting before the painter had even picked up his brush. One has to – here we understand a bit better perhaps if that’s it; we will understand why painting is necessarily a flood – one has to drown all that, one has to prevent all that, one has to kill all that, prevent all these dangers that already weigh down on the canvas by virtue of its pre-pictorial character or its pre-pictorial condition. All that must be undone, and even if we don’t see it, they’re there, these kinds of ectoplasms that are already… So where are they? Well, in one’s head, in one’s heart? They’re everywhere. In the room, they are here in the room. It’s great, these are ghosts! They’re there; we don’t see them, they’re already here. If you don’t move your painting into a catastrophe like a furnace or a storm, etc., you will only produce clichés. People will say, oh! what a lovely brush stroke! Ah, that’s nice, quite decorative, from a decorator. Yes, it’s lovely, quite lovely! It’s nicely done, oh yes, nice! Or else [it’s] a fashion design; fashion designers know how to sketch quite well, and it’s also shit, with no interest, none, zero, fine, zero.

We must not believe that a painter, a great painter, has less danger than another. It’s simply that in what matters to him, he knows all that. That is, they all know how to create a perfect drawing. They may not seem to, but they know this quite well; sometimes they have even learned this in academies where at one time they learned to do this quite well. And so, we do not even conceive of a great painter who doesn’t know quite well how to create these kinds of reproductions. They’ve all been through this, all of them, all. Fine, but they know that this is what one has to bring through the catastrophe. You see, if catastrophe – we are beginning to specify a bit, and yet this is very insufficient what I am saying; I’m not at all saying that we will remain here – but I am saying, if the act of painting is essentially concerned with a catastrophe, it’s first of all because it’s in necessary relation with a pre-pictorial condition and, on the other hand, because in this relation with a pre-pictorial condition, it must make impossible everything that is already “danger” on the canvas, in the room, in his head, in his heart. So, the painter has to throw himself into this kind of storm, which is going to what? Which is precisely going to cancel and cause clichés to flee. [It’s] the struggle against the cliché. Fine.

So, let’s assume that for Cézanne, in fact, the struggle against the cliché for Cézanne is almost a, it’s a thing in which, understand, if someone devotes his whole life to painting and the struggle against the cliché, it’s not a schoolroom exercise. It’s something in which he risks… You understand, it’s awful. You’re trapped, at first glance; at least the painter is trapped: if he doesn’t pass through catastrophe, he’ll remain doomed to the cliché. And even if you tell him, “oh still, that’s really beautiful, not at all clichés,” that might not be clichés for others, but for him, it will be. There are some Cézannes that are not clichés for us. For him, they were. [Pause] Fine. So, we have to talk about all this; it’s so very complicated. This is why painters are so severe, great painters, about their own works, and this is why they throw out so many things.

So, that’s a first danger. One doesn’t pass through catastrophe. Catastrophe is avoided. Are there great painters who avoided catastrophe, or else reduced it to a minimum, such a minimum that it’s no longer visible at all? Perhaps there are great painters who were sufficiently… I don’t know, so this is for later… They appear to pass for… But nothing at all. And then there’s the other danger: one passes through catastrophe and stays within it. The painting stays within it. Well, this occurs all the time. As Klee says, “the grey point has dilated.” The grey point has dilated instead of jumping beyond itself.

Here we have Bacon’s text… Oh, la, la, so I don’t have time. I don’t have time. Well, here we are, you see, we have a text by Bacon who says… Here’s what he says. Fine, no, I want to read it but this… It’s silly; do you want it?

Several students: Yes. [Pause while some students exit, apparently making noise\

Deleuze: Yes, because this will let you… I’d like for you to think about this for the next class.

[Several students ask those leaving to make less noise: Shhh!]

Deleuze (He reads and quotes): “I am making marks.” – His painting, it’s about the moment when he has… It’s Cézanne’s moment in which he has the great planes – “I am making marks” – It’s what he calls random marks. You see, it’s really a kind of… Or what he calls “cleanup”; he takes a brush or a rag, and he cleans part of the painting, one part. Always recall that this is not taking everything over, that catastrophe isn’t seizing it all. He is establishing his own catastrophe – “The random marks are made,” he says, “and you survey things” – that is, the painting with one part cleaned – “and you survey things like you would a sort of graph [diagram].”[9] – Marvelous, marvelous, this is going to launch us forward; retain this word, diagram; he calls it that – “And we see within this [diagram] the possibilities of all types of fact being planted”. – He’s not saying, we don’t see facts… [Interruption of recording] [2 :20 :37]

Part 4

[“This is a difficult thing; l’m expressing it badly. But you see, for instance, if you think of a portrait, you maybe at one time have put the mouth somewhere, but you suddenly see through this graph that the mouth could go right across the face.”][10] – Understand, it’s bad if it’s not through the diagram; if it’s not through the diagram, that would produce a caricature — what he’s just said — that is, something not very strong – ” you maybe at one time have put the mouth somewhere, but you suddenly see through this graph that the mouth could” – could go from one point – “right across the face”. Fine, a huge mouth, you stretch out the feature; so there you state explicitly that it’s a diagrammatic feature. – “And in a way” – here’s what’s most important to me – “And in a way, you would love to be able in a portrait to make a Sahara of appearance.” – Act so that the painting becomes a Sahara. – “To make it so like, yet seeming to have the distances of the Sahara” [Interviews, p. 56]

That means, and I hold onto this: establishing in the painting a diagram from which the work will emerge: the diagram is precisely the equivalent of the grey point of… there, completely; and this diagram is exactly like a Sahara, a Sahara, from which the portrait will emerge, creating the portrait so faithfully although it seems to contain the distances of the Sahara.

What is this and why does this word “diagram” interest me? Because this is why I ask, is this random? I don’t know if it’s random, but I assume that Bacon as well, like so many painters, is well read. “Diagram” is a notion that has taken on great importance in contemporary English logic. Fine, that’s good for us, so… It’s even a way of seeing what the logicians, certain logicians, call “diagram.” Notably it’s a notion from which a great logician named [C.S.] Peirce created an extremely complex theory, the theory of diagrams, that has great importance today within logic.

Nor is this very far from a notion that I’m aware of, Wittgenstein rarely using the word “diagram”. But Wittgenstein, on the other hand, speaks frequently of factual possibilities. So I don’t even exclude the possibility that Bacon here is winking at people by whom he became aware of these conceptions, whose books he read, because the word “diagram” is strange. At the extreme, he might very well not have read these and takes the word “diagram” that, I believe, has a certain contemporary usage in English.

And what is he telling us here? What do I find of interest? You see, the diagram is this cleanup zone that, at the same time creates catastrophe on the painting, that is, erases all the previous clichés, even if these were virtual clichés. He sweeps everything into a catastrophe, and it’s from the diagram, that is, the initiation of this Sahara within the painting. It’s from the diagram that the Figure will emerge, what Bacon calls the Figure.

Fine, so I’d ask, if here, the word “diagram” can be useful for us? Yes, to some extent, because I’d say, following Bacon, let’s call “diagram” this dual notion, around which we’ve been circling from the start, [this dual notion] of germinal catastrophe or germinal chaos. The diagram would be the germinal chaos. This would be the germinal chaos since both for the cases of Cézanne and Klee, we saw [that] there is, in this very special instance the catastrophe in such a way that it’s catastrophic and, in some ways, is rhythm, color, whatever you’d like. And so, this unit (unité) for making palpable this germinal catastrophe, this germinal chaos, that’s what it is, that’s what it is, the diagram. Henceforth, the diagram would have all the preceding aspect, specifically, its tension toward the pre-pictorial condition. On the one hand, it would be at the heart of the act of painting, and on the other hand, from within it something must emerge.

If the diagram extends to the whole painting, overtakes it all, everything is ruined. If there is no diagram, if there’s no cleanup zone, if there isn’t this kind of crazy zone unleashed within the painting so that the dimensions and also colors emerge, if there isn’t this grey of the green-red kind, from which all the colors will arise, from which all colors will arise and create their ascending scales, there is nothing left.

Hence, everything that seemed complex to us – we’ve made a minuscule leap — everything that seemed complex to us in these dual ideas of “chaos, catastrophe, germ”, we can at least unify them within the proposition of a notion that would be properly pictorial, specifically, a diagram. At that point, what is a painter’s diagram? Fine, the notion has to become pictorial. That opens lots of new horizons for us, logical horizons, creating a logic of the diagram. Perhaps this would be the same thing as a logic of painting if it’s oriented in this direction. But on the other hand, would a painter have one or several diagrams? What would a painter’s diagram be? It’s not the same for all painters, otherwise it’s a notion that wouldn’t be painting. We’d ought to find each painter’s diagram. This might be interesting, and then perhaps they change diagrams. Perhaps there is… We might even be able perhaps to assign dates to diagrams. What would a diagram be that could be revealed in the painting, variable according to each painter, at the extreme even variable according to eras, that could be dated? I am saying a Turner 1830 diagram, what is it? Are these Platonist ideas? No, since they have dates, they have proper names, and that’s what is the deepest in painting. What is Turner’s diagram? Fine. I’m not going to summarize it in a painting.

A Van Gogh diagram. Here we’re comfortable because this is one of those painters whose diagrams can be seen best. That doesn’t mean he had a formula (recette). But in his work, everything occurs as if the relation with catastrophe was so greatly exacerbated that the diagram almost appears in a pure state. Everyone know what a Van Gogh diagram is: it’s this infinite world of tiny scratches, tiny commas, tiny threes that go, according to the paintings – and obviously, this isn’t a formula – that sometimes cause the sky to throb, sometimes cause the earth to rock, sometimes completely sweep away a tree. So you are also going to find – which has nothing to do with a general idea – but you are going to find this in a tree, in the sky, on the earth, and which will be Van Gogh’s treatment of color. And this diagram, I can date it. In what sense can I date it? Entirely like the completely different diagram that’s Turner’s. I can say, yes, this diagram of tiny commas, of tiny crosses, of tiny threes, etc., I can show how from the start, in a rather obtuse and stubborn way, Van Gogh deliberately is seeking that kind of thing.

But is it by chance, and for our own comfort as we come to an end, that Van Gogh discovers color quite late, that this genius devoted to color spends his whole life in what? In non-color, in black and white, as if color terrorized him and that he put off, that he always put off to the following year, the apprenticeship to color, and that he wallows in greyness (grisaille), but then really in the black-white grey, and he lives from that and sends his drawings to his brother. He constantly demands him to send mountain chalk. I don’t know what mountain chalk is, but it’s the best chalk. He says, mountain chalk, send me mountain chalk, I’m not finding any here. Fine, charcoal and mountain chalk and all that, that’s how he spends his time. And he flails about… It goes badly, very badly. How will he return to color? What will occur when he enters into color, and what entry will he make into color after having held himself back so much?

So, then, Klee’s story becomes vital, dramatic. The grey point jumps beyond him. The black and white grey point becomes the matrix of all colors. That becomes the green-red grey point or the grey point of complementary colors. He has jumped beyond himself. Van Gogh entered into color, and did so because he confronted his diagram. And what is his diagram? It’s the catastrophe, it’s the germinal catastrophe, specifically these kinds of tiny commas, tiny colored hooks with which he is going to undertake his entire apprenticeship and mastery of color.

And what’s going to occur? What experience will he have? And I can date it; in general, I can date it, yes generally. Just like for Turner’s diagram, one must say 1830 because that’s when Turner, however strong he may have been before his own diagram, directly confronts the diagram.

And [for] Van Gogh, [it’s] 1888. It’s at the start of 1888 that his diagram truly becomes something mastered, something… and at the same time, something fully varied since his little commas, you’ll notice in all Van Goghs, sometimes they’re straight, sometimes they’re curved, they never have the same curve, etc.

That’s what the variability of a diagram is. The diagram is, in fact, an opportunity for infinite paintings, an infinite opportunity for paintings. It’s not at all a general idea. It’s dated, it has a proper name, the diagram of one, then another, and in the end, that’s what creates a painter’s style. So there certainly is a Bacon diagram. When did he find his diagram? Fine, there are painters that change diagrams. Yes, there are some that don’t change; that doesn’t mean they repeat themselves, not at all. It’s means that they never finish… analyzing their diagram. Hence, we’ve reached this question, good. There we have perhaps an adequate notion of this history of the catastrophe and of the germ in the act of painting: this would precisely be this notion of the diagram.

Oh, la, la, one-twenty, my God… [Crowd noises are heard; end of the cassette] [2:32:12]

Notes

[1] The following footnote from Daniel W. Smith explains a terminological issue: “The French word trait, like its English equivalent, is derived from the Latin tractus, the past participle of trahere, to draw. The term has two primary senses: etymologically, it refers to a graphic line, or, more specifically, to the action of drawing a line or set of lines (a stroke, a draft, a ‘touch’ in a picture); by extension, it is also used to designate a distinguishing quality or characteristic mark, a feature that allows one to identify or recognize a thing. Deleuze often refers to both meanings: it is the marks or strokes on the canvas that introduce traits of animality into the human figure, thereby constituting a ‘zone of indiscernibility’ between the human and the animal. Since the English term is most commonly used in the latter sense, however, I have occasionally translated trait as ‘stroke’ in those contexts where the literal meaning is predominant, that is, when Deleuze is referring to the activity of the artist’s hand on the painting (as when one speaks of “a stroke of the pencil” or “brush stroke”)” (Francis Bacon. The Logic of Sensation, trans. Daniel W. Smith [Minneapolis: University of Minnesota Press, 2003] p. 154, note 6; [London: Continuum, 2003] pp. 173-174, note 6).

[2] Conversations with Cézanne, ed. Michael Doran, trans. Julie Lawrence Cochran (Berkley: University of California Press, 2001), p. 114 (hereafter cited in the text Conversations). [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[3] The Cochran translation reads “to discover the geographic strata” rather than “geological”, which corresponds to Deleuze’ citation, retained here in the text. The use of “geographic” is repeated further on.

[4] Conversations with Cézanne, p. 125: “And my eyes, you know, my wife tells me that they jump out of my head, they get all bloodshot…” [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[5] This allusion is to the exhibit organized at the Pompidou Center, 17 December 1980-20 April 1981, with the title: Les Réalismes: entre révolution et réaction, 1919-1939 [Realisms, between revolution and reaction, 1919-1939]. [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[6] Comments by Joris-Karl Huysmans, L’Art moderne (1883). [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[7] Eugène Delacroix, Journal (1822-1853) (Paris : Plon, coll. “Les Mémorables”, 1981), note from 15 September 1852, repeated on 13 January 1857: “The enemy of all painting is gray. The paint will almost always appear grayer than it is by its oblique position under the light. Banish all earthy colors.” [Reference furnished with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

[8] Théorie de l’art moderne (Paris: Folio, coll. Essais, 1998), p. 56 ; On Modern Art (New York : Faber and Faber, 1966) (unfortunately, this edition does not contain the “Note” in question.)

[9] Francis Bacon, L’Art de l’impossible. Entretiens avec David Sylvester, p. 115; David Sylvester, The Brutality of Fact: Interviews with Francis Bacon 1962-1978. 3d ed. (New York: Thames and Hudson, 1987), p. 56. Henceforth abbreviated Interviews. In the English edition, the term used is “graph”, not “diagram” which Deleuze would prefer; I have substituted the word “diagram” in brackets where “graph” appears in the interview.

[10] The complete quote cut off by the cassette change is furnished here. [Complete reference noted with our gratitude by David Lapoujade, Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023)]

French Transcript

Edited

Cette partie de la conférence du 31 mars 1981 marque la fin du séminaire de Spinoza et le début du séminaire sur «La peinture et la question des concepts». Au cours de la première partie de la conférence, Deleuze propose un résumé du séminaire Spinoza, en répondant aux questions des étudiants. Les autres sujets de discussion comprennent: les états de certitude et le troisième genre de connaissance; puissance et conscience; le pré-pictural; catastrophe dans la peinture affectant l’acte de peindre en lui-même; catastrophe et naissance de la couleur; lÉthique, Livre V, et Béatitude; la joie et la tristesse; les rencontres des corps; idées géométriques et notions communes; le moment opportun; les notions communes des corps; et le jeu. Les auteurs considérés comprennent: la peintre de paysage romantique anglais J.M.W. Turner et sa Lumière et couleur; l’artiste français Paul Cézanne et ses textes; la synthèse picturale du temps; la peintre néerlandais Vincent Van Gogh; l’artiste suisse-allemand Paul Klee et le point gris; la peintre irlandais-britannique Francis Bacon et cliché; le poète et dramaturge français Paul Claudel et sa collection d’essais, L’œil écoute; auteur, poète et critique d’art français Joachim Gasquet; l’espace et le temps dans la peinture; Lucrèce; et l’esthétique du philosophe allemand Immanuel Kant et sa Critique du Jugement.

Gilles Deleuze

La Peinture et la Question des Concepts / Spinoza, Les Vitesses de la Pensée

Séance 1, 31 March 1981 / Séance 15 (Spinoza)

Transcriptions: Partie 1, Cécile Lathuillère (durée 46 :52); Partie 2, Eva Szarzynski (durée 46:47); Parties 3 & 4, Lucie Marchadié (durée 46 :55 + 11 :36 ) ; transcription augmentée, Charles J. Stivale

 

Partie 1

Deleuze : Alors quelle question ? [Pause] Tu n’as plus de piles ? Mais on va t’en prêter. Là, prends-en de là. [Pause] Et alors pas de questions sur Spinoza ?

Claire Parnet : Non

Deleuze : Je voudrais beaucoup que vous n’abandonniez pas votre lecture.

Claire Parnet : Non, on le commence.

Deleuze : Ouais ; bon.

Un étudiant : Dernièrement, j’ai feuilleté le livre d’Hölderlin, et dans la lettre du livre d’Hölderlin, il y a une phrase sur Spinoza. Je ne sais pas si Spinoza l’a lu ou pas lu. Mais il y a un texte soulignant un rapprochement [1 :00] entre Leibniz et Spinoza. On a vu Spinoza et Descartes, Spinoza et Freud, Spinoza et Hegel. On a vu Leibniz l’année dernière. Ils sont un peu contemporains, non ?

Deleuze : Il y a un livre qui s’appelle Leibniz et Spinoza. Ils sont contemporains, ils se connaissent.

L’étudiant : Ils se connaissent. Sans doute, ils devraient avoir eu des rapports.

Deleuze : Leibniz a fait une visite à Spinoza. Oui, ils se sont rencontrés.

L’étudiant : Ah, ils se sont rencontrés.

Deleuze : On ne sait pas bien ce qu’ils se sont dit. Mais… Oh, oui. Il y a des ressemblances, d’ailleurs.

L’étudiant : Oh, oui. Moi, je trouve.

Deleuze : Eh, bien, après cette question…

Richard Pinhas : Il y a la mienne. [2 :00]

Deleuze : Oui, il y a encore une question ?

Pinhas : C’est très démocratique, on était une trentaine à se la poser je suis le porte-parole…

Deleuze : Vous étiez trente à vous la poser ? toi, toi et toi

Pinhas : Si ça ne te dérange pas ?

Deleuze : Si.

Pinhas : C’est vrai ?

Deleuze : Non, non.

Pinhas : [On veut] développer un petit peu ce point. Dans mon cas personnel, j’aimerais savoir si, quand un compositeur — ou quand un peintre, la question est la même, ou un philosophe, c’est d’ailleurs pour cela que je la pose, ou un écrivain — crée quelque chose, alors toujours des guillemets, “perçoit” quelque chose qui n’appartient pas à priori comme ça au monde extérieur, bien que ce soit en relation immédiate avec le monde extérieur, donc avec le monde des rapports ; [3 :00] ou à partir du moment où Mozart a la perception d’un instant comme ça qu’il va développer toute une musique ; qu’un écrivain a la perception de quelque chose qui se passe dans son corps ou dans son “âme”, entre guillemets, il va développer un texte à partir de ça ; ou qu’un philosophe comme Bergson va trouver ce qu’il appelle l’intuition ; quand un musicien dit “voilà, moi ce que je fais” — il ne le dit pas comme ça, c’est du cosmos — mais je le sens en moi et donc ce qui ressort c’est en moi, point, est-ce que ça pourrait, dans l’analyse que tu as faite des auto-affections chez Spinoza, appartenir au troisième genre de connaissance ou être un pas vers le troisième genre de connaissance ? Dans ce cas-là, quelle serait la relation directe entre cette perception, [est-ce qu’] il y a quelque chose qui se passe à l’intérieur et qui est déjà d’ordre assez élevé, au niveau créatif, aussi bien chez le peintre, chez le musicien, chez le philosophe, ou chez l’écrivain, voire chez d’autres personnes, le rapport entre [4 :00] cette perception-là, cette perception interne et l’autre perception, même si le terme de perception n’est pas bon ? Ce n’est pas forcément de la perception. Voilà.

Deleuze : Ouais… Ça fait deux questions, hein ?

Pinhas : Oui. Mais en même temps ça me permet d’arriver à la même chose. [Pause]

Deleuze : Je commence rapidement par la seconde parce que c’est évidemment la plus intéressante. Et la plus… enfin, la plus difficile, mais à laquelle on ne peut répondre que vaguement. Donc, tu demandes à la fois en quoi consistent certains états, des états dont les exemples les plus frappants appartiennent sans doute, en effet, à l’art. Qu’est-ce que ça veut dire quand un [5 :00] artiste – mais ça doit valoir aussi pour bien autre chose que l’art – quand un artiste commence à posséder une espèce de certitude ? Une espèce de certitude de quoi ? Alors déjà définir cette espèce de certitude… À un moment… à un moment assez datable, c’est peut-être le moment aussi où il est le plus, ça devient difficile, il est le plus fragile avec cette certitude, et il est le plus invulnérable. Il arrive à une espèce de certitude concernant quoi ? Concernant ce qu’il veut faire, concernant ce qu’il peut faire, tout ça… Alors, la question de Richard c’est si vous voyez ces états, en effet, que… qui ne sont pas du tout donnés, même chez des artistes. Ce n’est pas donné ces choses-là. On peut presque assigner une date [6 :00] où quelqu’un commence à avoir une …. ouais… Je n’arrive pas à trouver d’autre terme que cette espèce de “certitude”.

Oh, oui, pourtant, il ne pourrait pas dire… il ne pourrait pas dire encore, et il n’y a pas lieu de dire ce qu’il veut faire, même si c’est un écrivain, même si c’est un philosophe. Mais il y a cette “certitude”. Et cette certitude ce n’est pas du tout une vanité parce que c’est au contraire une espèce de modestie immense. Alors, si vous voyez un petit peu ces états – justement on va en parler à propos de la peinture parce que ça me paraît frappant que dans le cas de grands peintres, on peut presque assigner des dates où ils entrent dans cet élément de la certitude. La question de Richard c’est : est-ce que l’on pourrait dire [7 :00] — bien entendu, il sait et il est le premier à savoir que sa question est un peu forcée, Spinoza n’en parle pas en toutes lettres — mais est ce que l’on peut assimiler cela à quelque chose comme le troisième genre de connaissance, ces états de “certitude” ?

À première vue je dirais : oui. Parce que si j’essaie de définir les états du troisième genre, ben, c’est quoi ? Il y a une certitude. C’est un mode de certitude très particulier que Spinoza exprime d’ailleurs sous le terme un peu insolite de “conscius”. Conscience, c’est une conscience. C’est une espèce de conscience, mais qui s’est élevée à une puissance. Je dirais presque c’est [8 :00] la dernière puissance de la conscience. Et qu’est-ce que c’est ? Comment définir cette conscience ? C’est… je dirais c’est la conscience interne d’autre chose. À savoir c’est une “conscience de soi”, mais cette conscience de soi en tant que telle, appréhende une puissance. Alors, cette conscience de soi qui s’est élevée, qui est devenue conscience de puissance, cela fait que ce que cette conscience saisit, elle le saisit à l’intérieur de soi. Et pourtant ce qu’elle saisit ainsi à l’intérieur de soi, c’est une puissance extérieure. Or c’est bien comme ça que Spinoza essaie de définir le troisième genre. Finalement, [9 :00] vous atteignez au troisième genre, ce genre presque mystique, cette intuition du troisième genre, pratiquement on pourrait dire à quoi la reconnaître. C’est vraiment lorsque vous affrontez une puissance extérieure – il faut maintenir les deux – et que cette puissance extérieure c’est en vous que vous l’affrontez. Vous la saisissez en vous.

C’est pour ça que Spinoza dit, finalement, le troisième genre c’est lorsque : “être conscient de soi-même, être conscient de Dieu, et être conscient du monde, ne font plus qu’un”. Je crois que c’est important, là, il faut le prendre à la lettre, les formules de Spinoza. Dans le troisième genre de connaissance, “je suis indissolublement conscient de moi-même, des autres ou du monde, et de Dieu”. Alors, ça veut bien dire, si vous voulez, c’est cette espèce de conscience de soi [10 :00] qui est en même temps conscience de la puissance ; conscience de la puissance qui est en même temps conscience de soi.

Alors enfin, je dirais oui… pourquoi est-ce que l’on y est à la fois sûr et pourtant très vulnérable ? Bien, on est très vulnérable parce qu’il s’en faut toujours d’un point minuscule que cette puissance ne nous emporte. Elle nous déborde tellement que, à ce moment-là, tout se passe comme si on était abattu par l’énormité de cette puissance. Et en même temps, on est sûr. On est sûr parce que précisément l’objet de cette conscience si extérieur qu’il soit en tant que puissance, c’est en moi que je le saisis. Si bien que, Spinoza insiste énormément sur le point suivant, le bonheur du troisième genre auquel il réserve le nom de béatitude, cette béatitude, ben… [11 :00] c’est finalement un étrange bonheur. C’est-à-dire que c’est un bonheur qui ne dépend que de moi. Est-ce qu’il y a des bonheurs qui ne dépendent que de moi ? Spinoza dirait : c’est une fausse question de se demander est-ce qu’il y en a. Puisque c’est vraiment le produit d’une conquête. La conquête du troisième genre, c’est très précisément d’arriver à des états de bonheur où en même temps il y ait certitude que ça, quoi qu’il arrive, personne, d’une certaine manière, ne peut me les ôter. Tout peut arriver. L’idée… Vous savez, on passe parfois par des états comme ça, hélas, non durables. Quoi qu’il arrive, ah ben oui… peut-être que je pourrais mourir, oui, d’accord. Mais ça, il y a quelque chose qu’on ne peut pas me retirer c’est, à la lettre, cet étrange bonheur. Alors ça, Spinoza dans le Livre V, je crois, le décrit très, [12 :00] très admirablement.

D’où je reviens plus à la première question qui elle est plus…Oui, je ne sais pas si j’ai répondu, mais donc je dirai, oui, c’est… ce qu’on appelait la dernière fois, ce que j’appelais l’auto-affection, c’est précisément cette conscience de la puissance qui est devenue conscience de soi. Alors, peut-être que l’art, l’art présente ces formes de conscience, particulièrement… sous une forme particulièrement aigüe. L’impression de devenir invulnérable…ah, ben ça, je n’arrive pas à dire l’extraordinaire modestie qui accompagne cette certitude. C’est une espèce de certitude de soi qui baigne dans une modestie, c’est-à-dire, c’est comme le rapport avec une puissance. Bon.

Mais alors, pour en revenir à la question plus simple [13 :00] de Richard, donc ces auto-affections qui vont définir le troisième genre et qui définissent déjà le second genre, je tiens juste à faire la récapitulation pour que… Je crois que c’est très important pour le cheminement de l’Ethique. Vous voyez, moi je crois vraiment que [Spinoza] part d’un plan, un plan d’existence où il nous a montré, pour toutes les raisons du monde, comment et pourquoi nous étions condamnés aux idées inadéquates et aux passions. Et encore une fois, le problème de l’Ethique c’est bien : mais comment est-ce qu’on pourrait sortir des idées inadéquates et des passions ? Or il a accumulé tous les arguments pour nous montrer que, à la limite, à première vue, on ne peut pas en sortir. C’est-à-dire, il a accumulé tous les arguments, Spinoza, pour nous montrer que, [14 :00] en apparence, nous étions condamnés au premier genre de connaissance.

Je prends un seul exemple : nous ne sommes pas libres. Bon… nous ne sommes pas libres — la haine que Spinoza a contre ce concept qui lui parait un très mauvais concept de liberté — nous ne sommes pas libres parce que nous subissons toujours des actions — c’est très simple son idée — ben oui, on subit toujours les effets des corps extérieurs. La liberté qu’est-ce que ça veut dire ? Même une idée vraie, on ne voit même pas. Si on prend au sérieux la description du premier genre de connaissance, chez Spinoza, on ne voit même pas comment il peut être question d’en sortir. On subit les effets des autres corps ; il n’y a pas d’idée claire et distincte ; il n’y a pas d’idée vraie. On est condamné aux idées inadéquates ; on est condamné aux passions. Et pourtant, toute l’Ethique va être le tracé du chemin. Et c’est là-dessus que j’insiste, c’est un chemin [15 :00] qui ne préexiste pas. C’est vraiment l’Ethique qui, dans le monde le plus fermé du premier genre de connaissance, va tracer le chemin qui rend possible une sortie du premier genre.

Or si j’essaie de résumer cette démarche, parce que ça me parait vraiment la démarche de l’Ethique : comment sortir de ce monde encore une fois de l’inadéquat et de la passion ? Ben, ce qui est fondamental, c’est les étapes de cette sortie. Si je résume tout, je dirais, la première étape est celle-ci : on s’aperçoit qu’il y a deux sortes de passions. On reste dans la passion, on reste dans le premier genre. Mais voilà, et c’est ça qui va être décisif, c’est une distinction entre deux sortes de passions. Il y a des passions qui augmentent ma puissance d’agir. Ce sont les passions de joie. Il y a des passions qui diminuent ma puissance d’agir. Ce sont les passions de tristesse. Les unes comme les autres sont des passions. Pourquoi ? Les unes comme les autres sont des passions puisque je ne possède pas ma puissance d’agir. Même quand elle augmente, je ne la possède pas. Bon.

Donc, je suis pleinement encore dans le premier genre de connaissance. Ça, c’est la première étape, vous voyez. Distinction des passions joyeuses et des passions tristes. J’ai les deux, pourquoi ? Parce que les passions tristes, c’est l’effet sur moi de la rencontre avec des corps qui ne me conviennent pas, c’est-à-dire qui ne se composent pas directement avec mon rapport. Et les passions joyeuses c’est l’effet sur moi [17 :00] de ma rencontre avec des corps qui me conviennent, c’est-à-dire ceux qui composent leur rapport avec mon rapport. Bien. [Pause]

Deuxième étape : lorsque j’éprouve des passions joyeuses — vous voyez, les passions joyeuses, elles sont toujours dans le “premier genre” de connaissance — mais lorsque j’éprouve des passions joyeuses, effet de rencontre avec des corps qui conviennent avec le mien, lorsque j’éprouve des passions joyeuses, ces passions joyeuses augmentent ma puissance d’agir. Ça veut dire quoi ? Ça veut dire [18 :00] qu’elles m’induisent, elles ne me déterminent pas, elles m’induisent, elles me donnent l’occasion. Elles me donnent l’occasion, elles m’induisent à former la notion commune. Notion commune à quoi ? Notion commune aux deux corps : le corps qui m’affecte et mon corps. Vous voyez, ça c’est une deuxième étape.

Première étape : les passions joyeuses se distinguent des passions tristes parce que les passions joyeuses augmentent ma puissance d’agir, tandis que les passions tristes la diminuent.

Deuxième étape : ces mêmes passions joyeuses m’induisent à former une notion commune, commune au corps qui m’affecte et à mon propre corps.

Question subordonnée à cette deuxième étape : et pourquoi est-ce que les passions tristes [19 :00] ne m’induisent pas à former des notions communes ? Spinoza est très fort, il peut le démontrer mathématiquement : parce que, lorsque deux corps disconviennent, lorsque des corps ne conviennent pas, s’ils ne conviennent pas ce n’est jamais par quelque chose qui leur est commun. Si deux corps disconviennent c’est par leurs différences, ou leurs oppositions, et non pas par un quelque chose qui leur serait commun. En d’autres termes, les passions tristes — réfléchissez bien parce que c’est très… là, il y a un passage théorique à comprendre, mais c’est très pratique en fait — les passions tristes, c’est l’effet sur mon corps d’un corps qui ne convient pas avec le mien, c’est-à-dire qui ne compose pas son rapport avec mon propre rapport. [20 :00]

Dès lors, la passion triste, elle est l’effet sur mon corps d’un corps qui est saisi sous l’aspect où il n’a rien de commun avec le mien. Ce même corps, si vous arrivez à le saisir sous l’aspect où il a quelque chose de commun avec le vôtre, à ce moment-là, il ne nous affecte plus d’une passion triste. Tant qu’il vous affecte d’une passion triste, c’est parce que vous saisissez cet autre corps comme incompatible avec le vôtre. [Pause] Donc, Spinoza peut très bien dire : seules les passions joyeuses, et non les passions tristes, m’induisent à former une notion commune. Vous vous rappelez que les notions communes, ce n’est pas du tout des choses théoriques. C’est des notions extrêmement pratiques. [21 :00] C’est des notions pratico – éthiques. [Il ne] faut pas du tout en faire… ça on ne comprend rien si on en fait des idées mathématiques. Donc, voilà que la passion joyeuse qui est l’effet sur moi d’un corps qui convient avec le mien, m’induit à former la notion commune aux deux corps. [Pause] Je dirais, à la lettre, pour rendre compte de cette deuxième étape : les passions joyeuses se doublent de notions communes. [Pause] Or, les notions communes, elles sont nécessairement adéquates. On l’a vu, je ne reviens pas là-dessus.

Donc, vous voyez par quel cheminement, alors qu’on avait tendance à se dire [22 :00] : mais jamais on ne pourra sortir du premier genre de connaissance. Il y a un cheminement, mais c’est une ligne très brisée. Si j’ai pris conscience de la différence de nature entre les passions joyeuses et les passions tristes, je m’aperçois que les passions joyeuses me donnent le moyen de dépasser le domaine des passions. Ce n’est pas que les passions sont supprimées. Elles sont là, elles resteront. Le problème de Spinoza ce n’est pas de faire disparaître les passions, c’est, comme il le dit lui-même, qu’elles n’occupent finalement que la plus petite partie relative de moi-même. Bon, ben, ça veut dire quoi qu’elles n’occupent que la plus petite partie relative de moi-même ? Ce n’est pas tout fait là aussi ! C’est à moi de fabriquer des parties de moi-même qui ne sont plus soumises aux passions. Rien n’est donné ! Rien n’est donné d’avance. [23 :00]

Alors comment fabriquer des parties de moi-même qui ne seraient plus soumises aux passions ? Voyez la réponse de Spinoza : je fais la différence entre passions tristes, passions joyeuses. J’ai des passions tristes, d’accord. Je m’efforce “autant qu’il est en moi”, comme il dit suivant sa formule, d’éprouver le plus de passions joyeuses possibles et le moins de passions tristes possibles. Bon. Je fais ce que je peux. Tout ça c’est très pratique. Je fais ce que je peux. Vous me direz [que] ça va de soi, ça se fait tout seul. Non. Parce que, comme le signale très bien Spinoza, on ne cesse pas…. les gens, ils ne cessent pas de s’empoisonner la vie. Ils ne cessent pas de se vautrer dans la tristesse. Ils ne cessent pas, ils ne cessent pas… bon… Tout l’art des situations impossibles dont on a parlé. [24 :00] Ils se mettent dans des situations impossibles ! Tout ça, bon…Faut déjà une sagesse pour sélectionner les passions de joie, essayer d’en avoir le plus possible… Bien. Et là-dessus, ces passions de joie, elles restent, elles subsistent comme passions. Mais elles m’induisent à former des notions communes, c’est-à-dire : les idées pratiques de ce qu’il y a de commun entre le corps qui m’affecte de joie et mon corps.

Ces notions communes sont des idées adéquates, et elles seules. Entre un corps qui ne me convient pas, entre un corps qui me détruit et mon corps, il n’y a pas de notions communes. Car l’aspect sous lequel un corps ne me convient pas, est incompatible avec la notion commune. En effet si un corps ne me convient pas, c’est sous l’aspect [25 :00] où il n’a rien de commun avec moi. Sous l’aspect sous lequel il a quelque chose de commun avec moi, il me convient. Ça c’est évident, c’est du sûr.

Donc, vous voyez, au point où j’en suis, seconde étape, j’ai formé des notions communes. Mais ces notions communes si vous les prenez pratiquement, si vous n’en faites pas des idées abstraites…l’idée du rapport commun, c’est-à-dire… et en même temps, je le construis. Un rapport commun entre le corps qui me convient et mon corps, ça revient à dire quoi ? Ça revient à dire : la formation d’un troisième corps dont nous sommes, l’autre corps et moi, les parties. Ça ne préexiste pas ça non plus. Ce troisième corps aura un rapport composé qui se trouvera et dans le corps extérieur et dans mon corps. C’est ça être l’objet d’une notion commune. [26 :00]

Donc, des notions communes découleront… des notions communes qui sont des idées adéquates, découleront des affects, des sentiments. Surtout, ne confondez pas — voilà ce que je voulais dire — surtout ne confondez pas les affects qui sont à l’origine des notions communes, et les affects qui découlent des notions communes. Cette confusion ce serait un très grave contresens, c’est-à-dire à ce moment-là, l’Ethique, elle ne pourrait plus fonctionner. C’est vous dire, c’est grave.

Quelles différences y a-t-il entre les deux sortes d’affects ? Les affects qui sont à l’origine des notions communes – je viens d’essayer de dire ce que c’était – ce sont les passions joyeuses. [27 :00] Les passions joyeuses — encore une fois je me répète pour que ce soit très clair, j’espère — les passions joyeuses étant l’effet sur moi d’un corps qui convient avec mon corps, m’induisent à former la notion commune, c’est-à-dire une idée de ce qu’il y a de commun entre les deux corps. Et l’idée de ce qu’il y a de commun entre les deux corps c’est l’idée d’un troisième corps dont le corps extérieur et le mien sont les parties. Donc, vous voyez que les sentiments qui induisent, qui m’induisent à former une notion commune, ce sont des passions de joie. Ce sont les passions de joie. On a vu que les passions de tristesse [28 :00] ne nous induisaient pas à former des notions communes, tandis que les sentiments qui découlent des notions communes, ça n’est plus des passions de joie. [Pause] Ce sont des affects actifs.

Puisque les notions communes sont des idées adéquates, il en découle des affects qui ne se contentent pas d’augmenter ma puissance d’agir, comme les passions joyeuses. Il en découle des affects qui, au contraire, dépendent de ma puissance d’agir. Faites très attention à la terminologie de Spinoza, et ne confondez pas car lui ne le confond jamais, les deux expressions : ce qui augmente ma puissance d’agir et ce qui découle de ma puissance d’agir. [29 :00]

Ce qui augmente ma puissance d’agir c’est forcément une passion puisque : pour que ma puissance d’agir augmente, il faut bien supposer que je n’en ai pas encore la possession. Ma puissance d’agir augmente au point que je tends vers la possession de cette puissance, mais je ne l’ai pas. Ça c’est l’effet des passions joyeuses. Là-dessus, je forme, sous l’action des passions joyeuses, je forme une notion commune. A ce moment-là, je possède ma puissance d’agir parce que la notion commune, elle s’explique par ma puissance, elle s’explique par ma puissance. A ce moment-là, donc, j’entre en possession de ma puissance. En possession formelle, je possède formellement ma puissance. De cette possession formelle de ma puissance d’agir par la notion commune, découle des affects [30 :00] actifs.

Si bien que, si j’essaie de résumer tous ces moments, je dirais : les affects actifs qui découlent eux-mêmes des notions communes, c’est la troisième étape. Je dirais, voilà les trois étapes :  première étape : vous sélectionnez autant que vous pouvez les passions joyeuses. Deuxième étape : vous formez des notions communes — Ça c’est des recettes, hein ! — Vous formez des notions communes qui viennent doubler les passions joyeuses. Elles ne les suppriment pas, elles viennent doubler les passions joyeuses. Troisième étape : de ces notions communes qui doublent les passions joyeuses, découlent des affects actifs qui redoublent les passions joyeuses. [31 :00]

À la limite, les passions et les idées inadéquates n’occupent plus… n’occupent plus — mais je ne pouvais pas le dire avant, il fallait le faire — n’occupent plus que la plus petite partie proportionnelle de vous-même. Et la plus grande partie de vous-même est occupée par des idées adéquates et des affects actifs.

Dernière étape, en effet, les notions communes et les affects actifs qui découlent des notions communes, vont elles-mêmes être doublées par de nouvelles idées et de nouveaux états, ou de nouveaux affects, les idées et les affects du troisième genre, c’est-à-dire, ces auto-affections, là, qui nous restent un peu mystérieuses, [Pause] et qui définiront [32 :00] le troisième genre alors que les notions communes définissaient seulement le deuxième genre. Voyez ?

Alors moi, il y a une chose qui me fascine, pour en finir avec tout ça, la chose qui me fascine c’est ceci, c’est que : pourquoi est-ce que Spinoza ne le dit pas ? Évidemment, la réponse, elle doit être complexe. En fait, s’il ne le disait pas c’est que tout ça se serait faux ce que je dis. Il faut bien qu’il le dise. Et, il le dit. Bon, alors, ma question se transforme : s’il le dit, pourquoi [est-ce qu’] il le ne dit pas très clair ? Hé, ben… là, je crois c’est simple… Il ne pouvait pas faire autrement. Il le dit où ça ? Il le dit et il a cet ordre très curieux : [33 :00] idées inadéquates et passions joyeuses, sélection des passions joyeuses ; deuxième étape : formation des notions communes et affects actifs qui découlent des notions communes ; troisième étape, troisième genre de connaissance : idées des essences, non plus notions communes mais idées des essences singulières, et affects actifs qui en découlent.

Ces trois étapes c’est… Il les présente comme trois étapes successives, mais dans le cinquième Livre. Et le cinquième Livre ce n’est pas un livre facile, on a vu pourquoi, puisque ça c’est un livre de toute vitesse. Et encore une fois pas parce qu’il est mal fait ou vite fait. Parce que, au troisième genre de connaissance, on atteint une espèce de vitesse de la pensée, que Spinoza suit et qui fait de l’Ethique… et qui donne à l’Ethique cette terminaison admirable, [34 :00] comme une espèce de terminaison à toute allure, une espèce de terminaison éclair. Bon.

Il le dit donc dans le cinquième livre, il me semble. Notamment, j’attire votre attention sur un théorème, sur une proposition. Au début du cinquième Livre où Spinoza dit : “tant que nous ne sommes pas tourmentés par… tant que nous ne sommes pas tourmentés par des sentiments contraires à notre nature, nous pouvons”. Pour moi, c’est le texte, c’est un texte fondamental puisque on ne peut pas dire plus clairement : Qu’est-ce que c’est que des sentiments contraires à notre nature ? Vous regarderez le contexte. C’est l’ensemble des passions de tristesse. En quoi les passions de tristesse ou les sentiments de tristesse sont-ils contraires à notre nature ? À la lettre, en vertu [35 :00] de leur définition même, à savoir : ce sont les effets de la rencontre de mon corps avec des corps qui ne conviennent pas avec ma nature. Donc, c’est à la lettre des sentiments contraires à ma nature.

Eh bien, « tant que nous ne sommes pas tourmentés par des sentiments », c’est-à-dire “en tant” que nous sommes tourmentés par de tels sentiments, en tant que nous avons une tristesse, que nous éprouvons une tristesse, pas question de former une notion commune relative à cette tristesse. Je ne peux former une notion commune qu’à l’occasion de joies. C’est ça. De joies passives. Seulement lorsque j’ai formé une notion commune à l’occasion d’une joie passion, à ce moment-là, ma joie passion se trouve doublée d’idées adéquates, notions communes du second genre et idées des essences du troisième genre, [36 :00] et redoublée par des affects actifs, affects actifs du deuxième genre et affects actifs du troisième genre. [Pause]

Alors, qu’est ce qui se passe ? Mais en même temps, il n’y a pas tellement de nécessité. Là, j’insiste pour en terminer. Mais, ce qui me trouble c’est que, évidemment, les passions joyeuses m’induisent à former. Ça, c’est comme un bon usage de la joie. Mais, on conçoit, à la limite, quelqu’un qui éprouverait des passions joyeuses par… le hasard serait bon, le sort le favoriserait, il aurait beaucoup de joie. Et, il n’y aurait pas… il ne formerait pas de notion commune. Il resterait tout à fait dans le premier genre de connaissance. Là, c’est évident que [37 :00] ce n’est pas une nécessité. Les passions joyeuses ne me contraignent pas à former la notion commune. Elles me donnent l’occasion. C’est là où entre le premier et le second genre de connaissance, il y a comme une espèce de fossé. Alors, je le franchis ou je ne le franchis pas ?

Si la liberté se décide à un moment donné, chez Spinoza, c’est là. Il me semble que c’est là. Je pourrais, en effet rester, même éprouvant des passions joyeuses, je pourrais rester éternellement dans le premier genre de connaissance. A ce moment-là, je ferais un très mauvais usage de la joie. Si fort que je sois induit à former des notions communes, je ne suis pas, à proprement parlé, déterminé à le faire. [Pause] Voilà. [38 :00] En tout cas, il me semble que c’est une espèce de succession très ferme, à la fois logique et chronologique, dans cette histoire des modes d’existence ou des trois genres de connaissance.

J’insiste sur cette idée de doublure ou de doublage. Au début, je suis rempli d’idées inadéquates et d’affects passifs. Et petit à petit j’arrive à produire des choses qui vont doubler mes idées inadéquates et mes affects passifs, à les doubler par des idées qui sont, elles, adéquates et par des affects qui, eux, sont actifs. Si bien que, à la limite, si je réussis… si je réussis, j’aurai toujours des idées inadéquates et des affects passifs, car ils sont liés à ma condition tant que j’existe ; [39 :00] mais ces idées inadéquates et ces affects passifs n’occuperont, relativement, que la plus petite partie de moi-même. J’aurai creusé en moi… à la lettre c’est ça… j’aurai creusé en moi des parties qui sont occupées par idées adéquates et affects actifs ou auto-affections. Voilà… Oui ?

Un étudiant : [Question inaudible]

Deleuze : Je réfléchis… hein… je réfléchis. [Pause] [40 :00] Les deux ne s’opposent pas forcément.

Anne Querrien : [Propos inaudibles, une brève réponse à la question précédente]

Deleuze : D’accord. [Pause] Ça ne s’oppose pas forcément. Je répondrais en tout cas, il ne s’agit pas de… parce que… très souvent, on a tendance à interpréter Spinoza comme ça, et ça le rend vraiment ordinaire. Je crois. Il ne s’agit pas d’une science. Encore une fois, c’est pour ça que j’insiste, les notions communes, bien sûr, elles ont un aspect… Si vous voulez, moi, je crois… je dirais plutôt, par exemple, les idées géométriques… faire de la géométrie, c’est très important pour Spinoza, pour la vie même, quoi, dans la vie. Mais les idées géométriques, ce ne sont pas elles qui définissent les notions communes ; les idées géométriques, c’est simplement une certaine manière, une certaine possibilité de traiter les notions communes. Les idées géométriques, [41 :00] on pourrait dire, la géométrie, c’est la science des notions communes. Et les notions communes, elles ne sont pas en elles-mêmes une science, elles sont un certain savoir. Mais c’est presque un savoir-faire.

Alors, quant à votre question précise, je dirais : Anne [Querrien] l’a très bien dit, il y a trois choses en fait dans vos termes. Je dirais : les notions communes, elles ne s’opposent pas du tout à l’idée d’un jeu. Il y a un véritable jeu, au sens très large, des notions communes puisque c’est un jeu de composition. Il y a notion commune dès qu’il y a composition de rapports. Alors, je peux toujours essayer de composer. Ça s’oppose sûrement à l’improvisation puisque ça implique et ça suppose, d’abord, la longue démarche sélective où j’ai séparé mes joies de mes tristesses.

Anne Querrien : [Propos inaudibles ; il s’agit d’une question sur quelques aspects de l’improvisation] [42 :00]

Deleuze : Si tu penses à l’improvisation, en effet, définie comme le sentiment… alors une espèce de sentiment vécu de la composition des rapports, par exemple, en effet, dans l’exemple du jazz, on peut tout prendre, mais… heu… Eh bien, dans l’exemple du jazz, par exemple, la trompette entre à tel moment. C’est exactement, je crois, ce que le mot anglais timing dit, le timing, c’est-à-dire le timing… Il y a des mots… Là, le français n’a pas ces mots. Les Grecs avaient un mot très intéressant qui correspond exactement au timing américain. C’était le « kaïros ». Le kaïros, c’est une notion tout à fait… les Grecs s’en servent énormément. Le kaïros c’est : exactement le bon moment, [43 :00] ne pas rater le bon moment. C’est… aussi bien, on traduit… mais le français n’a pas un mot aussi fort… Il y avait un Dieu, il y avait une espèce de puissance divine du kaïros chez les Grecs. L’occasion favorable, l’opportunité, le truc : alors, ha, ben oui, c’est le moment où la trompette peut prendre les choses, là.

Anne Querrien : [Propos inaudibles ; il s’agit de rapprocher le concept de l’improvisation à celui d’agencement collectif] [44 :00]

Claire Parnet : L’agencement collectif, en fait, il se construit dès que chacun comprend quels sont les rapports qui le constituent. Enfin, il n’y a rien d’autre qui puisse lui permettre, en plus…

Anne Querrien : [Réponse inaudible]

Claire Parnet : Ben, bien sûr.

Anne Querrien : [La réponse inaudible continue]

Claire Parnet : Mais, ce n’est pas une improvisation, c’est une connaissance des rapports qui te constituent.

Anne Querrien : [Réponse inaudible ; elle évoque l’expérience de ses copains musiciens de jazz et comment leur jeu entre eux correspondrait à un agencement collectif]

Deleuze: La notion d’agencement collectif est difficile parce qu’elle ne peut pas beaucoup nous apporter des lumières quant à Spinoza, surtout que Spinoza, lui, il emploie son mot qui vaut largement celui-là. Quand il dit notion commune, encore une fois, ça veut dire quelque chose de très précis. Je crois même que c’est finalement [45 :00] impossible pour lui, selon lui, que je, moi, individu pensant, que je forme — j’ai essayé de le dire tout à l’heure… comprenez –je ne peux pas former — c’est une notion tellement peu intellectuelle, la notion commune, tellement vivante — que je ne peux pas former une notion commune, c’est-à-dire l’idée de quelque chose de commun, entre mon corps et un corps extérieur sans que se constitue, encore une fois, un troisième corps dont le corps extérieur et moi, nous ne sommes que les parties. Si je forme la notion commune de mon corps et du corps de la mer, de la vague, si je reprends mon exemple : apprendre à nager, je forme la notion commune de mon corps et de la vague. A ce moment-là, je forme un troisième corps [46 :00] dont et la vague, et moi, nous sommes les parties.

À plus forte raison si… c’est pour ça que Spinoza nous dit : “mais c’est évidemment entre les hommes que les notions communes”… Là, on voit très bien ce qu’il a dans l’esprit et à quel point ce n’est pas du tout comme… comme on le dit parfois des notions… on les traite, encore une fois, la catastrophe c’est quand on… à mon avis, la catastrophe qui nous empêche de comprendre tout ce qu’il veut dire, c’est lorsqu’on traite les notions communes comme des trucs abstraits. Et là, ça c’est sa faute. Mais, il avait des raisons. C’est sa faute parce que lorsqu’il introduit, la première fois, les notions communes, il les introduit sous cette forme : “les notions communes les plus universelles. Exemple : tous les corps sont dans l’étendue”, l’étendue comme notion commune. [Interruption de l’enregistrement] [46 :50]

Partie 2

… [universelles], c’est ça qui trouble le lecteur. Il a donc une raison, et cette raison ça ne nous aide pas. Alors [47 :00] lorsqu’il nous dit, au contraire, mais finalement les notions communes privilégiées, c’est les notions qui sont communes à plusieurs hommes, c’est-à-dire c’est la communauté des hommes. C’est ça ! C’est ça le lieu de la notion commune. En d’autres termes, là, les notions se révèlent comme essentiellement politiques, à savoir c’est la construction d’une communauté, la notion commune.

Là on voit très bien à quel point ça déborde, et de loin, les notions physico-mathématiques dont il se réclamait pourtant au livre II. Dans le livre II, comme il veut commencer par expliquer les notions communes les plus universelles, là elles ont l’air vraiment d’être des trucs abstraits, d’être des trucs comme des sciences. Tous les corps sont dans l’étendue, la vitesse et le mouvement comme notion commune à tous les corps, etc. Alors si on se laisse prendre à ce moment-là, [48 :00] je crois qu’on perd toute la richesse concrète des notions communes.

Vous comprenez, la notion commune c’est lorsque, bon… c’est quel troisième corps vous faites avec quelqu’un que vous aimez ou que vous aimez bien, comment… Quel rythme… Oui là les exemples… Là l’exemple donne le rythme, en effet. Le rythme, c’est une notion commune à deux corps au moins. Le rythme il est fondamentalement commun à au moins deux corps. Il n’y a pas le rythme du violon, il y a le rythme du violon qui répond au piano et le rythme du piano qui répond au violon. Ça c’est une notion commune à ce moment-là. C’est la notion commune de deux corps, le corps du piano et le corps du violon, sous l’aspect, sous tel ou tel aspect, c’est-à-dire, sous l’aspect du rapport… du rapport qui constituera telle œuvre musicale et qui forme le troisième corps. Voyez, c’est donc très concret. [49 :00]

Alors je dirais oui, tout est possible, oui, dans cette question… Ce n’est pas n’importe quel savoir, ce n’est pas n’importe quel jeu puisque c’est un jeu de composition, de combinaisons avec compréhension des rapports. Alors l’expression « jeu » est évidemment très ambigüe parce que je conçois des jeux qui consisteraient par exemple, uniquement comme des jeux de hasard, si on ne cherche pas une martingale. Dès qu’on cherche une martingale — pourtant c’est des exemples, c’est des exemples abominables pour Spinoza — vous pouvez jouer de telle manière que vous subissez simplement des effets. Et c’est très amusant ! Vous subissez des effets. Par exemple, vous jouez à la roulette au hasard, vous subissez des effets. La roulette russe, vous faite de la roulette un usage mortuaire, oui ça peut arriver. [50 :00] Bon alors ça, c’est des passions de tristesse. Vous jouez, vous gagnez ou vous perdez, vous perdez, vous êtes triste, à moins que vous soyez particulièrement bizarre, vous gagnez, vous êtes content. Mais c’est de la passion. Qu’est-ce que ce serait chercher une martingale, ou la roulette ? Bon, vous voyez les gens qui cherchent des martingales c’est du boulot, quoi… Ce n’est pas de la science, mais c’est du travail. Bien, ça veut dire quoi ? Là ils s’élèvent, ils essaient, maintenant peut être qu’ils ont complètement tort, je sais bien que Spinoza, il dirait évidement que ce n’est pas une matière de notions communes que le jeu c’est précisément… c’est, c’est condamné au premier genre de connaissance.

Mais imaginons un Spinoziste joueur… Il dirait que dans la tentative d’élaborer une martingale, il y a déjà recherche de rapports communs, des recherches d’une espèce de rapport et de loi de rapport. Bon, on ne peut pas dire que ce soit une recherche scientifique, c’est une recherche de savoirs, [51 :00] c’est tout un métier, c’est toute une… Qu’est-ce que c’est là ? Est ce qu’on arrive à une notion commune qui serait une idée adéquate ? Il y a un petit traité, il a pourtant, il s’intéresse à ces questions puisque il participe, — comme tout le dix-septième siècle, c’est un siècle de joueurs vous savez le dix-septième — il participe et il a fait, en hollandais, un très petit traité, quelques pages, qui s’intitule : “Calcul des chances”. Comme tout le monde il réfléchit sur les jeux de dés, le jet de dés… Tout ça c’est la naissance du calcul des probabilités. Ce n’est pas seulement Pascal, c’est… Tous les mathématiciens du temps s’intéressent énormément aux probabilités, et il y a un petit traité de Spinoza, c’est…

Anne Querrien : [Propos inaudibles]

Deleuze : Ça devient intéressant, mais enfin ce n’est pas la joie Spinoziste, ce n’est pas la joie Spinoziste ! [Rires] [Pause] [52 :00] Voilà, je vous laisse le soin de poursuivre tout ça mais surtout mais surtout poursuivez le avec l’Éthique, avec la lecture.

Richard Pinhas : Les rares discussions que j’ai pu avoir avec des musiciens géniaux m’ont donné l’intuition qu’à partir du moment où on est pris en charge par le [Propos inaudibles], parce qu’en fait ce n’est pas quelque chose qui se commande. Donc à partir du moment où il y a ce rencontre il y a une impossibilité totale de l’éviter c’est-à-dire qu’il y a une caractéristique de nécessité, d’une inéluctabilité sauf à casser tous les rapports… [Suite inaudible]

Deleuze : Ouais ! Et en même temps je crois beaucoup que même à ce niveau, il ne dit pas ça comme ça, [53 :00] Spinoza, donc on ne parle plus de Spinoza en fait… J’ai l’impression que en même temps si forte soit la certitude du troisième genre, tout encore peut être gâché. C’est épatant la vie en sorte parce que… Et ça nous introduit là à ce que l’on va faire maintenant, il n’y a pas un moment que, quelle que soit la certitude que j’ai, elle peut être grandiose, tout [ne] peut être gâché. C’est curieux ça. Tout peut s’écrouler. Pourquoi là… eh bien, je peux être comme emporté par la puissance là au lieu de la combiner, tout ça; je peux être emporté. Une espèce d’exaspération peut toujours se produire, une exaspération ; l’exaspération, c’est quand tout d’un coup, bon, on a une puissance, enfin il n’y a plus de mots, [54 :00] bref je craque quoi.

[Ici commence le nouveau séminaire, sur la peinture]

Voilà, vous comprenez ceci nous introduit très bien alors, à ce que je voudrais faire pour le reste de l’année, et ça suppose que je m’adresse à ceux, là, raison de plus je ne prétends pas dire des choses d’un grand savoir. Je voudrais parler de la peinture, de quelle manière ? Alors je voudrais parler de la peinture. Moi je ne suis pas sûr — on verra ça après — que la philosophie ait quoi que ce soit à apporter à la peinture, c’est même… Je ne sais pas… Et puis ce n’est peut-être pas comme ça qu’il faut poser les questions. Mais j’aimerais mieux poser la question inverse, à savoir : la possibilité que la peinture ait à apporter quelque chose à la philosophie et que la réponse ne soit pas du tout univoque. Je veux dire que l’on ne puisse pas décalquer la même réponse pour la musique, pour la peinture. [55 :00] La musique, ça nous est arrivé d’avoir besoin – là, ce n’était pas par goût ou choix d’un cours, d’avoir besoin de se référer à elle parce que, les autres années, parce qu’on attendait d’elle je ne sais pas quoi. Qu’est-ce que la philosophie peut attendre de choses comme la peinture, comme la musique ? Et ce qu’elle attend, ce sont encore une fois des choses très, très différentes. Il faut… Si la philosophie attend quelque chose de la peinture, c’est quelque chose que la peinture seule peut lui donner.

Alors quoi ? C’est quoi ? Des concepts peut-être, mais est-ce que la peinture s’occupera de concepts ? Bon, mais comme la question est déjà lancée, est-ce que la couleur est un concept ? Est-ce que la couleur est un concept ? Je ne sais pas, qu’est-ce qu’un concept de couleur ? Qu’est-ce que la couleur comme concept ? Ça, ce serait… si la peinture apporte ça dans la philosophie, ça va entraîner la philosophie où ça ? [56 :00] Je veux dire comment faire ? Comment faire pour moi là pour… Là, je voudrais que… Il y a un problème aussi de parler de la peinture, ça veut dire quoi, parler de la peinture ? Alors je crois que ça veut dire précisément former des concepts qui sont en rapport direct avec la peinture et avec la peinture seulement. A ce moment-là, en effet, la référence à la peinture devient essentielle. Si vous comprenez, même si confusément, ce que je veux dire à ce moment-là, j’ai résolu déjà une question. — J’ai résous ? Résolu ? On dit quoi ?

Claire Parnet : Résolu.

Deleuze : J’ai résolu une question, à savoir parler de la peinture tout ça, bon, je suppose que ceux qui suivront, ils en savent autant que moi, bien plus même parfois, sur la peinture. Ce que je ne veux pas, c’est amener des reproductions, [57 :00] vous montrer… Alors on n’aurait même plus envie de parler… On se dit : « oh ben oui qu’est-ce qu’on peut dire ? ». Donc moi, je ferai appel à votre mémoire. C’est dans des cas très rares que je montrerai une petite image, c’est quand j’aurai vraiment besoin. Sinon, bon ben, vous cherchez dans votre mémoire, ou vous allez voir vous-même ou bien… Mais ça ira tout seul ; il n’y a pas besoin de reproductions.

Alors voilà, chaque fois peut-être, je ne prétends pas non plus dire, me demander, qu’est-ce que l’essence de la peinture ? Donc chaque fois, je voudrais là, pour que ceux qui suivront cette série de recherches-là puissent me suivre, j’essayerai presque d’indiquer très ferme le thème que je prends chaque fois et les peintres auxquels je me réfère parce qu’il n’y a aucune raison — l’unité de la peinture, [58 :00] elle fait problème — on n’a aucune raison de se la donner, je veux dire… il n’y a aucune raison de se la donner.

Par exemple, on sera bien amené à se demander quand même au niveau des matériaux — là aussi ça a peut-être à faire avec des concepts philosophiques, même dans des choses aussi voisines –l’aquarelle et l’huile, et l’huile et l’acrylique aujourd’hui, tout ça, bon, est-ce que ce n’est pas les même choses ? L’unité de la peinture, elle est où ? Est-ce qu’il y a un genre commun de l’aquarelle, de l’huile et de l’acrylique, tout ça ? Je ne sais pas ; on ne se donne rien. Moi, j’ai choisi les thèmes qui m’intéressaient, et parfois ça débordera sur de la philosophie ; ce sera les bons moments pour moi, c’est lorsque la peinture m’aura imposé précisément une lueur, une lueur pour moi nouvelle, sur des concepts philosophiques. Bon, essayons. [59 :00]

Alors, je dis qu’aujourd’hui toute ma recherche est tendue sur cette notion dont j’avais parlé une fois, la notion de catastrophe, la notion de catastrophe, qui suppose quoi ? Qui suppose évidemment que la peinture ait, avec la catastrophe, un rapport très particulier. Et ça je n’essayerai pas de le fonder théoriquement d’abord. C’est comme une impression. Un rapport très particulier, ça veut dire que, l’écriture, la musique n’auraient pas ce rapport avec la catastrophe ou pas le même, ou pas aussi direct, et les peintres très précis. Mais je voudrais justement vous faire sentir jusqu’à quel point c’est des exemples limités pour que, ensuite, on puisse chercher [60 :00] si ça veut dire quelque chose de général sur la peinture ou si ça ne vaut que pour certains peintres ; je n’en sais rien d’avance. Les peintres sur lesquels je voudrais m’appuyer, je les prends dans une époque relativement la même et relativement récente. Je les prends — je dis tout de suite, je voudrais m’appuyer sur cette série “la catastrophe”, on verra où elle nous entraîne — je prends comme exemple : Turner, peintre anglais, dix-neuvième [siècle], grand, grand peintre anglais — je n’en prends que des très grands, bien sûr ! – Turner, Cézanne, Van Gogh, Paul Klee, et un moderne encore anglais, [Francis] Bacon. [61 :00]

Bien, voilà ce que je veux dire — et je suis tout à fait prudent, très, très prudent — je dis, on est tous frappés dans un musée, on est tous frappés par un certain nombre de tableaux ; il y a peu de musées qui ne présentent pas quelques tableaux de ce type, des tableaux qui peignent une catastrophe. Catastrophe de quel type ? Par exemple, quand la peinture découvre les montagnes : tableaux d’avalanche, tableaux de tempête, la tempête, l’avalanche, etc., bon, cette remarque dénuée de tout intérêt.  Il y a même une peinture romantique où ce thème d’une certaine catastrophe semble… [62 :00] Bien. Qu’est-ce que ça veut dire tout ça ? C’est idiot, quoi, c’est idiot. Mais non, parce que je remarque que ces peintures catastrophes, elles étendent à tout le tableau quelque chose qui est toujours présent dans … qui est peut être très souvent — oui, vous corrigez de vous-même, je ne dis jamais toujours — qui est très souvent présent dans les tableaux, à savoir ils étendent à tout le tableau, ces tableaux de catastrophes, ils étendent à tout le tableau, ils généralisent une espèce de déséquilibre, de choses qui tombent, de chutes, de déséquilibres.

Or, peindre d’une certaine manière, ça a toujours été peindre des déséquilibres locaux. [63 :00] Pourquoi ? Pourquoi [est-ce que] c’est très important le thème de la chose en déséquilibre ? Un des écrivains qui a écrit le plus profondément, vraiment le plus profondément sur la peinture, c’est [Paul] Claudel, notamment dans un livre splendide qui s’intitule L’œil écoute et qui porte surtout sur les Hollandais. [L’œil écoute, en Œuvres en prose (Paris : Gallimard, Pléiade, 1973)]. Or, Claudel le dit très bien, il dit : « Qu’est-ce que c’est qu’une composition ? ». Vous voyez, ça c’est un terme pictural. Qu’est-ce que c’est qu’une composition en peinture ? Il dit : « c’est un ensemble », il dit une chose très curieuse, il en parle à propos justement des maîtres hollandais qu’il regardait. “Une composition, c’est toujours un ensemble, une structure mais en train de se déséquilibrer ou en train [64 :00] de se désagréger” (pp. 201-202). Bon, on ne retient que ça pour le moment : le point de chute, un verre dont on dirait qu’il va se renverser, un rideau dont on dirait qu’il va retomber. Bon, alors là, il n’y a pas besoin d’invoquer Cézanne, les pots de Cézanne, l’étrange déséquilibre de ces pots, comme s’ils étaient vraiment saisis à l’aurore, à la naissance d’une chute. Bien, je me dis, bon, très bien. Je ne sais plus qui, il y avait un contemporain de Cézanne, qui parlait de poterie saoule, [65 :00] des “poteries saoules”… [Il pourrait bien s’agir de Joris-Karl Huysmans, Certains (1889); référence fournie avec nos remerciements par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023)]

Alors je me dis, bon, une peinture d’une avalanche, tout ça, c’est le déséquilibre généralisé, bien. Mais enfin ça ne va pas loin, parce qu’à première vue, on reste dans le tableau, dans ce que le tableau représente. Aussi je vais parler d’une autre catastrophe quand je m’interroge sur l’importance d’une catégorie comme celle de catastrophe en peinture, à savoir une catastrophe qui affecterait l’acte de peindre en lui-même. Voyez, on va de la catastrophe représentée, soit la catastrophe locale, soit la catastrophe d’ensemble, sur le tableau, à une catastrophe beaucoup plus secrète, catastrophe qui affecte l’acte de peindre en lui-même. [Pause] [66 :00]

Et ma question devient, bon comme ça, est-ce que l’acte de peindre peut être défini sans cette référence à une catastrophe qui l’affecte ? Est-ce que au plus profond de lui-même l’acte de peindre — je corrige, j’adoucis, chez certains peintres, etc., on verra — n’affronte pas, ne comprend pas cette catastrophe, même lorsque ce qui est représenté n’est pas une catastrophe ? En effet, les poteries de Cézanne, ce n’est pas une catastrophe ; il n’y a pas un tremblement de terre. Les verres de Rembrandt, il n’y a pas une catastrophe, bon. Donc il s’agit d’une catastrophe plus profonde qui affecte l’acte de peindre en lui-même. Qu’est-ce que ce serait, au point que l’acte de peindre ne pourrait pas être défini sinon ? [67 :00]

L’exemple — je voudrais prendre des exemples, comme on fait des exemples musicaux, prendre des exemples picturaux — l’exemple, pour moi, fondamental, c’est Turner. Car chez Turner, on verrait ça comme une espèce d’exemple typique. Lui aussi dans sa première [période]… Il a comme deux périodes, deux grandes périodes, et dans la première période, il peint beaucoup de catastrophes. Ce qui l’intéresse dans la mer, c’est les tempêtes ; ce qui l’intéresse dans la montagne, c’est souvent des avalanches ; donc c’est une peinture d’avalanches, de tempêtes, bien. Bon, il a déjà bien du génie.

Qu’est-ce qui se passe vers 18… — tout le monde est d’accord sur cette assignation des dates ? — vers 1830. Ça, j’en aurais besoin [68 :00] tout à l’heure, comme si cette catastrophe qui affecte l’acte de peindre, eh bien, elle peut bizarrement être datée en gros. Pour Turner, [c’est] 1830. Vers 1830, bon, tout se passe comme s’il entrait dans un nouvel élément, si profondément pourtant, qu’il reste lié à sa première manière. Ce nouvel élément, c’est quoi ? La catastrophe est au cœur de l’acte de peindre. Comme on dit, les formes s’évanouissent. Ce qui est peint et l’acte de peindre tendent à s’identifier sous qu’elle forme ? Sous forme de jets de vapeur, de boules de feu, où plus aucune forme ne garde son intégrité, [69 :00] où simplement des traits suggèrent. On procède par trait, dans quoi ? Dans une espèce de brasier comme si tout le tableau, là, sortait d’un brasier. Une boule de feu, dominante célèbre de… dominante célèbre de Turner, le jaune d’or. Une espèce de fournaise, bon, des bateaux fendus par cette fournaise.

Exemple typique — essayez de voir une reproduction — un tableau dont le titre est compliqué : “Lumière et couleur”. Il l’a appelé lui-même “Lumière et couleur”, entre parenthèses, “théorie de Goethe”, puisque Goethe a fait une théorie des couleurs. [70 :00] Le titre donné donc, est : “Lumière et Couleur (théorie de Goethe, le lendemain du déluge)”. On aura besoin de tout ça, donc essayez de voir. Or, le tableau est dominé par une gigantesque et admirable boule de feu, de boule d’or qui assure une espèce de gravitation de tout le tableau. Bon, alors… Quoi ? Oui ?

[Interruption d’une personne de l’extérieur, inaudible ; Deleuze lui parle très brièvement d’une question d’horaire]

Oui, pourquoi ça m’importe, ce titre ? Là aussi, [c’est] Turner qui a laissé des masses d’aquarelles [71 :00] par liasses ; vous savez, l’histoire de Turner à la fin est très, très… Comme on dit, il était tellement, tellement, tellement en avance sur son temps qu’il ne montrait pas ses tableaux ; il les mettait dans des caisses, tout ça. Il a légué tout ça à l’État, l’Angleterre, qui l’a laissé longtemps en caisse d’ailleurs. Et puis, il y a l’admirable et fâcheux à la fois, Ruskin, qui était son admirateur passionné, qui en a brûlé beaucoup pour cause de pornographie, enfin ça a été catastrophique. Il y a un texte de Ruskin, une déclaration de Ruskin qui fait frémir — enfin personne ne peut condamner personne, — où Ruskin dit : « je suis fier, très fier de l’avoir fait, d’avoir brûlé toutes sortes de liasses de dessins et d’aquarelles de Turner. » Mais enfin le mérite de Ruskin reste qu’il a été l’un des seuls à comprendre Turner de son vivant. Eh bien, [72 :00] toutes sortes de liasses d’aquarelles sont baptisées par Ruskin : « Naissance » ou « Commencement de la couleur ». Je ne voudrais pas en dire plus pour ce début.

Voilà donc que, si vous voulez, Turner me sert pour dire, voilà un cas. Ce n’est pas du tout que ce soit général, où on passe d’une peinture qui représente dans certains cas des catastrophes du type avalanche, tempête, à une catastrophe infiniment plus profonde, catastrophe qui concerne l’acte de peindre, qui affecte l’acte de peindre au plus profond. Et, j’ajoute — c’est tout ce qu’on recueille pour le moment — et cette catastrophe est inséparable, cette catastrophe dans l’acte de peindre est inséparable d’une naissance. Naissance de quoi ? Naissance de la couleur. On a presque un problème là, voyez, on l’a construit comme involontairement. [73 :00] Fallait-il que l’acte de peindre passât par cette catastrophe pour engendrer ce avec quoi il a affaire, à savoir la couleur ? Fallait-il passer par la catastrophe dans l’acte de peindre pour que la couleur naisse, la couleur comme création picturale ?

Bon, à ce moment-là, il faut croire que la catastrophe qui affecte l’acte de peindre, elle est aussi autre chose que la catastrophe. Qu’est-ce que c’est ? On n’a pas beaucoup avancé. Qu’est-ce que c’est cette catastrophe ? Si vous voyez un Turner de la fin, je suppose si vous l’avez présent à l’esprit, sinon vous le verrez, vous acceptez le terme « catastrophe ». Et pourquoi vient à ce moment-là notre rescousse — je vois ça comme tout autre chose — des peintres qui emploient le mot, [74 :00] qui emploient le mot, qui disent oui, la peinture, l’acte de peindre passe par le chaos ou par la catastrophe ? Et ils ajoutent, seulement voilà, quelque chose en sort. Et notre idée se confirme : nécessité de la catastrophe dans l’acte de peindre, pour que quelque chose en sorte.

Qu’est-ce qui en sort ? C’est bizarre, peut-être que je choisis des peintres de la même tendance ; je ne sais pas, mais la réponse est la même : pour qu’en sorte la couleur, pour qu’en sorte la couleur… Et c’est qui ces peintres catastrophes ? Le grand mot de Cézanne, que la catastrophe affecte l’acte de peindre pour qu’en sorte quoi ? La couleur. Pour que, [75 :00] dit Cézanne, la couleur monte. Et Paul Klee, nécessité du chaos pour qu’en sorte ce qu’il appelle l’œuf, la cosmogénèse, l’œuf ou la cosmogénèse, et en même temps, panique. Mon Dieu, enfin le dieu des peintres ! Qui empêche que la catastrophe prenne tout ?

Qu’est-ce qui se passe si la catastrophe prend tout de telle manière que rien n’en sort ? Alors est-ce qu’il y aurait à cet égard, est-ce qu’il y a à ce niveau un danger de peindre ? Il y aurait danger de peindre ; c’est quoi ? Si le peintre affronte — même là on est sorti je crois de la littérature – [76 :00] s’il y a bien cette espèce de catastrophe pour le peintre lui-même, pour quelque chose qui concerne le peintre, s’il affronte cette catastrophe dans l’acte de peindre, s’il ne peut pas peindre sans qu’une catastrophe affecte au plus profond son acte, mais que en même temps il faut que la catastrophe soit comme quoi ? Qu’est-ce que ça veut dire ? Contrôler. Qu’est-ce qu’il se passe si rien n’en sort, si la catastrophe s’étale, si ça fait une bouillie ? Bon, est-ce qu’on n’a pas l’impression dans certains cas, oui, le tableau rate. Les peintres ne cessent pas de rater, ils ne cessent pas de jeter leurs tableaux, les peintres, c’est étonnant quoi. Il y a une espèce de destruction, consommation, consumation du tableau. Bon, quand la catastrophe déborde, mais est-ce qu’on peut contrôler une catastrophe encore une fois ? Certains, [77 :00] Van Gogh, c’est juste, c’est juste. On se dit : il frôle quelque chose. Bon, la folie de Van Gogh, elle vient d’où ? Elle vient de ses rapports avec son père, ou elle vient de ses rapports avec la couleur ? [Rires] Je n’en sais rien. En tout cas, la couleur, c’est peut-être plus intéressant, hein ?

Alors, notre tâche maintenant, ça va être de voir deux textes, car après tout, ça pose notre problème ; je n’ai pas encore parlé des textes de peintres. Je crois que ce n’est pas analogue que la manière dont un peintre parle de sa peinture, ce n’est pas la même chose que la manière dont un musicien parle de sa musique. Il y a un rapport, dans les deux cas ; je ne dis pas que l’un est meilleur que l’autre, je dis qu’il faut attendre d’un texte de peintre des choses qui ne sont pas du tout, qui sont d’un type très particulier. Je vais invoquer des textes supposés de Cézanne et un texte formel de Klee (Paul Klee, Théorie de l’art moderne [Paris : Gallimard, Folio, 1998]), qui ont en commun de parler expressément de la catastrophe [78 :00] dans les rapports avec la peinture. Bien, je vais au secrétariat, reposez-vous bien. [Brève pause du cours] [1 :18 :06]

[…] Et avec lui et qui s’appelait [Joachim] Gasquet.[Cézanne (1921) ; les entretiens figurent dans Conversations avec Cézanne, ed. M. Doran (Paris : Macula, 1978).] Et, Gasquet avait fait un livre sur Cézanne, très important, et, dans ce livre, il rétablit, il se prend un peu pour le Platon de Socrate, c’est-à-dire il reconstitue des dialogues, des conversations avec Cézanne. Mais ce n’est pas la transcription, c’est après bien des années, ce n’est pas la transcription. Et la question c’est : qu’est-ce que Gasquet, qui lui n’était pas peintre, était écrivain, qu’est-ce que Gasquet rajoute de lui-même ? Beaucoup de critiques sont très méfiants à l’égard de ce texte.

Moi je suis, tout à fait sur ce point, je suis tout à fait [Henri] Maldiney [Regard Parole Espace qui considère que au contraire, c’est un texte qui risque bien d’être très fidèle parce que [79 :00] les arguments qu’on a sont très bizarres. Vous savez qu’il y a comme une espèce de, là je dis ça en passant, il y a une espèce de truc, de légende, de bruits qui courent, que les peintres, on les traite toujours un peu comme si c’étaient des créatures incultes et pas très malignes. Dès qu’on lit ce qu’écrivent les peintres, on est rassuré ; ce n’est ni l’un ni l’autre, ni l’un ni l’autre. Or une des raisons pour lesquelles on discute de l’authenticité du texte de Gasquet, c’est que bizarrement Cézanne se met à parler comme un post-kantien de temps en temps. Or Gasquet connaît assez bien la philosophie kantienne, alors on se dit c’est… [Deleuze ne termine pas la phrase]

Mais, en fait, Cézanne, il aimait beaucoup parler avec les gens, quand il avait confiance. Il leur demandait pleins de choses. D’autre part, Cézanne, il était très, très cultivé, il ne le montrait pas ou il le montrait rarement. [80 :00] Il jouait un rôle étonnant de, vraiment de paysan, de bouseux, alors qu’il savait, il lisait beaucoup, tout ça. C’est très difficile de comprendre. Les peintres, ils font toujours semblant de n’avoir rien vu, de rien savoir. Je crois qu’ils lisent beaucoup la nuit, tout ça. [Rires] Et on peut imaginer facilement même que Gasquet ait raconté à Cézanne des choses sur Kant. Et, ce que comprend Cézanne c’est très bien parce qu’il comprend beaucoup plus qu’un universitaire.

Gasquet lui fait dire à un moment, cette phrase très belle, ah ben oui : « Je voudrais peindre l’espace et le temps pour qu’ils deviennent les formes de la sensibilité des couleurs, parce que j’imagine parfois les couleurs comme de grandes entités nouménales, des idées vivantes, [81 :00] des êtres de raison pure » (Conversations p. 123). Alors comme les commentateurs disent : “Cézanne n’a pas pu dire ça, c’est Gasquet qui le lui fait dire”. Je ne suis pas sûr moi qu’ils n’aient pas parlé un soir de Kant, que Cézanne ait très bien compris, parce que quand je dis qu’il comprend mieux qu’un philosophe, il a très bien vu que chez Kant, le rapport noumène/phénomène était tel. D’une certaine manière, le phénomène était l’apparition du noumène, d’où le thème, les couleurs sont les idées nouménales, les couleurs sont les noumènes, et l’espace et le temps, c’est la forme de l’apparition des noumènes, c’est-à-dire des couleurs, les couleurs apparaissent dans l’espace et dans le temps mais en elles-mêmes elles ne sont ni espace-temps. C’est une idée qui me semble très, très intéressante, je n’y vois que de hautes vraisemblances que…  [Deleuze ne termine pas la phrase]

Alors bien sûr en même temps le texte de Gasquet, il pique des choses à des lettres que Cézanne lui a envoyées, il fait des mélanges. Oui mais, quant à l’essentiel, [82 :00] tout est bon pour nous, car dans le texte que je vais lire, je vais prendre un texte à la suite, Cézanne — je le commente presque logiquement — distingue deux moments dans l’acte de peindre. Donc il va nous apporter des choses en plein dans notre problème. Et un de ces moments, il l’appelle : chaos ou abîme, chaos ou abîme, et le second moment, si vous lisez bien le texte, qui n’est pas clair d’ailleurs mais c’est une conversation supposée, le second moment, il l’appelle : catastrophe, bon. Et enfin donc, le texte s’organise très logiquement, très rigoureusement, il y a dans l’acte de peindre le moment du chaos, puis le moment de la catastrophe, et quelque chose en sort, du chaos-catastrophe, c’est la couleur. [83 :00] Quand elle sort ! Encore une fois, ce n’est pas exclu que rien n’en sorte, on n’est pas sûr ; là, ce n’est pas donné d’avance.

Voilà le texte ; je commence par le premier aspect, je dirai quand le premier moment à mon avis se termine : “Pour bien peindre un paysage, je dois découvrir d’abord les assises géologiques. Songez que l’histoire du monde vient du jour où deux atomes se sont rencontrés, où deux tourbillons, deux danses chimiques se sont combinées.” — Si je mélange tout, mais tant pis, ce n’est pas loin – “Ces grands arcs-en-ciel, ces grands prismes cosmiques, cette aube de nous-même au-dessus du néant” (Conversations, pp. 112-113). Bon, le style est bon, mais on nous dirait, c’est du Turner. Oui peut être, pourquoi pas. [84 :00] L’histoire du monde, qu’est-ce que c’est que ça ? Qu’est ce qui nous intéresse là ? C’est la première fois qu’on trouve un texte qui à mon avis parcourt tout la plupart des grands peintres. Le thème de “ils ne font jamais que peindre une chose : le commencement du monde”, c’est ça leur affaire : ils peignent le commencement du monde.

Bon, le commencement du monde, c’est quoi ? C’est le monde avant le monde, c’est-à-dire il y a quelque chose, ce n’est pas encore le monde, c’est vraiment la naissance du monde. Dès lors, pourquoi est-ce que les peintres peuvent être chrétiens, l’histoire de la création peut les intéresser ? En tant que peintre, c’est évident. C’est évident qu’ils ont à faire à quelque chose qui concerne la création du monde. Vous comprenez que chaque jour, je devrais l’ajouter d’un coefficient d’essentialité ; je veux dire, c’est une affaire essentielle de la peinture, [85 :00] nous mettre devant ça.

Bon, “songez que l’histoire du monde date du jour où deux atomes se sont rencontrés, deux tourbillons, deux danses chimiques”. Turner, c’est des danses chimiques, d’accord, oui. Oui, c’est des danses chimiques de la couleur. “Cette aube de nous-même au-dessus du néant, je les vois monter, je m’en sature en lisant Lucrèce.” Et puis en effet, Cézanne lisait beaucoup Lucrèce, bon. Or, en effet, l’histoire de Lucrèce, ça concerne les atomes, bien sûr, les danses d’atomes, mais ça concerne aussi très bizarrement les couleurs, et la lumière. Lucrèce, pas question qu’on y comprenne quelque chose si on ne tient pas compte de ce qu’il dit sur la couleur et la lumière par rapport à l’atome. Bon,

“Ces grands arcs-en-ciel, ces prismes cosmiques… ces grands arcs-en-ciel, ces prismes cosmiques, cette aube de nous-même au-dessus du néant, je les vois monter, je m’en sature en lisant Lucrèce. [86 :00] Sous cette fine pluie” — il se met sous une fine pluie – “sous cette fine pluie” — c’est de ça qu’il s’agit de peindre, cette fine pluie. Or comprenez, il aura beau faire un portrait, il aura beau faire une potiche, un pot, il aura beau peindre sa femme… Bon, il ne faut pas oublier tout ça, c’est qu’il s’agira toujours de faire passer la fine pluie, ou faire passer quelque chose de cet ordre — “Sous cette fine pluie, je respire la virginité du monde”. Qu’est-ce que c’est la virginité du monde ? C’est le monde avant l’homme et avant le monde, le monde avant le monde, le monde avant l’homme et avant le monde. Bon, qu’est-ce que c’est ?

“Un sens aigu des nuances me travaille. Je me sens coloré par toutes les nuances de l’infini. A ce moment-là, je ne fais plus qu’un avec mon tableau.” [87 :00] C’est bizarre ça ; “je ne fais plus qu’un avec mon tableau”, ça veut dire quoi là ? Il faut commenter précisément, mon tableau à faire, car — comme le reste va nous le rappeler, encore plus précisément — il n’a pas commencé à peindre. On a peut-être une raison, pour mieux comprendre déjà, pour pressentir, pourquoi la catastrophe appartient-elle à l’acte de peindre. Elle appartient tellement à l’acte de peindre qu’elle est avant que le peintre commence son acte. Elle est avant. Elle va être pendant aussi. Mais elle commence avant, la catastrophe. Le tableau est encore à peindre.

“Sous cette fine pluie, je respire la virginité du monde.” Un sens aigu du travail, c’est le travail pré-pictural, et là la catastrophe, elle est déjà pré-picturale. A la fois ça nous arrange et ça nous embête parce qu’à ce moment-là, [il] faudra lui donner une définition, [88 :00] pré-picturale aussi. C’est comme la condition de peindre, elle est avant l’acte de peindre.

“Un sens aigu des nuances me travaille. Je me sens coloré par toutes les nuances de l’infini. A ce moment-là, je ne fais plus qu’un avec mon tableau. Nous sommes,” le tableau et moi. Tiens ! C’est vraiment, pour revenir à l’autre, c’est vraiment la composition du troisième bord, le tableau pas encore fait et le peintre qui ne s’est pas encore mis à peindre. « Nous sommes un chaos irisé.” — Nous sommes un chaos irisé. — “Je viens devant mon motif”– vous voyez, il n’a rien peint encore — “Je viens devant mon motif, je m’y perds. Je songe, vague.” — Il se perd devant son motif, un chaos — “Le soleil me pénètre sourdement comme un ami lointain qui réchauffe ma paresse. [89 :00] Nous germinons.” Tiens, s’il est du germe, elle sera reprise à la lettre avec le même mot par Klee. “Nous germinons. Il me semble, lorsque la nuit redescend, que je ne peindrai et que je n’ai jamais peint.” Ça, c’est pré-pictural, c’est le “avant peindre” pour l’éternité. “Il faut la nuit pour que je puisse détacher mes yeux de la terre, de ce coin de terre où je me suis fondu. Un beau matin, le lendemain,” — je suis toujours dans le premier moment, et vous voyez, il y a eu ce moment pré-pictural du chaos. Il ne voit plus, il se confond avec son motif, il ne voit plus rien, la nuit tombe.

Comme il dit, il explique dans une lettre, “ma femme elle me gronde parce que quand je rentre, j’ai les yeux tout rouges” (Conversations, p. 124). [90 :00] Qu’est-ce que c’est que ça ? Il ne voit plus rien. L’œil, on aura à se demander, qu’est-ce que c’est que l’œil ? Qu’est-ce que c’est qu’un œil ? L’œil du peintre ? C’est quoi un œil dans la peinture ? Ça fonctionne comment, un œil ? Bon, et bien c’est un œil tout rouge déjà. “Un beau matin, le lendemain, lentement, les bases géologiques” — c’est ça qu’il cherchait confusément ; il avait commencé : “Pour bien peindre un paysage, je dois découvrir d’abord les assises géologiques.” – “Un beau matin, le lendemain, lentement, les bases géologiques m’apparaissent, des couches s’établissent, les grands plans de ma toile. J’en dessine mentalement le squelette pierreux.” Si vous voyez des paysages d’Aix de Cézanne, vous voyez tout de suite ce qu’il appelle le squelette pierreux. “J’en dessine les grands plans de ma toile. J’en décide mentalement” — vous voyez, il n’a toujours pas commencé [91 :00] – “J’en dessine mentalement le squelette pierreux, je vois affleurer les roches sous l’eau, peser le ciel, tout tombe d’aplomb.” Tout tombe d’aplomb. “Une pâle palpitation enveloppe les aspects linéaires. Les terres rouges sortent d’un abîme.” L’abîme, c’est le chaos de tout à l’heure. C’est le chaos de la veille. “Les terres rouges en sortent.” Mais rouge sous quelle forme ? Ça doit être des terres rouges brunes, ça doit être du pourpre noir, qui tend au noir. “Les terres rouges sortent d’un abîme. Je commence à me séparer du paysage, à le voir.” Voyez, c’est aussi une genèse de l’œil, cette histoire, au moment du pur chaos ; pas d’œil, il est fondu, l’œil est tout rouge, il ne voit plus rien. “Je commence à voir le paysage. Je m’en dégage avec cette première” — je m’en dégage du paysage, ça veut dire qu’il y a un rapport de vision – “Je m’en dégage avec [92 :00] cette première esquisse géologique, les lignes géologiques, la géométrie, mesure de la terre.” En d’autres termes, la géométrie est identique à la géologie.

Bon, qu’est-ce que je dis pour résumer ? Je dis ce premier moment, très pictural, c’est le moment du chaos. Il faut passer par ce chaos. Et qu’est-ce qui sort de ce chaos selon Cézanne ? L’armature. L’armature de la toile. Voilà que les grands plans se dessinent. “Tout tombe d’aplomb”, c’est déjà un danger. Il y a une lettre où Cézanne dit “ça ne va pas”. Il dit : “les plans tombent les uns sur les autres.” [93 :00] Là, à ce moment-là, ça peut échouer, c’est un premier coefficient d’échec possible, la distinction des plans peut très bien ne pas arriver à se faire. La distinction des plans se fait à partir du chaos, bon. Si le chaos prend tout, si rien ne sort du chaos, si le chaos reste chaos, les plans tombent les uns sur les autres, au lieu de tomber d’aplomb. Le tableau il est déjà foutu, il est déjà foutu avant d’avoir commencé. C’est ça la merde, et c’est vrai que dans les expériences du peintre, il y a des trucs, ça marche, ça ne marche pas, je suis bloqué, je ne suis pas bloqué. [Interruption de l’enregistrement] [1 :33 :42]

Partie 3

Deleuze : Oui peut-être, hein ?

Anne Querrien : [Propos difficilement audibles]  [J’ai l’impression qu’il y a exactement la même chose chez les architectes] sur le grand débat qu’il y a à la fin du dix-huitième [siècle] sur le sublime et le pittoresque. [94 :00] Et justement dans le pittoresque, on passe par les trois étapes alors que, dans le sublime, on en garde que deux, et on érige le sublime directement par opposition au chaos. Enfin le chaos est premier. Du chaos, on construit le sublime et soit on reste dans le sublime, c’est-à-dire les lignes géométriques etc., soit on arrive à passer au pittoresque, c’est-à-dire à la couleur et tout ça. [Mots inaudible] et s’était en héritant, en composant avec ce que racontaient mes copains architectes dans leurs débats sur le sublime et le pittoresque et avecce que vous nous avez raconté sur Kant et le sublime et le chaos dans Kant … [fin inaudible]

Deleuze : A ce moment-là, il faudrait, il vaudrait mieux peut-être en effet revenir, mais là, ça nous dépasse. Je signale pour ceux que ce point intéresserait, il y a dans un livre de Kant qui est, je crois, un des livres les plus importants de toute la philosophie, qui est la Critique du jugement que Kant a écrit très, très vieux, et qui contient [95 :00] une des premières grandes esthétiques philosophiques. Il y a une théorie du sublime, et Kant distingue deux aspects ou deux moments du sublime. Dans l’un, il le nomme le “sublime géométrique ou mathématique”, géométrique, et l’autre, “le sublime dynamique”. Et là, si on y tenait en effet, il faudrait – -ceux que ça intéresse, voyez ses textes — ils sont très difficiles, mais je les commenterai peut-être, si on a le temps. Ce serait très curieux ; en effet, on pourrait peut-être faire coïncider, sans trop forcer les textes, les deux moments de Cézanne avec ces deux moments du sublime de [Kant] : Le premier qui est un sublime géométrique d’après… l’expression même ou “géologique,” d’après l’expression même de Cézanne, [96 :00] et puis l’autre qui est beaucoup plus un sublime, on va voir, un sublime “dynamique”. Mais le texte de Kant est extraordinaire. C’est les grands textes fondateurs du Romantisme.

Bon, on passe maintenant au second moment. Vous voyez le premier moment c’est chaos et quelque chose en sort à savoir “l’armature”. Second moment « une tendre émotion me prend », une tendre émotion me prend. « Des racines de cette émotion monte la sève, les couleurs. Une sorte de délivrance. Le rayonnement de l’âme, le regard, le mystère extériorisé, l’échange entre la terre et le soleil, les couleurs, une logique aérienne » — avant on était dans une logique terrestre, terrienne, avec les assises géologiques — « …une logique aérienne, colorée remplace [97 :00] brusquement la sombre, la têtue géométrie » (Conversations, p. 113). Il est beau ce texte. Vous voyez, on change d’éléments, « une logique aérienne colorée remplace brusquement la sombre, la têtue géométrie. Tout s’organise. Les arbres, les champs, les maisons ». Tiens, mais alors commentant comme ça, je… [Deleuze ne termine pas]

Mais alors tout n’était pas organisé, pourtant les plans étaient tombés d’aplomb, tout ça. « Tout s’organise » comme s’il repartait à zéro. C’est bizarre. « Je vois. » « Je vois », et là, seconde genèse de l’œil. « Je vois par tâches l’assise géologique », c’est ça qui va nous donner le secret. C’est bizarre, il ne le dit pas, il a l’air de reprendre à zéro. Alors que « je vois » [98 :00] — il l’a déjà dit — « je commence à voir », et là il fait comme s’il voyait pour la première fois. Qu’est-ce qui s’est passé ? Une seule réponse : c’est que le premier moment qui était chaos ou abîme et quelque chose qui en sort, à savoir l’armature, eh bien, ce qui est sorti du premier moment, l’armature s’est écroulée à nouveau, s’est écroulée à nouveau en effet : « Je vois par taches l’assise géologique, le travail préparatoire ». Là il le dit formellement, tout le premier moment était un travail préparatoire, pré-pictural. « …l’assise géologique, le travail préparatoire, le monde du dessin s’enfonce, s’est écroulé comme dans une catastrophe »

Ce par quoi le texte me paraît très, très intéressant, c’est que lui, en son nom propre, dans son expérience, il distingue, dans ce qu’on peut appeler “la catastrophe” en général, il distingue [99 :00] deux moments : un moment du chaos-abîme et en sort “les assises” ou “l’armature” ; et puis un second moment la catastrophe qui emporte les assises et l’armature, et va en sortir quoi ? « L’assise géologique, le travail préparatoire, le monde du dessin s’enfonce, s’est écroulé comme dans une catastrophe. Un cataclysme l’a emporté. Une nouvelle période vit, la vraie, celle où rien ne m’échappe, où tout est dense et fluide à la fois, naturel. Il n’y a plus que des couleurs et, en elles, de la clarté, l’être qui les pense, cette montée de la terre vers le soleil, cette exhalaison des profondeurs vers l’amour. »

C’est curieux parce que comme le signale Maldiney là, on pourrait faire non seulement le rapport avec les textes sur le sublime [100 :00] chez Kant, mais ce serait là terme à terme, on trouverait l’équivalent dans des textes, d’ailleurs, dans des textes de Schelling, lequel Schelling est très proche de la peinture. Bizarre ça. Bon.

« Je veux m’emparer de cette idée, de ce jet d’émotions, de cette fumée d’être » — la couleur qui monte — « de cette fumée d’être, au-dessus de l’universel brasier ». Là aussi, ce serait ciseler une description des toiles de Turner. Or ce n’est pas pour Turner qu’il le dit, c’est pour ses toiles à lui, c’est pour ce qu’il veut faire : « l’universel brasier ».

Voyez donc, je recommence : un premier temps décomposé en deux aspects le “chaos-abîme”, je ne vois rien. Deuxième aspect du premier temps : quelque chose sort du ”chaos abîme,” [101 :00] les grands plans, l’armature, la géologie. Deuxième temps : la catastrophe emporte les assises et les grands plans. La catastrophe emporte, c’est-à-dire on repart à zéro. On repart à la reconquête et pourtant si le premier temps n’était pas là, sans doute que ça ne marcherait pas. Et à nouveau, danger que la catastrophe prenne tout et que la couleur ne monte pas.

Tiens, fais voir un progrès ; qu’est-ce qui se passe quand la couleur ne monte pas, quand la couleur ne prend pas dans le brasier ? Il faut que la couleur sorte de cette espèce de fourneau, de ce fourneau catastrophe. Si elle ne sort pas, si elle ne prend pas, si elle ne cuit pas ou si elle cuit mal… C’est curieux, c’est comme si le peintre… [Deleuze ne termine pas] Bon, est-ce qu’il a affaire avec la céramique le peintre ? [102 :00] Oui, évidemment oui. Il emploie d’autres moyens lui, mais son fourneau, il l’a, il n’y a pas de couleur qui ne sorte pas de cette espèce de… d’un fourneau qui est quoi ? Eh bien, qui est en même temps sur la toile. C’est le globe de feu, c’est le globe de lumière de Turner. Chez Cézanne, ce sera quoi ? Et comment appeler ça ? On ne sait pas encore. La couleur est censée en sortir. Si elle ne sort pas qu’est-ce que c’est ? Qu’est-ce qu’on dit d’un tableau où la couleur ne monte pas, ne sort pas. La couleur monte, il faut le prendre quoi ? C’est une métaphore ? Non ce n’est pas une métaphore. Evidemment non pour Cézanne. Ça veut dire que la couleur est une affaire de gammes ascendantes. Elle doit monter. A bon, elle doit monter ? Est-ce que c’est vrai que tous les peintres ? Evidemment non. Non, il y a des peintres où, au contraire, il y a des gammes descendantes. Il se trouve que chez Cézanne, on verra pourquoi… Des gammes ascendantes, si bien que ce qui a l’air de métaphores, [103 :00] ce ne sont pas des métaphores.

Anne Quérrien : Eh bien ça monte vers le blanc.

Deleuze : Ah… elle monte vers le blanc ? Non pas…non

Claire Parnet : [C’est] vers le bleu…

Anne Querrien : … Non, non, parce que [Propos inaudibles ; on entend un grognement de Deleuze] il y a une gamme ascendante vers le noir, c’est le corps noir intense. Alors il faut savoir…

Deleuze : Oui mais, Cézanne, ça ne monte pas vers le blanc. Ça monte.

Anne Querrien : C’est des couleurs, donc. [Deleuze : Oui…] Ça va dans la lumière alors

Deleuze : Non c’est des gammes ascendantes, c’est dans l’ordre… Enfin c’est… Enfin on verra ça.

Anne Querrien : Non parce que dans l’entre-deux-guerres là, dans l’exposition sur les réalismes de l’entre-deux-guerres… [Propos inaudibles] il y a des gens qui commençaient à promouvoir le noir et le sombre comme l’intensité.

Deleuze : Oui, oui, oui. Mais là, c’est Cézanne, hein ? Alors, qu’est-ce que c’est, quand la couleur ne monte pas ? Quand elle ne prend pas, quand elle ne cuit pas ? On dit : oh tout ça ? Tout à l’heure, on a vu le danger, le danger du premier temps ; [104 :00] c’était quoi ? C’était… Oh, la, la, les plans, ils tombent les uns sur les autres, ils ne sont pas d’aplomb, le raté de la géologie. Ils ne sont pas d’aplomb. Et d’aplomb, ça veut dire quoi ? Puisque c’est un aplomb qui n’existe que dans le tableau, ce n’est pas l’aplomb de la ressemblance ? Il faut que les… sinon, si les plans tombent les uns sur les autres, le tableau, il est déjà gâché.

Bon. Vous voyez, c’est beaucoup plus important que le problème de la profondeur. Le problème de la profondeur, il est complètement subordonné au problème des plans et de la chute des plans. Il faut que les plans tombent et qu’ils ne tombent pas les uns sur les autres. La profondeur, on s’arrange avec la profondeur. Toutes les créations sont permises quant à la profondeur. Mais justement on a toujours la profondeur qu’on mérite en fonction de la manière dont on fait tomber les plans. [105 :00] C’est ça le problème du peintre. Jamais le peintre n’a eu le moindre problème de la profondeur. C’est pour rire ça, un problème de profondeur.

Bon le second, les couleurs, elles ne montent pas ; qu’est-ce que c’est le danger là ? Le danger, c’est — on le dit très bien, les peintres le disent très bien — c’est… qu’est-ce que c’est ? C’est les couleurs marais, c’est un marais, un marécage, un gâchis, un gâchis, j’ai fait un gâchis. C’est gris, c’est de la grisaille. Les couleurs qui ne montent pas, les plans qui ne tombent pas, c’est terrible. C’est… qui tombent les uns sur les autres. C’est la confusion. Les couleurs qui ne montent pas, c’est la grisaille. Tiens, c’est la grisaille. Ah bon ? Est-ce que ça ne va pas nous aider un peu ? C’est la grisaille. [106 :00] En effet, ça fait des tableaux, finalement à la limite des tableaux sales. Gauguin il était très vexé parce qu’un très bon critique du temps avait dit : tout ça c’est des couleurs “sourdes et teigneuses”. [Rires] Ça, il ne lui avait pas pardonné, vingt ans après il se rappelait ça, “la couleur sourde et teigneuse”, qu’on avait dit ça de lui. C’est difficile la couleur, c’est difficile de sortir du sourd, du teigneux, de la grisaille. [Il s’agit de Joris-Karl Huysmans, en décrivant l’atelier de Gauguin, L’Art moderne (1883); référence établie par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023); référence fournie avec nos remerciements par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023)]

Ah bon, mais qu’est-ce que ce serait alors ? Comment ça se fait, ça ? Pourquoi j’introduis cette idée ? Eh bien, parce que… [Deleuze ne termine pas] Il y a un texte célèbre que tous les peintres ont toujours répété, un texte de Delacroix où il dit : “Le gris, c’est l’ennemi de la couleur, c’est l’ennemi de la peinture” (note du 15 septembre 1882). On voit bien ce que ça veut dire, hein ? [107 :00] Le gris à la limite c’est quoi ? C’est là où le blanc et le noir se mélangent. A la limite où toutes les couleurs se mélangent. Toutes les couleurs se mélangent, [les] couleurs ne montent pas. C’est de la grisaille.

Or le même Cézanne, pas longtemps après ce texte que je viens de lire, dit ceci. Ecoutez un peu. Il dit à Gasquet : « J’étais à Talloires. […] Des gris, en veux-tu ? En voilà, et des verts, tous les verts de gris de la mappemonde. Les collines environnantes sont assez hautes, il m’a semblé. Elles paraissent basses, et il pleut. Il y a un lac entre deux goulets, un lac d’anglaises. Les feuilles d’album tombent toutes aquarellées des arbres. Assurément c’est toujours la nature, mais pas comme je la vois, comprenez-vous ? Gris sur gris. » Gris sur gris. [108 :00] « On n’est pas un peintre tant qu’on n’a pas peint un gris. L’ennemi de toute peinture est le gris dit Delacroix. Non, on n’est pas un peintre tant qu’on n’a pas peint un gris » (Conversations, p. 117).

Qu’est-ce qu’il veut dire ? C’est bien, parce qu’il a tort de s’en prendre à Delacroix. Le texte de Delacroix, il est aussi important et aussi passionnant que celui de Cézanne et en plus ils disent exactement la même chose. Il y a un gris qui est le gris de l’échec. Et puis il y a un autre gris. Il y a un autre gris. Qu’est-ce que c’est ? Il y a un gris qui est celui de la couleur qui monte. Il y aurait deux gris ? Là je sens [qu’] on peut… Ça touche tellement des … Ou bien il y aurait beaucoup de gris, il y aurait énormément de gris. [109 :00] En tous cas ce n’est pas le même gris. Le gris des couleurs qui se mélangent, ça, c’est le gris de l’échec, et puis [il y a] un gris qui serait peut-être comme le gris du brasier, qui serait peut-être un gris essentiellement lumineux, un gris d’où les couleurs sortent.

Il faut aller très prudemment parce que c’est bien connu qu’il y a deux manières de faire du gris. Kandinsky le rappelle, il a une belle page là-dessus, sur les deux gris, un gris passif et un gris actif. [Du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier (Paris : Gallimard, 1989) pp. 129-130; référence fournie avec nos remerciements par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023)] Il y a le gris qui est le mélange de noir et de blanc et, en même temps, on ne va pas pouvoir s’en tenir à ça. Je le précise tout de suite pour éviter les objections. Il y a un gris, mettons, qui est un mélange de noir et de blanc, et puis il y a un gris qui est un mélange, le grand gris, et ce n’est pas le même, qui est mélange de vert et de rouge, [110 :00] ou même d’une manière plus étendue, qui est un mélange de deux couleurs complémentaires, mais avant tout, un mélange de vert et de rouge. Or Delacroix parlait de cet autre gris, le gris là, du vert/ rouge. Ce n’est pas le même gris, évidemment.

Alors ce serait facile pour nous de dire, “ah bien oui, il y a un gris des couleurs qui se mélangent, c’est le gris blanc/noir.” Et puis il y a un gris qui est comme la matrice des couleurs, le gris vert/rouge. Kandinsky appelle le gris vert/rouge un véritable gris “dynamique”, dans sa théorie des couleurs, un gris qui monte, qui monte à la couleur. Bon, mais, pourquoi ce n’est pas suffisant de dire ça ? Parce que si on prend par exemple la peinture chinoise ou japonaise, c’est bien connu qu’elle [111 :00] obtient déjà toutes les nuances qu’on veut, mais une série infinie de nuances de gris à partir du blanc et du noir. Donc on ne peut pas dire que le mélange de blanc / noir il n’est pas matrice aussi. Simplement je pose la question du gris. Pourquoi je pose la question ? Sans doute pour passer de Cézanne à Klee, parce que l’histoire du gris, on va voir qu’elle est complètement reprise.

Je résume tout pour Cézanne. Voilà ce qu’il nous dit : il nous a donnés quand même un renseignement inappréciable pour nous : La catastrophe fait tellement partie de l’acte de peindre qu‘elle est déjà là avant que le peintre puisse commencer sa tâche. Il nous a donné une précision. C’est une précision dont on n’est pas sorti, vous voyez. Pourquoi ça m’intéresse ? Parce que, qu’est-ce qu’on est en train de tenir, de commencer à tenir ? On est en train, et ça, ça m’intéresse, enfin pour mon compte, [112 :00] ça m’intéresse.

Il ne suffit pas de mettre la peinture en rapport avec l’espace, parce que c’est évident. Je crois même que pour comprendre son rapport avec l’espace, il faut passer par le détour. Quel détour ? Le détour : la mettre en rapport avec le temps. Un temps propre à la peinture. Traiter un tableau comme si un tableau opérait déjà une synthèse du temps. Dire un tableau implique une synthèse du temps. Dire faites attention, le tableau, il ne concerne l’espace que parce que, d’abord, il incarne une synthèse du temps. Il y a une synthèse du temps proprement pictural et l’acte de peindre se définit par cette synthèse du temps. Donc ce serait une synthèse du temps qui ne convient qu’à la peinture.

Si je me dis, comment trouver et comment arriver à définir — si cette hypothèse était juste — comment arriver à définir la synthèse du temps que je pourrais appeler proprement picturale, on commence [113 :00] à apercevoir. Supposons que l’acte de peindre renvoie nécessairement à une condition pré picturale, [Pause] et d’autre part, que quelque chose doive sortir de ce que cet acte affronte. L’acte de peindre doit affronter sa condition pré picturale de telle manière que quelque chose en sorte. Là j’ai bien une synthèse du temps. Sous quelle forme ? Une temporalité propre à la peinture sous la forme d’un pré pictural, avant que le peintre commence, d’un acte de peindre et d’un quelque chose [114 :00] qui sort de cet acte, bon, et tout ça serait dans le tableau. Ce serait le temps propre du tableau, au point que de tout tableau, je serais en droit de dire : Quelle est la condition pré picturale de ce tableau ? Ce n’est pas du tout des catégories générales. Où est, où est, montrez-moi l’acte de peindre dans ce tableau, et qu’est-ce qui sort de ce tableau ? J’aurais donc ma synthèse du temps proprement picturale.

Si je prends donc, si je récapitule de ce point de vue le thème de Cézanne, premièrement : conditions pré picturales : le chaos, [115 :00] le chaos ou l’abîme, d’où sortent les grands plans projetés. Voilà, premier.

Deuxième temps : l’acte de peindre comme catastrophe. Il faut que les grands plans soient emportés par la catastrophe. Et qu’est ce qui en sort ? La couleur. Bon, je passe.

Il ne faut surtout pas que vous vous reposiez, ni que vous réfléchissiez, surtout pas. Je passe à Paul Klee. Paul Klee a toujours eu une affaire très bizarre dans tous ses, dans beaucoup de ses textes ; ça revient : le thème du point gris, [116 :00] ce qu’il appelle le point gris. Et on sent qu’il a un rapport avec le point gris, c’est son affaire à lui et c’est comme ça qu’il peut expliquer ce que c’est pour lui que peindre. Et ce n’est pas à tel texte, il y a par exemple dans ce qui a été traduit sous le titre Théorie de l’art moderne dans les éditions Médiations. Il y a un texte de Klee qui s’appelle “Note sur le point gris”, page 56. Mais jusqu’au bout, il ne lâchera pas son idée du point gris et les aventures du point gris. Il en parle partout, enfin il en parle souvent. Et voilà ce qu’il nous dit ; je lis très vite, là :

« Le chaos comme antithèse de l’ordre n’est pas proprement le chaos, [117 :00] ce n’est pas le chaos véritable. C’est une notion localisée, relative à la notion d’ordre cosmique. Le chaos véritable ne saurait se mettre sur le plateau d’une balance, mais demeure à jamais impondérable et incommensurable. Il correspondrait plutôt au centre de la balance.” En fait il ne correspond pas, « plutôt » il dit. Vous allez voir pourquoi il ne correspond pas. Qu’est-ce qu’il nous dit là ? Il est très philosophe ; il dit, si vous parlez du chaos vous savez, vous ne pouvez pas vous le donner comme ça parce que si vous vous le donnez, vous ne pouvez pas en sortir. Il dit, moi je suis prêt à me le donner. Je suis prêt à me le donner parce que je suis peintre. Mais, vous ne pouvez pas, du point de vue de la logique, vous donner le chaos comme si c’était l’antithèse de quelque chose parce que le chaos, il prend tout et il risque de tout prendre. [118 :00] Vous ne pouvez pas dire le chaos c’est le contraire de l’ordre. Le chaos, il n’est relatif à rien. Il n’est l’opposé de rien, il n’est relatif à rien, il prend tout. Et il met donc en question déjà dès le début toute pensée logique du chaos. Le chaos n’a pas de contraire, non il n’a pas de contraire. Si vous posez le chaos comment vous pouvez en sortir ? Klee, il va essayer de dire comment il en sort pour son compte d’un chaos qui n’a pas de contraire, d’un chaos qui n’est pas relatif.

Il dit le chaos, c’est donc un non-concept. C’est intéressant ça pour ma question : “Est-ce que les peintres peuvent nous apporter des concepts ?” Oui, il commence par nous dire, le chaos vous savez si vous prenez au sérieux l’idée du chaos c’est un non-concept. Le symbole de ce non-concept est le point. Ah bon, on se dit « tiens » il faut découvrir le texte avec contentement, [119 :00] avec émerveillement. Ah, il ne s’agit pas de discuter ni même de lui demander pourquoi, il faut essayer de se laisser aller à ce texte. « Le symbole de ce non-concept est le point, non pas un point réel mais un point mathématique, » c’est-à-dire un point qui n’a pas dimension, c’est ça qu’il veut dire. « Cet être-néant ou ce néant-être » — il est très philosophe Klee — « Cet être-néant ou ce néant-être, est le concept non-conceptuel de la non-contradiction. » C’est bien, c’est très gai ça. Il dit du chaos, « Cet être-néant ou ce néant-être est le concept non-conceptuel de la non-contradiction », de la non-contradiction puisqu’il ne s’oppose à rien. Puisqu’il n’est pas relatif, c’est l’absolu. Le chaos, c’est l’absolu. Il dit c’est tout simple. [120 :00] « Pour l’amener au visible » — c’est-à-dire pour en avoir une approximation visible — « prenant comme une décision à son sujet, il faut faire appel au concept de gris, au point gris, point fatidique entre ce qui devient et ce qui meurt ».

Vous voyez c’est le point gris qui est chargé d’être comme le signe pictural du chaos, du chaos absolu. « Ce point est gris, parce qu’il n’est ni blanc ni noir ou parce qu’il est blanc tout autant que noir » Vous voyez ce gris dont il s’agit, c’est le gris du noir/ blanc. Là il le dit explicitement. « Il est gris parce qu’il n’est ni en haut ni en bas ou parce qu’il est en haut tout autant qu’en bas, [121 :00] gris parce qu’il n’est ni chaud ni froid. » En termes de couleurs, vous savez : les couleurs chaudes avec mouvement d’expansion, les couleurs froides avec mouvement de contraction, « Gris parce qu’il n’est ni chaud ni froid. Gris parce que point non-dimensionnel » — c’est un beau texte, on ne sait pas où il va, mais il y va avec une espèce de rigueur — « Gris parce que point non-dimensionnel, point entre les dimensions », « entre les dimensions et à leur intersection, au croisement des chemins. » Voilà, voilà le point gris chaos.

Il continue, et là je vais devoir mêler des textes. Il continue le texte que je cite même : « Etablir un point dans le chaos, c’est le reconnaître nécessairement “gris” en raison de sa concentration [122 :00] principielle et lui conférer le caractère d’un centre originel d’où l’ordre de l’univers va jaillir et rayonner dans toutes les dimensions. Affecter un point d’une vertu centrale, c’est en faire le lieu de la cosmogénèse. A cet avènement correspond l’idée de tout commencement ou, mieux, le concept d’œuf. » Eh bien. Il nous a apporté deux concepts : le concept non-conceptuel du gris et le concept d’œuf. Bon, si vous avez écouté le second paragraphe, je le relis très vite : « Etablir un point dans le chaos, c’est le reconnaître nécessairement gris en raison de sa concentration principielle et lui conférer le caractère d’un centre originel [123 :00] d’où l’ordre de l’univers va jaillir et rayonner dans toutes les dimensions. »

On en est là, à ce second niveau on est à la genèse des dimensions. Le premier point gris, il est “non-dimensionnel”. Le second paragraphe nous parle de toute évidence d’un second point gris. Quel est ce second point gris ? Cette fois-ci contrairement au premier, ou bien, c’est le premier mais le premier comment ? Fixé. Fixé C’est le premier centré. Si vous comprenez quelque chose, vous y voyez l’écho du texte de Cézanne. Les plans tombent. Ah. J’ai fixé le point gris non-dimensionnel. Je l’ai fixé j’en fais le centre. En lui-même il n’était pas du tout centre. Pas du tout. Là je le fixe, j’en fais un centre, de telle manière qu’il devienne matrice des dimensions. Le premier point était [124 :00] unidimensionnel, le second c’est le même que le premier mais fixé, centré.

Dans un autre texte — c’est pour ça que j’ai besoin des autres textes — il a une formule encore plus étrange, très très curieuse. « Le point gris établi », c’est-à-dire, comprenez bien, le point gris une fois fixé. Une fois pris comme centre. C’est une cosmogénèse de la peinture là qu’il essaie de faire, je crois. « Le point gris établi saute par-dessus lui-même » — vous voyez c’est le même et ce n’est pas le même. « Le point gris établi saute par-dessus lui-même dans le champ où il crée l’ordre. » Le premier point, c’était le point gris chaos, non-dimensionnel. Le second c’est le même, mais le même [125 :00] sous une tout autre forme, un tout autre niveau, un tout autre moment, il y a deux moments du point gris.

Cette fois-ci c’est le point gris devenu centre dès lors matrice des dimensions, dans la mesure où il est établi, c’est-à-dire entre les deux, il a sauté par-dessus lui-même. Et comme Klee adorait faire des petits dessins de sa cosmogénèse — vous voyez très bien le point gris qui saute par-dessus lui-même — qu’est-ce que ça veut dire ça ? J’ajoute, pris encore à un autre texte, mais elle obsède tellement l’histoire du point gris, ce texte, cet extrait de Klee, là qui me paraît alors pour nous de très, très riche. « Si le point gris se dilate » — il s’agit du second point gris comme centre devenu matrice des dimensions — « Si le point gris se dilate et occupe [126 :00] la totalité du visible, alors le chaos change de sens et l’œuf se fait mort. »

C’est la version Paul Klee de la question qu’on posait tout à l’heure : Et si le chaos prend tout ? Alors et si le chaos prend tout, bon il faut passer par le chaos mais il faut que quelque chose en sorte. Si rien n’en sort, si le chaos prend tout, si le point gris ne saute pas par-dessus lui-même, alors l’œuf est mort. Qu’est-ce que c’est l’œuf ? C’est évidemment le tableau. C’est le tableau qui est un œuf, la matrice des dimensions. Alors c’est quoi le gris de Klee ? Je dirais, pour faire le parallèle avec le texte de Cézanne :

Premier moment : le point gris chaos. [Pause] C’est l’absolu. [127 :00] Evidemment c’est avant de peindre. Pas question de le peindre ce point gris chaos. Et pourtant il affecte fondamentalement. La peinture, l’acte de peindre, il commence quand ? Il est à cheval. L’acte de peindre, il a, si j’ose dire, un pied, une main dans la condition pré-picturale, et l’autre main en lui-même. En quel sens ? L’acte de peindre, c’est l’acte qui prend le point gris pour le “fixer”, pour en faire le centre des dimensions. C’est-à-dire, c’est l’acte qui fait que le… qui fait sauter par-dessus lui-même le point gris. Le point gris saute par-dessus lui-même et à ce moment-là engendre l’ordre [128 :00] ou l’œuf. S’il ne saute pas par-dessus lui-même, c’est foutu, l’œuf est mort.

Donc les deux moments, point gris et chaos, point gris matrice entre les deux, le point gris a sauté par-dessus lui-même, et c’est ça l’acte de peindre. Il fallait passer par le chaos, parce que c’est dans le chaos qu’est la condition pré-picturale.

Alors, est-ce qu’on peut raccrocher — puisque là, Klee le fait explicitement, encore plus directement que Cézanne — avec le problème de la couleur et du gris ? Bon, est-ce que c’est le même gris ? Est-ce qu’on peut dire, est-ce qu’il suffit de dire, il y aurait même toutes sortes de questions, est-ce qu’on peut dire, ? Oui, peut-être ? [129 :00] Approximativement on peut dire, oui le premier gris, le point gris chaos, c’est le gris du noir/blanc. [Pause] Le point gris qui a sauté par-dessus lui-même, ce n’est pas le même. C’est le même et ce n’est pas le même. C’est encore le point gris, mais cette fois-ci, quand il a sauté par-dessus lui-même, est-ce que ce ne serait pas cet “autre” gris, le gris du vert/rouge, le gris qui organise les dimensions et dès lors, du même coup, qui organise les couleurs, qui est la matrice des dimensions et des couleurs ? Est-ce qu’on peut le dire ? Oui, on peut le dire. Oui, sûrement. Est-ce que c’est suffisant de le dire ? Non, parce qu’il serait stupide de dire que le gris du noir/blanc, ce n’est pas aussi déjà tout, tout l’œuf, tout le rythme [130 :00] de la peinture, tout. Donc c’est une manière de dire tout ça. Bon

Comment s’en tirer ? On progresse vraiment lentement, c’est-à-dire, on commence à apercevoir cette synthèse du temps qui est présente. A mon avis, c’est comme ça que, qu’on peut, si vous voulez, c’est vraiment une question d’assignation. Dans un tableau, eh bien oui, pour Turner ça marche de toute évidence. Pour Cézanne, ça marche. Pour Klee, bon sûrement aussi. Et vous voyez pourquoi dès lors ils peuvent se relier tellement à l’idée d’un commencement du monde. C’est leur affaire, le commencement du monde, c’est leur affaire. C’est leur affaire directe. Je veux suggérer que si [Gabriel] Faure, par exemple, … la musique, [est-ce qu’] elle a un rapport avec le commencement du monde ? Oui. Oui certainement. De la même manière ? Je ne sais pas, je ne sais pas bien. Ça, il faudra penser pour le… on ne peut pas tout, en tout cas, tout mélan[ger]. [131 :00] Voilà, alors, vous comprenez.

Bon, on se sent bloqué, donc chaque fois qu’on se sent bloqué il faut sauter à un autre peintre, mais peut-être que parmi vous il y en a… Qu’est-ce que je cherche ? Je cherche, et bien, je cherche quelque chose qui me fasse encore un peu avancer. Et j’invoque alors un peintre qui va venir… Ça ne s’impose pas, ces rapprochements, ce n’est pas des rapprochements de peintre que je fais ; je vais chercher, là ce peintre actuel, ce peintre contemporain, Bacon, parce que j’ai été très frappé, j’en reste dans les textes. La prochaine fois peut-être que je montrerai par exception un petit tableau, un petit tableau pour que vous voyiez ce que il veut dire, peut-être, mais pas la peine.

Il y a un texte très très curieux. Il a fait des entretiens, Bacon, qui ont été publiés aux éditions Skira. Et il y a un passage qui me paraît tout à fait bizarre parce que, en plus il a la chance d’être [132 :00] anglais, enfin anglais, irlandais, et il lâche un mot, il lâche un mot que les Anglais aiment bien – et ce mot alors peut-être qu’on va y trouver un salut, là dans notre … Voilà le texte. Pourquoi il vient en ce moment le texte ? Pour moi, il vient en ce moment parce que Bacon dit que, avant de peindre il y a bien des choses qui se sont passées. Avant même de commencer à peindre, il y a bien des choses qui se sont passées. Quoi ? Bon, laissons de côté. Et que, précisément c’est pour ça que peindre ça implique une espèce de catastrophe, une espèce de catastrophe, pourquoi ? Ça implique une espèce de catastrophe sur la toile, pour se défaire de tout ce qui [133 :00] précède, de tout ce qui pèse sur le tableau avant même que le tableau ne soit commencé. Comme si le peintre avait à se débarrasser, alors comment appeler ces choses dont il doit se débarrasser ? Qu’est-ce que c’est que ces fantômes dont le peintre… qu’est- ce que c’est que cette lutte avec des fantômes avant de peindre ?

Les peintres, ils ont souvent donné un mot, presque technique, dans leur vocabulaire à eux : les clichés. On dirait que les clichés ils sont déjà sur la toile alors, avant même qu’ils aient commencé, que le pire est déjà là, que toutes les abominations de ce qui est mauvais dans la peinture est déjà là. Les clichés, Cézanne, il connaissait ça, la lutte contre le cliché avant même de peindre. [134 :00] Comme si les clichés étaient là comme des bêtes qui se précipitaient, elles étaient déjà sur la toile avant que le peintre ait pris son pinceau. Et il va falloir — là on comprend un petit peu mieux peut-être si c’est ça ; on va comprendre pourquoi la peinture est nécessairement un déluge – il va falloir noyer tout ça, va falloir empêcher tout ça, va falloir tuer tout ça, empêcher tous ces dangers qui pèsent déjà sur la toile en vertu de son caractère pré- pictural ou de sa condition pré-picturale. Il faut défaire ça, et même si on ne le voit pas, ils sont là, ces espèces d’ectoplasmes qui sont déjà… Alors ils sont où ? Eh bien dans la tête, dans le cœur ? Ils sont partout. Dans la pièce, dans la pièce ils sont là. C’est épatant, c’est des fantômes quoi… Ils sont là ; on ne les voit pas mais ils sont déjà là. Si vous ne passez pas votre toile dans une catastrophe de fournaise ou de tempête, [135 :00] etc., vous ne produirez que des clichés. On dira, oh ! il a un joli coup de pinceau, ah c’est bien ça, un décorateur quoi, un décorateur. Oui c’est bien, c’est joli ! c’est bien fait, ah oui c’est bien ! Ou bien un dessin de mode, les dessinateurs de mode ils savent bien dessiner et c’est de la merde en même temps, ça n’a aucun intérêt, rien, zéro quoi. Zéro, bon.

Il ne faut pas croire qu’un peintre, un grand peintre il ait moins de danger qu’un autre. Simplement, lui dans son affaire, il sait tout ça. C’est-à-dire un dessin parfait, ils savent tous en faire. Ils n’ont pas l’air mais ils savent très bien, ils ont même parfois appris ça dans les académies où il y a eu un temps où ils apprenaient très bien ça. Eh bien, et même on ne conçoit pas un grand peintre qui ne sache pas très bien faire là ces espèces de reproductions, tous y sont passés, tous, tous, tous. [136 :00] Bon, mais ils savent que c’est ça qu’il faut faire passer par la catastrophe. Vous voyez, si la catastrophe — on commence à préciser un peu, et pourtant c’est très insuffisant ce que je dis ; je ne dis pas du tout qu’on en restera là — mais je dis : si l’acte de peindre est essentiellement concerné par une catastrophe, c’est d’abord parce qu’il est en rapport nécessaire avec une condition pré picturale et d’autre part parce que dans ce rapport avec une condition pré picturale il doit rendre impossible tout ce qui est déjà “menace” sur la toile, dans la pièce, dans la tête, dans le cœur. Donc il faut que le peintre se jette dans cette espèce de tempête, qui va quoi ? Qui va précisément annuler, faire fuir les clichés ; la lutte contre le cliché. Bon.

Supposons, [137 :00], alors Cézanne, en effet, la lutte contre le cliché chez Cézanne, c’est, c’est presque une, c’est un truc où, comprenez, si quelqu’un met toute sa vie dans la peinture et la lutte contre le cliché, ce n’est pas un exercice d’école. C’est quelque chose où il risque de… Vous comprenez, c’est terrible. On est coincé à première vue, du moins le peintre est coincé : s’il ne passe pas par la catastrophe, il restera condamné au cliché. Et même si vous lui dites : “oh c’est quand même très beau, ce n’est pas des clichés,” ça pourrait n’être pas des clichés pour les autres, pour lui ça en sera un. Il y a des Cézanne qui ne sont pas des clichés pour nous. Pour lui, c’en étaient. [Pause] Bon, ça, il faudra parler de tout ça, c’est tellement compliqué, c’est pour ça que les peintres sont tellement sévères, les grands peintres sur leur propre œuvre, c’est pour ça qu’ils jettent tellement de trucs. [138 :00]

Alors ça c’est un premier danger. On ne passe pas par la catastrophe. On évite la catastrophe. Est-ce qu’il y a de grands peintres qui ont évité la catastrophe, ou bien, on la réduit au minimum, tellement au minimum qu’elle ne se voit même plus ? Peut-être qu’il y a de grands peintres qui ont été assez… Je ne sais pas, un peu putain… Ils ont l’air de passer pour… Mais rien du tout. Et puis, il y a l’autre danger : on passe par la catastrophe et on y reste. Et le tableau y reste. Ah bien, ça arrive tout le temps ça. Comme dit, comme dit Klee, « le point gris s’est dilaté ». Le point gris s’est dilaté au lieu de sauter par-dessus lui-même.

Voilà le texte de Bacon… Hou la la, eh bien, je n’ai pas le temps. Je n’ai pas le temps. Eh bien, voilà alors vous voyez, on en est là, un texte de Bacon dit… Voilà ce qu’il dit. [139 :00]. Bon non, je veux bien le lire mais ça… C’est idiot, vous voulez ?

Quelques étudiants : Oui. [Pause, pendant que des étudiants s’en vont apparemment en faisant du bruit]

Deleuze : Oui, parce que ça vous fera, j’aimerais que vous y réfléchissiez pour la prochaine fois.

[Plusieurs étudiants demandent à ceux qui partent de faire moins de bruit : Chut ! ]

Deleuze : [Il lit en citant] « Je fais des marques. » — Son tableau, là, c’est à peu près au moment où il a… c’est le moment de Cézanne où il a les grands, les grands plans — « Je fais des marques » — c’est ce qu’il appelle des marques au hasard. Vous voyez c’est vraiment une espèce de, ou ce qu’il appelle vraiment du “nettoyage” ; il prend une brosse ou un chiffon, et il nettoie une partie du tableau, une partie. Retenez toujours que ça ne prenne pas tout, que la catastrophe [140 :00] ne prenne pas tout. Il établit lui-même sa catastrophe. « Les marques au hasard sont faites, » dit-il, « et on considère la chose, » — c’est-à-dire le tableau nettoyé sur une partie — « et on considère la chose comme on ferait d’une sorte de diagramme » [L’Art de l’impossible. Entretiens avec David Sylvester (Genève : Skira, 1976 ; réed. 1995] — Merveille, merveille ça va nous relancer ; retenez le mot : un diagramme, il appelle ça — « Et l’on voit à l’intérieur de ce diagramme les possibilités de fait de toutes sortes s’implanter ». Il ne dit pas, on ne voit pas des faits … [Interruption de l’enregistrement] [2 :20 :37]

Partie 4

« [C’est une question difficile, je l’exprime mal… Mais voyez, par exemple, si vous pensez à un portrait, vous avez peut-être à un certain moment mis la bouche quelque part, mais vous voyez] soudain à travers ce diagramme » [Addition du texte coupé par le changement de cassette : Entretiens, p. 115; référence fournie avec nos remerciements par David Lapoujade, Sur la peinture (Paris : Minuit, 2023)] – comprenez, c’est mauvais si ce n’est pas à travers le diagramme ; si ce n’est pas à travers le diagramme, ça donnerait une caricature, ce qu’il vient de dire, c’est-à-dire quelque chose de pas très fort quand même — « Vous avez mis à un certain moment la bouche quelque part, mais vous voyez soudain à travers le diagramme que la bouche pourrait aller », pourrait aller [141 :00] d’un point, « d’un bout à l’autre du visage ». — Bon, bouche immense, vous étirez le trait ; alors là vous direz en toutes lettres que c’est un trait diagrammatique. — « Et d’une certaine manière » – voilà le, ce qui m’importe le plus – « Et d’une certaine manière vous aimeriez pouvoir dans un portrait faire de l’apparence un Sahara ». — Faire que le tableau devienne un sahara. — « Faire le portrait si ressemblant, bien qu’il semble contenir les distances du Sahara. »

Ça veut dire, je retiens : établir dans le tableau un diagramme d’où va sortir l’œuvre : le diagramme c’est l’équivalent précisément de, du point gris de… là complètement ; [142 :00] et ce diagramme est exactement comme un sahara, un Sahara, d’où va sortir le portrait, faire le portrait ressemblant bien qu’il semble contenir les distances du sahara.

Qu’est-ce que c’est et pourquoi ce mot diagramme m’intéresse ? Parce que, c’est pour ça que je dis, est-ce un hasard ? Je ne sais pas si c’est un hasard mais je suppose que Bacon aussi, comme beaucoup d’autres peintres, lit beaucoup. Diagramme c’est une notion qui a pris beaucoup d’importance dans la logique anglaise actuelle. Bon, c’est bon pour nous, si, même c’est une occasion pour voir ce que les logiciens, certains logiciens, appellent “diagramme” notamment c’est une notion dont un très grand logicien philosophe qui s’appelle [C.S.] Peirce a fait toute une théorie extrêmement complexe, la théorie des diagrammes qui a une grande importance aujourd’hui dans la logique.

Ce n’est pas très loin non plus d’une notion [143 :00] à ma connaissance, [que] Wittgenstein emploie rarement le mot diagramme, mais Wittgenstein en revanche parle énormément des possibilités de fait. Alors je n’exclue pas même que Bacon là fasse un clin d’œil à des gens dont il connaît vaguement les conceptions, dont il a lu les livres parce que le mot diagramme est bizarre. A la limite, il peut très bien ne pas avoir lu et prendre le mot diagramme qui a un certain usage assez courant, je crois, en anglais.

Et qu’est-ce qu’il nous dit là, qu’est-ce qui m’intéresse ? Vous voyez le diagramme, c’est cette zone de nettoyage, qui à la fois fait catastrophe sur le tableau, c’est-à-dire efface tous les clichés préalables, fussent des clichés virtuels. [Voir Francis Bacon, p. 93] Il emporte tout dans une catastrophe et c’est du diagramme, c’est-à-dire l’instauration de ce Sahara dans le tableau. C’est du diagramme [144 :00] que va sortir la Figure, ce que Bacon appelle la Figure.

Bon, je dirais, là le mot diagramme, est-ce qu’il peut nous servir ? Oui d’une certaine manière parce que, je dirais : appelons diagramme, à la suite de Bacon, appelons diagramme cette double notion, autour de laquelle on tourne depuis le début, de catastrophe germe ou chaos germe. Le diagramme ce serait le chaos germe. Ce serait la catastrophe germe, puisque aussi bien dans le cas de Cézanne que dans le cas de Klee, on a vu : il y a à cette instance très particulière, la catastrophe qui est telle qu’elle est catastrophe et en sort quelque chose qui est le rythme, la couleur, ce que vous voulez. Eh bien, cette unité pour faire sentir cette “catastrophe-germe”, [145 :00] ce “chaos-germe”, ce serait ça, ce serait ça, le diagramme. Dès lors, le diagramme, il aurait bien tous les aspects précédents, à savoir sa tension vers la condition pré-picturale. D’[une] part, il serait au cœur de l’acte de peindre, et d’autre part, c’est de lui que sortirait, devrait sortir quelque chose.

Si le diagramme s’étend à tout le tableau, gagne tout, tout est gâché. S’il n’y a pas le diagramme, s’il n’y a pas cette zone de nettoyage, s’il n’y a pas cette espèce de zone folle lâchée dans le tableau de telle manière que les dimensions en sortent et les couleurs aussi, s’il n’y a pas ce gris du gris vert/rouge, dont toutes les couleurs vont monter, à partir duquel toutes les couleurs vont monter et faire leurs gammes ascendantes, il n’y a plus rien. [146 :00]

D’où tout ce qui nous paraissait complexe — on a fait un gain minuscule — tout ce qui nous paraissait complexe dans ces idées doubles de “chaos, catastrophe, germe”, on peut au moins les unifier dans la proposition d’une notion qui, elle, serait proprement picturale, à savoir un “diagramme”. A ce moment-là qu’est-ce que c’est un diagramme d’un peintre ? Bon, il faudrait que la notion redevienne picturale. Ça nous ouvre beaucoup d’horizons, des horizons logiques, faire une logique du diagramme. Ce serait peut-être la même chose qu’une logique de la peinture, si on l’oriente dans cette voie. Mais d’autre part, un peintre il aurait un diagramme ou plusieurs ? Qu’est-ce que ce serait le diagramme d’un peintre ? Ce n’est pas le même pour tous les peintres, sinon c’est une notion qui ne serait pas de peinture. Il faudrait trouver le diagramme de chaque peintre. Ça, ça pourrait être intéressant et puis peut-être qu’ils changent de diagramme. Il y a peut-être, on pourrait même peut-être dater les diagrammes. [147 :00] Qu’est-ce que ce serait un diagramme qu’on pourrait montrer dans le tableau, variable d’après chaque peintre, variable même à la limite d’après les époques, qui pourrait être daté ? Je dis diagramme de Turner 1830. C’est quoi ? C’est des idées platoniciennes ? Non puisqu’on les date, elles ont des noms propres. Et ça c’est le plus profond de la peinture. Diagramme de Turner c’est quoi ? Bon. Je ne vais pas le résumer dans un tableau.

Diagramme de Van Gogh. Là on sent l’aise parce que c’est l’un des peintres dont on voit le mieux le diagramme. Ce qui ne veut pas dire qu’il ait une recette. Mais chez lui tout se passe comme si le rapport avec la catastrophe était tellement exacerbé que le diagramme apparaît à l’état presque pur. Chacun sait ce que c’est qu’un diagramme de Van Gogh : c’est ce monde infini des petites hachures, des petites virgules, des petites trois qui vont tantôt, suivant [148 :00] les tableaux – et ce n’est pas une recette évidemment — qui vont tantôt faire palpiter le ciel, tantôt gondoler la terre, tantôt entraîner complètement un arbre — donc vous allez aussi bien retrouver — qui n’a rien à voir avec une idée générale — mais que vous allez aussi bien retrouver dans un arbre, dans un ciel, sur la terre, et qui va être le traitement de la couleur de Van Gogh. Et ce diagramme, je peux le dater. En quel sens je peux le dater ? Tout comme le diagramme tout autre de Turner. Je peux dire oui, ce diagramme des petites virgules, des petites croix, des petits trois, etc., je peux montrer comment dès le début d’une certaine manière obtuse, obstinée, Van Gogh est à la recherche de ce truc-là.

Mais est-ce par hasard et pour notre réconfort à nous pour finir, que Van Gogh, il découvre la couleur très tard, que ce génie voué à la couleur [149 :00] passe toute sa vie dans quoi ? Dans la non-couleur, dans le noir et blanc. Comme si la couleur le frappait d’une terreur et qui remet toujours, qui remet toujours à l’année suivante, l’apprentissage de la couleur, et qu’il patauge dans la grisaille mais alors vraiment dans le gris du noir/blanc et qu’il vit de ça et qu’il envoie à son frère ses dessins. Il lui réclame tout le temps de la craie de montagne. Je ne sais pas ce que c’est la craie de montagne, mais c’est la meilleure craie, il dit la craie de montagne, envoie-moi de la craie de montagne, je n’en trouve pas ici. Bon, fusain et craie de montagne et tout ça, il passe son temps avec ça. Et il se prend les pieds… ça va mal, ça va très très mal. Comment est-ce qu’il rentrera dans la couleur ? Qu’est-ce qu’il se passera quand il va entrer dans la couleur et quelle entrée il va faire dans la couleur, après s’être tellement retenu ?

Bon là alors, l’histoire de Klee, elle devient vitale, dramatique. Le point gris saute par-dessus lui-même. [150 :00] Le point gris du noir et blanc devient matrice de toutes les couleurs. Ça devient le point gris du vert/rouge ou le point gris des couleurs complémentaires. Il a sauté par-dessus lui-même. Van Gogh est entré dans la couleur, et cela parce qu’il a affronté son diagramme. Et son diagramme c’est quoi ? C’est la catastrophe, c’est la catastrophe germe, à savoir ces espèces de petites virgules, de petites anguilles colorées avec lequel il va faire tout son apprentissage et toute sa maîtrise de la couleur.

Et qu’est-ce qui va se passer ? Quelle expérience il va avoir ? Et je peux le dater, je peux dire en gros, oui en gros. Tout comme le diagramme Turner, il faut dire 1830 parce que c’est là que Turner, si fort qu’il ait pressenti avant son propre diagramme, affronte directement le diagramme.

Et Van Gogh 1888. C’est au début de 1888 que vraiment son diagramme là, devient quelque chose [151 :00] de maîtrisé, de… et en même temps de pleinement varié puisque ses petites virgules, vous remarquerez dans tous les Van Gogh, tantôt elles sont droites, tantôt elles sont courbes, elles n’ont jamais la même courbe, etc.

C’est ça la variabilité d’un diagramme. Le diagramme c’est en effet une chance de tableaux infinis, une chance infinie de tableaux. Ce n’est pas du tout une idée générale. Il est daté, il a un nom propre, le diagramme de untel, de untel, de untel et finalement c’est ça qui fait le style d’un peintre. Alors il y a un diagramme Bacon sûrement. Quand est-ce qu’il l’a trouvé son diagramme ? Bon, il y a des peintres qui changent de diagramme. Oui, il y en a qui ne changent pas, ça ne veut pas dire qu’ils se répètent, pas du tout. Ça veut dire qu’ils n’en finissent pas de… de l’analyser, leur diagramme. D’où on en est à cette question, bon. Voilà qu’une notion peut être adéquate à cette longue histoire de la catastrophe et du germe dans l’acte [152 :00] de peindre : ce serait précisément cette notion de diagramme.

Oh la la, 1h20, bon dieu…

Claire Parnet : C’est malade.

Deleuze : Qu’est-ce qui m’a pris ? [Fin de la séance] [2 :32 :12]

 

Notes

For archival purposes, the English translation is based on the original transcript from the Paris 8 team, revised with reference to the BNF recordings available thanks to Hidenobu Suzuki as well as the Haas transcript. The translation was completed in January 2020, updated in April 2020 and June 2022, with additions and a revised description completed in September 2023. Both the transcript (and the translation) have benefited greatly from the corrections brought to the transcription in preparation for publishing Sur la peinture (Paris: Minuit, 2023), edited by David Lapoujade, with revisions made in March 2024. See specific acknowledgments in footnotes.

Section 1 of the full transcript, and the corresponding audio file (part 1), constitute the end of Deleuze’s “Spinoza: The Velocities of Thought” seminar. These are available as a separate data set in the “Spinoza” seminar, session 15. The “Painting and the Question of Concepts” seminar begins with section 2 of the transcript and the corresponding audio file (part 2), and at the (approx.) 54:04 mark of the complete audio file.

June 3, 1980

[An event] only exists insofar as it is effectuated in persons and things. War doesn’t exist independently of the soldiers who are subjected to it, the materials that are deployed, the places involved… that is to say it is only effectuated in states of things and persons. Otherwise what are we talking about? What war? The pure idea of war? What would that mean? So I have to reassert that every event is of this type, and at the same time I maintain that in every event, however small or insignificant, there is something that exceeds its effectuation. There is something that cannot be effectuated.

Seminar Introduction

At the request of students in the seminar, Deleuze agrees to close the year, as well as his years at Vincennes, with reflections not only on Anti-Oedipus (as A Thousand Plateaus is about to appear in print), but also on more general topics in his writings. While Deleuze’s remarks in the first session are generated from specific questions and comments from participants, the second session consists almost solely of Deleuze speaking, continuing where he left off the previous week and presenting material developed over a decade earlier, in Logic of Sense.

Please note that the session recording available on YouTube contains fifteen minutes at the end heretofore not transcribed and untranslated which is presented for the first time on the Deleuze Seminars site.

English Translation

Edited

In many ways, this final session at Vincennes is a model session in which Deleuze constructs a philosophical problem and its justifications. First, he reviews the importance of lines of flight, suggesting life consists in living on lines of flight with their inherent dangers from possible lines of destruction, and referring to Blanchot’s The Work of Fire, he insists on the immeasurable distance between “he” and “I”, whereby one is deprived of the power of “I”, on the basis of which the whole of language can be organized, perhaps as a matter of style. Contrasting Émile Benveniste’s work on how the third-person pronoun, Deleuze reaches the core of his problem in construction: whereas in Blanchot, language submits to a surface tension that pulls language toward its periphery, toward the “he” that no longer designates any person, in Benveniste, a concentration or interior centering occurs that drags the whole of language towards the personal pronouns. Blanchot implicitly rejects such “personology” in favor of a movement that surpassed the “I” and “you” towards a third-person “he”/“it” that is even more profound and pertains to no person, notably the derivation of people individuated as events evident in writers as diverse as Kafka, the Brontë sisters, D.H. Lawrence, Virginia Woolf, Schopenhauer and Nietzsche. From this, Deleuze shifts to the question of morality, contrasting Benveniste’s moralism of the person to a morality of the tribe, reading Joë Bousquet’s phrase, “My wounded existed before; I was born to embody it”, meaning that an event can only exist insofar as it is effectuated or realized in people or things, yet always with something in the event that surpasses its effectuation. This sense of the event brings Deleuze to Bousquet’s phrase, “The problem is to become worthy of what happens to us”, to accept the event, not in resignation, but as something incorporeal, no longer my wound, but the it-wound. Then, Deleuze entertains several students’ questions, one on death and suicide, another on the sense of “being worthy”, another on his use of the term “morality”. In response to the latter, Deleuze refers to Spinoza’s use of the term “ethics”, linking it as well to “ethology”, and concluding the construction of the philosophical problem by returning to Blanchot’s use of personal pronouns, particularly his use of the “he/it” (il), linking this to the “it” of the event. Finally, in departing from Vincennes, Deleuze mentions that while he does not know what he will be teaching, his dream would be to organize a course on “What is philosophy?”, but that anything he teaches will depend on those who attend his courses.

Gilles Deleuze

Seminar on Anti-Oedipus, 1980

Lecture 02, 03 June 1980

Transcribed by Méropi Morfouli (Paris 8)

Translated by Graeme Thomson and Silvia Maglioni, from a video of the lecture made by Marielle Burkhalter (an excerpt is available at Daily Motion); translation edited and completed by Charles J. Stivale

Part 1

… The fact that you are numerous, quite numerous, while the last time, it’s curious, you weren’t that numerous, and all this is…

So I’m reminding you it’s our last session. For those who need to see me for matters relating to our work, I am leaving for ten days, but I’ll be gone, and I’ll come back here to see those who need to see me, starting from the… around the 20th of June. Well, there it is, so you understand, this is how it is.

The last time, we began with some sorts of very vague conclusions, since these were not only conclusions regarding this year but covering a kind of undertaking — it’s a good thing to end here, whereas we don’t quite know where we will be next year — well, some conclusions about, or some lines of research about the work we have been doing here for several years.

I’ve started on some things, on “what is it?”, I’ve come back to things on: “what it is?”, I’ve tried to define as a line of flight, what are lines of flight? How does one live on lines of flight? What does it mean exactly, and most of all, how might the line of flight or the lines of flight turn out and run a risk of their own? I was saying basically for those who weren’t here, I was saying, well yes, the problem of an analysis, it may not be at all to do a psychoanalysis but to do, for example, one can conceive of something else, a geo-analysis.

And a geo-analysis is precisely, it comes from the following idea: it is that people, whether individuals or groups, they are made up of lines. It’s an analysis of lineaments, to draw the lines of someone, literally, to create someone’s map. So then, the very question “does that mean something or not?”, obviously that loses all meaning. A line doesn’t mean anything. Merely creating the map with the sorts of lines of someone or of some group, of an individual, namely, what are all these lines which merge together? In fact, it seems to me, we could conceive of people as hands. Each of us is like a hand or several hands. We’ve got lines, but these lines do not tell the future since they don’t pre-exist, but fine, there are lines of all kinds of types, and among others, there are lines we can call lines of borders, of slopes or of flights. And in a certain way, to live is to live on, in any case also, it’s to live on these lines of flight. So this is what I’ve tried to explain, but each type of line has its dangers.

This is why, this is why it’s good, this is why it’s very good, one can never say; this is my escape route. Salvation or despair always comes from another line than the one we expected. We’re always taken by surprise. I was saying that the line of flight’s very own danger is that it brushes against some such strange things of which, in a certain way, are the ones we most have to be wary. It’s the ones we are tracing that we have to mistrust most because that’s where we brush against the biggest dangers. [Trans. Thomson/Maglioni:] Namely, lines of flight always harbour a potentiality, a kind of potency [puissance], a possibility that they will be transformed into lines of destruction, into lines of despair or destruction.

So, I tried explaining that the last time, for me at least, these are lines of life, that’s what they are first and foremost. And it is on the peaks, these peaks of flight that life is made and is created. And this is also where the line of flight risks becoming a line of death, a line of destruction and so on.

And last time I was getting quite moralistic, but I don’t see a problem with that since I was speaking of dignity, of what is shameful in the cult of death. What is this cult of death that can suddenly derail a line of flight, block or entrap it? Or else try to graphically imagine a line of flight that suddenly veers off and plunges into a sort of – there is no better word for it – into a sort of black hole. All of that can happen.

But today, given that I don’t wish to repeat myself excessively, I would like to examine a perhaps related problem, but in a completely different context. This is a problem very close to my heart and I’ve been wanting to speak about it for a long time but the occasion has never arisen, so I’ll take it up now as a… [Deleuze does not complete this] It’s a question that interests me greatly, and I’d like it to seem to start easily, and for you to ask yourself: What relationship does this have with what you’ve just summarized? And perhaps this relationship will emerge little by little, so let’s forget all that. And here, I’m going to make what would almost be a summary, though not on my own account. I would like it to be a bit like an exercise where I’m taking the risk in front of you of constructing a problem with the help of certain authors who will furnish me with materials that are closely related to it. There you have it. First point: once again I’ll number them because… [Someone interrupts Deleuze with some pamphlets or handouts placed on the table] Oh my God, there we are, well, yes…

Yolande (seated near Deleuze): They distributed them, on the table, this morning…

Deleuze: There we are, there we are…

Another student: They’re not from me!

Deleuze: There you go… this is what I call abjection… this is truly abjection. Just recall, even if you may note recollect all this, please remember the words of Unamuno that I find so wonderful. When the Francoist generals arrived shouting: “Long live death!”, Unamuno replied: “Never have I heard such a stupid and repulsive cry.” So I don’t know if whoever writes this type of stuff… [Deleuze holds up a pamphlet that he has found on his desk to show the class] … if they think they’re being funny or humorous…

Yolande: And furthermore, they use your work in that… it’s disgusting…

Deleuze: … for me this is disgusting, it’s filthy. It’s worse than immoral, it’s filthy! It’s pure shit!

Yolande: They make use of Nietzsche and him [Deleuze], it’s really disgusting.

Deleuze: … it’s really shit, that’s all there is… What can be done? [Laughter] It’s a document… It’s disgusting.

Yolande: No, really, they’re making use of him [Deleuze] and other… Take a look…

Deleuze: It’s nuts, really, it’s nuts…

Yolande: It’s really disgusting that they’re using them…

Deleuze: Ah, really? I hope they’re not making use of my work…

Yolande: they are, in fact! They quote Rhizome, they quote Nietzsche… Nietzsche… It’s really a very strange text…[1]

Deleuze: Okay, let’s speak about something in the same genre but more uplifting. There’s an author that many of you know well who wrote a short text that for me summarizes the core of his thinking, and that I find extremely touching even before I understand why. I’m speaking about Maurice Blanchot.

In one of his books, The Work of Fire, he writes this.[2] It’s text on Kafka; here is what he writes about Kafka. Listen attentively because this is where I want to start: “So, it is not enough for me to write ‘“I” am unhappy’”’; “It’s not enough for me to write ‘“I” am unhappy’”, “as long as I write nothing else, I am too close to myself, too close to my unhappiness, for this unhappiness to become really mine….” [p. 21, translation]

I’d like for you just to let it flow through you, not looking for anything in particular here, just staying with the tonality of the writing. It’s interesting… “As long as I say ‘“I” am unhappy… I am too close to myself, too close to my unhappiness…” And now we expect him to say something like “for this unhappiness to become exterior.” Instead, he says the opposite: “As long as I say “I,” I am too close to myself, too close to my unhappiness for this unhappiness to become really mine” [p. 21]. A great sentence, “becomes really mine”.

And he adds: “…in the form of language: I am not yet truly unhappy.” [Pause] “It is only from the moment I arrive at this strange substitution, ‘He [Il] is unhappy’ that language begins to be formed into a language that is unhappy for me, to sketch out and slowly project the world of unhappiness as it occurs in him” [pp. 21-22]. Only when I say: “He is unhappy” does this unhappiness become “really mine in the form of language”, that is, it begins to constitute the world to which this unhappiness belongs. So, “it is only from the moment I arrive at this strange substitution, ‘He is unhappy’ that language begins to be formed into a language that is unhappy for me, to sketch out and slowly project the world of unhappiness as it occurs in him. So, perhaps….” – in this expression that we haven’t yet understood, “He is unhappy.” We accept it as it is, placing our trust in Blanchot. “So, perhaps…” — when I say “I am unhappy” – “I will feel myself implicated….”

You see, he is not at all saying that one shouldn’t say “I” and concentrate on others; he is saying that it’s only when I say “he is unhappy” that the unhappiness indeed becomes in a certain sense “mine.” “So, perhaps I will feel myself implicated, and my unhappiness will be felt by this world from which it is absent….” This isn’t as good, so I’m going to cut a bit, ok? “So perhaps I will feel myself implicated…” [p. 22] Fine… fine, fine, fine.

And in what sense does this concern Kafka? Well, Blanchot says that Kafka’s stories are precisely like this. “He expresses himself in them by this immeasurable distance…” — the distance between ‘I’ [je] and ‘he’ [il] — “he expresses himself in them by this immeasurable distance, by the impossibility of recognizing himself in them.” In other words, he has reached the point at which he is deprived of — as Blanchot will say in another text, using another wonderful expression — deprived of the power to say ‘I’…”: “I reach the point at which I am deprived of the power to say ‘I’”.[3] So, we have already made some progress. This would be the “he”; the “he” [il] is the point at which I am deprived of the power to say “I” [je].

So, what is this privation? You should immediately understand how this directly connects to my topic of the previous session. There is this theme that connects directly. If I define ‘he’ as the point at which I am deprived of the power to say “I”, this is precisely the line of flight. In other words, the ‘he’ is the expression, or rather the “expressor”, of the line of flight.

Fine, but how and in what conditions do I arrive at the point at which I am deprived of the power to say ‘I’? And this point will allow us to regroup a number of notions, since we’re attempting to construct our problem. We are gathering things together. What does this reveal? What defines this point? It is certainly not the fact of whether I say ‘I’ or not. I can always go on saying ‘I.’ That is of no importance. It is silly to think that things always pass explicitly through language. One of my favorite phrases by Beckett is when one character says more or less: “I will say it if they insist…” If “they” insist, I can perfectly well say it, just like everyone else. Just that I won’t put anything into it. It’s not a question of whether one says ‘I’ or not. In a certain sense, we are all like… like Galileo. We all say the sun comes up knowing perfectly well that it’s not the sun that comes up but the Earth that turns. So, fine, we have to be able to say ‘I’ in the same way. We know that the ‘I’ is empty, but we say it nonetheless because it’s a useful marker, it’s an index, a linguistic index. Fine.

Concerning the “genius of nations”, another problem that we occasionally touch upon, and that I never manage to address, how is it possible that certain thinkers… that there is a certain geography of thought? Such that we tend not to confuse either in philosophy or in other fields, say, English, German and French philosophy. Actually, I find these rough categories to be relatively well-founded. And it’s not just a question language. There are indeed concepts that have a German signature, some good ones, perhaps even the greatest… just as there are concepts that have a French signature — alas, very few, but we are not to blame for that –, there are also concepts with an English signature. It’s strange.

As for me, to my knowledge, I’ve never seen an English person take seriously the ‘I’, the question of the ‘I’, at any level. It’s odd… All the great texts of English philosophy, and there are some wonderful examples, focus on the following idea, which is why there is a kind of frontier of unintelligibility, of non-communication, between a Cartesian and an English philosopher.

A Cartesian is a little French flower. They only bloom in France, Cartesians… And we have quite a number of them. Generally speaking, as you all know, Descartes is a philosophy founded on the “I” [moi] and on the formula that perhaps we will discuss later, if there’s time, that magical formula, “I think”, “I think therefore I am”, fine. Why does an Englishman… The Germans took up the “I think therefore I am”, because they elevated the ‘I’ to an even higher power, transforming it into what they themselves called “the transcendental ego”, the transcendental ‘I’. Good. That really is a German concept, the transcendental ego.

The English, they’re quite fine you know… In their open discussions on the matter, they say things that are much better, and much funnier. This amuses them greatly. Each time French or German philosophers speak of the ‘me’, of the subject, the English find it quite bizarre and amusing. They find it a really odd way of thinking. Their thinking always turns around a very interesting idea. If you ask them what the ‘self’ is, they’ll pass their time saying, why yes, that means something: it’s a “habit”. Literally, one expects this to continue… I [The Englishman] am saying ‘me’ [moi] on account of certain phenomena, of a belief that these will continue. No more than that. There’s a heartbeat, there’s a someone who expects it to continue and who says, ‘me’. It’s a habit. It’s wonderful this theory of the ‘me’ [moi], the self, as a habit if we attach it to a sort of lived experience. Why don’t they live like us? We should make a civilizational survey. Why, in any case, do their thinkers not live the concept of the ‘me’ [moi], the self? Fine, you see I’m focusing on… [Deleuze does not finish]

I’ll come back to Blanchot. If I try to summarize his thesis, it seems to me a very, very curious one. And it’s interesting trying to sum it up, perhaps because up to now, it hasn’t really been drawn out. We always say this to give us an incentive to continue our work. Perhaps it hasn’t been well drawn out, since it if it had been, we would find ourselves confronted with a problem, namely that Blanchot throws a bit of dynamite into the midst of all kinds of questions but without saying as much, or perhaps without even being aware of it to that point.

What do I mean by this? If I want to summarize Blanchot’s thesis, it seems to me that what he is saying is that there is… or we can, from a certain point of view and in certain conditions – I insist on a “certain point of view” and on “certain conditions” — bring out a kind of tension in language. And on the basis of this tension in language, or in any case, by virtue of this virtual tension, it doesn’t pre-exist. One has to trace it oneself; the whole of language can be organized. And this would be a style, The whole of language can be organized in function of a tension, a certain well-determined tension, a tension that would enable us to pass from the personal pronoun [Pause] ‘I-you’ [Pause] to the third person ‘he’, with the ‘he’ surpassing the ‘I-you’.

But the tension doesn’t stop here. And in the same movement, that would enable us to pass from the ‘he’ of the third person (the third person pronoun or so-called ‘personal’ pronoun of the third person), to pass from the ‘he’ of the third person pronoun to another ‘he’ that is much more mysterious and secret. Why? Because this other ‘he’ no longer even designates a third person.

[Trans. Duthey:] So consider that the tension that would be put in the language would have two main moments: to surpass the personal pronouns of the first and the second person toward the ‘he’ of the third person, and at the same time, to surpass the ‘he’ of the third person toward an unusual form, namely toward a ‘he’ which is no longer any person. Here the problem starts to come into existence: what would this ‘he’ be? What would this ‘he’ be which is no more of the third person ? It would be the ‘he’ of Kafka, the ‘he’ that Blanchot has tried to rediscover. Well, for the time being, we’re not going too fast, so let’s stay here.

So I could say this is a real tensor, this dual surpassing; this is what I called in another seminar, “a tensor of the language”, that is, we would stretch the whole language and the narrative in the language is able to, toward, we would stretch it in accordance and depending on this movement of the first and second person to the ‘he’ [il] of the third person, and at the same time from the ‘he’ of the third person to the ‘he’ which is of no person at all.

Well, provided that what is added? That at the level of this ‘he’, we still have to define what is this ‘he’ of the third [person] which is no longer of any person at all? I am saying that, far from this being a ‘he’ that’s anonymous, it would on the contrary a ‘he’ of the purest singularity. It would be a ‘he’ of pure singularity, that is, of singularity detached from any person. In another words, it would be at this level of the ‘he’, which designates no person any longer, that the singularity would be marked, that the proper name would be marked… Hey! I am saying the proper name. How come?

So here, I can sum up, even before my problem is elaborated. I can try to give you a clue by means of a sort of shortcut. I am only asking, try to conceive a position, the following position. Someone tells me: regarding the problem of the proper names, it is obvious that the proper name derives from the first and the second persons. It means, it may mean something. It means the first acceptation of the proper name would consist in this, that the proper name applies to someone who says ‘I’, or to someone to whom I say ‘you’ [tu]. That there are derived proper names subsequently, for example : proper names of countries, proper names of animal species — as when the naturalists write in block letters to designate animal species – that there are proper names of species, or proper names of cities, locations, etc., all that would derive from the first acceptation of the proper name, an acceptation which refers to ‘I’ and ‘you’ [tu]. This thesis concerning the proper names is truly simple. It consists in deriving the proper names from the forms ‘I’ and ‘you’ [tu]. You understand? It’s a possible thesis, it’s a possible thesis. Based on this, I can even invent it by myself and wonder afterwards if there are some authors who have supported it. In this case, I’m not thinking of someone in particular, but there are many, sometimes it is even implicit for them.

On the other hand, I am thinking – this is almost an example; that, with this, it’s in this way that I would like you to work, and not at all that … — I am thinking that I am an example. I am saying that only for the ones for whom this method is suitable. Suddenly, as soon as I’ve said that, a vague recollection occurs to me. So then, what I’ve just said isn’t at all erudite. There are people who derive the proper names from ‘I’ and ‘you’ [tu]. But, once I’ve said that, which implies no special knowledge, there is a memory coming to me, which does come from a kind of knowledge, at random, as we all have.

[Trans. Thomson/Maglioni:] Suddenly I tell myself, there’s a curious text by an author who isn’t much read these days, which is one more reason to point it out to you since he’s a very interesting writer with a very particular story. He was a psychiatrist, the son of an execrable historian of 19th century philosophy. He died not long ago, either during the war or just after the war. His name was Pierre Janet, Pierre Janet. At one point, he was really well known. He was a contemporary of… His works followed a parallel path to those of Freud. Neither of them ever… it’s strange; people tried to put them in contact, but nothing ever came of it. Their starting point was the same: hysteria. Janet developed a very significant concept of hysteria.

[Trans. Duthey:] And he created a quite curious psychology which he proposed to name “Psychology of Conduct,” even before Americans proposed the “Behavior Psychology”. And it seems to me a very interesting psychology. Roughly the method was: based on a given psychological determination, look for the type of conduct it represents. And it was very fruitful, because it gave things like this… I’ll limit myself, just to make you want to look up Janet’s stuff for yourself.

[Trans. Thompson/Maglioni:] It was really interesting, because he said that memory – psychology of conduct was almost a quite valid educational method at one time – he said, memory, ok, that doesn’t interest me. For me, it’s completely meaningless. I wonder what kind of conduct one can assume only through memory. And his answer was: narrative [récits]. From which he derives his celebrated postulate: “Memory is the action of telling a story.”

[Trans. Duthey:] Emotion, he said, emotion, one can’t feel if one can’t focus. You see, he used conduct as a system of coordinates for all things. Everything was conduct. Therefore it was very different from the American notion of behavior. But there was confrontation. Emotion, he said, if one doesn’t say to what kind, to what kind of conduct it refers, and he said… So I’m interrupting Janet because myself, I’ve got a childhood memory which has forever branded me. We all have childhood memories like this.

It was during the holidays when my father used to give me Mathematics lessons. I was panic-stricken, and it was all settled. That is, up to a point, I suspect we both approached it while already resigned. Since we knew what was going to happen. In any case, I knew, I knew what was going to happen beforehand, because it was all settled, regular as clockwork. My father, for that matter, knew little about Mathematics but he thought he had, above all, a natural gift for enunciating clearly. So he started, he held the pedagogical conduct, the pedagogical conduct. I was doing it willingly because this was not a joking matter; I held the conduct of the instructed, the conduct of the instructed. I displayed every sign of interest, [Laughter] of maximal understanding, but all very soberly because there was no joking….

[Trans. Thompson/Maglioni:] And very quickly, something went off the rails that consisted in the fact that after five minutes, my father began to scream, he was ready to beat me, and I burst into tears. I was just a small boy, [Laughter] I burst into tears. What was going on? It’s clear. There were two emotions in play: my profound chagrin and his profound rage. To what did these emotions correspond? To two defeats. He had failed in his conduct as a pedagogue. He couldn’t explain. He wanted to explain something to me through algebra because, he said, it was simpler and clearer that way. And if I protested, and this is how it went off the rails, I protested, saying my teacher would never let me do algebra because a six-year-old child is not supposed to have to solve a problem using algebra; he’s not supposed to do algebra. But he insisted that this was the only way he could make it clear. So, we both unravelled, defeat in pedagogical conduct: rage; defeat in the conduct of the instructed: tears. Very well, it’s a failure, a total failure.

Janet said: emotion is simply a failure in conduct. You become emotional when you fail in the conduct you’re trying to maintain, that’s when emotion arises. One of Janet’s best books, he wrote a lot, much of it bad, but one the finest books, a quite unusual book, in my view, is a massive tome called From Anxiety to Ecstasy that gathers together the seminars he gave. It’s a lovely title, if you see this book, if you have time, one day in a library, thumb through From Anxiety to Ecstasy which still seems to be a very beautiful book.

I recall that it’s precisely in From Anxiety to Ecstasy that he makes a very odd observation. Janet says: “You know what the first person is?” I’m telling you this because he wanted to demonstrate that the first person was a type of conduct. A certain type of conduct. And this is the example he gives. If there wasn’t a first person, if we weren’t able to say ‘I’, what would we have to say?

[Trans. Duthey:] For example, an example from Janet, you are a soldier, and you ask your officer for a leave. Janet thinks hard and says, — I’m not sure he is right for that matter, one would have to ponder, but it’s quite good what he says, so let’s pretend he is actually right — he says, “if there was no first person, the soldier would be compelled to say: ‘Soldier Durant asks for a leave for soldier Durant’. That is, he would be forced to redouble the proper name. This is very, very smart, I don’t know if you can feel it, this is very, very, very shrewd, very… it’s a beautiful idea. One tells oneself, even if one doesn’t quite understand what he is saying, this is a good idea; one tells oneself, “there is something in there”.

If I ask for a leave for my friend, I say: “Soldier Durant asks for a leave for soldier Dupont”; the officer answers: “Is it any business of yours?”. If I ask for a leave for myself, and if I have no sign ‘I’, [I’m forced to say: “Soldier Durant requests a leave for Soldier Durant] [Interruption of the recording] [31:06]

[…] or the personal pronoun since it can extend to ‘you’ [tu], the same reasoning, the personal pronoun, it’s economy — it would be a fine definition — it’s the economy of the reduplication of the proper name. This is good. The soldier Durant can say indeed “I ask for a leave”, allowing him to avoid saying: ‘Soldier Durant asks for a leave for soldier Durant’.

Why do I tell you this? Because, I hope you are attuned to it, it is simply the contrary of the thesis I just alluded to.

[Trans. Thompson/Magioni:] The thesis that I just alluded to was one that seemed quite simple: the proper name derives from the first and second-person pronoun. – Things get so complicated when one tries to construct a problem. So, let’s try to imagine the possibility of a reverse procedure, the possibility that in the end we could say the opposite. – This is the possibility that it’s the first and second-person pronoun that derive from the proper name. So, you understand the situation we’re now thrown into? Because if it’s true that, according to Janet’s hypothesis, the first and second-person pronoun derive from the proper name, what does the proper name designate? What does the proper name refer to?

So, at this level we find ourselves with the same problem. That is what I wanted to say. [Pause] Before starting my regrouping, which will give us a full picture of the problem we’re looking for, I want to mention another case which has a certain importance in linguistics. I’ll try to define in my own words what could be called a ‘personalism’ or a ‘personology’ in linguistics. I would say there is one great modern, contemporary linguist who developed an actual personology in linguistics: [Émile] Benveniste, it’s Benveniste. And in fact, Benveniste places particular importance on the personal pronoun in language, to the point that he affirms it to be a common feature of all languages. He places particular importance on the first and second-person pronouns. So, Benveniste proposes – and here I don’t think I’m twisting his thought, except in certain conditions that I will define later — a path of derivation that would be the following: In the first place, ‘I-you [tu]’, first- and second-person pronouns; second, ‘he’ – no, that’s not it either, no I’m wrong… Strike that —[4]

He proposes, first of all, an extraction, to extract from the ‘I’ and from the ‘you’ [tu] – the first and second-person pronouns – an irreducible form, a linguistic form that would be irreducible to any other. Second, from this irreducible form would unfold the ‘I’ and ‘you’ [tu], the first and second-person pronouns of current usage. Third, from this would unfold the third person pronoun, the ‘he.’

Why do I propose this overly abstract schema? To show you that we are in fact confronted with two schemas. I am proposing Blanchot’s and Benveniste’s, which are diametrically opposed. They are diametrically opposed in the following sense: Blanchot begins from ‘I-you’ [tu] which he surpasses through ‘he’ and then surpasses the ‘he’ by means of another ‘he/it’ [il] that would be irreducible. Benveniste begins from the personal pronoun in general from which he detaches ‘I-you” [tu] and then detaches from the ‘I’ an irreducible form.

In other words, in one case, that of Blanchot, you have what I would call “language”, a treatment of language which submits it to a tension, I would almost say – employing a term from physics –surface tension, a surface tension that drags language towards its periphery and that tends towards this mysterious ‘he’/’it’ that no longer designates any person, a surface, peripheral tension that drags the whole of language towards this ‘he’/’it’ that no longer designates any person.

In Benveniste’s work, you have the exact opposite: there’s a centering, a profound concentration that drags the whole of language towards the personal pronouns and the extraction of an ‘I’ even more profound than the personal pronouns themselves. Here we have a kind of inner concentration, an interior centering.

Georges Comtesse: This is even the same difference that arises between a linguistics of languages [langue] and a what is called a linguistics of speech [parole].

Deleuze: Yes, that’s it. Entirely correct. Because it forces him to put in question the distinction between langue and parole. And this is why Benveniste needs what he refers to as discourse. For Benveniste, discourse is a category that goes beyond the Saussurean langue-parole duality.

So, it’s from this point that I would like to start, as though I were beginning from zero, so you can understand what’s at stake, because our problem will be precisely this. We’re not choosing, in this, we aren’t choosing; we’re trying to find our way between these two possible movements. We have identified two virtual movements, which don’t exist readymade. It would truly be like two different uses of language. On the one hand, a usage that concentrates, that tends towards a deepening of the personal pronoun. And on the other, a language that is always exterior to itself, that moves beyond personal pronouns towards an impersonal usage, towards a ‘he’/‘it’ that no longer pertains to any person.

So, it’s not a question of saying that one is right and the other wrong, that’s not useful at all, but to see first of all, what these notions have to tell us and to look in them for something that is of use to us. But of use to us in what sense? That depends a lot on what each of us means in using the word ‘I’, ‘I-me’.

So, I pretend to begin again from zero. And I ask myself, what does ‘I’ mean, linguistically speaking? What is this ‘I’? Generally speaking, you know linguists have always said, and have fully demonstrated, that the ‘I’ is a very bizarre, a very particular linguistic sign. What’s more, several other linguistic signs also fit this case, though perhaps there is one that is more profound than the others. Among these, they cite as special cases the first- and second-person pronoun, I and you [tu]; they also cite the proper name and also temporal and spatial markers such as here and now. Maybe also this and that, and finally they cite proper names. All this forms quite a mixed category: first- and second-person pronouns, proper names, adverbs like ‘here’ and ‘now’, demonstrative pronouns like ‘this’ and ‘that’. Fine.

What do all these things have in common? Once again, we have to try to analyze the sign, I. As you know, linguists have invented an interesting category to describe all these cases, whose English term is shifter, which [Roman] Jakobson translates into French by the word embrayeur. He says that these are very particular linguistic categories because they are shifters. What is a shifter? [Pause] One can try to explain it by referring it to I or herenow.

Well, when I say I, what does a linguistic sign generally contain? It has a double rapport: on one hand with something, or a state of things, that it designates, which we call the rapport of designation. And on the other hand, it has a rapport with a signified, known as the rapport of signification. [Pause] If I say man, the situation is simple, it’s not a shifter. If I say man, I can assign the rapport of designation, saying that man designates this or that other man and so on. And I can equally well assign the rapport of signification. Rational animal, I could say. Man means a rational animal. I will say that rational animal is the signified of man.

Good. You see that a linguistic sign always seems to bear a designation and a signified. In different rapports, it depends… the concrete name, the abstract name, perhaps these don’t have… perhaps the abstract name has above all a signified. For example, Justice. Whereas a concrete name, for example dog, has perhaps above all a designation. Even if it can vary, names seem to have this double reference. When I say I, what is unsettling in this?  What is its designation? There isn’t one. You understand, there’s none. There seems to be one, we might say, it’s me. But what is me? There’s no designation when I say I. I can’t designate me by myself. Why? Because in principle, in the rapport of designation, there is no self-designation. The I is already a bizarre enough sign… That’s what Benveniste postulates when he says that it is self-referential, which is to say that it refers to itself and not to a state of things. In other words, whereas other signs seem to have a designation which is defined through its existence independent of the sign, the I is not attached to a designated object that has an existence independent of the sign.

Moreover, can we say that the I has a signified? The answer is no. Literally the I doesn’t signify anything. In what sense does it not signify anything? I have already said this in relation to other matters. [Bertrand] Russell has a nice formula; he says: When I say the word dog, I use a current linguistic sign. The word dog signifies something that I can designate in secondary terms under the name “dogness” or “caninity.” What is there in common between all those who say I? We can say that the I is strangely not at all a collective concept. It is a solely distributive concept. And notice that the same thing applies to here and now. But here things become more complicated.

What are these kinds of concepts that are exclusively distributive? In other words, the I refers to the person who says it. It’s quite a bizarre state for a linguistic sign. A sign that designates only who pronounces it and which has no collective signification, but only distributive signification insofar as it is effectuated by the one who speaks, the one saying it. It is ‘I’ for the one who says ‘I.’ One can trace the same passage for what an I designates as here. Here is a purely distributive concept. If I say here, also my neighbour can say here. But between these two heres there is nothing strictly in common. This is strange. I can also say – but the difference is quite significant – that they are concepts that perhaps have a signification, but one which is fundamentally implicit; it’s an enveloped signification. Which is to say that the signification is given in the signifier itself. This is a very rare occurrence.

This is where I want to refer to Descartes to pay homage to one of his finest texts, because this is one of the most beautiful texts that I know by Descartes. It’s in the Replies. You know that Descartes writes a famous book called The Meditations to which a number of his contemporaries pose objections in a book called Objections, to which Descartes answers in another text called Objections and Replies to the Objections. 

Now in Replies to the Objections he responds to an objection that has been made to his cogito in which Descartes pronounced his famous formula I think therefore I am. Many people had objected to it, saying they didn’t know what he meant by this “I think therefore I am.” And Descartes replies with great brio – I believe, in the way a logician or a linguist might speak today — He has an intuition thanks to someone who has had made objections, and he in fact invokes language. In the 17th century they already had linguists. So, at a certain point, Descartes answers, taking up the problem of language. And he says: When I say “I think therefore I am” you shouldn’t be surprised. “However bizarre it might seem to you, I am giving a definition of man.”

I find this very interesting. It seems highly mysterious. Descartes pronounces his formula “I think therefore I am” and says to an objector, “You don’t understand, it’s not just any old formula. It’s a veritable definition of man.” But why should “I think therefore I am” be a definition of man? And here Descartes becomes quite brilliant, very crafty. He says: you are accustomed to an Aristotelian manner of definition. You are accustomed to saying that man is a rational animal. Thus, you proceed by way of traditional concepts. You define a thing through its realm and its specific difference. The realm of man is the animal realm, and his specific difference is rationality.

For Descartes, such a mode of definition might be termed one that proceeds by way of explicit signification. Why explicit signification? Because when I say that man is a rational animal… Let’s say I teach, I am teaching. I have a class and I say “Man is a rational animal. Repeat!” And the students say: “Alright, so man means rational animal.”

[Trans. Duthey:] But one has to know what ‘animal’ means and what ‘reasonable’ means. Fine, so one goes up from the definition of realm [and] to the definition of the difference. Very well. You can see that it is the explicit meaning. The explicit meaning is a signifier from which the signified can and must be made explicit.

Descartes says, “What you don’t understand about my thought, when I say ‘I think therefore I am’, it’s a mode of definition of man that proceeds in an entirely different way.” For he asserts, and he will assert it in all his works, that to understand the phrase — and linguistically, this starts quite impressively  — to understand the phrase, presumably you have to know the language. But you don’t need to know what ‘to think’ and ‘to be’ mean. The meaning is enfolded in the phrase, and I can’t say ‘I think therefore I am’ without understanding, unless I only repeat it like a parrot… But if I think by saying ‘I think therefore I am’, I hereby understand by the phrase, by the signs themselves, what ‘to think’ and ‘to be’ mean.

In other words, ‘I think therefore I am’, contrary to ‘man is a reasonable animal’, is a phrase with an enfolded meaning, and not with an explicit meaning. You can see, little by little we are getting closer. And the enfolded meaning isn’t a meaning which could be developed. It is a meaning which has not to be developed, which cannot be developed because its mode of being is the enfolding.

So we may not be convinced, but we just remember that. I am saying we’re going a little further in the analysis of what the linguists call ‘shifters’. So, I would say that they are very paradoxical signs, since they are ‘sui-referential’, since they apply to whoever may utter them, or depend on who uses them. They are strictly distributive or with an enfolded meaning, it’s the same thing.

[Trans. Thomson/Maglioni:] As Russell said, going back to his phrase, the word ‘dog’ refers to a concept common to all of the beings the word designates. In other words, this concept is “dogness” or “caninity”. The I doesn’t refer to such a concept. Or, as he adds, the proper name doesn’t refer to a common concept.

[Trans. Duthey:] Several dogs, as they are named ‘dogs’, have a common concept. On the other hand, if several dogs can be named ‘Rover’, there is no such thing as a common concept we could call the ‘Rover-ity’. Here we cannot say it better, this is the status of the ‘distributive concept’. It amounts to say that ‘Rover’ as a proper noun is solely a distributive concept.

If I go on with my echoes, echoes coming from classical texts, I tell myself, let’s make a detour then, even if we mix all up for this final meeting, let’s pass by Hegel. Since he is an author that I seldom talk about, make the most of it. Besides, I’m not going exploring; I’ll stick to the very beginning of The Phenomenology of Spirit.

[Trans. Thomson/Maglioni:] At the very beginning of the Phenomenology of Spirit, it’s clear to every reader that Hegel is performing a sleight of hand, a piece of verbal acrobatics that he impudently calls dialectics. What does he say to show us that things are caught up in a movement, a continuous movement proper to dialectics, and that they are subject to a kind of movement of self-sublation? What does he do? Has anyone ever been so cunning? He tells us this: let’s begin with what is most certain. At this point we have to imagine a dialogue of the dead in which Hegel is explaining this to the English philosophers. You can guess the exact moment when the English philosophers will begin to laugh. [Laughter] Hegel says, with his usual gravity – I take back everything I’ve said about Hegel because it’s clear he’s a great genius. But anyway… [Laughter] —

But after all… anyway, anyway, try to follow me closely. He tells us a story which is rather fine and quite convincing. He tells us there is sense-certainty, entangled consciousness. It’s the starting point of Phenomenology of Spirit: consciousness mired in sense-certainty. And consciousness says that the sensible has the last word on things. Here the English philosophers might say: “This German gentleman is already betraying us.” But they might also say: “Yes, perhaps we too could say that. We’ve already said that sense-certainty is foremost and final” [première et dernière]. In fact, it’s a thematics that runs through what is called empiricism. And, as we all know, empiricism is an English invention.

So here we have consciousness caught up in sense-certainty. It matches particularity, singularity. And our splendid Hegel analyses singularity and demonstrates that it is an untenable position because we cannot take a step without overcoming the stage of sense-certainty. And in order to show this, he says that sensible consciousness is as though torn, a tear that will become the first stage in the dialectic of the Phenomenology of Spirit. It is torn because, while it presumes to seize the most particular, it in fact seizes only the abstract universal. Why does it presume to seize ‘the most particular’? It presumes to aim for what is most particular in the sensible and expresses this in saying ‘this’ [ceci], ‘here’ and ‘now’.

But as Hegel, who at this point becomes almost cheerful — which is quite unusual for him – says, “here” and “now” is the empty universal because it pertains to every moment of space – no, what am I saying? No — to every point in space of which I can say ‘here’ and every moment in time of which I can say ‘now.’ In the very moment I believe I have seized what is most singular, in fact I seize only abstract and empty generality. So, you see how, caught in this contradiction, sensible consciousness is ejected from the sensible and must move on to another stage of the dialectic.

But before this happens, the English philosophers I mentioned before will have a laugh. Why are they cracking up? Because it seems that poor Hegel has lost his head. The dialectic has to work. Hegel strikes a formidable blow because he acts as though the concepts of this, that, here, and now were common concepts, which is to say, common concepts that refer to states of things and which have an explicit signification. He treats the concepts of here and now exactly as he would the concept dog.

As a result, a supporter of sense-certainty — if he had no other reason for reading the Phenomenology – would have no qualms about closing the book, because there would, as Hegel says, be no reason to go any further. Hegel thinks that sense-certainty sublates itself because he’s performing a sleight of hand. Namely, instead of realizing that herenow, the proper name, etc. are literally shifters, he translates them as common concepts at which point, he falls into contradiction, a contradiction between the function of here and now which refer to what is most singular and the form of here and now translated into the pure universal.

But you see that that isn’t the case. We should make a special category, in saying that it’s not true that herenow, proper names and the I are not real concepts, but that they are instead very special concepts: distributive concepts. And that distributive concepts cannot be aligned with common concepts,

[Trans. Duthey:] These are concepts of a particular type. So, there are of a particular type. I’ve just tried, by taking the notion of ‘embrayeur’ or shifter, I would just like it to be relatively clear, it’s very curious indeed. When I say ‘I’, well then, it only refers to the one who utters it, to me only ; the others also say ‘I’ and there is no more community from the point of view of concept. And, well, you understand…

Is that true for all forms of ‘I’? You are going to see why I say that, we’ve almost reach the goal, at the end of what was the most difficult in what I had to say. Is that true? Is that true for all forms of ‘I’; needn’t it be detailed? It needs to be detailed for sure, because it’s only true up to a certain stage. If I say ‘I’m taking a walk’, this is an ‘I’, but at the same time, [Trans. Thomson/Maglioni:] isn’t there a great difference between the use of I in certain cases and other uses of I? Or I in certain formulae and I in other formulae. [Pause] When I say ‘I’m taking a walk’ – here I’m deliberately choosing two very distant examples. I’m still trying to construct my problem. I’ll choose two extreme examples, but we will perhaps see that everything in the middle creates problems. If I say ‘I’m taking a walk’, I clearly understand that this is a phrase… [Interruption of the taped recording] [1:02:17] which employs a shifter: ‘I.’ But is this so fundamentally different from ‘he’s taking a walk’? Meaning: is the use of I in ‘I’m taking a walk’ not already a use I would define as derived?[5]

Part 2

Which is to say an I that stands for a he. An I aligned on the he. Why? Because I can very well say ‘I walk’ while not walking. Ah, I’ve just said… Hey, the proof is that I’ve just said, ‘I walk’ and I haven’t moved. I’m not walking. Therefore, I can say ‘I walk’ without walking. Which equates to saying that the I in this case has a rapport of designation with a state of things exterior to it. And which therefore may or may not be effectuated. At this point I will say that this is a use of the term I, which is a term, okay a special sign but which can have a common use. When I say, ‘I walk,’ I don’t use the I in a sense proper to the I. I use it in a common sense, thus one which is valid for a virtual he. I say, ‘I walk’ exactly as another person would say of me ‘he walks’ or ‘he doesn’t walk.’ There is an alignment of the I upon the he.

Perhaps at this point you will understand what Benveniste has in mind when he says that it is not enough to draw out the formal specificity of the I and you with respect to the he. Something more must be done. That is to say, we have to draw out the form of this special I… We have to extract from the I an I that is even more special, more profound, and this will be at the centre of langue-parole, meaning at the centre of discourse. And what will this be? It suffices to take the opposite case to the formula ‘I walk’. When I say ‘I walk’, I use in terms of a current common usage. That is to say, I use it as a he, or as a common concept.

Let’s look for a case that is not like this. As I just said, if I say, ‘I walk’, I make a common use of I because I can say it without walking. Therefore, ‘I walk’ is a formula that refers to a state of things that is exterior and can be effectuated or not. Whereas – and here I jump to the other extreme – when I say ‘I promise’ … I say, ‘I promise’. It’s a curious phrase. It’s completely different from the point of view of a good linguistic analysis. And Benveniste was not the only one to make such an analysis. English linguists too still take pride in having done so.

So, when I say ‘I promise’… Okay, I promise… But that can also be a false promise. And yet a false promise is not a promise that is false. So, what does it mean to a say a false promise isn’t a promise that is false? It means that when I promise, when I say, ‘I promise’, whether I wish to or not, whether or not I intend to keep the promise, I do something in saying it, which is to say I actually promise. It’s enveloped in the formula.

I would say that such a formula doesn’t designate anything that is exterior to it, or at the same time, I would say that its meaning is enveloped within. [The Burkhalter video edits the following sentences up to the marker * below] This difference, I would like for you to grant me this difference, the fundamental difference between the two formulas: the ‘I’ of ‘I am taking a walk’ and the ‘I’ of ‘I promise’. In saying ‘I promise’, I’m promising. In saying ‘I’m taking a walk’, I’m not taking a walk just for that. And if we consider why there are these two different cases, linguistic analysis provides a perfect response. As an English linguist [J.L. Austin] has said, “I do something by saying this”. There are things that I do by making the statement. By saying “I promise”, I am promising; by saying “I close the window”, I’m not closing the window.

In other words, in this sense, we’ll say that there are “speech acts,”, that [*] there are certain acts typical of language from which we derive the very interesting concept developed by the English: the speech act, the act of language. These are language acts that we have to distinguish from actual actions, meaning actions exterior to language. The phrase ‘I close the window’ refers to an action that is exterior to language, whereas ‘I promise’ doesn’t refer to an external action. When I say ,‘I declare this session open’, the session is effectively open. And yet it’s not completely certain. Well, let’s suppose it is… At first glance, this could be the case. When I say, ‘I declare this session open’, the session is open. In other words, I do something by saying it. I open the session. There is no way to open the session other than by saying ‘the session is open’. It’s a speech act. You understand… Good.

So, I have my two extreme cases: ‘I take a walk’ and ‘I promise’. Or if I say ‘I greet you’… Actually, you’ll tell me that there are equivalents. Yes indeed. Instead of saying “the session is open”, I could strike a hammer three times. But these three strikes would not constitute a speech act. We will call speech act any formula in which something is done in its being said. So ‘I promise’ isn’t the same as ‘I walk’…

So, is this [distinction] so clear as these two opposite cases? Let’s look at some other examples. When I say ‘I suppose…’ what does this refer to? To which case? Or I say ‘I think…’ What case does that refer to? One senses that this is going to be complicated. If I say, ‘I reason’, which case does that refer to? Now things become interesting because if we mix all this up, I can see that Descartes — he was right; it wasn’t out of caprice that he posed objections — he is incontestably someone who thinks that the formula ‘I think’ was of the second type. I can’t say [‘I think’] without doing something by saying it, namely: without thinking. Why? Because (well, that’s his business), among his implicit presuppositions is the idea that man always thinks, so that, to a certain extent, I am unable not to think. Benveniste, however, will deny that ‘I think’ is a phrase of the second type. And he will place it in the first category.

[Trans. Duthey:] Fine, this is to say, it’s complicated; each time, analyses of the sentence are required. But at least I have filled in — it’s just where I meant to go — I have at least filled in a part of the construction of my problem. Namely, what does Benveniste mean when he centers the entirety of the language, not only on the personal pronouns, first and second persons, but on something even deeper contained in the personal pronouns of the first person and the second person?

You understand? The answer is that a centering of the language, as Comtesse expressed it very well a moment ago, is going to allow of putting the question of the duality language/speech on behalf of what Benveniste calls the discourse. That amounts to saying that [Trans. Thomson/Maglioni:] he, or rather the ensemble of so-called common formulae, exists only through… linguistically speaking, it exists only on the condition that it is placed within and referred to a kind of matrix of discourse, which is to say the I that would be more profound than any I. The I that would be more profound than any I belongs to the type: I promise, [Pause] the category of shifter.

So, you see, what we have here is not simply a surpassing — I return to where I started from — In this case there is not simply a surpassing in linguistic terms of the he with respect to I and you, but also the surpassing of the I and you towards an even more profound I. And here we bounce back to the beginning. We bounce back because viewed in the light of Benveniste, who has had a certain influence in the field of linguistics, Blanchot’s text seems to me even more unusual.

Although when Blanchot was writing this, he wasn’t thinking about the linguists of the time. What does he mean when he says: “No, not at all. What is this business?” As though Blanchot were saying to us: “What is all this personology that’s used in… ?” [Deleuze does not complete this] And he says quite openly that all of so-called modern literature has gone against this movement. All modern literature and everything that counted for him in it has made the reverse movement, that is, to surpass the I and the you [tu] towards a he/it of the third person, and from this towards a he/it that is even more profound and that pertains to no person at all.

In this respect, I think Blanchot has something to teach us not only in terms of literature but also of linguistics because, as far as I am aware, he is the only one to sustain such a hypothesis in terms of linguistics. In his work, we find elements of a critique of the theory of shifters, a critique of the linguistic theory of the shifter. As a result, this is interesting because… why does Blanchot not do this? Why…? There’s something here I don’t quite understand. But no matter… So, what does he mean?

For us, it means that Blanchot’s schema would work only if… just as Benveniste showed that there is an I more profound than the I, an I of ‘I promise’ deeper than the I of ‘I take a walk’, Blanchot had to undertake a quite different attempt in the opposite direction, showing that in the he/it of the third person, there is a much more profound he/it which no longer pertains to any person and which concerns us all, a he/it which at this point is no longer at the centre of language but at the borderline of language, as its tensor, assuring the peripheral tension of language, all the surface tension of language which, at this point, flattens language, stretching it towards its limits. [Pause]

And, in fact, all the authors he cites as those who have handled this mysterious he/it — Kafka and others — are writers who have accomplished this kind of extending of language. They have refused to centre language on devices such as shifters, and instead they have performed this kind of extending, treating it like a sort of skin that has to be stretched out, a surface tension of the skin that tends towards a kind of limit. Rather than establishing centres in language, they traverse it by means of tensors.

[Trans. Duthey:] So fine, what would it be? We still need… And then, what would this he/it be? It’s not difficult, you should have guessed already what kind of he/it it is. If you grant me – we’re pretending to believe in what Benveniste has said… why not? He is certainly right from his point of view — at the level of I, there are two levels. Once again, to put it simply and not to complicate matters, there are the I of “I’m taking a walk” and the I of “I promise”. They are not the same.

For us, the question is… Are there two levels of he/it? You see; you will tell me, we must not put in too much symmetry, but it’s curious anyway because Benveniste acts as if he/it wasn’t a problem at all. He overtakes it right away toward I and you [tu], he overtakes them toward the deeper still I. Benveniste does no analysis of he/it [il]. He treats the he/it as a common concept, as the word ‘dog’, as all this. And yet, aren’t there also two kinds of he/it? He/It, this can be the third person.

[Trans. Thomson/Maglioni:] Okay, fine, he/it can be the third person, but if I say ‘it happens’ (il arrive), ‘it happens’, what else can this third person be? — Here I’m not speaking on behalf of Blanchot. I’m trying to say things of a simpler nature. And we’ll see if Blanchot connects to this. – In French, there is another he/it [il] which marks not only the third person but also the impersonal. ‘It rains’ [Il pleut]. Why wouldn’t this difference between these two indefinite forms of the third person deserve a linguistic analysis similar to that of the I? When I say ’it happens’ [il arrive]or ‘it rains’, these are two formulas stretched to the extreme. ‘It rains’.

[Trans. Duthey:] What would this he/it be? What is this kind of sign? It doesn’t refer anymore to a person. What does it refer to? It refers to an event. There is thus the he/it of the event. You recognize this he/it of the event in the expression ‘there is’ [“Il y a” in French]. It is curious to notice that the ‘personologists’ make the ’there is’ [“Il y a”] depend, treat it like a shifter, that is, make it depend on the I. We are not there yet. ‘There is’ [“Il y a”] or the ‘it’ [il] of ‘it’s raining’  [‘il pleut’] refer to the event. While an event is not a person, is it anonymous? If you remember what I was saying earlier, we find ourselves again confronting the same problem. This is not the universal. On the contrary, an event is extremely singular and individuated. Indeed, we have to say that the event’s individuation is not of the same type as a person’s individuation.

Here again, we have one hell of a problem because the problem is taking a new turn as we continue constructing it; at each instant, we think we’re about to fail to master it, as a result of its bursting out into various directions. As a result, here I digress again. I think we are now grasping the problem despite all the digressions I am making. Since I think digressions are parts of constructing the problem. Then they won’t be a part later; you can disregard them afterward, but to cope with the problem, we need all kinds of detours.

[Trans. Thomson/Maglioni:] So, in fact, there are many authors, I think even the great majority of authors. The problem of individuation is another problem, but we considered this during another seminar — I spent months on this. I was quite pleased because that interested me greatly. –[6] Well, it’s… there are many authors, if we look again for sources, for whom individuation, in the literal sense of the term, can only be the individuation of a person. Individuation can only be applied to a person.

So, there you have it. I’m reminded of a text by Leibniz… Leibniz says that certainly, there are many different uses of the words a or an. Making a reflection on the indefinite article, he says that a or an constitute a series of hierarchical grades. When I say, ‘an army’, we have what he calls ‘a pure being of collection’. It’s an abstract entity. When I say, ‘a stone’, it is already more individuated according to Leibniz. When I say, ‘a stone’, ‘a beast’, ‘an animal’, this is even more unified, individuated. And he launches his great formula: “Being one, is being One’. Being one is being one. And the more you’re one, the more you are. Which is to say that, fundamentally speaking, Being is the person.

So, many authors have maintained that the secret of individuation lies on the side of the person. To the point where they end up saying that the event only has individuation either by derivation, or else, by fiction. That is, it is either a fictional or derived individuation. It presupposes persons. Again, only the English – oh, how strange this story of the genius of nations is… – have chosen not to follow this path. In my view, many English philosophers flirt with the idea that the secret of individuation is not the person. Real individuation concerns events. It’s an odd idea.

You might ask yourself what justifies such a view. What do you think? Does this say anything to you? Does this speak to you? What do they mean? They mean that people too — they make the inverse derivation — they say that people too are individuated in the same manner as events. But we simply don’t see this. We have so many bad habits. We think we are people but in fact we’re not. We are in our way small events. And if we are individuated, we are so as events not as people. It’s interesting. You might say that we would have to define what an event is and what a person is. No, I appeal to the resonances that things… depending on what you say about it, the definition of what constitutes an event changes in a peculiar way.

What is a battle? What is an event? An event? Death, is that an event? What is it? And what is the rapport between the event and the person? A wound, is that an event? Yes, if I’m wounded, a wound is an event. It’s the expression of something that happens or that has happened to me. Okay, so how is a wound individuated? Is it individuated because it happens to a person? Or do I call ‘person’ the one to whom it happens? It’s complicated.

Perhaps those of you who were here previous years – I don’t remember how long ago — will recall that I spent a lot of time on the following questions: What is the individuation of a time of day? What is the individuation of a season? What is this mode of individuation that, in my view, does not at all pass by way of persons? What is the individuation of a wind? When geographers speak about wind, they actually give proper names to winds.

So, our problem returns., understand? It’s the same problem as the one we had before but at a different level. Some say that the proper name is, first of all, the person and that all other uses of a proper name are derived. Others say — you have to make your own choice; my own view is very much aligned with this other side that I’m trying to explain — who tell us it’s not like the say. It only seems that way, fine. But it’s not the first time that something seems to be what it isn’t. That’s not it. I truly believe that the first usage of the proper name and its meaning are discovered only insofar as they derive from events. What is or has been fundamentally identified by a proper name are not people but events. I mean that, before the person, there is clearly this very strange region… because individuations are made in a completely different way. [Pause]

I cited from the beautiful poem by Lorca: “Oh that terrible five in the afternoon…” Oh that terrible five in the afternoon… What kind of individuation is this?[7] In English novels, I’m asking you simply to note this, in English novels, not always but in the works of many great English novelists, the characters aren’t really characters. You see, we go back to Blanchot. Luckily, we can console him and console ourselves through him. Although he doesn’t speak about English novelists as such. So perhaps here we have another source who can take his side.

In many English novels, particularly at key moments, characters are not treated as persons. They are not individuated as persons. Take the Brontë sisters for example. They have a kind of genius. Especially one, though I don’t remember which, so I won’t mention her… No, I think it’s Charlotte actually. I’m sure it’s Charlotte Brontë… who constantly presents her characters not as persons but as the equivalent of a wind. A passing wind. Or in Virginia Woolf… they can take the form of a school of fish, or a walk. It’s not… Say, I rediscover the same case, precisely what Benveniste neglected and treated as of minor importance: ‘I’m taking a walk’, precisely it’s enough that I walk for me to be I no longer. If my walk is a walk, I’m no longer an I: I am an event. The author who rendered this quite marvellously in English literature is of course Virginia Woolf.

[Trans. Duthey:] Virginia Woolf, as soon as she sets a hero in motion, he loses his quality of person. [Pause] A great example, in Virginia Woolf, is the promenade of Mrs. Dalloway… “I won’t say anymore I’m this or that”, concludes Mrs. Dalloway. “I won’t say anymore I’m this or that”… I won’t say “I”; I’ve got an individuation problem. It’s very odd; we’ve got to be cautious with little things. We are never done with them. If needed, we might say, well, there is a vague choice between what and what? Between saying I and saying the nothingness or saying I or the undifferentiated abyss, the form I or ‘the depth without face’.

There are authors, there are thinkers. Consider them as great painters; when I was saying, there is as much creation in philosophy for that matter, this is like painting, it’s like music. There are great philosophers who worked in these coordinates: the form of the individual or the undifferentiated abyss. And God they had genius! One of those who has gone furthest this way, it’s Schopenhauer [Trans. Thomson/Maglioni:] who sang of the woes of individuation, but in his case, individuation was conceived as that of the person and the undifferentiated abyss. And the young Nietzsche was fascinated by this idea. In his Birth of Tragedy, we find him still clinging to these coordinates. Very soon afterwards, however, Nietzsche will say that there is another path. Not a middle way, but a completely different path that will overturn the very terms of the problem. He will say, no, that the choice is not between the individuation of persons or the undifferentiated abyss: there exists another mode of individuation.

And it seems to me that all these authors turn around this very complex notion of the event, an individuation of the event that will no longer be the individuation of any person. What is a morality? There is a morality everywhere in the type of personology I described before. Benveniste is a moralist of language. He is a moralist of language, except that his moralism is a moralism of the person. In the other case, there may be just as much of a morality but one that is of a different nature. It’s not the same notion of dignity or wisdom that we see at work here. Nor is it the same kind of dissipation. It’s not the same kind of non-wisdom either. It’s not… Everything changes, everything changes.

In what sense? If you live your individuation and not that of a person, it is — to go back to the terms we used last week — that of a tribe, for example. I am a tribe, I have my tribes. Fine, I have my own tribes. You’ll tell me I said my and I, that the tribe is subordinated to I-you, no… to you-me. But I will answer you: You haven’t understood. Don’t bore me with questions of language. Once again, if, just like everyone else, I say ‘the sun rises’, I can also say ‘I have my tribes’. Of course, in the expression ‘I have my tribes’, the word tribes is not subordinate to I and my, that is, to the first-person pronoun and first-person possessive pronoun. Instead, the I is individuated according to the mode of tribes, which is to say its individuation is not at all like that of a person.

So, doesn’t this change everything? Here again, the point isn’t to know who is right and who is wrong. If now we say that the proper name first and foremost designates events… designates winds… events, it doesn’t designate persons, or only secondarily, and in the last instance, we can say that we are adopting a kind of anti-Benveniste stance. But this is not to upset Benveniste, it’s just as a way of sticking to a different path.

What does this mean? Why am I speaking about individuation through the event in opposition to the other form of individuation? I would almost say that individuation in the mode of persons is nothing more than a linguistic fiction. It doesn’t exist. — I say this because I feel like it, because… –, Obviously at this point any personology, assuming this was… if it were true, personology would be entirely a fiction. So, what does this mean? It might mean… It should be said what a strange thing an event is because, in the event, we must distinguish two things. We still haven’t finish developing our distinctions or moving them.

I am wounded, ow, ow ow! Wounded, the wound… I have a knife stuck in me. [Interruption of the audio recording] [1:33:21] [The following four sentence, missing from the audio recording, are included in the Thomson/Maglioni translation]: Or else war breaks out. Here we have two types of event. There are two sides… I cite here an author Blanchot knows well: Joe Bousquet. [Return to the audio recording]

… Joe Bousquet is a very odd author. Very fine… He was wounded by a shell fragment during World War I. He died quite recently. The wound left him paralyzed, immobile. He lived in bed. He wrote a lot. Fortunately, not about himself, but about things he felt he had to say. Here is a phrase of Bousquet’s that sounds quite strange: “My wound existed before: I was born to embody it.” There’s a lot contained in these words. What was he trying to get at? You will note that only someone who is profoundly sick or struck by a malady could sustain a thesis that in another’s mouth would sound quite odious. Bousquet had to have undergone the shell fragment explosion that left him paralyzed to be able to sustain a thesis of this sort. “My wound existed before.” It sounds like a kind of diabolical pride… “I was born to embody it.” — If this phrase speaks to you… accept this method. If the phrase doesn’t say anything to you, forget it. But if the phrase says something to you, we can go on. — What could it mean?

It seems to me – and he explains this very well so that we feel it too – he means that an event can only exist insofar as it is effectuated. There are no events that are not effectuated. On this, fine. There is no platonic idea of the wound. Yet at the same time, we have to say two things: there’s always something in the event that surpasses, that exceeds, its effectuation. In other words, an event only exists insofar as it is effectuated. But in what exactly?

I go back to the words I used before. An event only exists insofar as it is effectuated in persons and things, in persons and states of things. War doesn’t exist independently of the soldiers who are subjected to it, the materials that are deployed, the places involved… that is, it is only effectuated in states of things and persons. Otherwise, what are we talking about? What war? The pure idea of war? What would that mean? So, I have to reassert that every event is of this type, and at the same time, I maintain that in every event, however small or insignificant, there is something that exceeds its effectuation. There is something that cannot be effectuated. [Pause]

[Trans. Duthey:] I can’t go too much further. What would it be, this something which cannot be effectuated? Wouldn’t it be what I called the individuation proper to the event and which doesn’t pass anymore by the persons or the states of things? In a cold wind, there we are, in a cold wind — if you like the cold wind or if… I don’t know what — there is something, a cold wind doesn’t exist regardless of its being effectuated in what? In some states of things; example: the temperature that [the wind] releases, that it brings along with it, and in persons, the coldness felt by persons, by animals, etc…

And yet, something tells me that — some of you might quite legitimately tell me: “ah, this doesn’t mean a thing to me!” — something tells me no cold wind exists without overflowing this consubstantial part, the part corresponding to its realization.

[Trans. Thomson/Maglioni:] It’s here we can say that in every event that happens to us there is something that can only be called the splendour of an event that exceeds every realization. At the same time, [the event] cannot not be realized, and it overflows its realization. As if it had a moreness, an excess. Something that exceeds the effectuation of the event in things and persons. This is what I would call the most profound sphere of the event. Perhaps not the most profound, because we are no longer in the world of depths, but I’m using the word randomly.

You know where I’m heading… Now we can better understand Bousquet’s phrase: “The problem is to become worthy…” — And here we have his whole moral — “to be worthy of what happens to us” – whatever that is, whether good or bad. It almost makes one think, for those familiar with the matter, of the morality of the Stoics, although here it takes another shape, the Stoic morality.

To accept the event… What does this mean? It doesn’t at all mean to resign ourselves or to say: “Oh God, it serves me right.” This isn’t what the Stoics mean. It’s not by chance that they were the first among the Greeks to formulate a theory of the event, which they pushed quite far. This is what they say: In the event there is something they call, in their own language, the incorporeal.

The event is effectuated in bodies and would not exist were this not the case, but in itself, it contains something incorporeal. “My wound existed before: I was born to embody it”. Meaning: yes, it was effectuated in me, yet it contains something for which it is no longer my wound. It is the it-wound.

And so back to Blanchot. You understand? Hence the idea of “being worthy of what happens to us” whatever it is, whether it’s a horrible catastrophe or a lucky streak. There are people whose mode of living is perpetually to be unworthy of what happens to them, whether it be suffering or joy and beauty. I think that these are the personologists; they’re people who center things on the first- and second-person, people fail to draw out the sphere of the event. No matter.

[Trans. Duthey:] Fine. To be worthy of what happens to us, this is a very curious idea, or a very, very curious way of living. That is, to ‘mediocritize’ nothing. There are people who ‘mediocritise’ death. There are people who ‘mediocritize’ their own diseases, despite indeed having disease events. I don’t know… Yes, they have disease-events. Well, there are people who make everything filthy… like the guy who writes “commit suicide!”. There you have a phrase of fundamental mediocrity. It isn’t someone who has a connection with death, absolutely not. The ones who have a connection with death, they have on the contrary a cult of life, which is entirely something else and they don’t go about randomly acting like idiots. [Trans. Thomson/Maglioni:] So you understand… being worthy of what happens to us means drawing out of the event that is effectuated in me or that I effectuate, that part which cannot be effectuated. [End of the La Voix de Deleuze/Paris 8 transcription] [101 :46] … Yes?

A woman student: [Inaudible question, concerning Blanchot and suicide]

Deleuze: Blanchot stated it clearly regarding death, and he also speaks of suicide. In suicide, he says, there is an operation which is fundamentally one of bad faith; in suicide, there is a kind of desperate effort to effectuate and render the event of death as though it could be completely effectuated, that is, to exhaust it through its effectuation since Blanchot insists that one can never separate the two deaths: the death that is effectuated in me and to which I am more or less near, more or less close, and that which in death cannot be effectuated and which impedes my killing myself. [Pause] And in this we have a kind of cult of life… [End of the Thomson/Maglioni transcript; here starts the heretofore untranscribed and untranslated text] which, in fact, does not prevent them… If you think of cases of euthanasia, etc., this corresponds quite well, the case of euthanasia, this appears precisely contrary to suicide; in some ways, the cult of life is a kind of great… Anyway, this is too complicated… Yes?

A student: I saw a very good film  long time ago by Louis Malle, “Le feu follet” [1963; The Fire Within], quite an old film, not very good in fact, but no matter. And finally, he commits suicide and finally, he says, this is positive, this suicide. There is a positive suicide as well. As you’ve said, there is suicide that’s disgusting, and the suicide of a being whose purpose in destroying himself is to impose himself, to affirm himself…

Deleuze: I don’t know if…

The student: You don’t think so? [Laughter]

Deleuze: I don’t believe that a kind of suicide with the purpose of affirming oneself. I believe that a great many suicides exist, indeed, for the purpose of distressing others.

The student: Happy suicides occur. Don’t you believe that happy suicides exist?

Deleuze: No, because these aren’t suicides.

A woman student: [Indistinct comments; from what follows, this is a comment on voluntary suicides]

Claire Parnet: There are luxury hotels in the USA…

Deleuze: That’s true. It’s…

Parnet: There are luxury hotels in the USA where you pay for…

The woman student: [Indistinct comments]

Parnet: Yes, you choose your death, and all is arranged…

Deleuze: That at least has something in common, namely, it is, it really belongs to the cult of death, this sort of [indistinct word]. That this, really, that this cult of death is part of our social way of living today is obvious, and that’s what I was calling… I tell you, I really don’t see another definition, it’s fascism, fascism, just that. It is an enterprise of the death cult: let the others die, and I will follow them; others first, then me. That’s fundamental, that’s fundamentally in fascism. And it’s not, I was telling you, it’s not an ideological proposition. As a result, when you see a guy saying, “Long live death!”, even if he takes himself for an artist, for me, he appears like a lamentable little fascist because that’s what leads, what, that’s what leads… It’s always finally a question of the death of others, and even in certain cases of suicide, it is the death of others that they’re seeking.

Comtesse: There is a problem that can be pointed out in what you are saying, that is, in the “being worthy” of the event, because that, someone who is worthy of the event can say, for example, people precisely like Kafka, like Bousquet, like Blanchot, etc., because they are writers who are thinking of something else. However, sometimes some people – it’s a question that should not be forgotten – who are unable to be worthy of the event, that is, that the event which happens to them, which bursts in, for example, for the madman, this is an event that is not just in some sort of inside [indistinct word] … It is literally a line from the outside, a line of madness in which, in which, for example, the madman can – this is the risk he runs, he’s helpless, it’s a constraint — be absorbed or not.

For example, I’m thinking of the last one, it’s been a while since I saw it, Werner Herzog’s last film, “Woyzeck” [1979]. Woyzeck, from within him, he is someone excluded by [indistinct words] from humans, etc., and he hears, and that is an event, he hears from the start of the film something that rises from the earth, which rises from the earth and which is neither a noise, nor a conversation, nor a rumor, nor a murmur, and which is something related to the inaudible. And when he hears precisely this inaudible, this kind of thing that overflows everything, at that moment, he is in an event, and in this event, [he is] plugged in or connected with a flow of madness which literally is a flow of the outside, and at that moment, which makes a kind of division which drives him mad, and that he does not decide this either, that is, the earth is on fire, but I am frozen, in other words, the event which is related to a kind of [indistinct word], a lake of fire and a block of glaciation inside him. That is, here, he plunges into a line from the outside which is the line of madness, and he manages in the end, at that moment, inside the block awakened by the event, [he manages] to hear, in a magnificent scene, in a field of air, from the last Herzog film, not the inaudible, but the inaudible voice, not the song of the earth rising, note the musical song of the earth, for example, but the voice of the earth, the voice of the earth that urges him to kill. And in the last Herzog film, he killed the husband, in this instance, and in the last Herzog film, who, after the murder, he experiences another event there, the warming, as if the murder made him go from one state to another, the block of glaciation, the warming, the recomposition between them.

So, there is… we could multiply examples. This is an example of madness, but there are certain events in which it is no longer possible to maintain the closure from within, where there is complete absorption in a flow from the outside, and that is precisely the controllable line, even the undecidable of the event precisely in order to [unclear word].

Deleuze: All right, listen, there, parenthetically, if you haven’t done it, have you checked in…, whether or not it’s all that clear in the text, in Herzog’s film? Have you checked in the text by [Georg] Büchner, if there is the equivalent for cold and fire?

Comtesse: No.

Deleuze: You’d have to… Do you have the text?… Let me take a look… You don’t know about it? Andw hat proves you are right is that it’s in the clearing you’re talking about, that’s where we see the circle of mushrooms, the circle of witches, right? In the film, is this repeated, the outline of circular mushrooms that Woyzeck sees?

Comtesse: He talks about mushrooms…

Deleuze: He talks about mushrooms, yes, yes, yes… Really, what you are doing, it seems to me, in this I would be very much in agreement, except on certain specific points, there is no need to… What you are doing is almost the linkage of what we are doing today and what we were doing the last time because there, what you call the event of madness, when the guy is completely trapped, and might indeed be seized either by a suicidal rage or else by a murderous rage, what is going on here? This is really what I tried to analyze, it seems to me, the last time in the form [of] this kind of conversion, suddenly, this entirely abominable, terrifying conversion of a line of flight which, being blocked off, rushes into a line of destruction. So that, it seems to me that the last time, I tried to say what here you tried to say today in your turn and with your own way… [Someone speaks] Yes?

A student: [Inaudible remarks]

Deleuze: What?

The student: [Inaudible comments, concerning “being worthy” and morality] [Laughter]

Deleuze: Listen… I’m using an example here, this example that you’ve just cited, because it seems typical to me. It’s really the method that…

The student: [Interrupting, inaudible remarks]

Deleuze: I understand fully, but the entire intervention comes down to taking a word seriously. I am begging you… If this were my legacy, I would tell you this: when you listen to someone and when you speak in your turn, it’s not about the words, I assure you, OK? If a certain word seems to you to have such a particular connection, you know another word for it, so insert the other word yourself. Because the question… I could have said just as well, in my opinion… well, yes, “morality”. What’s so bad about that? There are kinds of morality everywhere, yes, there is morality everywhere. [Pause] When Nietzsche said, “Down with morality!” beyond good and evil, he adds immediately and in the same sentence, but be careful, don’t be stupid, don’t be like the guy who says, “Go kill yourself!” Beyond good and evil, that does not prevent and it certainly does not mean “beyond good and bad”. Fine, he means, good and evil is indeed a mystification; it does not mean everything is equal. He never thought that, Nietzsche. There, that’s really, that’s from marketplace Nietzscheans, who believe that Nietzsche is the one who says, “everything is permitted”, all that. Good.

So, if you don’t like the word “morality” and if you think that morality is fundamentally indexed on the person – that’s fine if you say that; we can say anything – well, you will find another word [Pause] for what functions as “morality” independently of people. And there, in fact, there is a word which has its tradition and which is not the same word “morality”, it is the word “ethics”. [Pause] It is not by chance that Spinoza wrote not “a morality”, but “an ethics”. Why was that? It is not the same thing, in fact, and it is not by chance because Spinoza is the one who said before Nietzsche, “good and bad mean absolutely nothing”. [Pause] But Spinoza, he also doesn’t say, he doesn’t say “therefore, everything is equal”. He says, in fact, good and bad… the phrase, when it has a meaning, “good and bad mean absolutely nothing”, is a phrase which means explicitly and which says explicitly that the real difference passes between the good and the bad, and that the difference between good and bad does not coincide with that of good and evil, and in this, there is a fundamental difference.

The art of distributing the good and the bad or of organizing this good-bad couple in its difference with good and evil, this is what Spinoza calls “an ethics”, so he will say, “very good, I’m not engaging in morality”, he will say, “I am creating an ethics”. You can keep the word “morality” if you’re interested. Suffice it to say, well, there is a morality of good and bad; you can say, oh well, it’s not a morality, it’s an ethics. Well, it doesn’t matter, all that.

Why does the word “ethics” still have a kind of interest? Because “ethos” is an interesting word, and “ethos” is, it is… really, you see it today in what is called ethology. It is a very complicated concept, this discipline which deals with animals under the name of ethology. “Ethos” is several things: it is the ways of life [modes de vie], the ways of life; territories or places — It’s a very complex notion — sojourns and places, ways of life; how territories and ways of life are articulated. That speaks to us, in fact, about something quite different from what is meant by “morality” in the traditional sense. But “morality” in the traditional sense also refers to “mores” [moeurs], and mores, [Pause] is very much linked to… [Deleuze does not finish the sentence] So, it’s your choice, yes…

So I would just like to end this whole session, this last session, by saying, I almost did more than I, than I am doing, than I proposed. So now see, and I would now like it to be clearer what Blanchot is telling us in this little text. It amounts to saying [Pause], this anti-personological schema, it amounts to saying “I” and “you” [tu] are ultimately only fictions, they are linguistic fictions. [Pause] You have to go past them to a “he”/“it”. [Pause] But the “he”/“it”, in turn, is not the “he”/“it” of the third person. We must go beyond the “he”/“it” of the third person towards the “he”/“it” of the event. [Pause] And finally, if the “he”/“it” of the event is deeper than the “he”/“it” of the third person, it is because the event, however profoundly effectuated in persons and necessarily effectuated in persons, contains a part of the ineffectuable which is constitutive, and the “he”/“it” of which Blanchot speaks is the “he”/“it” of the event. [Pause]

And I am saying, but Comtesse did this also, it seems to me, so I no longer have much to say [about] what I called the last time, I could say, what is a line of flight? A line of flight is precisely the line or the movement which goes from the assignment of persons to this peripheral flight, to this tension of a tensor, that is, which goes towards the “he”/“it” of the event. And that is the positive character of the line of flight; so, that it can turn into a line of destruction, by falling back on people or else in the case that Comtesse mentioned, that Comtesse cited, when precisely this line of flight is blocked, etc., yes, yes, everything is possible, including the worst … There you have it.

Well, next year, I don’t know what will happen, I don’t know if Vincennes will stay Vincennes, or what we are doing, but anyway, well… [Pause] Yes?

A student: Do you know what you will be doing in your course?

Deleuze: Next year, I don’t know because I could do, really… I still hope that there will come a day when I can organize – I don’t know yet. I tell myself, why not, it will be necessary to do, really, to find something new, to get out of what I have been offering you for four or five years, here – I tell myself, why not start from scratch? My dream would be to do a course on “What is philosophy?” just like that, “What is philosophy?” [Laughter] fine, in which I will try to say how philosophy is the creation of concepts, what it means to create concepts, all that. We will see. It will depend so much on… it will depend so much on, on the people… because I want to say – this is not a final compliment that I’m offering to you – it’s obvious that what I’m talking about, I can only discuss it to the extent that you are there. I can’t talk about it in front of… well, it’s obvious… [Sounds of movement; end of the audio recording] [1:57:53]

Notes [N.B. All notes established in 2023]

[1] Here begins a partial (and edited) video-audio of this lecture (91 minutes, to minute 1:43) with intertitles and subtitles in English; see https://www.youtube.com/watch?v=D_TLHon_bNw&list=PLJ5b_OPez7lo3GYwz17sIU3BUqyn6m0Rc&index=2 (verified 8 July 2023).

[2] Maurice Blanchot, The Work of Fire, trans. Charlotte Mandell (Stanford: Stanford University Press, 1995). French original: Maurice Blanchot, La Part du feu (Paris: Gallimard, 1949). References are to the chapter “Kafka and Literature”. For Deleuze’s analysis of this same Blanchot text on Kafka, see session 5 of the Foucault seminar (November 19, 1985).

[3] Maurice Blanchot, The Infinite Conversation, trans. Susan Hanson (Minneapolis: University of Minnesota Press, 1993), 130. French original: Maurice Blanchot, L’entretien infini (Paris: Gallimard, 1969), 192.

[4] A 44-minute video excerpt of this lecture, with English subtitles from this point onward to the truncated ending, is available on Daily Motion, https://www.dailymotion.com/video/x36nts9 [verified July 9, 2023]. On Benveniste’s linguistics, see session 18 of Cinema 4 seminar (April 16, 1985); on the Benveniste-Blanchot linguistic opposition, see session 4 of the Foucault seminar (November 12, 1985).

[5] The brief text after the audio cassette interruption is audible in the Marielle Burkhalter film of part of this session.

[6] This reference concerns at least part of the seminars in 1976-77 and 1977-78; see sessions 2 and 3 in the seminar A Thousand Plateaus II (March 8 and May 3, 1977) and the session on musical time in the seminar A Thousand Plateaus III (February 18, 1978).

[7] On the kind of individuation suggested here with the Lorca quote, as well as in Bronte and Woolf, also known as “hecceity”, see A Thousand Plateaus, pp. 261-263 and the segment of this plateau 10, on becomings.

French Transcript

Edited

Dans la conférence du 3 juin 1980, les sujets de discussion comprennent: les lignes de fuite; la géoanalyse et la psychanalyse; le danger des lignes de fuite et la vie; linguistique; l’écrivain, philosophe et théoricien littéraire français Maurice Blanchot; l’écrivain germanophone Franz Kafka; la distance entre le Je et le il; les écoles de pensée sur le Moi; le langage et le il impersonnel; la singularité pure; le psychologue, philosophe et médecin français Pierre Janet, son De l’Angoisse à l’extase et l’hystérie; le linguiste et sémioticien français Émile Benveniste et le pronom personnel; le philosophe allemand G.W.F. Hegel, Phénoménologie de l’esprit, la dialectique et le concept de Hic et Nunc; le concept linguistique de ‘shifter‘ (d’embrayeur); le philosophe allemand Gottfried Wilhelm Leibniz et le pur être de collection; individuation, personne et événement; la pensée anglaise; une morale de l’individuation, avec l’exemple de la tribu; le poète français Joë Bousquet et l’idée «ma blessure me préexistait»; l’effectuation de l’événement; la dignité face à l’événement; et l’éthique.

Gilles Deleuze

Sur Anti-Oedipe et d’autres réflexions

2ème séance, 3 juin 1980

Transcriptions: Voix de Deleuze, Partie 1, Méropi Morfouli ; partie 2, aucun transcripteur crédité ; transcription augmentée, Charles J. Stivale

Partie 1

Le fait que vous êtes nombreux, très nombreux, alors que la dernière fois c’est curieux, vous n’étiez pas nombreux, et tout ça c’est…

Alors je rappelle que c’est notre dernière séance. Pour ceux qui, pour des questions de travail, auraient à me voir, je m’en vais dix jours, mais je serai là et je reviendrai ici pour voir ceux qui ont besoin, à partir du…, vers le 20 juin. Bon, voilà, alors et bien vous comprenez, c’était comme ça quoi.

La dernière fois, on était parti sur des espèces de conclusions très vagues, puisque c’étaient des conclusions pas seulement concernant cette année, mais couvrant une espèce de travail — c’est bien de finir là, alors que l’année prochaine on ne sait pas bien où on sera — Eh bien, des conclusions en, [1 :00] ou des lignes de recherche concernant le travail qu’on a fait depuis plusieurs années ici.

Alors j’étais parti sur des choses, sur : “qu’est-ce que c’est”, j’avais repris des choses sur : qu’est-ce que – j’ai essayé de définir comme ligne de fuite, que-ce que c’est des lignes de fuite ? Comment on vit sur des lignes de fuite ? Que-ce que ça veut dire au juste, et surtout comment la ligne de fuite ou comment les lignes de fuites risquent de tourner et court un danger qui leur est propre ? Je disais en gros pour ceux qui n’étaient pas là, je disais : bien oui, le problème d’une analyse, ce n’est peut-être pas du tout de faire une “psychanalyse”, mais de faire par exemple, on peut concevoir autre chose, une “géo-analyse”.

Et une géo-analyse, c’est précisément, ça part d’une idée suivante : c’est que les gens, que ce soient les individus ou les groupes, ils sont composés de lignes. C’est une analyse de linéaments, tracer les lignes de quelqu’un, [2 :00] à la lettre, faire la carte de quelqu’un. Alors là, la question même : est-ce que ça veut dire quelque chose ou pas ? Évidemment elle perd tout sens. Une ligne, ça ne veut rien dire. Simplement faire la carte avec les espèces de lignes de quelqu’un ou d’un groupe, d’un individu, à savoir qu’est-ce que c’est que toutes ces lignes qui se mélangent. En effet… Il me semble, on pourrait concevoir les gens comme des “mains”. Chacun de nous c’est comme une main ou plusieurs mains. On a des lignes, alors ces lignes ne disent pas l’avenir parce qu’elles ne préexistent pas, mais il y a des lignes, bon, de toutes sortes de natures, et entre autres, il y a des lignes qu’on peut appeler de bordures, de pentes ou de fuites. Et d’une certaine manière vivre, c’est vivre sur — en tout cas aussi — c’est vivre sur ces lignes de fuite. Alors c’est ça que j’ai essayé d’expliquer, mais chaque type de lignes a ses dangers.

C’est pour ça que, c’est pour ça que c’est bien, c’est pour ça que [3 :00] c’est très bien, on ne peut jamais dire — c’est là que je me sauverai — le salut ou le désespoir, vient toujours d’une autre ligne que celle qu’on attendait. On est toujours pris par surprise. Je disais le danger propre à la ligne de fuite, c’est qu’elle frôle à des choses tellement étranges que d’une certaine manière c’est d’elles qu’il faut qu’on se méfie le plus. C’est de celles que nous traçons qu’il faut se méfier le plus en ce sens que c’est là qu’on frôle les plus grands dangers. A savoir les lignes de fuite, elles ont toujours une potentialité, une espèce de puissance, de possibilité de tourner en ligne de destruction, en ligne de désespoir et de destruction.

Alors, que — j’ai essayé d’expliquer la dernière fois – que pour moi en tout cas, c’était des lignes de vie, c’était avant tout là, et sur ces “pointes”, sur ces “pointes de fuite” c’était là que se faisait [4 :00] et se créait la vie. Or c’est en même temps, là, que la ligne de fuite risque de tourner en ligne de mort, en ligne de destruction, tout ça.

Et la dernière fois, je devenais très moraliste, mais pour moi ça n’a aucun inconvénient, puisque je parlais de dignité, de : qu’est-ce qu’il y a d’indigne dans le culte de la mort ? Que-ce que c’est ce culte de la mort qui tout d’un coup détourne une ligne de fuite ? L’ensable, l’empêtre, ou bien une ligne de fuite – imaginez même graphiquement – qui tout d’un coup tourne et se précipite dans une espèce de — il n’y a pas de meilleur mot — de “trou noir”. Tout ça arrive.

Aujourd’hui, comme je ne voudrais pas quand même exagérément me répéter, je voudrais prendre peut-être un problème voisin, mais dans un tout autre contexte. Et ce problème, j’y tiens, j’avais envie d’en parler depuis longtemps et puis ce n’est jamais venu, alors je le reprends là comme un … C’est [5 :00] un point qui m’intéresse, et je voudrais que ça ait l’air de partir et que vous vous disiez vous-mêmes, mais quel rapport ça a avec ce que je viens de résumer, et puis le rapport, on le verrait peut-être petit à petit donc on oublie tout ça. Et là je fais presque une, un résumé de quelque chose pas pour mon compte. Je voudrais là que soit comme un exercice où devant vous je me risquerai à construire un problème avec précisément des auteurs qui m’apportent des matériaux propres à ce problème. Voilà. Je dis… premier point, je numérote encore parce que… [Quelqu’un interrompt Deleuze avec des tracts placés sur la table] Oh mon Dieu, voilà ben oui…

Yolande (près de Deleuze) : Ils les distribuent… sur la table, ce matin…

Deleuze : Voilà, voilà, …

Un étudiant : Ce n’est pas moi…

Deleuze : Voilà ce que j’appelle l’abjection, c’est l’abjection ça. Rappelez-vous, même si vous ne souvenez peut-être pas cela, rappelez-vous les mots d’Unamuno que je trouve tellement beaux, lorsque Unamuno, les généraux franquistes entrant et criant [6 :00] « Vive la mort ! », Unamuno répond, « Je ne jamais entendu à un cri aussi stupide et répugnant ». Alors je ne sais pas si les types qui écrivent, qui font ce genre de petits machins-là, pensent être drôles ou faire de l’esprit…

Yolande (près de Deleuze) : Et en plus, on se sert de toi là-dedans… c’est dégueulasse…

Deleuze : … je dis mais c’est dégoûtant, c’est sale, quoi, c’est pire que immoral, c’est sale, c’est de la merde…

Yolande (près de Deleuze) : ils se servent de Nietzsche et de lui, c’est vraiment dégueulasse.

Deleuze : … c’est de la merde, quoi, enfin voilà… Qu’en faire ?  [Rires] C’est un document… C’est dégoûtant.

Yolande: Non, mais vraiment… Ils se servent de lui et d’autres… Regarde…

Deleuze : C’est débile, quoi, c’est débile…

Yolande: Ce dont ils se servent, c’est vraiment dégueulasse…

Deleuze : Ah, bon, ils ne servent pas de moi, j’espère…

Yolande: Si, justement, ils citent Rhizome, ils citent Rhizome, ils citent Nietzsche… Nietzsche, ça devient vraiment un truc bizarre…

[Ici commence une vidéo éditée sur YouTube (c’est-à-dire avec plusieurs sauts quant à la présentation orale) d’à peu près 91 minutes ; voir https://www.youtube.com/watch?v=D_TLHon_bNw&list=PLJ5b_OPez7lo3GYwz17sIU3BUqyn6m0Rc&index=2, vérifié le 8 juillet 2023]

Deleuze : Bon, alors parlons de choses plus gaies, justement, mais ça va être la même, ça va être la même. Voilà, moi, il y a un auteur que beaucoup [7 :00] d’entre vous connaissent très bien et qui a écrit un petit texte qui répond à la fois à l’ensemble de sa pensée, je crois, et qui au même temps, ce texte me touche particulièrement avant même que je demande pourquoi il me touche. C’est Maurice Blanchot.

Maurice Blanchot, dans un de ces livres La Part du feu [Paris : Gallimard, 1949] écrit ceci. C’est un texte à propos de Kafka. Et voilà c’est qu’il écrit à propos de Kafka. [Il s’agit du chapitre « Kafka et la littérature », pp. 20-34 ; voir aussi l’analyse de Deleuze sur ce même texte de Blanchot sur Kafka dans le séminaire 5 du séminaire sur Foucault (le 19 novembre 1985)] Écoutez bien, c’est de ça que je voudrais partir juste : « il ne me suffit donc pas d’écrire, il ne me suffit donc pas d’écrire, ‘je’ suis malheureux ». « Il ne me suffit dont pas d’écrire, ‘je’ suis malheureux », « tant que je n’écris rien d’autre que je suis malheureux, tant que je n’écris rien d’autre, je suis trop près de moi, trop près de mon malheur, [8 :00] pour que ce malheur devienne vraiment le mien ».

Je voudrais juste que vous voulez laisser aller, que vous ne cherchiez pas, vous retenez les tonalités de la phrase. Curieux, « tant que je dis, ‘Je’ suis malheureux », « je suis trop près de moi, trop près de mon malheur » — trop près de mon malheur — on s’attend ce qu’il dise « pour que ce malheur même soit pas un peu extérieur » ; il dit le contraire. “Tant que je dis « je », je suis trop près de moi, trop près de mon malheur pour que ce malheur devienne vraiment le mien” [p. 29] Belle phrase hein ! « Devienne vraiment le mien », il ajoute : « sur le mode du langage. Je ne suis pas encore vraiment malheureux ». [Pause] « Ce n’est qu’à partir du moment où j’en arrive à cette substitution étrange, ‘Il’ est malheureux, [Pause] [9 :00] que le langage commence à se constituer en langage malheureux pour moi, à esquisser, à projeter lentement le monde du malheur tel qui se réalise en lui ». C’est seulement quand je dis, « il est malheureux », que ce malheur devient le mien sur le mode du langage, c’est-à-dire que commence à se constituer, le monde auquel appartient ce malheur. Donc, « ce n’est qu’à partir du moment où j’en arrive à cette substitution étrange, ‘il’ est malheureux que le langage commence à se constituer en langage malheureux pour moi, à esquisser, à projeter lentement le monde du malheur tel qui se réalise en lui. Alors peut-être » — dans cette formule, qu’on n’a pas encore compris, « il est malheureux ». On la prend comme ça, on fait confiance à Blanchot – « Alors peut-être », lorsque je dis, « il est malheureux », « alors peut-être, je me sentirais en cause”. [10 :00]

Vous voyez, il ne dit pas du tout : il ne faut pas dire « je », il faut s’occuper des autres. Il faut dire c’est seulement “il dit”, seulement lorsque je dis, « il est malheureux », que ce malheur devient effectivement le mien sur un certain mode. « Alors peut-être, je me sentirai en cause et ma douleur s’éprouvera sur ce monde d’où elle est absente. » Ça c’est moins bien, je le supprime hein… ? « Alors je me sentirais en cause », [p. 29] bien… bien, bien, bien.

Et en quoi ça concerne Kafka ? Eh bien, il dit : c’est ça les récits de Kafka. C’est que Kafka « s’exprime dans ses récits par cette distance “incommensurable” » — cette distance qui sépare le “je” du “il” — Il s’exprime dans ce récit « par cette distance incommensurable et par l’impossibilité où il est de s’y reconnaître ». En [11 :00] d’autres termes : il a atteint le point où il est dessaisi, dira Blanchot dans un autre texte, la formule là est très belle, où il est dessaisi du pouvoir de dire « je », « atteindre au point où je suis dessaisi du pouvoir de dire “je” » [Il s’agit de L’Entretien infini (Paris : Gallimard, 1969), p. 192]. Bon, alors, on a fait juste un petit progrès, ce serait ça le « il ». Le « il » c’est le point où je suis dessaisi du pouvoir de dire « je ».

Que-ce que c’est que cette dessaisissement ? En quoi là, alors vous devez déjà comprendre immédiatement en quoi ça rejoint mon thème de la dernière fois. Il y a ce thème, ça s’enchaîne tout droit. C’est que ce « il », si je le définis comme le point où je suis dessaisi du pouvoir de dire « je », c’est précisément la ligne de fuite. En d’autres termes, le « il », c’est l’expression, l’exprimant de la ligne de fuite.

Bon, mais à quelles conditions, comment ? J’arrive au point où je suis dessaisi du pouvoir de dire « je », au point, [12 :00] et ce point est tel que — alors on peut grouper des choses, puisqu’on est à la recherche d’une construction de problème. On peut grouper les choses. — Que-ce qu’il montre, qu’est-ce qui définit ce point ? Ce n’est pas le fait que je dis « je » ou pas. Je peux toujours continuer à dire « je », aucune importance. C’est même bête les gens qui croient que les choses passent tellement par le langage explicite. Une des phrases les plus belles je trouve de, que je préfère dans Beckett, c’est un texte de, un personnage de Beckett qui dit, « Oh, mais je le dirais si ils y tiennent » « si “ils” y tiennent, si ils y tiennent, mais oh je sais très bien le dire comme tout le monde, seulement voilà, je ne mets rien là-dessous ». Pas la question de dire « je », ou pas dire « je »… D’une certaine manière on est tous comme Galilée, on dit tous le soleil se lève, alors qu’on sait très bien que ce n’est pas le soleil qui se lève et  [13 :00] que c’est la terre qui tourne. Bon eh ben, il faut arriver à dire « je » de la même manière. On sait bien que c’est vide, « je ». Ça n’empêche pas de dire « je » parce que c’est un indicateur commode, c’est un index. C’est un index linguistique, bon d’accord.

Dans les “génies des nations” — problème aussi qui nous effleure de temps en temps, et que je n’arrive jamais à traiter — comment ça se fait que les penseurs de tel…, qu’il y est une certaine, là aussi, géographie de la pensée, sans qu’on ne confonde pas, par exemple dans la philosophie et même ailleurs, la philosophie anglaise, la philosophie allemande, la philosophie française et que je crois que ces catégories très grossières sont relativement fondées. Ce n’est pas seulement par le langage. Il y a vraiment des concepts qui sont signés “allemand”, ce n’est pas mal ça, ça peut être les plus beaux, il y a des concepts qui sont signés “français” – oui, hélas pas beaucoup, ce n’est pas notre faute — il y a des concepts qui sont signés “anglais”, c’est très curieux.

Or, moi, à ma [14 :00] connaissance, je n’ai jamais vu un Anglais prendre au sérieux le « moi », le problème du « moi » à aucun niveau. C’est curieux ça ! Tous les grands textes des Anglais il y en a des merveilles, ils tournent tous autour de l’idée suivante, c’est pour ça qu’il y a une espèce de frontière d’inintelligibilité, de non-communication entre par exemple un cartésien et un Anglais.

Un cartésien, c’est une petite fleur française, ça ne se voit qu’en France, les cartésiens, mais alors que-ce qu’on en a ! Alors, bon, mais en gros vous le savez tous, Descartes, c’est une certaine philosophie fondée sur le « moi » et sur la formule qu’on va peut-être retrouver tout à l’heure, si j’ai le temps, sur la formule magique, « je pense », « je pense, donc je suis » bon. Pourquoi qu’un Anglais… Les Allemands ils ont repris le « je pense, donc je suis » pourquoi ? Parce que ils élevaient le « moi » à une puissance supérieure encore, ils en faisaient ce qu’ils [15 :00] appelaient eux-mêmes « l’ego (e – g – o) transcendantal », « le moi transcendantal ». Bon, c’est bien ça. Ça c’est un concept alors allemand, « le moi transcendantal ».

Les Anglais, ce n’est pas mal, vous comprenez, sous les discussions explicites il y a tellement des choses bien plus belles, ça les fait rigoler. Ça les fait rigoler. Chaque fois que les philosophes français ou allemands parlent du « moi », du “sujet”, les Anglais, ils trouvent ça d’un drôle, d’un bizarre ! Ils trouvent vraiment que c’est des drôles de manières de penser. Ils tournent tous autour d’une très curieuse idée, vous savez ce que c’est que le « moi », ils passent leur temps à dire, mais moi oui, ah oui ça veut dire quelque chose, c’est une “habitude”. À la lettre, on attend que ça continue. Je dis, « moi » parce que certains phénomènes, parce que en vertu d’une croyance à ce que ça continue ? C’est tout qu’ils mettent sur, il y a les battements [16 :00] d’un cœur, il y a “un quelqu’un” qui s’attend à ce que ça continue et dit « moi », c’est une habitude. C’est très beau leur théorie du « moi » comme habitude, si on la rattache à une espèce d’expérience vécue. Pourquoi est-ce qu’ils ne vivent pas comme nous ? Ça, il faut alors faire l’analyse des civilisations. Pourquoi leurs penseurs en tout cas ne vivent-ils pas le concept de « moi ». Bon, vous voyez, je tourne autour de…

Je reviens à Blanchot. Si j’essaie de résumer sa thèse, ça me paraît une thèse très, très curieuse. Et même ça serait intéressant d’essayer de la résumer parce que, peut-être qu’elle n’a pas été bien dégagée jusqu’à maintenant — on dit toujours ça pour s’encourager à continuer un travail quelconque — peut-être qu’elle n’a pas été bien dégagée et que si on la dégageait bien, alors on se trouverait devant un problème, à savoir que Blanchot lance une espèce de dynamite [17 :00] dans toutes sortes de problèmes, mais sans le dire, ou même peut être sans le savoir à ce moment-là.

Je veux dire quoi ? Si je résume la thèse de Blanchot, il me semble que ça revient à nous dire que : il y a ou du moins que l’on peut – d’un certain point de vue — j’insiste sur d’un certain point de vue, à certaines conditions — dégager une espèce de tension du langage, et que cette tension du langage ou en tous cas en vertu de cette tension virtuelle, elle n’existe pas toute faite, il faut la tracer soi-même, on peut organiser tout le langage. Et ça serait ça un style. On peut organiser tout le langage d’après une tension, une certaine tension bien déterminée, tension qui nous ferait passer du pronom personnel [Pause] [18 :00] « je », « tu », [Pause] à la troisième personne « il ». Le « il » dépassant le « je », « tu ».

Et la tension ne s’arrête pas là. Et dans le même mouvement, qui nous ferait passer du « il », troisième personne — pronom personnel, pronom dit encore personnel de la troisième personne — qui nous ferait passer du « il », pronom de la troisième personne à un autre « il », beaucoup plus mystérieux et secret. Pourquoi ? Parce que cet autre « il » ne désigne même plus une personne dite “troisième”. [Pause] [19 :00]

Voyez donc, la tension que l’on ferait passer dans le langage aurait comme deux grands moments : dépasser les pronoms personnels de la première et deuxième personne vers le « il » de la troisième personne, et en même temps dépasser le « il » de la troisième personne vers une forme insolite, c’est à dire, vers un « il » qui n’est plus d’aucune personne. Là déjà le problème commence à naître, qu’est-ce que ce serait cet « il » ? Que-ce que ce serait cet « il » qu’il n’est plus de la troisième personne ? Ce serait là le « il » de Kafka, ce serait là le « il » que Blanchot a essayé de retrouver. Bon, [20 :00] pour le moment on ne va pas trop vite, on reste là.

Donc je pourrais dire, ça c’est un véritable tenseur, ce double dépassement, c’est ce que j’appelais une autre année, un “tenseur de la langue”. C’est-à-dire on tendrait, toute la langue et le récit dans la langue est capable, vers – on le tendrait conformément et suivant ce mouvement de la première et deuxième personne au « il » de la troisième personne et en même temps du « il » de la troisième personne à un « il » qui n’est plus d’aucune personne.

Bon à condition d’ajouter quoi ? Qu’au niveau de cet « il » qui nous reste alors de définir, que-ce que c’est cet « il » de la troisième, qui n’est plus d’aucune personne ? Je dis que, loin que ce soit un « il » de l’anonyme, ça serait au contraire un « il » de la singularité la plus pur. Ça serait un « il » de la [21 :00] pure singularité. C’est-à-dire, de la singularité détachée de toute personne. En d’autres termes, ça serait à ce niveau du « il », qui ne désigne plus aucune personne, que serait marqué la singularité, que serait marqué le nom propre [Pause] Tiens, je dis le nom propre, pourquoi ?

Là alors, je peux résumer, avant même avoir développé mon problème. Je peux essayer d’en donner un pressentiment dans une espèce de raccourci. Je demande juste : essayez de concevoir une position. La position suivante. Quelqu’un me dit : quant aux problèmes des noms propres, il est évident que le nom propre dérive de [22 :00] la première et la deuxième personne. Ça veut dire, ça peut vouloir dire quelque chose. Ça veut dire : la première acception du nom propre consisterait en ceci, que le nom propre s’applique à quelqu’un qui dit « je », ou à quelqu’un à qui je dis « tu ». Qu’il y ait des noms propres dérivés ensuite, par exemple : noms propres de pays, noms propres d’espèces animales, comme lorsque les naturalistes mettent des lettres majuscules pour désigner des espèces animales – qu’il y ait des noms propres d’espèces, ou des noms propres des villes des lieux etc., ça dériverait de l’acception première du nom propre laquelle acception renverrait à « je « et « tu ». Cette thèse concernant [23 :00] les noms propres est toute simple. Elle consiste à dériver les noms propres de la forme « je » et « tu ». Vous comprenez ? C’est une thèse possible, c’est une thèse possible. Là-dessus je peux même l’inventer tout seul et me demander après si il y a des auteurs qui ont soutenu ça. Dans ce cas, je ne pense à personne de précis, mais il y en a plein qui, parfois c’est même implicite chez eux tellement ça.

En revanche, je pense, c’est presque un exemple, que c’est ça, c’est de cette manière que je souhaiterais que vous travailliez et pas du tout que, je pense être un exemple. Je dis ça uniquement pour ceux à qui cette genre de méthode convient. Tout à coup, à peine je viens de dire ça, que j’ai un vague souvenir. Alors là, ce que je viens de dire, ce n’est pas du tout “érudit”. Il y a des gens qui dérivent les noms propres de « je » et « tu ». Mais, quand j’ai dit ça, qui n’implique aucun savoir spécial, [24 :00] il y a un souvenir qui me vient, qui lui vient d’un savoir, au hasard, comme on en a tous.

Je me dis tout à coup, il y a un curieux texte, chez un auteur que je ne sais pas, qu’on ne lit plus, mais raison de plus je vous l’indique parce que, essayez, il est très curieux cet auteur, il a une drôle d’histoire. C’est un psychiatre, c’était le fils d’un exécrable historien de la philosophie du XIXème siècle, et lui, il est mort il n’y a pas très longtemps. Je crois qu’il est mort pendant la guerre ou juste après la guerre. Il s’appelait Pierre Janet, Pierre Janet. Alors, à un moment il a été très, très connu, très connu. Il était contemporain à peu près, ses œuvres – il suit un parcours très parallèle à celui de Freud. Et ni l’un ni l’autre n’a… c’est très curieux, il y a, on a essayé de les mettre en contact, ça n’a pas du tout marché entre Freud et Janet. Leur point de départ était commun, c’était l’hystérie ; Janet a porté une conception de l’hystérie très, très importante, et puis il faisait toute [25 :00] une psychologie assez curieuse qui proposait d’appeler « psychologie de la conduite ». Avant même que les Américains aient lancé la « psychologie du comportement ». Et c’était une psychologie très intéressante, il me semble.

En gros la méthode était : une détermination psychologique étant donnée, chercher quel type de conduite elle représente. Et c’était très riche, parce que ça donnait les choses comme ceci : j’en reste à des choses – pour vous donner envie d’aller voir les trucs de Janet. C’était très intéressant, il disait : la mémoire. C’était presque une méthode scolaire très bonne cette « psychologie de la conduite », la mémoire, il disait. Bon, ça ne m’intéresse pas. La mémoire, ça ne veut rien dire pour moi. Je me demande : quel est le type de conduite qu’on peut tenir quand on se souvient ? Et sa réponse était : le récit. D’où il la définition célèbre de Janet : la mémoire, c’est une conduite de récit.

L’émotion, il disait, l’émotion, on [26 :00] ne peut pas sentir si on ne fixe pas. Vous voyez, il se servait de la conduite comme d’un système de coordonnées pour toutes les choses. Tout était conduite. Alors, c’était une notion au même temps très différente du comportement américain, des Américains. Mais il y avait confrontation. L’émotion, il disait, si on ne dit pas quel type, à quel type de conduite ça renvoie, et il disait, donc voilà… alors j’interromps Janet parce que, moi j’ai un souvenir d’enfance qui m’a marqué pour toujours. Mais on a tous des souvenirs d’enfance comme ça.

C’est lorsque pendant les vacances, mon père me donnait des leçons de mathématiques. C’était la panique pour moi, et c’était réglé. C’est-à-dire là, à la limite, je soupçonne qu’on y allait tous les deux résignés quoi. Puisqu’on savait comment ça allait se passer. En tout cas, moi je le savais, je savais que, ce qu’il allait se passer d’avance, parce que c’était réglé, mais vraiment au millimètre. Mon père, il ne savait pas beaucoup des mathématiques d’ailleurs, mais [27 :00] il pensait avant tout qu’il avait un don d’énoncer clair. Alors il commençait, il tenait la conduite “pédagogique”, de la conduite pédagogique. Moi je mettais alors la bonne volonté surtout qu’il ne s’agissait pas du tout de rigoler, je tenais la conduite, la conduite de l’enseigné, conduite de l’enseigné. Je montrais tous les signes de l’intérêt, [Rires] d’une compréhension maximum, mais tout ça très discret, parce qu’il ne fallait pas, enfin…

Et puis Il y avait très vite un déraillement. Ce déraillement consistait en ceci : qu’au bout de cinq minutes mon père se retrouvait hurlant, prêt à me tanner, et moi je me retrouvais en larmes, il faut dire, j’avais, j’étais tout petit, [Rires] mais en larmes. Qu’est-ce qu’il y avait ? On voit [28 :00] bien, il y avait des émotions, mon chagrin profond, sa colère profonde. Elles répondaient à quoi ? Deux ratés. Il avait raté dans sa conduite de pédagogue, il n’arrivait absolument pas expliquer. Évidemment il voulait m’expliquer avec l’algèbre comme il disait toujours parce que c’était plus simple et plus clair. Alors, si moi je protestais et c’est par là que ça a déraillé, moi je protestais en disant que la maîtresse, elle ne me laisserait jamais faire de l’algèbre parce que quand on donne un problème à un gosse de six ans, ben, il n’a pas le droit, il n’est pas censé à faire de l’algèbre. Alors l’autre, il maintenait que c’était comme ça que c’était clair. Bon, donc on perdait les pédales tous les deux, raté dans la conduite pédagogique : colère ; raté dans la conduite d’enseigné : larmes. Très bien. C’était un échec.

Janet disait : l’émotion, c’est tout simple, c’est un échec de la conduite. Vous êtes émus quand il y a, quand vous tenez une conduite et qu’il y a échec [29 :00] de cette conduite, alors là il y a l’émotion. Eh alors, un des meilleurs livres de Janet, il a écrit une masse de livres, parfois pas bons, mais un des meilleurs livres, un des livres de plus curieux, me semble, le plus insolite de Janet c’est un gros livre, qui sont des cours qu’il avait fait, et qui s’appelle De l’angoisse à l’extase [1926] ; c’est un joli titre si vous voyez ce livre si vous avez le temps, un jour dans la bibliothèque, feuilletez De l’angoisse à l’extase qui me semble toujours un très beau livre.

Je me rappelle, je crois justement que c’est dans De l’angoisse à l’extase qu’il y a une remarque de Janet très curieuse. Il dit : “Vous savez ce que c’est que la première personne ?” dit Janet. Là aussi, vous voyez pourquoi je viens de raconter ça, ça c’est, il va vouloir montrer que la première personne, c’est une certaine “conduite”, une certaine conduite. Il dit, ah oui, voilà, et voilà l’exemple qu’il donne. Il dit : “S’il n’y avait pas de la première personne, [30 :00] si on ne pouvait pas dire « je », qu’est-ce qu’on serait forcés de dire ?”

Par exemple, exemple même de Janet : vous êtes un soldat et vous demandez une permission à l’officier. Janet, réfléchit bien, il dit, je ne suis pas sûr qu’il ait raison d’ailleurs, il faudrait de longues réflexions, mais c’est assez bien ce qu’il dit, alors, on fait comme s’il avait raison. Il dit, s’il y n’avait pas la première personne, le soldat serait forcé de dire : « Le soldat Durant demande une permission pour le soldat Durant ». C’est-à-dire, il serait forcé de redoubler le nom propre. C’est très, très malin, je ne sais pas si vous sentez la chose, c’est très, très, très fin, c’est une belle idée. On se dit, même si on ne comprend pas bien ce qu’il dit, c’est une bonne idée, on se dit « il y a quelque chose là-dedans ».

Si je demande une permission pour mon ami, je dis « Le soldat Durant demande une permission pour le soldat Dupont », l’officier répond « en quoi que ça te regarde ? » [31 :00] Si je demande une permission pour moi, et que je n’ai pas le signe « je » [je suis obligé de dire : « Le soldat Durand demande une permission pour le soldat Durand. »] [Le texte supplémentaire est fourni dans la transcription de Sur les lignes de vie (Paris : Minuit, 2025), 80]

[Interruption de l’enregistrement] [31 :06]

… ou le pronom personnel parce que ça peut s’étendre à « tu », le même raisonnement, le pronom personnel, c’est l’économie, ça serait une belle définition, c’est l’économie de la réduplication du nom propre. C’est bien. En effet, le soldat Durant peut dire « Je demande une permission » ce qui lui évite de dire « Le soldat Durant demande une permission pour le soldat Durant ».

Pourquoi je vous raconte ça ? Parce que, j’espère que vous y êtes sensibles, c’est juste le contraire de la thèse à laquelle que je viens de faire allusion. La thèse à laquelle je viens de faire allusion : c’était une thèse qui paraissait toute simple : [32 :00] Le nom propre dérive du pronom personnel, première et deuxième personne. — Les choses sont tellement compliquées quand on construit un problème. Que nous voyions au moins la possibilité du chemin inverse, la possibilité qu’après tout ce soit juste le contraire. — La possibilité qu’après tout ce soit le pronom personnel de la première et la deuxième personne qui dérive du nom propre. Vous comprenez dans quelle situation on se flanque alors ? Car s’il est vrai que la première et la deuxième personne qui dérive le nom propre selon l’hypothèse de Janet, qu’est-ce que désigne le nom propre, à quoi renvoie le nom propre ? [Pause] [33 :00]

Donc à ce niveau, on retrouve le même problème. Voilà ce que je veux dire. [Pause] Je prends encore avant de faire mon regroupement, qui va nous donner le problème autour duquel nous tournons, avant de faire notre regroupement, j’expose un autre cas, qui est relativement important en linguistique. Voilà que, j’essaye de définir là pour mon compte ce qu’on pourrait appeler un “personnalisme” ou une “personnologie” en linguistique. Une fois dit qu’à mon avis, il y a un grand linguiste, moderne, actuel, qui a fait en linguistique une véritable “personnologie”. C’est [34 :00] [Émile] Benveniste, c’est Benveniste. Et en effet, Benveniste attache une importance particulière aux pronoms personnels dans le langage et même affirme que c’est commun à toute langue, attache une importance particulière aux pronoms personnels de la première et de la seconde personne. Si bien que Benveniste, je ne crois pas forcé sa pensée, à certaines conditions que je préciserai plus tard, propose un chemin de dérivation qui serait le suivant : premièrement, « je », « tu », pronoms personnels de la première et de la seconde personne ; deuxièmement, « il » [35 :00] — non, même pas d’ailleurs, non, non je me trompe, vous barrez –

[Benveniste] propose : Premièrement : extraction, extraire du « je » et du « tu », première, deuxième, pronom personnel de la première et la seconde personne – une forme irréductible une forme, une forme linguistique irréductible à toute autre. Deuxièmement, de cette forme irréductible découlerait « je » et « tu », pronoms personnels de la première et de la deuxième personne, employés couramment, tels qu’ils sont employés couramment. Troisièmement, [36 :00] en dériverait la forme de la troisième personne le « il ».

Pourquoi je propose ce schéma trop abstrait ? Je le propose pour vous indiquer que, on se trouve devant deux schémas. Je suppose celui de Blanchot, celui de Benveniste qui s’opposent point par point. Ça s’oppose point par point au sens suivant. Blanchot part de « je », « tu », les dépasse vers « il », dépasse le « il » vers un « il » irréductible. Benveniste part des pronoms personnels en général, en détache « je » et « tu », [37 :00] enfin détache du « je » une forme irréductible.

En d’autres termes, dans un cas, Blanchot, il y a ce que je voudrais appeler « le langage », un traitement du langage qui est soumis à une tension, je dirais presque une tension, pour employer un terme de physique, une tension superficielle, une tension de surface, une tension superficielle qui l’entraîne toujours à sa périphérie et qui tend vers ce « il » mystérieux, ce « il » qui ne désigne plus aucune personne. C’est une tension superficielle et périphérique qui entraîne toute la langue, tout le langage vers ce « il » qui ne désigne plus aucune personne.

Chez Benveniste, [38 :00] il y a juste le contraire. Il y a un centrage et une concentration profonde qui entraînent tout le langage vers les pronoms personnels et l’extraction d’un « je » encore plus profond que les pronoms personnels. Là, c’est une espèce de concentration interne, de centrage à l’intérieur. [Sur l’opposition Blanchot-Benveniste, voir la séance 4 du séminaire sur Foucault (le 12 novembre 1985)]

Georges Comtesse : C’est même la différence qui se fait entre une linguistique de la langue et les deux éléments de ce qu’on appelle une linguistique de la parole.

Deleuze : C’est ça. Complètement. Puisque ça l’entraîne à remettre en question, la distinction langue-parole. Complètement. C’est complètement ça. Et c’est que lui, c’est pour ça que Benveniste a besoin ce qu’il appelle le « discours », le discours étant précisément pour Benveniste, une catégorie qui déborde la dualité, la dualité Saussurienne langue-parole.

Alors, c’est de ça que je voudrais un peu partir, et repartir comme à zéro, pour que vous compreniez de quoi il s’agit parce que notre [39 :00] problème, ça va être exactement ceci. On ne choisit pas, on ne choisit pas là, on essaye de se débrouiller dans, dans ces deux mouvements possibles. On vient de dégager des mouvements virtuels, ils n’existent pas tout fait. Ça serait vraiment là, comme deux usages de la langue : Un usage qui se concentre, qui tend vers cet approfondissement du pronom, et ce langage au contraire toujours extérieur à lui-même, qui déborde les pronoms personnels vers un impersonnel, vers un « il » qui n’est plus d’aucune personne.

Bon, alors il y a, il n’y a pas à dire, l’un a raison, l’autre a tort, qu’est-ce que ça peut faire ? Il y a à voir, qu’est-ce qu’ils veulent dire d’abord, il y a à essayer de trouver ce qui nous convient, nous, ce qui nous convient en quel sens ? Quelque chose a à nous convenir, mais…. Ça dépend aussi beaucoup de que-ce que chaque un de nous entendre par ‘je’ lorsqu’il dit “je”, “moi-je”. [40 :00]

Eh ben, je fais semblant de reprendre à zéro et je dis bon : qu’est-ce que ça veut dire « je » linguistiquement ? Que-ce que c’est ça, « je » ? Là vous savez que là les linguistes en général, ont toujours dit, ont souvent, ont très bien montré que c’est quand même un signe linguistique très, très bizarre, très particulier. Que bien plus, il y a un certain nombre des signes linguistiques qui sont dans ce cas. Il y en a peut-être un qui est plus profond que les autres. Il cite dans ce cas, comme étant très particulier le pronom personnel de la première et la deuxième personne « je » et « tu », il cite aussi le nom propre, il cite aussi des coordonnées du type « ici » et « maintenant ». Peut-être aussi « ceci », « cela ». Et enfin il cite [41 :00] les noms propres. Ça fait une catégorie qui paraît très, très, très composite. Pronom personnel de la première et seconde personne, les noms propres, des adverbes du type « ici », « maintenant », « ceci », « cela » des pronoms démonstratifs. Bien.

Que-ce qu’il y a de commun entre toutes ces notions ? Ou ce qui revient au même, essayons d’analyser le signe « je ». Vous savez que pour l’ensemble de ces notions, les linguistes ont inventé une catégorie intéressante, d’après un mot anglais « shifter » que [Roman] Jakobson proposait de traduire par « embrayeur » en français. Ils disent, ce sont des signes linguistiques très particuliers parce que ce sont des « embrayeurs » Qu’est-ce que c’est un embrayeur ? [Pause] On peut essayer de le dire [42 :00] à propos du « je » même, ou à propos d’« ici », « maintenant ».

Eh ben, lorsque je dis « je », généralement un signe linguistique, qu’est-ce qu’il a ? Il a un double rapport, il a un rapport avec quelque chose qu’il désigne, un état des choses qu’il désigne, c’est ce qu’on appelle un rapport de désignation et puis il a un rapport avec un signifié. C’est le rapport dit de signification. [Pause] Si je dis, « homme », voilà un signe linguistique courant, simple, ce n’est pas un embrayeur, je dis, « homme ».  Je peux assigner le rapport de désignation. Je peux dire que « homme » désigne celui-ci, celui-là, celui-là, celui-là… Et je peux assigner le rapport de signification. [43 :00] C’est : animal raisonnable. « Homme » veut dire animal raisonnable. Je dirais qu’animal raisonnable est le signifié de l’homme.

Bien, vous voyez qu’un signe linguistique semble avoir toujours un désigné et un signifié, dans des rapports divers, tout dépend : le mot concret, le mot abstrait qu’ils n’ont pas… Peut-être que le mot abstrait, c’est celui qui a avant tout un signifié, par exemple la justice. Le mot concret le « chien », il a peut-être avant tout un désigné, je ne sais pas, mais enfin, même si ça varie, les mots semblent avoir ce double, cette double référence. Lorsque je dis « je », qu’est-ce qu’il y a de gênant ? Quel est le désigné ? Il n’y en a pas. Vous le sentez ? Il n’y en a pas. [44 :00] Il y a l’air d’en avoir un, vous direz « c’est moi ». C’est quoi « moi » ? Il n’y a pas de désigné lorsque je dis « je ». Je ne me désigne pas moi-même. Pourquoi ? Parce que, par principe dans le rapport de désignation, il n’y a pas auto-désignation. Le « je » est déjà un signe assez bizarre, c’est la formule de Benveniste lorsqu’il dit « il est sui-référentiel » c’est-à-dire, il fait référence à soi, il ne fait pas référence à un état des choses. En d’autres termes, alors que les autres signes semblent bien avoir un “désigné” qui se définit par son existence indépendante du signe, le « je » n’a pas de désigné qui possède une existence indépendante du [45 :00] signe.

D’autre part, le « je » a-t-il une signification ? Réponse : non. À la lettre, le « je » ne signifie rien. Le « je » ne signifie rien, en quel sens ? Cela, je l’avais dit à propos d’autres choses. Il y a une très bonne formule de [Bertrand] Russel. Lorsque Russel dit, eh ben, lorsque je dis « chien », le mot « chien », c’est un signe linguistique courant ; le mot « chien », il a pour signification quelque chose que je peux désigner secondairement sous le nom de la “canéïté” . Puisque le « je », qu’est-ce qu’il y a de commun entre tous ceux qui disent « je » ? On pourrait dire aussi bien, [46 :00] le « je », bizarrement, n’est pas du tout un concept collectif. C’est un concept uniquement distributif. Remarquez que c’est la même chose pour le « ici » et « maintenant ». Et ça se complique.

Que-ce que c’est alors, ce type de concepts ? Qui sont exclusivement distributifs ? En d’autres termes le « je » renvoie à celui qui le dit. C’est bizarre ça comme état de signes linguistiques. Un signe qui ne désigne que celui qui le prononce et qui n’a aucune signification collective, qui n’a de signification que distributive, en tant qu’il est effectué par celui qui parle, par celui qui le dit. Voilà. Est « je » celui qui dit « je ». On peut faire la même dérive pour… est “ici”, ce qu’un « je » désigne comme [47 :00] « ici ». « Ici », c’est un concept purement distributif. Si je dis, moi, « ici », le voisin, il dit « ici » aussi. Or entre les deux « ici », il n’y a strictement rien de commun. Bon, c’est bizarre alors. Voilà des concepts, je peux dire aussi bien ce sont des concepts, mais là la différence serait très importante, ce sont des concepts qui ont peut-être une signification mais cette signification est fondamentalement implicite. C’est une signification enveloppée. C’est-à-dire la signification est donnée dans le signifiant lui-même. C’est très rare ça.

C’est là que je veux faire allusion à Descartes pour lui rendre un hommage, parce que c’est un des plus beaux textes que je connaisse de Descartes. C’est dans les « Réponses » ; vous savez que Descartes a écrit un livre, ses lettres, qui s’appelle les Méditations, que là-dessous, les gens à l’époque ont fait des objections, et qu’aux Méditations, livre connu sous le nom Objections, et Descartes a répondu aux Objections, et ça a donné [48 :00] Objections et Réponses aux objections.

Or dans les réponses aux objections, il y a toutes sortes d’objections qui portent sur le « Je pense » de Descartes, lorsque Descartes disait « Je pense donc je suis », cette belle formule. Et il y a beaucoup des gens qui lui disent, « oh non, je pense donc je suis, que-ce que ça veut dire tout ça ? » . Et Descartes dans un élan — je crois qu’il n’y a qu’un texte où Descartes parle vraiment comme un logicien ou un linguiste pourrait parler aujourd’hui — il a un pressentiment de quelque chose, parce qu’il y a un type qui lui fait des objections et qui invoque le langage justement. Il y avait déjà des linguistes au XVIIème siècle. Et là, Descartes vraiment répond en prenant le problème du langage. Et il dit, vous savez, lorsque je dis, « je pense, donc je suis », il ne faut pas vous étonner mais si bizarre que ce soit, je donne une définition de l’homme.

Ça, ça m’intéresse bien cette… parce que ça me paraît très mystérieux. Descartes élance la formule « je pense, donc je [49 :00] suis », et il dit à un objecteur « Vous ne me comprenez pas, vous ne voyez pas que ce n’est pas une formule comme ça ; c’est une véritable définition de l’homme ». On dirait mais pourquoi « je pense, donc je suis » est une définition de l’homme ? Là Descartes devient très, très bon, je pense, il est malin. Il dit ceci : Vous êtes habitués à un mode de définition » qu’il appelle « aristotélicien ». « Vous êtes habitués à dire : l’homme c’est l’animal raisonnable. C’est-à-dire que vous opérez par concepts traditionnels. Vous définissez une chose par genres et différences spécifiques. Le genre de l’homme c’est “animal” et la différence spécifique c’est “raisonnable” ».

Or il dit qu’un tel procès de définition, on pourrait dire que c’est un procédé qui va par “signification explicite”. Signification explicite, pourquoi ?  [50 :00] Parce que lorsque je dis « l’homme est un animal raisonnable », voilà j’enseigne, j’enseigne, j’ai une classe, et je leur dis « Vous savez, l’homme est un animal raisonnable, répétez ». Ils disent « D’accord, mais alors l’homme veut dire “animal raisonnable”.

Mais il faudrait savoir ce que veut dire “animal”, et ce que veut dire “raisonnable” ». D’accord, donc on remonte à la définition du genre  [et] à la définition de la différence. Très bien. Vous voyez que c’est ça la signification explicite. La signification explicite, c’est un signifiant dont le signifié peut et doit être explicité.

Descartes dit, “Ce que vous ne comprenez pas dans ma pensée, c’est que, lorsque je dis « je pense donc je suis », c’est un mode de définition de l’homme qui procède par une tout autre [51 :00] voie.” Car il maintient — et ça, il maintiendra dans toute son œuvre — que pour comprendre la formule — et ça part très, très fort linguistiquement, ça encore une fois — il maintiendra toujours que pour comprendre la formule « je pense donc je suis » sans doute, il faut savoir la langue. Mais il n’y a pas besoin de savoir ce que veut dire « penser » et ce que veut dire « être ». La signification est enveloppée dans la formule, et je ne peux pas dire « je pense donc je suis » sans par la même comprendre, ou bien je dis comme un perroquet, à ce moment-là, il n’y a pas… Mais, si je pense en disant : « je pense donc je suis », je comprends par la même, et dans la formule, et dans les signes mêmes, ce que veut dire « penser » et « être ».

En d’autres termes « je pense donc je suis », contrairement à « l’homme est un animal raisonnable », [52 :00] est une formule à signification enveloppée et non pas à signification explicite. Vous voyez, on s’approche petit à petit. Or, la signification enveloppée, ça ne veut pas dire une signification dont… qui pourrait être développée. C’est une signification qui n’a pas, qui ne peut pas être développée et qui n’a pas à l’être, parce que son mode d’existence, c’est l’enveloppement.

Alors, on pourrait ne pas être convaincu, on retient ça juste. Je dis, on progresse un peu dans cette analyse de ce que les linguistes appellent « les shifters ». Je dirais donc, ce sont des signes très paradoxaux, puisqu’ils sont sui-referentiels, puisqu’ils s’appliquent à celui qui le dit ou dépendent de ceux qui l’emploient, sont des concepts uniquement distributifs [53 :00] ou à signification enveloppée. C’est la même chose.

Comme disait Russel, si je reviens à la phrase de Russel, le mot « chien » renvoie bien à un concept commun, à tous les êtres que le mot désigne. En d’autres termes, ce concept, c’est la « canéité ». Le « je » ne renvoie pas à un tel concept commun. Ou bien comme il dit, le nom propre ne renvoie pas à un concept commun.

Plusieurs chiens du fait qu’ils se sont nommés « chien » ont un concept commun. En revanche, plusieurs chiens peuvent être nommés « Médor », il n’y a pas un concept commun qu’on pourrait appeler la « médorité ». Là, on ne peut pas dire mieux le statut du “concept [54 :00] distributif”. Ça revient à dire, « Médor » comme nom propre est un concept exclusivement distributif.

Si je continue mes échos, les échos qui me viennent là, venus de textes classiques, je me dis, faisons un détour alors quitte à tout mélanger pour cette dernière fois, faisons un détour par Hegel. Comme c’est un auteur dont je parle rarement, il faut en profiter. Je ne m’aventure pas d’ailleurs, parce que je m’en tiens au tout début de La Phénoménologie de l’esprit.

Et au tout début de La Phénoménologie de l’esprit, il est évident à tout lecteur que Hegel fait un tour de passe-passe, un tour de saltimbanque, qu’il appellera effrontément, « dialectique ». Car qu’est-ce qu’il nous dit pour montrer que les choses sont prises dans un [55 :00] mouvement, dans un mouvement ininterrompu qui est le propre de la dialectique, pour montrer que les choses sont soumises à une espèce de mouvement de l’auto-dépassement ? Qu’est-ce qu’il va faire ? A-t-on jamais été plus sournois ? Il nous dit ceci : Il nous dit, partons de ce qui est le plus sûr. Imaginez, on fait un dialogue des morts : il y a… Pensons que Hegel explique ça justement à des philosophes anglais. Vous allez deviner vous-mêmes quand est-ce que les Anglais vont commencer à rire. [Rires] Hegel dit avec sa gravité c’est — je retire tout ce que je viens de dire sur Hegel, et c’est évident que c’est un immense génie. Mais, enfin… [Rires] —

Or, or, or suivez-moi bien. Il nous raconte une histoire qui paraît très belle, très convaincante, il dit, voilà, il y a la certitude sensible, la conscience empêtrée, c’est le départ de [56 :00] La Phénoménologie de l’esprit, la conscience enlisée dans la certitude sensible. Et elle dit : le sensible, c’est le dernier mot des choses. Là, les philosophes anglais peuvent se dire, il est déjà en train de trahir, cet Allemand, il est déjà en train de trahir, et à la limite, ils diraient, oui peut-être que nous, on peut dire ça, on a dit ça oui, la certitude sensible, elle est première et dernière ; c’est en effet un thème qui parcourt ce qu’on appelle l’empirisme. Et comme chacun sait, l’empirisme est anglais.

Bon, alors, voilà. Voilà la conscience prise dans la certitude sensible. Elle épouse la particularité, la singularité. Et Hegel, splendide, analyse la singularité. Il va montrer que c’est une position intenable parce qu’on ne peut pas faire un pas sans précisément dépasser [57 :00] ce stade de la certitude sensible. Et pour le montrer il dit : voilà : la conscience sensible est comme déchirée, ça va être ce déchirement qui va être le premier stade de la dialectique de La Phénoménologie de l’esprit, elle est comme déchirée, car elle croit saisir le plus particulier et au même temps elle ne saisit que l’universel abstrait. Pourquoi elle croit saisir “le plus particulier” ? Elle croit viser le plus particulier dans le sensible, et elle l’exprime en disant : « Ceci », « ici » et « maintenant ».

Mais, comme dit Hegel, qui à ce moment-là devient presque, presque rieur, alors qu’il n’en a pas l’habitude, « ici » et « maintenant », c’est l’universel vide, puisque c’est le tout moment de l’espace – non, qu’est-ce que je dis ? Non — de tous lieux de l’espace, et que je dis « ici » et c’est de tout moment du temps que je peux dire « maintenant ». Au moment même où je crois saisir le plus singulier, [58 :00] je ne saisis que la généralité vide et abstraite. Si bien que vous voyez : la conscience sensible prise dans cette contradiction est expulsée du sensible et doit passer à un autre stade de la dialectique.

Mais avant qu’elle soit passée à cet autre stade de la dialectique, justement les Anglais que j’ai évoqués se marrent. Pourquoi ils se marrent ? Parce que Hegel, enfin, semble avoir perdu la tête, mais il faut bien que la dialectique marche, il flanque un coup de pouce formidable puisqu’il fait comme si les concepts de « ceci », « cela », « ici », « maintenant » étaient les concepts communs. C’est-à-dire des concepts communs, renvoyant à des états des choses et ayant une signification explicite. Il traite le concept d’ « ici – maintenant » [59 :00] exactement comme le concept « chien ».

Si bien qu’un défenseur de “la certitude sensible” n’aurait pas de peine à dire mais, si on avait pas d’autres raisons de lire La Phénoménologie, de dire, ben, je peux fermer le livre, on s’arrête là puisqu’il y a aucune raison d’aller plus loin, comme dit Hegel. Hegel pense que la certitude sensible se dépasse elle-même parce que simplement, il a fait un tour de passe-passe, à savoir, au lieu de s’apercevoir que « ici – maintenant », les noms propres, etc., étaient à la lettre des embrayeurs, il les traduit comme des concepts communs. À ce moment-là, en effet, il y a contradiction. Il y a contradiction entre la visée de « ici » et « maintenant » qui prétend au plus singulier et la forme d’ « ici – maintenant » traduite dans le plus pure universel.

Vous voyez que ce n’est pas ça en fait. [60 :00] Si l’on fait une catégorie spéciale de concepts distributifs, en disant que ce n’est pas du tout que « ici – maintenant », ou que les noms propres, ou que « je » ne soient pas des concepts, c’est des concepts très spéciaux, c’est des concepts distributifs. Et des concepts distributifs, vous ne pouvez absolument pas les aligner sur les concepts communs, c’est des concepts d’un type particulier. Alors, c’est des concepts d’un type particulier. Je viens juste d’essayer, en prenant la notion d’embrayeur ou « shifter », je voudrais juste qu’elle soit relativement claire, en effet c’est très curieux. Lorsque je dis « je », eh bien, ceci ne renvoie qu’à celui qui le dit, à « moi » seulement les autres aussi disent « je » et plus aucune communauté du point de vue du concept. [61 :00] Eh, bien, vous comprenez…

Est-ce que c’est vrai de toutes formes de « je » ? Vous allez voir pourquoi je dis ça, on touche presque au but, au bout de ce qui est le plus difficile dans ce que j’avais à dire. Est-ce que c’est vrai ? Est-ce que c’est vrai pour toutes formes de « je », est-ce qu’il ne faut pas encore nuancer? Aussi il faut sûrement encore nuancer parce que c’est vrai, pourtant c’est vrai à un certain stade. Si je dis « je me promène », c’est un « je », mais en même temps est-ce qu’il n’y a pas une grande différence entre « je », dans certains usages et « je » dans d’autres usages ou « je » dans certaines formules et « je » dans d’autres formules ? [Pause] Je dis, « je me promène ». [Pause] [62 :00] Je prends exprès deux exemples très lointains. Je suis toujours en train d’essayer de construire mon problème. Je prends deux exemples extrêmes, mais on verra que peut-être toutes sortes d’intermédiaires font problème. Je dis, « je me promène », j’entends bien que c’est une formule… [Interruption de l’enregistrement audio ; ici commence un bref texte inédit, audible et visible dans le film de Marielle Burkhalter] [1 :02 :17] qui emploie bien un “shifter”. Mais est-ce que c’est fondamentalement différent de « il se promène » ? [Pause] Je veux dire, est-ce que ce n’est pas, est-ce que cet emploi de “je” dans « je me promène », ce n’est pas déjà un emploi, comment dirais-je, dérivé ?

Partie 2

[Retour à l’enregistrement audio] … A savoir c’est un « je » qui vaut pour un « il ». C’est un “je” aligné sur le « il ». Pourquoi ? Ben, je peux très bien, par exemple, dire : « je me promène » et ne pas me promener. Ah je viens de dire…. Tiens, je peux dire « Je me promène » ; la preuve, je ne bouge pas, je ne me promène pas, je dis « Je me promène ». Je peux donc dire « Je me promène » sans me promener. Ça revient de dire, dans ce cas, le « je » à un rapport de désignation avec un état de chose qui lui est extérieur, qui, peut donc, être effectué ou pas effectué. Je dirais à ce moment-là, c’est un emploi du mot « je », d’accord, [63 :00] le mot « je » est un mot spécial, un signe spécial, mais il peut avoir un emploi commun. Lorsque je dis « Je me promène », je ne me sers pas de « je » au sens propre de « je ». Je m’en sers en un sens commun, c’est-à-dire il vaut pour un « il » virtuel. Je dis « Je me promène » exactement comme un tiers dirait de moi : “il se promène ou il ne se promène pas” ; il y a alignement de « je » sur « il ».

Peut-être est-ce que vous comprenez à ce moment-là, l’idée de Benveniste qui consiste à dire : Il ne suffit pas, il ne suffit pas simplement de dégager la spécificité formelle de « je » et de « tu » par rapport à « il » ; il faut encore faire quelque chose de plus, c’est-à-dire dégager la forme d’un « je » spécial. Il faut dégager dans le « je » un « je » encore plus spécial et encore plus profond qui lui, va être au centre de la langue parole, c’est-à-dire au centre du [64 :00] discours. Qu’est-ce que ce serait ? Je n’ai qu’à prendre le cas juste opposé à la formule « Je me promène ». Je viens de voir lorsque je dis « Je me promène », j’ai un emploi du mot « je ». Mais j’en fais un usage courant et commun, c’est-à-dire je l’emploie comme un « il » ou comme un concept commun.

Cherchons un cas qui ne soit pas comme ça. Ce que je viens de dire « Je me promène », vous vous rappelez, c’est bien là un emploi commun puisque je peux très bien dire « Je me promène » sans me promener. Donc « Je me promène» est une formule qui renvoie à un état de choses extérieures qui peut être effectué ou ne pas l’être. Tandis que je saute à l’autre extrême, je dis « Je promène ». Je dis « Je promène », c’est curieux, ça. C’est complètement différent du point du vue d’une [65 :00] bonne analyse linguistique, non seulement Benveniste, l’a fait, mais tous les linguistes anglais s’en donnent à cœur joie.

C’est, quand je dis « Je promets ». D’accord, je promets. D’accord. Ça peut être une fausse promesse. Une fausse promesse, ce n’est pas une promesse fausse. Je veux dire que fausse promesse, ce n’est pas une promesse fausse, ça veut dire quoi ? Ça veut dire que lorsque que “je promets”, lorsque je dis « Je promets », il se trouve que, que je le veuille ou non, que j’aie l’intention de la tenir ou de ne pas la tenir, je fais quelque chose en le disant, à savoir, « Je promets » effectivement. C’est enveloppé dans la formule.

Je [66 :00] dirais, une telle formule ne désigne rien qui lui soit extérieure. Ou je dirais aussi bien : sa signification est enveloppée. [Ici, le film de cette séance par Marielle Burkhalter introduit une coupure jusqu’au marqueur * ci-dessous] Et la différence-là, je voudrais que vous m’accordiez cette différence, la différence fondamentale entre deux formules : « je » de « Je me promène » et « je » de « Je promets ». En disant « Je promets », je promets. En disant « Je me promène », je ne me promène pas pour ça. Or, si on se demande pourquoi c’est deux cas différents ? L’analyse linguistique vous rend compte parfaitement. C’est que dans un cas comme dit un Anglais, un linguiste anglais [J.L. Austin] : “Je fais quelque chose en le disant”. Il y a des choses que je fais en le disant. En disant « Je promets », je promets ; en disant « Je ferme la fenêtre », je ne ferme pas la fenêtre.

En d’autres termes, [67 :00] on dira en ce sens, [*] qu’il y a des “actes de langage”, qu’il y a des actes propres au langage, d’où le concept très curieux que les linguistes anglais ont construit de “speech act”, l’acte de langage. Il y a des actes de langage qui doivent être distingués des actions, des actions extérieures au langage. « Je ferme la fenêtre » renvoie à une action extérieure au langage. « Je promets » ne renvoie pas à une action extérieure au langage. Lorsque je dis : « je déclare la séance est ouverte », la séance est ouverte. Pas sûr d’ailleurs. Supposons, à première vue, ça peut se dire. Lorsque je dis « Je déclare la séance est ouverte », la séance [68 :00] était ouverte. En d’autres termes, je fais quelque chose en le disant. J’ouvre la séance. Il n’y a pas d’autre moyen d’ouvrir la séance que de dire que la séance est ouverte. C’est un « speech act ». Vous voyez ? Bon.

Alors, bien, j’ai mes deux cas extrêmes : « Je me promène » et « Je promets ». Ou bien, si je dis « Je te salue » … Vous me direz qu’il y a des équivalents. Oui, en effet. Au lieu de déclarer « La séance est ouverte », je peux donner trois petits coups de marteau. Trois petits coups de marteau, ce n’est pas un “speech act”. On appellera “speech act” toute formule dont le propre est que quelque chose est fait, lorsqu’on l’a dit. Alors « Je promets » n’est pas du même type que [69 :00] « Je me promène ».

Alors bon, je dis, est-ce que c’est si clair que ces deux cas extrêmes ? Je prends des exemples. Je dis : « Je suppose ». Ça renvoie à quoi ? A quel cas ? Je dis « Je pense ». Ça renvoie à quel cas ? On sent que ça va être parfois compliqué. Je dis « Je raisonne », ça, ça devient assez intéressant parce que si on mélange tout. Je vois qu’incontestablement Descartes est, sans doute, il avait raison, ce n’est pas qu’il s’oppose par goût. Descartes est quelqu’un qui pense que la formule « Je pense » est du second type. Je ne peux pas la dire sans faire quelque chose en le disant, c’est-à-dire sans penser. [70 :00] Pourquoi ? Parce que – là, c’est son affaire — parmi les présupposés implicites, il y a l’idée que l’homme pense toujours. Donc que d’une certaine manière, je ne peux pas ne pas penser. Benveniste, il niera que « Je pense » soit une formule du second type. Il la fera passer du côté du premier type.

Bon, c’est vous dire que…, c’est compliqué ; chaque fois il faudrait des analyses de formule. Mais j’ai au moins rempli – juste c’est à ça que je voulais en venir — j’ai au moins rempli une partie de ma construction de problème, à savoir : qu’est-ce que Benveniste veut dire lorsqu’il centre l’ensemble de langage, non seulement sur le pronom personnel, première et deuxième personne, mais sur quelque chose de plus profond encore, contenu dans le pronom personnel de la première ou de la seconde personne ?

Vous voyez ? [71 :00] La réponse c’est que c’est tout un centrage du langage – comme le disait très bien Comtesse, tout à l’heure – va permettre de mettre la question de la dualité de la langue/parole au profil de ce que Benveniste appelle le discours, et qui consiste à dire que « il » ou bien l’ensemble des formules dites communes n’existent que par, n’existent comme…, n’existent linguistiquement que dans la mesure où on doit les rabattre et les rapporter à cette espèce de matrice du discours, à savoir ce « je » plus profond que tout « je », ce « je » plus profond que tout « je », c’est-à-dire ce « je » du type « Je promets », [Pause] l’embrayeur ou « shifter ». [72 :00]

Vous voyez que donc qu’il y a non seulement le dépassement, je reprends le point de départ, dans ce cas il y a non seulement linguistiquement dépassement de « il » vers « je » et « tu », mais dépassement du « je » et « tu » vers un « je » encore plus profond. Alors là, on rebondit, parce que, comme Benveniste a eu, je ne sais pas quel effet très important sur la linguistique – le texte de Blanchot me parait vraiment devenir encore plus insolite.

Pourtant Blanchot ne pense pas aux linguistes actuels quand il écrit ça. Qu’est-ce qu’il veut dire lorsque, lui, il dit : non, pas du tout ? Qu’est-ce que c’est que ça ? Tout passe comme si Blanchot nous disait « Qu’est-ce que c’est que cette personnologie qu’on met dans … ? » [Deleuze ne termine pas], et il dit, [73 :00] il nous dit explicitement : toute la littérature dite moderne a été contre ce mouvement. Toute la littérature dite moderne, ou tout ce qui compte selon lui dans la littérature moderne, a été dans le mouvement inverse qui consistait à dépasser le « je » et le « tu » vers un « il » de la troisième personne, et le « il » de la troisième personne vers un « il » encore plus profond qui n’est plus d’aucune personne.

Alors c’est là, il me semble que Blanchot a quelque chose à nous apprendre même non seulement littérairement, mais linguistiquement, car à ma connaissance, c’est le seul qui soutienne ce type de proposition au niveau de la linguistique. C’est-à-dire c’est dans Blanchot qu’il y avait les éléments d’une critique de la théorie des embrayeurs, d’une critique de la théorie linguistique des embrayeurs. Si bien que c’est curieux parce que… [74 :00] Pourquoi est-ce que Blanchot ne la fait pas ? Pourquoi… ? Il y a quelque chose que je ne vois pas, mais enfin, peu importe. Qu’est-ce qu’il veut dire ?

Ça revient de dire pour nous : tout ce schéma de Blanchot ne tient que si… tout comme Benveniste nous montrait qu’il y a un « je » plus profond que « je », à savoir un « je » de ” je promets” plus profond que le « je » de « Je me promène », il faudrait que Blanchot fasse la tentative très différente mais comme inverse : montrer que dans le « il » de la troisième personne, il y a un « il » beaucoup plus profond qui est le « il » qui n’est plus d’aucune personne et qui nous concerne tous et qui, je ne dirais plus à ce moment-là est le centre du langage, mais est au bord de langage, est le tenseur du langage, assure la tension périphérique de la langage, toute la tension superficielle de la langage, au point que là, le langage serait comme aplati, tendrait vers sa propre limite. [Pause]

Et en effet, [75 :00] tous les auteurs dont il se réclame comme ayant maniés ce « il » mystérieux, Kafka et d’autres, c’est les auteurs qui ont comme propre, précisément, d’opérer cette espèce d’étalement du langage, mais pas du tout de le centrer sur des « shifters » ou autres, mais d’opérer une espèce d’étalement, et de traiter le langage comme une peau qui est tendue, tension superficielle de cette peau et qui tend vers une espèce de limite. Ils ne mettent pas dans le langage des “centres” ; ils le traversent avec des “tenseurs”.

Alors bien, qu’est-ce que ce serait ? Il faut encore…. Et puis, qu’est-ce que ce serait, ce « il » ? Ce n’est pas difficile, vous devez déjà avoir deviné quel « il » c’était. Si vous m’accordez — on fait semblant de croire, à ce qu’a dit, Benveniste… pourquoi pas ? Il a surement raison à [76 :00] son point de vue — au niveau de « je », il y a deux niveaux. Encore une fois pour parler simple et ne pas compliquer les choses : il y a le « je » de « Je me promène » et le « je » de « Je promets ». Ce n’est pas le même.

Pour nous, la question c’est : Est-ce qu’il y a deux niveaux de « il » ? Vous voyez, vous me direz : il ne faut pas faire trop de symétrie, mais c’est quand même curieux parce que Benveniste, il fait comme si « il » ne posait aucun problème. Il le dépasse tout de suite vers « je » et « tu », il dépasse « je » et « tu » vers le « je » plus profond. Il n’y a pas l’analyse de « il » chez lui. Il traite « il » comme un concept commun comme le mot “chien”, comme tout ça. Or, est-ce qu’il n’y a pas aussi deux « il » ? « Il », ça peut être la troisième personne. Oui, d’accord. Ça peut être la troisième personne. Je dis “Il arrive”, il arrive. [77 :00] Ça peut être quoi d’autre ? — Moi, je ne parle pas au nom de Blanchot, je cherche à dire les choses les plus simples ; on va voir si Blanchot se raccroche à ça. – Mais il y a un autre « il » qui est dit non seulement la troisième personne, qui est le « il » impersonnel : il pleut. Il pleut. Pourquoi ça ne mériterait pas une analyse linguistique autant que le « je » la différence entre ces deux « il » ? Quand je dis « il arrive » ou quand je dis « il pleut », il y a là aussi deux formules qui sont tendues à l’extrême. Il pleut. Qu’est-ce que ce serait, ce « il » ? Qu’est-ce que c’est ce signe-là ? ça ne désigne plus une personne.

Ça désigne quoi ? Ça désigne un événement. Il y a donc le « il » de l’événement. [78 :00] Vous retrouvez ce « il » de l’événement dans la formule “Il y a”. Ce serait curieux de voir que les personnologistes, eux, font dépendre le « il y a », le traitent comme un « shifter », c’est-à-dire le font dépendre du « je ». On n’en est pas là. “Il y a” ou « il » de « il pleut » renvoie à un évènement. Un évènement, ce n’est pas une personne. Pourtant est-ce que c’est l’anonyme ? Si vous vous rappelez, ce que je disais tout à l’heure, là, on retrouve en plein le problème là, non ! Ce n’est pas l’anonyme. Ce n’est pas de l’universel. Un évènement, c’est au contraire extraordinairement singulier, et c’est individué. [79 :00] Voilà, il faut dire que l’individuation de l’évènement, ce n’est pas du même type que l’individuation de la personne.

Là aussi, ça fait un sacré problème parce que le problème, il est en train de rebondir, au fur et à mesure qu’on le construit, à chaque instant on se dit on ne va plus le dominer, tellement il éclate dans des directions diverses. Si bien que je fais à nouveau une parenthèse. Je pense qu’on est en train de le tenir ce problème malgré toutes les parenthèses que je fais. Parce que les parenthèses, elles font partie de la construction du problème. Elles ne feront plus partie du problème. Vous pouvez laisser tomber après, mais pour se débrouiller dans le problème, il faut toutes sortes de détours.

Alors, en effet, il y a beaucoup d’auteurs, même je crois, le maximum d’auteurs. Le problème de l’individuation, c’est un autre problème, mais on l’a traité un an, une année ; j’y ai passé des mois là-dessus. J’étais content parce que ça m’intéressait bien. [Il s’agit au moins d’une partie de des années 1976-77 et 1977-78 ; voir les séances 2 et 3 de ATP II (le 8 mars et le 3 mai 1977) et la séance sur le temps musical de ATP III (le 18 février 1978)] — Eh ben, c’est…, il y a énormément d’auteurs [80 :00] — si on fait à nouveau une recherche de sources — énormément d’auteurs pour qui l’individuation, au premier sens du mot, ça ne peut être que l’individuation d’une personne ; je dis, l’individuation d’une personne.

Bon, voilà, j’ai un texte de Leibniz qui me revient à l’esprit. Il dit : bien sûr, il y a toutes sortes d’emplois du mot « un », « une » ; il fait une réflexion sur l’article indéfini où il dit : « un », « une », c’est une série de degrés hiérarchiques. Quand je dis une armée, c’est ce qu’il appelle “un pur être de collection”, c’est un abstrait. Quand je dis une pierre, c’est déjà plus individué selon Leibniz. Quand je dis une pierre, une bête, un animal, c’est encore plus unifié, individué. [81 :00] Et il lance sa grande formule : « être un, c’est être Un ». Vous voyez ? Être « Un » souligné. Un, c’est être, « Un » souligné. « Être un, c’est être Un ». Bon, on est d’autant plus, qu’on est plus « Un ». Ça revient dire que ce qui est fondamentalement “être”, c’est la personne.

Donc, beaucoup d’auteurs ont pensé que le secret de l’individuation était du côté de la personne. Et finalement, ils diront que l’événement n’a d’individuation que : ou bien par dérivation, ou bien par fiction. C’est une individuation fictive ou dérivée. Elle suppose des personnes. Encore une fois, il n’y a que les Anglais. — C’est curieux, [82 :00] cette histoire de “génie des nations”. — Il n’y a que les c qui n’ont jamais marché là-dedans. Moi, je crois que beaucoup d’auteurs anglais, au moins passent, frôlent cette idée que : non, finalement le secret de l’individuation, ce n’est pas la personne, que la véritable individuation, c’est celle des événements. C’est une drôle d’idée.

Vous me direz : qu’est-ce qui se justifie ? On n’en est plus là. Oui, qu’est-ce qui vous va ? Est-ce que ça vous dit quelque chose ? Est-ce que ça vous parle ? Qu’est-ce qu’ils veulent dire ? Ils veulent dire que même les personnes — ils font la dérivation inverse — ils disent que même les personnes sont individuées à la manière d’événements. Simplement ça ne se voit pas ! On a tellement de mauvaises habitudes, on se prend pour des personnes. Mais on n’est pas des personnes. On est à notre manière des petits événements. Et si on est individué, c’est à la manière d’événement, [83 :00] ce n’est pas à la manière de personnes. C’est curieux ; vous me direz, bon, mais il faudrait définir l’événement, personne… Non, je fais appel aux résonnances que les choses…, suivant ce que vous direz, la définition de l’évènement, va changer singulièrement.

Qu’est-ce que c’est que une bataille ? Qu’est-ce que c’est un événement ? Un événement, ah, tiens la mort ! C’est quoi ? C’est un événement ? Quelle est le rapport de l’événement et de la personne ? Une blessure, c’est un événement ? Oui, si je suis blessé, une blessure, c’est un événement. C’est l’expression de quelque chose qui m’arrive ou qui m’est arrivé. Bon. Comment s’est individuée une blessure ? Est-ce que c’est individué parce qu’elle arrive à une personne ou bien est-ce que j’appellerai « personne » celui à qui elle arrive ? Compliqué. [84 :00]

Vous vous rappelez peut être, ceux qui étaient là, il y a je ne sais pas combien de temps, j’avais passé très longtemps à poser la question suivante : qu’est-ce que c’est de l’individuation d’une heure de la journée. Qu’est-ce que c’est que l’individuation d’une saison ? Qu’est-ce que c’est que ce mode d’individuation qui, à mon avis, ne passait pas du tout par les personnes ? Qu’est-ce que c’est que l’individuation d’un vent ? Lorsque les géographes parlent du vent. Tiens, justement ils donnent des noms propres au vent.

Notre problème rebondit. Comprenez ? C’est le même problème dans lequel on est pris depuis le début, tout le temps, à des niveaux différents. Les uns diront : le nom propre c’est d’abord la personne. Et tous les autres usages du nom propre sont dérivés. Les autres, ils diront — là autant faire son choix, je suis tellement de cet autre [85 :00] côté que j’essaie de dire — mais non, vous savez, ce n’est pas comme ça… ça a l’air…, d’accord. Enfin ce n’est pas la première fois que ça a l’air et que ce n’est pas ça. Je crois vraiment que le premier usage du nom propre et que le sens du nom propre, il se découvre en dérivation avec les événements. Ce qui a été fondamentalement, ou ce qui est fondamentalement, indexé d’un nom propre, ce n’est pas des personnes, c’est des évènements. Je veux dire avant, la personne, il y a évidemment toute cette région très, très curieuse parce que, les individuations s’y font d’une toute autre manière. [Pause]

J’invoquais le poème si beau de Lorca : « Quel terrible cinq heure du soir ! » Quelle terrible cinq heure du soir ! Qu’est-ce que c’est cette individuation ? Dans les romans anglais, [86 :00] je vous demande, juste de repérer ça, dans les romans anglais – je ne dis pas toujours — dans beaucoup, chez beaucoup de romanciers anglais, les personnages ne sont pas des personnages. Tiens, on retombe dans Blanchot, avec heureusement, là, on le conforte, on se conforte avec lui. C’est les romanciers anglais, il n’en parle pas. Donc on a une autre source, peut-être pour donner raison à Blanchot. [Pour les références à ce type d’individuation et à Lorca, Brontë, et Woolf, voir Mille plateaux, pp. 319-321 et tout ce plateau 10 sur les devenirs]

Mais dans beaucoup de romans anglais, à beaucoup de moments, surtout aux moments principaux, les personnages ne sont pas traités comme des personnes. Ils ne sont pas individués comme des personnes. Par exemple, les sœurs Brontë ont une espèce de génie. Elles ont une espèce de génie surtout l’une — je ne sais plus laquelle c’est, alors je m’abstiens. Je crois que c’est Charlotte. Je crois que c’est Charlotte, cette Brontë – [87 :00] ne cesse pas de présenter ses personnages comme… Ce n’est pas une personne. C’est absolument l’équivalent d’un vent. C’est un vent qui passe. Ou Virginia Woolf, c’est un banc de poissons. C’est une promenade. Ce n’est pas… Tiens, je retrouve le même cas, justement ce que Benveniste négligeait et traitait comme mineur : “Je me promène”, c’est précisément, il suffit que je me promène pour ne plus être un “Je”. Si ma promenade est une promenade, je ne suis plus un « je », je suis un événement. Celle alors qui a su faire ça à merveille, dans la littérature anglaise, c’est évidemment Virginia Woolf.

Virginia Woolf, dès qu’elle fait bouger un héros, il perd sa qualité de personne. [Pause] Grand exemple, dans Virginia Woolf, [88 :00] la promenade de Mrs Dalloway. « Je ne dirai plus : je suis ceci ou cela », conclue Mrs Dalloway. « Je ne dirai plus, je suis ceci ou cela… » Je ne dirai plus « je », j’ai un problème d’individuation. C’est très curieux, mais il faut se méfier des trucs. On n’en a jamais fini. On se disait au besoin, ah, bien, il y a un vague choix entre quoi et quoi ? Entre dire « je » et dire le néant, ou dire « je » ou dire “l’abîme indifférencié”, la forme de « je » ou le “fond sans visage”.

Il y a des auteurs, il y a des penseurs. Traitez-les comme des grands peintres ; quand je disais en philosophie il y a autant de création d’ailleurs, c’est comme la peinture, c’est comme la musique. Il y a des grands philosophes qui ont fonctionné dans ces coordonnées-là, la forme de l’individu ou l’abîme indifférencié. [89 :00] Et Dieu qu’ils avaient du génie ! un de ceux qui a poussé le plus dans cette direction, c’est Schopenhauer qui, là, chantait le malheur de l’individuation, mais l’individuation étant conçue comme l’individuation de la personne et l’abîme indifférencié. Et Nietzsche, jeune, sera pris là-dedans, et La Naissance de la tragédie en reste encore à ces coordonnées. Très vite, Nietzsche se dit qu’il y a une autre voie. Ce n’est pas une voie moyenne. C’est une tout autre voie qui bouleverse les données du problème. Il dit : “mais non, le choix, il n’est pas entre l’individuation de personne et l’abîme indifférencié. Il y a un autre mode d’individuation”.

Or il me semble que précisément, c’est tous les auteurs qui tournent autour de cette notion très, très complexe d’événement. Une individuation de l’événement qui ne ramène pas une individuation de personne. [90 :00] En quoi il y a une morale ? Il y a une morale, partout, dans la personnologie que je décrivais tout à l’heure, il y a toute une morale. Comprenez ? Comprenez Benveniste est un moraliste du langage. C’est un moraliste du langage, simplement son moralisme est un moralisme de la personne. Dans l’autre cas, il y a peut-être autant de morale, mais il se trouve que ce n’est pas vraiment la même. Ce n’est ni la même dignité, ce n’est pas la même sagesse, ce n’est pas la même dissipation, ce n’est pas la même non-sagesse, ce n’est pas… tout change, tout change.

Pourquoi ? Parce que si vous vivez que votre individuation n’est pas celle d’une personne, bon, mettons, pour reprendre que les termes que j’employais la dernière fois, c’est celle d’une tribu, par exemple. Je suis une tribu. J’ai mes tribus. Bon, j’ai mes tribus à moi. Donc vous allez me dire, mais « Tu as dit à toi », donc « Tu as dit j’ai ». Donc la tribu, c’est subordonné toi/moi. Ah non, toi/je. [91 :00] Je dirais non, vous n’avez pas compris, ne m’embêtez pas avec le langage ! Encore une fois, je dis comme tout le monde « le soleil se lève », alors je dis : « J’ai mes tribus ». Ben, mais il va de soi que dans la formule “J’ai mes tribus”, ça n’est pas que j’ai une tribu subordonnée de « je » et à « mes », c’est-à-dire au pronom personnel de première personne qui est au possessif. C’est que « je », en fait, est individué sur le mode des tribus, c’est-à-dire une individuation qui n’est pas, qui n’est pas du tout l’individuation d’une personne.

Alors je dis, est-ce que ça ne change pas tout ? Là aussi, la question n’est pas de savoir qui a raison. Si l’on dit maintenant, eh ben, vous voyez, le nom propre, il désigne avant tout des événements. Il désigne des vents, il désigne des événements. Il ne désigne pas des personnes. C’est seulement secondairement et en dernier lieu qu’il désigne [92 :00] des personnes. C’est-à-dire on fait l’anti-Benveniste, mais ce n’est pas pour contrarier Benveniste. C’est parce qu’on tient un autre chemin.

Qu’est-ce que ça voudrait dire ? Pourquoi je me mets à parler de l’individuation par événement, par opposition à l’individuation ? A ce moment-là, j’ai dit presque l’individuation sur le mode de la personne, qu’est-ce que ce serait ? C’est uniquement, uniquement, une fiction linguistique, ça n’existe pas. — Je dirais ça parce que j’en ai envie, parce que, bon, parce que… — Evidemment à ce moment-là, toute personnologie, supposez ce que ce soit… si c’était vrai, évidemment la personnologie est tout entière une fiction, ou quoi. Bon, mais, qu’est-ce que ça peut vouloir dire ? Ça peut vouloir dire, eh ben voilà, il faudrait dire… vous savez, dans l’événement, c’est une drôle des choses, des événements parce qu’il faut distinguer, comme dans l’événement à son tour, il faut distinguer deux choses. [93 :00] On n’en aura pas fini de pousser nos distinctions ou de déplacer les distinctions.

Je suis blessé, aïe, aïe, aïe ! La blessure…. Un couteau s’enfonce en moi… [Interruption de l’enregistrement audio] [1 :33 :21]; [Le segment omis (quatre phrases) est fourni dans la traduction de Graeme Thomson et Sylvia Maglioni, sans source] : Ou bien la guerre s’éclate. Ici on a deux types d’événement. Il y a deux côtés… Je cite un auteur bien connu à Blanchot, Joë Bousquet.

[Retour à l’enregistrement audio] … Joë Bousquet, c’est un auteur très curieux, c’est beau, c’est beau. Il a reçu une blessure, par l’éclat d’obus, pendant la guerre de 14-18. Il en est sorti — il est mort il n’y a pas très, très longtemps — il en est sorti, paralysé, immobile. Il a vécu dans son lit, il a beaucoup écrit, tout ça. Il n’a écrit pas du tout sur lui, heureusement. Il a écrit sur quelque chose, sur ce qu’il estimait avoir à dire. [94 :00] Et voilà une phrase de Bousquet qui paraît bizarre. Il dit « ma blessure », ma blessure me préexistait, j’étais né pour l’incarner”. Il y a beaucoup de choses. Qu’est-ce qu’il veut dire au juste ? Vous remarquez, seul quelqu’un de profondément malade, de profondément touché, peut tenir une proposition qui serait odieuse en tout autre bouche. Il faut bien que Bousquet ait son éclat d’obus, qui l’a paralysé complétement, pour pouvoir tenir à une pareille proposition. “Ma blessure me préexistait”, ça paraît une espèce d’orgueil diabolique, ou quoi. “Je suis né pour l’incarner”. — Si la phrase vous dit quelque chose, acceptez cette méthode ; si la phrase ne vous dit rien, laissez tomber. Si la phrase vous dit quelque chose, on essaie de continuer. — Qu’est-ce qu’il peut vouloir dire ?

S’il peut vouloir dire, il me semble [95 :00] qu’il explique si bien lui-même, on le sent bien, c’est qu’un évènement n’existe que comme effectué. Il n’y a pas d’événement non-effectué. Ça, d’accord. Il n’y a pas d’”Idée platonicienne de la blessure”. Mais en même temps, il faut dire les deux, il y a dans l’événement toujours une part qui dépasse, qui déborde sa propre effectuation. En d’autres termes, un événement n’existe que comme effectué, dans quoi ?

Là, je retrouve les termes qu’on employait tout à l’heure. Un événement n’existe que comme effectué dans des personnes et des choses, dans des personnes et des états de choses. La guerre n’existe pas indépendamment des soldats qui la subissent, indépendamment des matériels qu’elle met en jeu, c’est-à-dire [96 :00] effectuée dans les lieux qu’elle concerne, effectuée dans des états des choses et des personnes. Sinon on parle de quoi ? De quelle guerre… une pure idée de la guerre, qu’est-ce que ça veut dire ? Donc je dois maintenir que tout événement est de ce type.
Et en même temps, je dois soutenir que dans tout événement, si petit qu’il soit, si insignifiant qu’il soit, il y a quelque chose qui déborde son effectuation. Il y a quelque chose qui n’est pas effectuable. [Pause]

Je ne peux pas aller trop loin. Qu’est-ce que ce serait, ce quelque chose qui n’est pas effectuable ? Est-ce que ce ne serait pas ce que j’appelais l’individuation propre à l’événement qui ne passe plus par les personnes ni les états de choses ? [Pause] Dans un vent froid, voilà, [97 :00] dans un vent froid — si vous aimez le vent froid ou si… je ne sais pas — il y a quelque chose, un vent froid n’existe pas en dehors de son effectuation dans quoi ? Dans des états de choses, exemple : la température qui le déclenche, qui l’entraîne, et dans des personnes, le froid éprouvé par des personnes, des animaux, etc.

Et pourtant quelque chose me dit — peut-être, mais, ce serait très légitime que certains entre vous me disent : ah moi, ça ne me dit rien du tout, ça — Quelque chose me dit qu’il n’y a pas de vent froid qui ne déborde par… qui pourtant, est consubstantiel de cette part qui est celle de son effectuation.

Et c’est là… qu’il y a une espèce de…, à la lettre, quel que soit l’événement qui nous arrive, qu’il y a quelque chose qu’il faut bien appeler “la splendeur d’un événement”, [98 :00] il déborde toute effectuation. A la fois il ne peut pas ne pas être effectué, et il déborde sa propre effectuation. Comme s’il avait un “en plus”, un surcroît. Bon. Quelque chose qui déborde l’effectuation par les choses, dans les choses et par les personnes. C’est ça que j’appellerais la sphère la plus profonde de l’événement. Pas la plus profonde, le mot est mauvais puisque c’est plus un monde de la profondeur, voilà j’emploie n’importe quel mot.

Vous voyez, où je veux en venir ; à ce moment-là, on comprend mieux les phrases de Bousquet où il dit, “le problème, c’est être digne” — alors là c’est toute sa morale à lui — “être digne de ce qui nous arrive”, quoi que ce soit qui nous arrive, que ce soit bon ou mauvais. Il y a presque à penser à… [99 :00] même si… même ceux qui savent un peu, à la morale stoïcienne, elle prend une autre allure, la morale stoïcienne. Accepter l’événement. Qu’est-ce que ça veut dire ?

Accepter l’événement, ça ne veut pas dire du tout se résigner : “mon Dieu, tu as bien fait”, c’est pas du tout chez les stoïciens. Je crois qu’ils avaient une idée, ce n’est pas par hasard, que les Stoïciens, c’est les premiers chez les Grecs qui font une théorie de l’événement, et qu’il l’a poussé très, très loin la théorie de l’événement. Et ce qu’ils veulent dire précisément ça, que dans l’événement, il y a quelque chose qui nous appelle dans leur langage à eux ou il y a quelque chose qu’ils appellent “l’incorporel”. L’événement, à la fois, s’effectue dans les corps et n’existe pas s’il ne s’effectue pas dans les corps, mais en lui-même, il contient quelque chose d’incorporel. “Ma blessure existait avant moi, je suis né pour l’incarner”. C’est-à-dire, oui, elle s’effectue en moi mais elle contient quelque chose par qui ce n’est plus « ma » blessure. [100 :00] C’est « il » blessure.

Bon, on retombe dans Blanchot. Vous comprenez ? D’où “Être digne de ce qui nous arrive”, quoi que ce soit, que ce soit la merde, que ce soit une catastrophe, que ce soit un grand bonheur, il y a des gens qui vivent sur le mode, ils sont perpétuellement indignes de ce qui leur arrivent. Que ce soient les souffrances, que ce soient les joies et les beautés. Je crois que ce sont des personnologues. Je crois que c’est ceux qui centrent, qui font le centrage sur la première ou la seconde personne, c’est ceux qui ne dégagent pas la sphère de l’événement.

Bon. Être digne de ce qui arrive, c’est une idée très curieuse, ou c’est un vécu très, très curieux. C’est-à-dire ne rien médiocriser, quoi. [101 :00] Il y a des gens qui médiocrisent la mort. Il y a des gens qui médiocrisent leur propre maladie, pourtant ils ont des maladies. Je ne sais pas, oui, enfin ils ont des maladies événements. Ben, il y a des gens qui rendent tout sale… comme le type qui écrit “suicidez-vous”. Voilà une formule de médiocrité fondamentale. Ce n’est pas quelqu’un qui a un rapport avec la mort, absolument pas. Les gens qui ont un rapport avec la mort, ils ont au contraire un culte de la vie qui est autre chose et ils ne font pas les petits cons comme ça.

Alors, bon, comprenez ? C’est ça être digne de ce qui arrive, c’est dégager dans l’événement qui s’effectue en moi ou que j’effectue, c’est dégager la part de l’ineffectuable. [101 :46] [Fin de la transcription La Voix de Deleuze/Paris 8] … Oui ?

Une étudiante : [Question inaudible, à propos de Blanchot et le suicide]

Deleuze : Blanchot le dit très fort pour la mort ; lorsqu’il parle du suicide. Blanchot dit que dans le suicide, il y a une opération qui fondamentalement [102 :00] est de mauvaise foi parce que dans le suicide, il y a une espèce d’effort désespéré pour effectuer et pour rendre l’événement « mort » [comme] totalement effectué, c’est-à-dire l’épuiser par une effectuation, puisque Blanchot ne cesse pas de dire, vous ne pourrez jamais séparer deux morts, la mort qui s’effectue en moi et dont je suis plus ou moins près, plus ou moins proche, et ce qu’il y a d’ineffectuable dans la mort, et c’est ce qu’il y a d’ineffectuable dans la mort qui m’empêche de me tuer. [Pause] Et il y a une espèce alors de culte de la vie… [Fin de la transcription Thomson/Maglioni] qui en effet ne les empêche pas… Si vous pensez aux cas d’euthanasie, etc., ça rentre très bien, le cas d’euthanasie, ça me paraît précisément le contraire du suicide ; c’est d’une certaine manière le culte de la vie, c’est une espèce de très grand… [103 :00] Enfin, c’est trop compliqué… Oui ?

Un étudiant : J’ai vu un film très bien il n’y a pas très longtemps de Louis Malle, “Le feu follet” [1963], un des premiers ; il est très bon d’ailleurs, enfin, peu importe… Et enfin, il se suicide et enfin il dit, c’est positif, le suicide ; il y a un suicide positif aussi, comme vous dites, il y en a un dégueulasse, et le suicide d’un être, c’est qu’il se détruit pour s’imposer…

Deleuze : Je ne sais pas si…

L’étudiant : Vous ne croyez pas ? [Rires]

Deleuze : Je ne crois pas qu’il y ait le suicide pour s’affirmer. Je crois qu’il y a énormément de suicides, oui, pour faire chier les autres.

L’étudiant : Pour être heureux ? Il n’y a pas de suicide pour être heureux ?

Deleuze : Non, parce que ce n’est pas des suicides.

L’étudiant : [Propos indistincts]… Vous dites des choses que je ne disais pas…

Une étudiante : [Propos indistincts ; commentaire sur des suicides volontaires]

Claire Parnet : Il y a des hôtels de luxe aux États-Unis…

Deleuze : C’est vrai, ça, c’est …

Parnet : Il y a des hôtels de luxe aux États-Unis où on paie pour…

L’étudiante : [Propos indistincts] [104 :00]

Parnet : Oui, tu choisis ta mort, et tout est orchestré…

Deleuze : Cela a, au moins, quelque chose de commun, à savoir, c’est, ça fait vraiment partie du culte de la mort, cette espèce de [mot indistinct]. Que ce soit, vraiment, que ce culte de la mort fasse partie de notre manière de vivre sociale aujourd’hui, c’est évident, et c’est ce que j’appelais… Je vous dis, je ne vois vraiment pas d’autre définition, le fascisme, le fascisme, que ça. C’est une entreprise du culte de la mort ; que les autres passent, et j’y passerai après ; les autre d’abord, moi ensuite. Ça c’est fondamental, c’est fondamentalement dans le fascisme, ça. Et ce n’est pas, je vous disais, ce n’est pas une proposition de idéologie. Si bien que quand vous voyez un type dire « Vive la mort ! », même s’il se prend pour un artiste, moi, je ne vois en lui qu’un lamentable petit fasciste parce que c’est ça qui mène, quoi, c’est ça qui mène… Il s’agit toujours finalement de la mort des autres, et même dans certains cas de suicide, c’est la mort des autres qu’on cherche.

Comtesse : Il y a un problème qu’on peut poser dans ce que tu dis, c’est-à-dire [105 :00] dans le « être digne » de l’événement, parce que ça, quelqu’un qui est digne de l’événement peut dire, par exemple, des gens justement comme Kafka, comme Bousquet, comme Blanchot, etc., parce que ce sont des écrivains qui pensent à autre chose. Seulement, il y a parfois certains — il s’agirait de ne pas l’oublier — qui ne peuvent pas être dignes de l’événement, c’est-à-dire que l’événement qui leur arrive, qui fait irruption, par exemple, chez un fou, c’est un événement qui n’est pas simplement dans une sorte de dedans [mots indistincts]… C’est littéralement une ligne du dehors, une ligne de folie [106 :00] dans lequel, dans laquelle, par exemple, le fou peut — ça, c’est son risque, il n’y peut rien, c’est une contrainte — s’absorber ou non.

Par exemple, je pense au dernier, c’est bien un moment que j’ai vu ça, le dernier film de Werner Herzog, “Woyzeck” [1979]. Woyzeck, il est par son dedans un exclus par [mots indistincts] de l’homme, etc., et il entend, et ça, c’est un événement, il entend dès le début du film quelque chose qui monte de la terre, qui monte de la terre et qui n’est ni un bruit, ni une conversation, ni un rumeur, ni un murmure, et qui est quelque chose qui a rapport à l’inaudible. Et quand il entend justement cet inaudible, cette espèce de chose qui déborde de tout, à ce moment-là, dans cet événement, [107 :00] [il est] branché ou connecté avec un flux de folie qui est littéralement un flux du dehors, et à ce moment-là, qui fait une sorte de répartition qui le rend fol, et ça, il ne le décide pas non plus, c’est-à-dire, la terre est en feu, mais moi, je suis glacé, autrement dit, l’événement qui est rapporté à une sorte de [mot indistinct], d’étang de feu et de bloc de glaciation en lui. C’est-à-dire, là, il s’enfonce dans une ligne du dehors qui est la ligne de la folie, et il arrive à la fin, à ce moment-là, à l’intérieur du bloc éveillé par l’événement à entendre, dans une magnifique scène, dans un champ d’air, du dernier Herzog, non pas l’inaudible, mais la voix inaudible, pas le chant de la terre, pas le chant musical de la terre, par exemple, mais la voix [108 :00] de la terre, la voix de la terre qui le pousse à tuer. Et le dernier Herzog, il a tué Marie, à l’occasion, et au dernier Herzog, qui, après le meurtre (de Marie), il éprouve là un autre événement, le réchauffement, comme si le meurtre le faisait passer d’un état à un autre, le bloc de la glaciation, le réchauffement, la recomposition entre eux.

Donc, il y a là… on pourrait multiplier des exemples. Là, c’est un exemple de folie, mais il y a certains événements où il n’est plus possible de maintenir la clôture du dedans, où il y a une absorption complète dans un flux du dehors, et ça, c’est justement la ligne maîtrisable, même l’indécidable de l’événement pour justement finir.

Deleuze : D’accord, écoute, là, par parenthèses, si tu ne l’as pas fait, tu n’as pas vérifié dans, si ce n’est pas tellement net dans le texte, dans le film de Herzog, tu n’as pas vérifié dans le texte de [Georg] Büchner, s’il y a [109 :00] l’équivalent sur froid et feu ?

Comtesse : Non.

Deleuze : Il faudrait… Tu l’as ?… Que je regarderai, moi… Tu ne le connais pas ? Et ce qui te donne raison, c’est que c’est dans la clairière dont tu parles, c’est là où il y a le rond des champignons, le rond des sorcières, non ? … Dans le film, c’est repris… la trace des champignons circulaires, là que Woyzeck voit…

Comtesse: Il parle des champignons…

Deleuze: Il parle des champignons, oui, oui, oui… Finalement, ce que tu fais, il me semble, là je serais très en accord, sauf sur des points de détail, ce n’est pas la peine de… Ce que tu fais, c’est presque la jonction de ce qu’on fait aujourd’hui et ce qu’on faisait la dernière fois parce que là, ce que tu appelles l’événement de la folie, quand le type est complètement coincé, et peut être très bien saisi de ou bien d’une rage suicidaire ou bien d’une rage meurtrière, qu’est-ce qui se passe là ? C’est vraiment ce que j’ai essayé d’analyser, il me semble, la dernière fois sous la forme [de] cette espèce de conversion, tout d’un coup, cette conversion, mais [110 :00] abominable, terrifiante, d’une ligne de fuite qui, étant barrée, se précipite dans une ligne de destruction. Alors ça, il me semble que la dernière fois, j’ai essayé de dire ce que là, tu as essayé de dire aujourd’hui à ton tour et avec ta manière à toi… [Quelqu’un parle] Oui ?

Un étudiant : [Propos inaudibles]

Deleuze : Quoi ?

L’étudiant : [Propos inaudibles, à propos de « être digne » et de la morale] [Rires]

Deleuze : Ecoute… Là, là, je prends cet exemple, cet exemple de ce que tu viens de dire parce que ça me paraît typique. C’est vraiment la méthode que…

L’étudiant : [En interrompant, propos inaudibles]

Deleuze : Je comprends bien, mais toute, toute l’intervention revient à prendre au sérieux un mot. Moi, je vous en supplie… Si c’était mon testament, je vous dirais cela : quand vous écoutez quelqu’un et quand vous parlez à votre tour, ce n’est pas les mots, je t’assure, eh ? [111 :00] Si tel mot vous paraît avoir telle connexion, vous en connaissez un mot, mettez vous-même un autre mot. Parce que la question… J’aurais pu dire aussi bien, à mon avis, « morale », ben oui. Et quel mal y a-t-il ?  Il y a bien morale partout, oui, il y a de la morale partout. [Pause] Quand Nietzsche dit « A bas la morale ! », par-delà le bien et le mal, il ajoute immédiatement et dans la même phrase, mais attention, ne soyez pas des débiles, ne soyez pas comme le type qui dit « Suicidez-vous ! » Par-delà le bien et le mal, ça n’empêche pas et ça ne veut surtout pas dire « par-delà le bon et le mauvais ». Bon, il veut dire, le bien et le mal, c’est en effet la mystification ; il ne veut pas dire, tout se vaut. Il n’a jamais pensé ça, Nietzsche. Là, c’est vraiment, c’est des Nietzschéens de bazar, qui croient que Nietzsche est celui qui dit, « tout est permis », tout ça. Bon.

Alors, si vous n’aimez pas le mot « morale » et si vous pensez que la morale est fondamentalement indexée sur la personne — je veux bien qu’on dise ça ; on peut tout dire – eh ben, [112 :00] vous allez trouver un autre mot [Pause] pour ce qui fonctionne comme « morale » indépendamment des personnes. Or là, en effet, il y a un mot, qui a sa tradition et qui n’est pas le même mot « morale », c’est le mot « éthique ». [Pause] Ce n’est pas par hasard que Spinoza ait écrit non pas « une morale », mais « une éthique ». Pourquoi ? Ce n’est pas la même chose, en effet, et ce n’est pas par hasard parce que Spinoza, c’est celui qui dit avant Nietzsche, « bien et mal ne signifient strictement rien ». [Pause] Mais Spinoza, il ne dit pas aussi, il ne dit pas « dès lors, tout se vaut ». Il dit, en effet, le bon et le mauvais… la formule, quand elle a un sens, le bien et le mal ne signifient strictement rien, est une formule qui veut dire explicitement et qui dit explicitement que la vraie différence passe entre le bon et le mauvais, et que la différence du bon et du mauvais ne coïncide pas avec celle du bien et du mal, et là, il y une différence fondamentale. [113 :00]

L’art de distribuer le bon et le mauvais ou d’organiser ce couple bon-mauvais dans sa différence avec le bien et le mal, c’est ça que Spinoza appelle « une éthique », donc qui dira, « très bien, je ne fais pas de morale » ; il dira, « je fais une éthique ». Vous pouvez garder le mot « morale » si ça vous intéresse. Il suffit de dire, bon, il y a une morale du bon et du mauvais ; vous pouvez dire, ah bon, ce n’est pas une morale, c’est une éthique. Bon, aucune importance, tout ça.

Pourquoi est-ce que quand même le mot « éthique » a une espèce d’intérêt ? Parce que « ethos », c’est un mot intéressant, et « ethos », c’est, c’est… vraiment, vous le voyez aujourd’hui dans ce qu’on appelle l’éthologie. C’est un concept très compliqué, cette discipline qui s’occupe des animaux sous le nom d’éthologie. « L’éthos », c’est plusieurs choses : c’est les modes de vie, les modes de vie ; les territoires ou les lieux — C’est une notion très complexe — [114 :00] les séjours et les lieux, les modes de vie ; comment s’articulent les territoires et les modes de vie. Ça nous parle, en effet, de tout à fait autre chose que ce qu’on entend par « morale » au sens traditionnel. Mais « morale » au sens traditionnel, ça renvoie aussi à « mœurs », et les mœurs, [Pause] c’est très lié à… [Deleuze ne termine pas la phrase] Alors, au choix, oui…

Alors, je voudrais juste conclure toute cette séance, cette dernière séance, en disant, j’ai presque fait en plus que je, que je fais, que je proposais. Voyez maintenant, et je voudrais maintenant que soit plus clair ce que nous dit Blanchot dans ce petit texte. Ça revient à dire [Pause], ce schéma anti-personnologique, ça revient à dire « je » et « tu » finalement ne sont que des fictions, c’est des fictions linguistiques. [Pause] Il faut les dépasser vers un « il ». [Pause] [115 :00] Mais le « il » à son tour, ce n’est pas le « il » de la troisième personne. Il faut dépasser le « il » de la troisième personne vers le « il » de l’événement. [Pause] Et enfin, si le « il » de l’événement est plus profond que le « il » de la troisième personne, c’est parce que l’événement, si profondément soit-il effectué dans les personnes et nécessairement effectué dans les personnes, contient une part de l’ineffectuable qui est constitutif, et le « il » dont parle Blanchot, c’est le « il » de l’événement. [Pause]

Or je dis, mais Comtesse l’a fait,, il me semble, donc je n’ai plus à dire beaucoup, ce que j’ai appelé la dernière fois, je pourrais dire, qu’est-ce que c’est une ligne de fuite ? Une ligne de fuite, c’est précisément la ligne ou le [116 :00] le mouvement qui va de l’assignation des personnes à cette fuite périphérique, à cette tension d’un tenseur, c’est-à-dire qui va vers le « il » de l’événement. Et ça, c’est le caractère positif de la ligne de fuite ; alors, qu’elle puisse tourner en ligne de destruction, par rabattement sur les personnes ou bien dans le cas que disait, que évoquait Comtesse, lorsque précisément cette ligne de fuite se trouve barrée, etc., oui, oui, tout est possible, y compris le pire… Voilà.

Eh bien, l’année prochaine, je ne sais pas ce qui se passera, je ne sais pas si Vincennes restera Vincennes, ni ce qu’on fait, mais enfin, bon… [Pause] Oui ?

Un étudiant : Est-ce que vous savez ce que vous ferez en cours ?

Deleuze : L’année prochaine, je ne sais pas parce que je pourrais faire vraiment… j’espère toujours [117 :00] que viendra un jour où je pourrais organiser – je ne sais pas encore bien. Je me dis, pourquoi pas, il faudra faire, vraiment, retrouver quelque chose de nouveau, me sortir de ce que je vous propose depuis quatre ou cinq ans, là – je me dis, pourquoi pas repartir à zéro ? Mon rêve, ce serait de faire un cours sur « Qu’est-ce que la philosophie ? », comme ça, « Qu’est-ce que la philosophie ? » [Rires] bon, où là, j’essayerai de dire en quoi la philosophie, c’est la création des concepts, qu’est-ce que ça veut dire créer des concepts, tout ça. Mais on verra. Ça dépendra tellement de… ça dépendra tellement des, des gens… parce que je tiens à dire – là ce n’est pas une dernière flatterie que je vous fais – c’est évident que ce dont je parle, je ne peux en parler que dans la mesure où vous êtes là. Je ne peux pas en parler devant… bon, c’est évident… [Bruits de mouvement ; fin de l’enregistrement] [1 :57 :53]

Notes

For archival purposes, the initial update of the translation and transcription took place in May 2020, with additional revisions to both in July 2023, including addition of a missing final segment, and a revised description completed in September 2023. In October 2025, thanks to new transcript revisions in Deleuze’s Sur les lignes de vie, ed. David Lapoujade (Paris: Minuit, 2025), additional updates were completed.

May 27, 1980

I would say it’s quite another thing, the process is what word? it is neither pleasure nor death, it is life, it is life. Life is not necessarily pleasure, it’s not necessarily dead, it’s not necessarily … No, life, it has a specificity that is the process itself.

Seminar Introduction

At the request of students in the seminar, Deleuze agrees to close the year, as well as his years at Vincennes, with reflections not only on Anti-Oedipus (as A Thousand Plateaus is about to appear in print), but also on more general topics in his writings. While Deleuze’s remarks in the first session are generated from specific questions and comments from participants, the second session consists almost solely of Deleuze speaking, continuing where he left off the previous week and presenting material developed over a decade earlier, in Logic of Sense.

Please note that the session recording available on YouTube contains fifteen minutes at the end heretofore not transcribed and untranslated which is presented for the first time on the Deleuze Seminars site.

English Translation

Edited

In this penultimate session, Deleuze opens the discussion to questions, in response to which he addresses: the thorny question of his (and Guattari’s) relationship to and understanding of schizophrenia and schizophrenics; his and Guattari’s understanding that the unconscious works not under the law of structures, but in an unstructured process of emission of random flows, with the schizophrenic’s experience not based on structure or family problems, but on the immediate investment of a historical social field; an outline of types of lines which constitute the focus of schizoanalysis as the determination of the lines that make up an individual or a group, concerning the entire unconscious, a veritable cartography; the distinction between schizophrenia as process, as aggregated of lines of flight, and the schizophrenic as a clinical entity, unable to be held on the lines of flight; philosophy as the creation of concepts, pointing to the constellation – concept, affect, and percept – that constitute this study; the question from the previous session, what it means to be Leibnizian or Spinozist in 1980; Spinoza’s conception of death, which Deleuze describes as there being no natural death for Spinoza, death coming only from the outside, not from within; Spinoza’s interpretation of sin, linked to Spinoza’s definition of reasons as “the art of organizing good encounters”, thereby increasing one’s power of action (puissance). Deleuze closes with a sequence of advice regarding the search for good encounters, finding lines of flight, knowing who one’s allies are, and certainly not in death which has no philosopher or philosophy.

Gilles Deleuze

Seminar on Anti-Oedipus and Other Reflections, 1980

Lecture 1, 27 May 1980

Transcriptions: Voix de Deleuze, Frédéric Astier; augmented transcription, Charles J. Stivale

Initial translation, unattributed; new translation, Charles J. Stivale

For the UV [final course credit], I’m reserving this week. So, those who haven’t filled out their form yet, you’ll give it to me today. The results of UV will only be available at the end of the month. There we are, there we are.

So today I have finished what I had planned to do this year and what was desirable, because I think that this can work; we’ll see. Following the wishes expressed by some among you, this was about some questions asked, and these, we will all try to answer them, that is, it is not necessarily me, but still it would be necessary… I’m afraid that those who — this happens very often — that those who wanted to ask questions are not there on the [particular] day… But this happens. In any case, we will see. So, I mean, for me, what concerns me, what interests me in this isn’t necessarily the same that interests you; again, we’ll see.

What I’m interested in is that what we’ve been doing for four or five years now — there are some who were there, some years, there are others who came here only this year, for the first time. first time — what interests me, what we have been doing anyway for four or five years, it represented in any case for me, a certain path having a coherence which revealed itself to me, in any case, only gradually. So, it’s not that I want to do a review of what we’ve been doing for a number of years, but it’s the point that interests me the most in our working relationships here. But anything else, if there are questions about what we did this year, or what we have done even in other years, or quite different questions. I consider that these last two sessions, it is you who assure them as much as I do, if that suits you. There you are, then …

Question from a participant: Can I ask a quick question? [Deleuze: Why yes!] I do not read anything, even your books; I cannot read them! Here are you sure that negativity… There is a differentiation in your books, even a wealth, an exuberance, an important diversification. Do you believe that the negativity in which you are — you agree, negativity? — is not a possibility to create the real? You see what I mean? That if we only allow (n’admet que) “being”, the real is not created? [Pause, silence from Deleuze]

A second question: I leafed last night through the first pages of the Anti-Oedipus — excuse me, I read this ten years ago — you spoke of “the schizo stroll”. But I have seen the movie of [Alain] Jessua [1963] called “Life upside down” with [Charles] Denner. I saw — how to say — Hölderlin returning from Bordeaux, I saw Artaud returning from Ireland, I saw Thomas Mann, the solemn Thomas Mann. I saw in Dr. Faustus, this man who at the end, this man who departed like a genie, an extraordinary pianist, to return to his native silk, to the tender care of his mother. Isn’t the schizo stroll dangerous sometimes? Of course, as for me, I’ve come here more or less by chance, so then the questions aren’t entirely pertinent, I do not know, I’d like to know, I don’t know very well!

Deleuze: No, they seem very, very pertinent to me, but me, here’s how — I think everyone understood the question? It was very clear. — It’s because, indeed it is true that, following — since you grant me permission to speak about things that Guattari, that Guattari and I did, provided you understand this really in its intended modesty; I mean that, that is, I do not think it was all that great.

What I think is that Anti-Oedipus indeed has given rise to a series of criticisms that may not have been absolutely unjustified. There are, in my opinion, criticisms that were stupid. But there is a kind of criticism that always seemed to me to be important and touching, which was: “It’s a bit easy to say or even to look a little bit like, “Long live schizophrenia,” and then as soon as you see a schizophrenic” – this connects back a bit – So, let me answer on this basis because it’s …

Initial participant: I didn’t say that…

Deleuze: It’s not entirely… Yes, you did, for example, you said to me that…

Initial participant: I didn’t identify the schizo and schizophrenia activity.

Deleuze: Well, of course, that’s where there are all the ambiguities [following the participant’s comments], ambiguities between the schizophrenic and schizophrenic activity. It is obviously very difficult to say – “Yes, you know schizophrenia” — to create a kind of lyrical picture of schizophrenia.

I remember that at the time of Anti-Oedipus, there was a psychiatrist who had come to see me and who was very aggressive, and who said to me: But a schizophrenic, have you ever seen one? I found that this question was insolent, both for Guattari — who for years had been working in a clinic where it is known that many schizophrenics were there — and even insolent for me, since there are few people in the world who do not see or haven’t seen schizophrenics. So, I answered that way quickly — but we always believe we are being witty and never are — I replied: “But never, never, I’ve never seen a schizophrenic!” So, afterwards, she wrote something in newspapers saying that we had never seen any schizophrenics. [Laughter] That was very annoying.

But what I’m saying is that … There were several … I’m even remaining at a level … So, I’m choosing a level that is almost too theoretical on purpose: if you will, in the interpretations of psychosis, in the great interpretations of psychosis, what is there? I think there were two major kinds of interpretations. There were interpretations in terms of degradation, decomposition, that is, interpretations under the sign of the negative, namely, psychosis happens when something breaks down, or when there is a kind of degradation, of what? Fine, of the rapport with the real, with the unity of the person. I would say that these interpretations by decomposition, degradation, they are roughly, — but here I summarize enormously — we could call them personological interpretations. They always come back to take the “me” as a basic reference, the unity of the person, and to mark a sort of defeat from the point of view of the unity of the person, and of his/her rapports with reality.

So basically, personological interpretations — and I’m insisting on that — personology had a tremendous influence on psychiatry. For example, the author of the great manual of psychiatry, Henri Ey, the enemy-friend of Lacan, dove deeply into personology. A guy like [Daniel] Lagache was, and was trying to do, a personological psychoanalysis. For my pleasure, I think that Lacan’s thesis on paranoid psychosis, which Lacan had edited, is still from one end to the other traversed by a personological vision, which will be absolutely the opposite of the theses that he will subsequently go on to defend. So, fine, if you will, there is this first big current.

There is a second current which can be named as “structuralist”, but which, in fact, is completely distinct and different. [Pause] This time, psychosis is interpreted by virtue of “essential phenomena of the structure”. It is no longer an accident that occurs to people, in the form of a kind of mechanism of decomposition, degradation. It’s an essential event in the structure, related to the distribution of positions, situations and relationships within a structure. And in this sense, all the second [version of] Lacan — I mean, Lacan after his thesis, Lacan of Écrits – proposes, for example, an extremely interesting interpretation of psychosis as a function of the structure.

I have always been attracted by — that’s why I’m insisting on… it’s not Felix or me who invented this point of view — I think rather that we used it and that we renewed it in a relative way. There was always a third type of interpretation, which was to conceive of mental illness and its expression psychosis. Why this expression: psychosis? I need to explain myself; I’m opening a parenthesis very quickly. It goes without saying, if you will, it seems to me that there is no neurosis that is not backed up against something on the order of a psychosis. We see it well in what are called neurotic accidents of young people or even children, and that even neurosis, it seems to me, must be indexed, can only be thought of as a function of psychosis, as at least a possibility. I mean concerning obsession, I do not see the possibility of a kind of dualism between neuroses and psychoses. I prefer instead to see breakpoints within neuroses, caught within a kind of potential becoming psychotic. But what interests me in this third tradition to which I am referring is the interpretation, the understanding of mental illness as a process. And there as well, I’m not trying to say things that are overly specific, because in this, the authors are very varied who have launched this idea of ​​mental illness linked to a process.

To my knowledge, if I try to situate historical date markers, the true idea of a “mental illness process”, that is, mental illness no longer being something that happens in a structure; it is no longer an affection of the person, you see, neither of personology nor of structuralism. It’s really, really — how to say — it’s really, it’s really: is it the process itself, or is it a concomitant of the process? But finally, it is thought in terms of much more dynamic terms, in processional terms, process. So, what does that mean? I am just saying, well, if you take the history of psychiatry, the idea of ​​ “process”, it stands out. I would say it’s really a third point of view that is completely, and even psychiatrically, an entirely different understanding of psychosis, from the personological point of view or from the point of view of structuralism, of a structure, of a mental structure. This isn’t a very clear notion, that of process. I’m once again trying to situate [where] that begins; it starts, it seems to me with German psychiatry of the 19th century.

And then the first one that will take that quite far is an author, I think, who is a little forgotten today, who had been very important, however, a few years ago, it’s [Karl] Jaspers. Jaspers is a curious case because he is a psychiatrist who came to philosophy. He started as a psychiatrist; there is even a manual translated into French, a manual by Jaspers, which still seems very extraordinary, a psychopathology textbook. One of the best things about — not only about madness as a process, but as a study, of famous case studies — it’s a book I find very beautiful by Jaspers, which is called Strindberg and Van Gogh [1922] – which develops through a study of diverse cases this hypothesis of madness as a process. [Pause] And besides, this book in the French translation was published with a preface by Blanchot. And there are thirty or forty pages by Maurice Blanchot, which are of a very great beauty, under the title, I believe: “Of madness par excellence”; this is truly, it seems to me, still going to be a basic text for us all.

So then, why did Jaspers temporarily disappear? I don’t know well; finally, he died, but why was he read less? I don’t know. There we are, there was this path, Jaspers, who really does, he really brings the idea of ​​process to a very great psychiatric and philosophical expression.

And then very oddly, this was again taken up by the antipsychiatry. The whole interpretation of antipsychiatry, that is, of [R.D.] Laing and [David] Cooper in their early phase, is fundamentally the idea of ​​a schizophrenic process, which they interpret or specify by saying, “yes this is a trip”, the idea of ​​the trip-process. What does that mean? There, they are rather forceful; you see why Jaspers employed a lot of phenomenological methods. In fact, how does this idea of ​​the process somewhat belong to phenomenology? It is because it rather responds to a kind of lived experience, for example, of the schizophrenic himself, the theme of the trip that constantly appears. It’s no coincidence that at the same period, right, drug people (drogués) proposed, American drug people went very far within a conception of the trip, all of that. [Pause]

So, I think that Guattari and I were taking “process” in yet another direction, but that does not matter; it seems to me that it was to that tradition that we were connected. So, can we move forward if we say, “schizophrenia or psychosis, is fundamentally linked to a process”? Well, I think, what does that mean? This means that maybe schizophrenia reveals something that happens to us in detached parts or in small bits (en petite monnaie) and always and everywhere and fairly constantly, specifically, we do not cease to be as if caught, snatched (rapté), carried away, by what? It’s on this point that we contributed a little something because we said the most useful word yet is flows; we spend our time being crisscrossed by flows. And process is the development (cheminement) of a flow.

What does “process” mean in this sense? It means rather, it’s the quite simple image, like a stream that digs its bed, that is, the trajectory does not exist before, the trajectory does not pre-exist the trip. That’s what a process is. Process is a movement of a trip insofar as the trajectory does not pre-exist, that is, insofar as it traces its own trajectory. In a certain way, we called it a line of flight. This is tracing lines of flight, and lines of flight do not pre-exist on their own trajectory.

One can always say that with the other lines, there are, in fact, trips for which the trajectory pre-exists. If you remember, for example, if some of you remember what we did last year when I was trying to determine the “movement” within a particular type of space that I called smooth space, this comes down to the same thing. In the smooth space, every line becomes, or everything tends to become, a line of flight because, precisely, the trajectories do not even pre-exist the projectiles. It’s not the pathway on train tracks; it’s not the striated space, that is, there are no striations that pre-exist the movement. Fine.[1]

So, let’s suppose that in our life, I’m not saying we’re made of that, but either that there are moments, or even unconsciously — after all, maybe the unconscious is made of that, of flows and processes — you understand that we already commit ourselves a lot, because if I say that the unconscious maybe is made of that, it amounts to saying: but no, it does not work under the law of structures; it does not work under the distribution of persons, this is another thing. This is a world that is completely depersonalized, that is unstructured, not at all that something is missing, but its business is elsewhere. The process is ultimately the emission of any flows whatsoever (de flux quelconques).

So, I can already reconnect something, for example, to schizophrenia. I can say: Well yes, let’s try to see  precisely how the schizophrenic himself feel the impression of the trip, with all that this implies. Whenever we consider or whenever we are involved with something, each of us privileges certain aspects. Myself necessarily, when we encountered schizophrenia, what did we tend to privilege? In the end, the thousand declarations by schizophrenics, where their problem is not that of the person; their problem is not that of a “structure”. Their problem is that of a problem, but … what seizes hold of me, and where does it take me as well? So, well… Fine.

But in this respect, what fascinates me is the way schizophrenics are dealing with what? You understand, they bide their time. That’s what created one of our reactions against the eternal family coordinates of psychoanalysis. It’s because I’ve never seen a schizophrenic who really has family problems; it’s quite another thing. In the end, it’s all too easy what I am saying because we can always say: There are familial problems, but in any case, at least grant me that he/she does not state them and do not experience them as familial problems. How does he/she experience them?

One of the strongest things, it really seems to me there — it’s almost what I like most now when I think back to Anti-Oedipus — one of the strong things of Anti-Oedipus, in my opinion, — and that must be something that survives — it is the idea that delirium is the immediate investment of a historical social field. I am saying, that must be something that survives because this is a kind of simple idea; it’s not complicated to say: well, you know, eh, in the end, what delirium are you creating? You’re creating a delirium about history and society; it’s not about your family! About your family, I always think back to Charlus’s quite satisfying comment, in In Search of Lost Time, when Charlus arrives, pinches the narrator’s ear and tells him, “Hey, you could really care less, you could really care less about your little grandmother, you little rascal!” Well, fine, to some extent, this is about all of us. That doesn’t mean that we don’t love our grandmothers, our fathers, our mothers; of course, we love them. But the question is knowing in what form and as what.

I believe that this is never the social field; if you will, the operation, the whole operation of psychoanalysis, is perpetually to flatten out the social field onto family members and the family structure. I call a family member, the image of a father, the image of a mother, etc., and this is the tendency of personology. I call a family or familialist structure, the father’s name, the mother-function, defined as a structural function. And whatever the differences, there is at least one common point, it is this perpetual flattening out onto familial coordinates, whether they are interpreted in terms of persons or whether they are interpreted in terms of structure.

And for me, delirium is exactly the opposite. Someone who creates delirium, this is literally someone who haunts the social field, the historical field. And the real question is: why, and how does [delirium] operate its selections, its historical-global selections? Delirium is historical-global. So, once again, to say this is, I believe, almost the simplest idea, the most concrete idea, the one that engages me the most. And strangely enough, [this idea] did not work at all in the end, because I think that what is nonetheless striking is that Anti-Oedipus, I think, is a book that had a lot of influence, on a lot of people, but each one individually.

The fact is, melancholic defeat has never prevented in the least any psychoanalyst from continuing his stupidities, and no doubt, this was forced, this was inevitable. But at the time, it was less obvious than it was inevitable. So yes, I insist a bit on that. If you take someone in delirium, this is someone who, through a historical-global field, through a historical and social field, draws his lines. So, it’s the same thing as the process that carries us away.

Once again, delirium, what is it? It’s not about raving about my father and my mother. It consists of creating delirium about [the] black, [the] yellow, the big Mongol, Africa, what can I say, etc., etc. And if you take… Then, of course, I can hear the immediate objection coming right away, the immediate objection coming right away: “Well, yes, but what is there beneath this?” I say there’s nothing underneath, because that’s the bottom, [and] that’s the top. And if you do not understand, then I choose some examples very, well, of grand delusional figures. And that’s why over the course of a year, we formed a group here, especially with Claire Parnet, and another, with another student named [André] Scala. There were several of us who undertook the following operation, something at that time that interested us greatly: we selected examples of delirium, and we compared the examples in which psychoanalysts or psychiatrists spoke, and we took the statements of delirium, the utterances of delirium, and the utterances of delirium retained by the psychiatrist and the psychoanalyst were taken. So, we really possessed something like two texts, and we just put them side by side.[2]

And this was unbelievable. I mean, experiencing this, we cannot forget this experience given how frightening it was because here we saw the kind of forcing of the psychoanalytical or psychiatric operation; we saw how much this forcing occurred, then, in real time (sur le vif)! I’ll select an example: what is Schreber, President Schreber, the famous President Schreber? So, we had studied this [case] very closely; we spent an enormous amount of time on this.  If you select this delirium, what are you seeing? It’s quite simple; you see a guy who keeps on creating delirium about what? About Alsace and Lorraine. He is a young Alsatian — Schreber is German — he is a young Alsatian who defends Alsace and Lorraine against the French Army. There is a whole delirium of races. President Schreber’s racism is frantic, his anti-Semitism is frantic, it’s terrible, with all kinds of other things in that direction.

It’s true that Schreber has a father. What does this father do? It’s not nothing. The father is a very well-known man in Germany. And he is a well-known man for inventing some veritable small torture machines, sadistic machines, that were very fashionable in the 19th Century, and that originated with Schreber. Subsequently, a lot of people imitated Schreber’s [machines]. These were torture machines for children, for the proper education of children. In magazines still from the end of the 19th Century, you will find advertisements for these machines. For example, I’ll cite the most innocent one, for example, some anti-masturbation machines, with which   children sleep with their hands tied, all that. And these are pretty terrifying machines, because the purest, the most discreet one, is a machine with a metal plate in the back, a metal jaw support there, so that the child might sit properly at the table. These machines were very successful, highly successful. [Laughter] So fine, the father, he’s the inventor of these machines.

When President Schreber gets delirious, he also gets delirious about an entire system of education. There’s the theme of Alsace and Lorraine; there’s the theme of anti-Semitism and racism; there’s the theme of the education of children. Finally, there’s his relationship with the sun, the rays of the sun. I am saying, behold, he’s raving about the sun, he’s raving about Alsace and Lorraine, he’s raving in the primitive language of the primitive god, he invents a language for himself of, drawing from forms of Low German, fine. He’s raving about the sun-god, etc. You place Freud’s text alongside, and what do you see? Well, it just happens that Schreber wrote down his delirium, so this is a good case. You place Freud’s text alongside it, and I assure you, well, if you remember this text: on no page is there any of that at all. It’s about Schreber’s father insofar as being the father, and only that, all the time, all the time, Schreber’s father, and the sun is the father, and the god is the father, etc., etc.

And what has always struck me is that schizophrenics, even in their misery and pain, are not lacking in humor. It does not bother them so much when you tell them that, when they have to endure that talk. They tend, in fact, to agree; first, they want to be appreciated, to be cared for, they have so much…, so they’re not going to…. Or they get angry, they say, “Oh stick it!  Leave me alone!” There was a show on TV about schizophrenia not long ago where there was a perfect schizo who asks for a cigarette; the psychiatrist, I do not know why, he says: no, no, no, no cigarette, so [the schizophrenic] leaves and says, she says: oh, well, very good. Now, you understand, when you say things like this: “But the sun, you’re raving about the sun, but the sun, finally, don’t you see that it’s your father?” The schizophrenic, what do you want him to say, what do you want him to say? It’s as if, it’s like when you ask him: what’s your name? to write his name on the hospital, on the register, on the hospital register. It doesn’t bother him so much because he will say: “Yes, yes, yes, Doctor, yes … the sun is my father, only my father, it’s the sun, fine.”  He’s raving about the Virgin; for example, Gérard de Nerval, good.[3] They say to him: “But don’t you see that the Virgin is your mother” He’ll say: “Well yes, but of course, that’s what I always said, I always said my mother is the Virgin.” He builds up his delirium, he puts his delirium on its feet. This happens a lot.

I’ve never seen anyone get delirious, once again, get delirious within familial coordinates. How is it… Of course, parents emerge within delirium, the theme of parents, but why? Solely insofar as they are useful as kinds of transits, doorways, that is, they place the delirious subject into relations with historical-global coordinates. “Oh, my mother, it’s the Virgin!” But what matters isn’t the relationship with the Virgin; what matters is… Take Rimbaud, for example; I mean, nonetheless, one must not snuff out the ravings. So, of course, all the delirious subjects are not Rimbaud. But still, I believe that delirium has great power [puissance]. Delirium has great power; the person who is raving might be reduced to impotence, yes, and the delirium might reduce him or her to impotence. But, the power of delirium, what is it? Rimbaud starts to rave, not in the form of his relations with his mother. Because, come on, we really must not exaggerate; it’s shameful the way that… It’s humiliating, I don’t know; there’s something so reductive to bring delirium back perpetually to… as if people who are raving were doing so just to repeat stories.

I cannot even recount early childhood stories, because the child never lived like that. You understand, a child experiences his/her parents in a historical-global field. He/She does not experience them within a familial field; he/she experiences them immediately. Imagine, you are a little African child during the colonization. Fine. You see your father, your mother. In this situation, what are your father and your mother in contact with? They are dealing with the colonial authorities, they are dealing with this, that. Take an immigrant child today in France. He/She experiences his/her parents in relation to what? He/She does not simply experience his/her parents as parents; never has anyone experienced his/her parents as parents. Take someone whose mother does cleaning work, and someone whose mother is a wealthy bourgeoise. It is obvious that what the little child focuses on, and very quickly, very early, he/she focused, through parental themes, on vectors of the socio-historical field.

For example, if a small child is taken very early by his/her mother to a stranger’s home, that is, to the mother’s employer’s home, as often happens for cleaning ladies. It is obvious that the child has a certain vision of “lines” of a historical field, of a social field. As a result, once again, I jump from all my… It’s the same idea. When Rimbaud launches his kinds of delirious poems, what is he telling us? He says to us: “I am a negro, I am a negro, I am a Viking, I am Joan of Arc, I am of an inferior race for all eternity.” That’s what raving is. “I am a bastard, I am,” etc., and I am a bastard, that does not mean I’m having problems with my father and my mother.[4]

It means that delirium is this kind of investment, it is this kind of investment by desire of the historical and social field. As a result, for us, the interpretation we’ve been offered, the rules for listening to delirium, it was essentially that, basically that. It is obvious that parents are only “signposts” of all these vectors that crisscross the social field. As a result, already giving dignity back to delirium, or restoring dignity to the raving person, is for me to conceive that the delirious person is not trapped within childhood problems, because it’s already true of the child that if the child becomes delirious, he/she’ll do so in this way.

You understand, this has been tested within the same research perspective, this has been tested regarding the kind of psychoanalysis which appears the least compromised in these stories of flattening out [delirium] onto the familial field, namely Melanie Klein. And Melanie Klein analyzes a little boy named Richard.[5] And for me, this is really one of the most shameful psychoanalyses imaginable. Because it is during the war; Richard is a young Jew, he has only one passion, the geographical maps of war. He constructs them, he colors them in. His problems are Hitler, Churchill, what is all this about, what does war mean? [Comment by Claire Parnet] Yes, he moves ships and armies around, etc. And here, it is stated by Melanie Klein, it is out of evil intention (mauvais esprit), she doesn’t stop saying: “I stopped him, I showed him that Hitler, is it the ‘bad daddy’, that Churchill is the good mother”, etc., etc., etc. This is so painful, and the little guy cracks up.

This analysis is very interesting, because there are I don’t know how many sessions, everything is timed. This book was published in France, this shameful psychoanalysis, it was published in France at Editions Tchou. It’s frightening; at first, he manages fine, and he is even quite humorous. He jokes with the aging Melanie; he says: Oh, you have a watch? he says to her, which means clearly: I want to get out of here! So, then she says to him: Why are you asking me that? So, she interprets, she says that he feels threatened in his unconscious defenses. Oh, come on! He has only one desire: to get out, get out, get out. And then little by little, he can’t take it anymore. He can’t take it anymore; he just isn’t up to it. What do you want him to do? So, he accepts everything, he accepts everything. He accepts everything, but at what cost? I don’t know. Fine.

And for each case, it’s like that. Whenever you see delirium, you find these affirmations, which are splendors of delirium and at the same time, their true reason for existing. This is about the relationship someone has with Celts, Blacks, Arabs, the etc., and who does not have … and if this is an Arab [speaking], it’s about the relationship he/she has with the whites, with etc., etc., with the particular historical era.

Let’s talk about masochism; here we have a case where there isn’t even any delirium. There could be delirium, but there’s not necessarily delirium. If you will, if we take it back to… So, I’m choosing this case because it’s a case that I had studied a long time ago, the case of Sacher-Masoch himself.[6] We are then told that psychoanalysis never stops talking about the role of the father and the mother as the generator of masochism, specifically in which case and in what figure this father-mother duo will always generate either a masochistic structure or masochistic events. But all this is extremely painful. Masoch’s father, for example, if we take this case — I’m not saying that this is a general case – he’s a prison director. So, for this, psychoanalysis, has a strange answer which is still its famous notion that seems particularly suspicious, [the notion] of “after the fact” (par après). It says, ah, right, all that, it comes after the fact. But at the level of one’s early childhood, this does not intervene. What matters is the family constellation. [Interruption of the audio recording; the YouTube video of the session contains the omitted text, starting from time marker 22:35; see https://www.youtube.com/watch?v=SoFrOpzrFkI] But really, that’s stupid. I do not know; it seems so stupid to me that this is the strong point of Anti-Oedipus. It’s having nonetheless protested against this kind of thing because we are… Imagine, the little Sacher-Masoch, he was born, his father is a prison director, and he was born in a prison. Well, does he apprehend his father as father or does he apprehend him as a prison guard? [Here recommences the audio recording]

Part 2

… I would say, and even already as a baby, even before learning to talk. You will tell me, there’s no comparison, there’s no comparison, there is no basis for making a comparison. He doesn’t say, he’s not telling himself: “I am in a prison”, or “my father runs a prison”. What he feels is a certain very, very impressive constellation, which is that of a power over a black and enclosed place. And it does not matter; he’s not comparing. If needs be, he doesn’t even know there are other places. But I am saying, this goes without saying; still a child, he doesn’t simply experience his father as his father, he experiences his father under father-power (puissance-père), and, A-N-D – these are inseparable — father AND prison guard. Well, does that count?

Then, to the extent that Masoch personally develops a real delirium at certain moments, this delirium consists in what? This delirium isn’t simply delirium; it’s also a politics. He lives in the Austro-Hungarian Empire, Masoch. All his life is a kind of reflection, but an active reflection and participation in the problem of minorities in the Austrian Empire. And what are his obsessional themes? His obsessional themes are courtly love, with the trials that the male lover takes on and the role of women in minorities, showing that the movements of minorities — Masoch is one of those who stated it most profoundly — the movements of minorities are deeply animated by women. There is all this mixed up therein, both to constitute this kind of masochism that creates delirium about the minorities, about the Middle Ages at the level of the courtly love, and which creates delirium about the world of the prisons. I am saying: if you apply all this to a problem of the child Masoch in relation to his father and mother, then you might as well say that there’s nothing more to say! It’s grotesque, it’s grotesque.

I’m asking you [that] each time you are faced with either the written transcript or the oral recording of some sort of delirium, you will see that what is invested is fundamentally, that is, what is invested through desire is fundamentally a historical-global field. And I’ll call “lines of flight” the lines that connect the delirious person to a particular direction or to a particular region of the historical-global field.

So, if this is how it is, I’m just trying to express a “process”. But maybe this is a little clearer? Something happens to us; something sweeps us away. The whole question of an analysis that wouldn’t be a psychoanalysis, is what? What is it? But this is what it is: what lines do you trace? I mean, for me, analysis cannot be either an interpretation or a signifying operation; it’s a cartographic outline. If you can’t find the lines that compose someone, including their lines of flight, you do not understand the problems that occur or that he/she poses for him/herself. And, in fact, lines of flight, you understand, are not uniform. The way that someone … A line of flight is even an ambiguous operation, I’m saying; it the process that carries us away.

Obviously, that means that, for me, lines of flight are what’s creative in someone. Lines of flight are not lines that consist in escaping, although it consists in fleeing, but it’s really the expression that I like greatly from an American prisoner who cried out: “I’m escaping, I never stop escaping, but by escaping, I’m looking for a weapon”.[7] I’m looking for a weapon, that is, I’m creating something. In the end, creation is panic, always. I mean, it’s on lines of flight that one creates, because it’s on the lines of flight that one no longer has any certainty, as such certainties have collapsed.

So, I’m saying that that’s what process is. But — and here, I’m thinking I can answer your question more directly — I would say [that] precisely because these lines do not pre-exist the outline that is made of them. I would say that, at the same time, these lines do not pre-exist the outline that one makes of them, and then that all the lines are not lines of flight. There are other types of lines. So, for a year here, we had devoted ourselves to this topic; I think we spent about a year studying the kinds of lines that compose someone, that compose someone in the sense of the individual or group, within a social field or in a historical-global field.

At the extreme, we distinguished several types of lines. We really interested ourselves in a splendid short story, because here again the delirium is not far off, a very beautiful short story by Fitzgerald, in which he distinguishes — [with] a whole language, a whole vocabulary — in which he distinguishes the big breaks (cassures), the small cracks (fêlures), and real ruptures.[8] And in the end, we experience all this. And he tries to show, he shows very well that these three kinds of lines — I believe that these are always there in everyone – these [are] three kinds of lines, but [there are] some that abort, and others that … So, this is almost an analysis of lines, almost in the sense of lines of the hand, except that these lines are not in the hand.

I would understand nothing about someone if I couldn’t translate him/her into a kind of linear drawing, with — it would take three colors, at least three colors, in fact much more – and draw the lines in which he/she’s situated and through which he/she manages his/her life. I would say, yes, you understand, so all these lines that get tangled up, that get terribly confused — I had some lines — I proposed to call them “lines of hard segmentarity”. And we all have lines of hard segmentarity. This is not about saying that some are bad, and others are good. It’s about managing oneself with all these lines. Lines of hard segmentarity, for me, are things that everyone knows well, but there are already plenty of cases like that. There are some very different cases in this first packet of lines.

We are… I would really like almost to conceive of myself and conceive of others solely as packets of abstract lines. So, these lines represent nothing, but they work, they work. And for me, schizoanalysis is only this: it’s the determination of the lines that make up an individual or a group, the outline of these lines. And this concerns the entire unconscious. These lines are not immediately given, neither in their respective importance, nor in their dead ends. That’s why rather than a story, I dream of a geography, that is, a cartography, to create someone’s map.

So yes, I am asking, what is hard segmentarity? And certainly, we are segmented from all sides. We are segmented from everywhere; it’s a first kind of line that crosses through us. I mean, we are first segmented immediately: work, leisure, the days of the week, each day, each night, etc., you see. It’s a segmented line: work, days off, Sundays, in the end, of the daily grind kind (métro-boulot), a kind of segmentarity. There’s a whole bureaucracy of segmentarity. There is the office, where we go; when you go from one office to another to obtain the slightest document, we see what social segmentation is. We get sent from one segment to another.

But there is also an even more troubling and more difficult segmentarity. This is to say that already the line… I couldn’t say that there’s “a” line of segmentarity, and it’s not the same for everyone. It’s so variable for everyone according to one’s line of work, according to one’s lifestyle. We are segmented like verse, right! But we cannot say that this isn’t good; it depends, it depends what you get out of it, but it’s a first component of your lines. One segment, another segment, another segment! — Oh, I’m coming home? Ah, I’ve made it home, whew, the day is done. Ah! Don’t let anyone come bother me! — Moving from one segment to another. There are some people, take note of this, there are some people who have rather few lines, for whom this line is as if weakened, weakened. These people are quite attractive, those who have a very weakened segmentarity. We get the impression that they are too mobile, that they move from one segment to another much faster than others, that they have a much more flexible segmentarity. Good.

But I am saying that, generally, there is already in this domain of ​​segmentarity an entire packet of lines, and not just a single one, because you understand that the line of segmentarity is very oriented from the perspective of time. Notably, it is following segmentarities that the sad evolution of the life unfolds, for example: one ages, from youth to old age. This is another segmentarity; you see that these intersect all these segmentarities, man, woman. Here, men; there, women. All that gets segmented, young, old. So, fine! — Ah, I was young, I’m not young anymore. Ah, I had talent, talent, and what’s become of it? — You recognize the tone, but, for Fitzgerald, it’s not at all a whining tone, for those who have read him. What is this phenomenon of “loss of youth”, “loss of beauty”, “loss of talent”, which occurs along this line? And how are we going to endure it? There it is, there are always ruptures, breaks on this line. We go from one segment to another by a sort of break (cassure). There are people who endure it; this line is already very different for each person or for groups. But groups give an entire status already to this first line.

And then there is another kind of line. We know well that, at the same time, it’s not that the first one is a mere apparition, but we know that, at the same time, other things are happening, that there are not just men here and women there, that there is the way men are women, the way women are men in things much more…, so, a line that’s much more, how would I say it, literally, much more molecular. [It’s] a line where it is much less apparently sliced ​​than… Someone makes a gesture, right? Someone within the context of his job makes a gesture, and I get this feeling of unease – novelists have always played on this a lot — I get a feeling of discomfort; I say to myself, well, this gesture is not appropriate (adapté). Where does it come from? It seems a bit incongruous; it comes from somewhere else; it comes from another segment. There is like a kind of mixing of segments.

This is no longer a  line of segmentation somehow pre-established; it’s a line of thin segmentation in the process of being made, of tiny thrusts, of small things, a little grimace, that comes from where? Bizarre. [It’s] a line that no longer proceeds by “breaking” (cassure), a kind of binarity, dualism — man-woman, rich-poor, young-old — but that proceeds by… By how? Fitzgerald says, by “tiny cracks” (petites fêlures), small cracks like on a plate, that will break only because of the small cracks, but these are not the same pathways, that of the big break and that of tiny cracks. So, in the end, we realize that we have aged on the first line, while aging is a kind of process that continued for a long time on the second line. The time of the two lines is not the same. There we have a second type of line which is very diverse. It’s a second packet of lines.

And then there are lines, yet again, of another type, the lines of flight, the lines that are created and on which we create. Sometimes we say: but these are as if caked in sand, they are like mouthfuls, sometimes they release, passing through veritable holes, [and] they re-emerge; sometimes they are ruined (foutues), ruined [since] the other two types of lines have eaten them, and then they can always be returned. What is this third type of lines? Let’s suppose that it is … I am saying, to create a schizoanalysis of someone, it would be to determine these lines and the “process” of these lines.

And finally, to answer the question, [it’s] a very simple thing: let’s call “schizophrenia” according to the outline of lines of flight. And this outline of lines of flight is strictly coextensive with the historical-global field. As a petty bourgeois Frenchman who did not leave my country, once again, what are my ravings about? I create delirium about Africa and Asia, as a kind of revenge. And why? Because that’s what delirium is, that’s what delirium is. And there is no need to be crazy to be delirious.

So, if I call this process, it is this flow that carries me off into the historical-social field following vectors. To call this the trip in the manner of Laing and Cooper, I see no problem with that for, in fact, I can just as well get delirious about prehistory; I can very well make prehistory my business. Anyway, this is what one gets delirious about.

So, what happens? I am saying that each type of line has its dangers. I believe that the danger peculiar to the line of flight and lines of flight, to these lines of delirium, is what? In fact, it’s a kind of real collapse. What is the collapse? But the danger proper to lines of flight – and it’s fundamental; this is the most terrible of dangers — is that the line of flight turns into a line of abolition, of destruction, that the line of flight, which normally and as process is a line of life and must trace new paths of life, turns into a pure line of death. And finally, there is always that possibility; there is always that possibility, that the line of flight ceases to be a line of creation and goes around in circles, like spinning around on itself and sinking into what one year we were calling “a black hole”, that is, becomes a pure and simple line of destruction.

I said, that’s what, I think, explains a number of things. This explains, for example, the production of schizophrenia as a clinical entity. The schizophrenic as someone ill — and I believe that schizophrenia is fundamentally and deeply an illness – this is it: it is someone who, in the grasp of the process, is carried off by his process, by “a” process; well, he can no longer hold on. He does not hold on; it’s too hard. It’s too hard. You will tell me, one still must say why, what has happened? If necessary, if necessary, nothing has happened. I mean, nothing attributable has happened.

There is a wonderful text by [Lev] Shestov about the famous Russian writer Chekhov. Shestov does not like Chekhov; wrongly, he does not like him, he even hates him. He states the reason he does not like Chekhov. He says: You understand when you read Chekhov, you always have the impression that something has happened, and you cannot even say what! Namely everything happens as if Chekhov had tried something, which did not even require considerable effort, and then as if he had sprained his foot, and he comes out of this incapable of anything, as if for him, for him, Chekhov, the world is over, and he is only bitterness. What happened? What happened to make someone crack up? You’ll tell me, cracking up like Chekhov did, it’s not bad, huh? Yes, but… ! Maybe we can have a different vision of Chekhov. But what happens when someone actually cracks up, in fact? What was it he couldn’t stand?

In any case, I am saying, it is there and it’s at this level: what was it that someone couldn’t stand? Well, it’s this something that he could not stand, something that marks, it seems to me, the turning point of the line of flight which ceases being creative, and which becomes a line death pure and simple. There are two ways to become a line of death. It is to become a line of death for others, and often, both are very connected, and line of one’s own death. And in the end, why is it related?

This is complicated, but I am considering cases. How is it that, for example – I’m considering cases there, always literary — what happens, what happens in famous cases, like [Heinrich von] Kleist, Kleist, who really wrote through a “process”? This process gives him all sorts of very schizophrenic signs: stuttering, involuntary movements, muscle contractions, all that. But all that feeds his style for a long time. And a style is not just something aesthetic; a style, you live as you speak, or rather you speak as you live. A style is a way of life. With all that, he invents a style, a kind of style, that makes Kleist’s phrase recognizable among all phrases.

What is happening? So, all that will lead to a very delirious idea, which was there from the beginning in Kleist, namely: how to kill oneself as two (se tuer à deux)? How to kill each other? What occurs so that his line of flight crosses Germany? One sees very well what this process is in Kleist’s case: he jumps on horseback, and he crosses Germany. It is the great German Romantic movement. Well, you’ll tell me, it’s not just the process; okay, it’s not just the process. Let’s say it’s already the geographical sign of the process. There are people who stay in one place and are seized by the process.

It seems obvious to me that Beckett’s characters are intensely living what might be called “the process”. We cannot, it seems to me… We can only interpret Beckett with great difficulty in terms of persons, of personology, or in terms of structure. This is a matter of process too. And something goes wrong; what does it mean? It means the process is really turning, something that should have… — But what does the phrase “that should have” mean? — [Should have] been a line of life, that is, of creation, that should have been a kind of extra chance given to life, that turns into a deadly enterprise. How to kill each other together? An exasperated death in the manner of Kleist, or else a peaceful death. Peaceful deaths do occur. What makes Virginia Woolf sink into her lake, there, and drown like that? So, it is not at all an exasperated death; it’s just that, in a certain way, she got fed up. She’s fed up with what, someone who, in fact, undertook a prodigious process? What is happening?

So, I am saying, in exasperated forms, it’s like that, if you will, if I try to give a concrete, lived, living content to the notion of fascism. I have tried several times to say the extent to which, for me, fascism and totalitarianism are not at all the same thing. Fascism – what I am saying sounds a little mystical — but it seems to me that [fascism] isn’t mystical. Fascism is typically a process of flight, a line of flight which then immediately turns into a mortuary line, death of others and death of oneself. I mean, what does that mean? All fascists have always said it: contrary to totalitarianism, fascism fundamentally implies the idea of ​​a perpetual movement without object or purpose. Perpetual movement without object or purpose: in a way, one can say this is what a process is. In fact, process is a movement that has neither purpose nor goal, that has only one object: its own fulfillment, that is, the emission of flows corresponding to it.

But there we have fascism when this aimless and pointless movement becomes a movement of pure destruction. Provided that what? Provided that others will be put to death, and that one’s own death will be the crowning achievement with the others. I mean, when I say [fascism] sounds quite mystical, what I’m saying about it is that, in fact, the concrete analyses, it seems to me, confirm it very strongly. I mean, one of the best books on fascism, which I have already quoted, which is that of [Hannah] Arendt [The Origins of Totalitarianism 1951], which is a lengthy analysis even of fascist institutions, shows sufficiently that fascism can only live through an idea of a kind of movement that is constantly reproducing and accelerating, to the point that in the history of fascism, the more the war risks being lost for the Fascists, the more [there is] the exasperation and acceleration of the war all the way to Hitler’s famous last telegram which orders the destruction of habitat and the destruction of the people. It will begin with the death of others, but it is understood that the hour of our own death will come. And here, Goebbels’s speeches from the beginning said this. [While] one might just call this propaganda, what interests me is why the propaganda was oriented in a direction from the beginning.

In this respect, that is completely different from a totalitarian regime. And one of the reasons why, it seems to me, one of the important historical reasons, there is again why the Americans, and even Europe, did not make an alliance with fascism. Well, we could trust them; it’s not the morality or the worry of freedom that guided them along. So, why did they prefer to join forces with Russia and the Stalinist regime, about which we can say anything we want, and this is a regime that can be called totalitarian, but it’s not a fascist-type regime, and this is very different. It is obvious that fascism exists only through this exasperation of movement, and that this exasperation of movement could not provide sufficient guarantees in the end. And the mistrust of fascism at the level of governments and the states that created the alliance [with Stalin] during the war, it seems to me, if you will, this is where there is always a potential fascism when a line of flight turns on a line of death.

So, it’s almost for this reason, you understand, [there is] the distinction I would make between schizophrenia as a process and the schizophrenic as a clinical entity. It’s because schizophrenia as a process is the aggregate of these outlines of lines of flight. But the production of the clinical entity occurs precisely when something cannot be held on the lines of flight. Something is too hard; something is too hard for me, and at that point, it’s going to turn into a line, either a line of abolition or a line of death.

Take hold of a thing, an objective experience as simple as music, the music that you listen to. In what way can we talk about a potential fascism in music, if we can talk about a potential fascism? It seems to me that this is because music is process in its purest form. It is through this that of all the arts, [music] would undoubtedly be the art, it seems to me, the most adequate, the most immediately adequate. To capture within painting a process of painting requires much more effort. That is, the flows, to capture the flow of painting is much more difficult than to immediately grasp the sound flow of music. And here again, I would say for me that music is not a matter of structure, nor even of form; it’s a matter of process. Well, I am immediately thinking of comparisons, of one of the musicians who thought about music the most in terms of process: this is [John] Cage. Fine, and I mean that music is process and, in a way, it is fundamentally love of life. It is even the creation of life.

And is it just by chance that — at the same time, I must say the exact opposite — that music inspires us at certain moments, and that there is no music that doesn’t inspire us like that at certain moments, [inspiring] a very strange, a very strange desire, which must be called abolition, a desire for extinction, a desire for sound extinction, a peaceful death, and that in the simplest musical experience — and here I do not privilege one kind of music over another; I think it’s true of all music, that it’s true of pop music, that it’s true of classical music, that it’s true … — that it’s both at the same time, and one kind is caught within the other, a vital creation in the form of a line of flight or in the form of a process, and grafted onto to it, constantly risking to convert the process, [there is] a kind of desire for abolition, a desire for death, and that music carries along the desire for death as well as it carries along the process? As a result, at this level, it’s really a very, very uncertain part that each of us plays without knowing it. A person is never sure that it won’t be his/her turn to crack up. Who can predict this? And yet again, he/she won’t crack up under very strong visible jolts. Perhaps he/she’ll crack up when, from a certain point of view, things are going better. We do not know; we just don’t know.

I am simply saying that psychiatry and psychoanalysis, it seems to me, do us no favors each time they propose interpretation to these phenomena which can be called puerile interpretations. These dishonor people; these dishonor people. It turns out that people are happy; they can stand listening to that. It matters to them since it works; it matters to them. But I think one is dishonored by agreeing to listen to that for hours on end– at least, you have to suffer greatly to stand this – to listen to all that stuff for hours and hours. It’s because: “you do not agree with your father and your mother,” all that; “it’s because something has happened on the paternal side; it’s because …” Whether this is in terms of structure, whether this is in terms of a person’s image, yet again, personology or structure, these seem to me so similar, whereas nonetheless, it seems to me we still, we have the elementary dignity of getting ill or going crazy, were it needed, under all sorts of other pressures and other adventures than that.

So, there we are, yes. In that sense, I answer, of course, if I understood the question correctly: the idea of ​​schizophrenia as a process implies that this process constantly coexists with the production of a kind of victim of the process. One can be, at any moment, victim of a process that one carries in oneself. And by process, yet again, I am invoking, because for, because this becomes a common language, since it belongs to us all, I am invoking big names like Kleist, Rimbaud, etc. Well, Rimbaud, what about Rimbaud, who is this man? He takes off for Ethiopia, that is, he prolongs his line of flight, but he prolongs it in what way? On this point, this kind of denial of all his past is something that he can no longer endure. What does he then become? How, what does he become? It is on this line that a real becoming occurs, once again. And this becoming, it can also become a deadly becoming.

So, if there is a lesson, it’s not just about unraveling the lines that make up someone; it’s on the level of each packet of lines that makes up someone, about trying by any means at all to prevent that from turning into a line of death. For me, that’s the… And there is no miracle solution, there is no quick fix. I just think that there is a sort of complacency that is extremely dangerous: the complacency to the psychoanalytic discourse that creates our disgrace. In the end, it suppresses, it removes… Long ago, the novelist [D.H.] Lawrence said it, having had a kind of fresh reaction to psychoanalysis. He said: but all that is disgusting – in all that, it is not at all… Lawrence, you understand, he is very strong, because he isn’t someone to whom they could say: “Ah you are shocked by sexuality?” He wasn’t very shocked by sexuality; he is even at the head of a kind of discovery, and singular discoveries, of sexuality.

But it seems to him that psychoanalysis is disgusting. What does he mean? Because nonetheless, that does not mean… it’s not Lawrence who would say: I am protesting against the idea that everything is sexual; on the contrary, [he’d say] this doesn’t bother me! He says, “But, do you realize what they are doing with sexuality, do you realize? Well, it’s shameful!” He says: Sexuality? What does it relate to? Well, he says the same thing that I just said about process. He says: it’s obvious that sexuality is all about the sun. It’s all about creating delirium about the world, and not at all about creating a romantic conception here of sexuality. This is how it is; this is how it is; what do you want? What we love, for example, the type of woman or man we pursue, what we expect from this, it’s way beyond persons. In fact, that turns the world into delirium; it can be as much an oasis as a desert, whatever you want.

In any case, the very idea that all this comes down to Oedipus, that is, to a father-mother constellation, and even if we add to it a law, there is something scandalous; all this is dishonorable. It’s obvious that’s not what sexuality is. When President Schreber says literally: I have the sun’s rays in the ass, he feels, he feels the rays of the sun. He feels them like that. Well, and here, if we try to explain his relations with his father, my sense is that we risk failing to understand anything. At that point, everything that concerns sexuality, then…

When Lawrence protests against psychoanalysis, he says, “But they see nothing but the dirty little secret,” a shabby little secret, truly pathetic, this story of wanting to kill the father, and wanting to sleep with the mother, it’s pathetic. So, although we interpret it within structure, it’s still pathetic, because it is. You realize? Which child ever did that? No, come on! Never, never. All that is a twisted person’s idea, in the name of sexuality. I mean, we must react against psychoanalysis and psychoanalytic psychiatry, in the name of sexuality. This is quite another thing, because in sexuality, there is a real process, and there as well, that can turn into death, can turn into… So, well, all that’s what I wanted to say. So, I am continuing; that’s why in one year, I had so much…  So, I could stop if there are other questions… Yes?

A participant: I’d like to revisit a question we discussed last time [inaudible passage]. Why, for example, say that a process is first of all a lifeline onto which a deadly line is then grafted? There, really, I’m stuck. This is something that I can’t accept [je refuse], a bit like Lawrence who said he refused psychoanalysis. That’s something I don’t buy into it [brief inaudible passage]. There is no reason to favor the lifeline. It seems purely tactical to me. Nothing can be said,  nothing can be done. There’s just apathy. […] By talking about the lifeline, we are only displacing the problem […]. For a schizophrenic, either he believes in it, or he goes along with the psychoanalysis thing, [and] so much the better for him. It’s the illusion of interpretation. So, fine. That could very well be a solution for him. Or he will go along with schizoanalysis. Why not? If we stick to a theoretical level, there is a kind of great lyrical circle to finally arrive at: as much power of death resides on one side as on the other. That’s true. Why not start with this apathy of equalization, of neutralization?

Deleuze: Listen…

The participant: I announced at the start of my question that I was referring back to the previous time we met. Last time, you said: we’ve had enough of the philosopher-hero. What is the other image? My question already contains its answer; you’ve stated it many times. At the same time, your answer seems empty to me.

Deleuze: And what was my answer?

The participant: The response proceeded through lines of flight, through rhizomes. But that doesn’t change anything. Yes, there are processes. What does that mean concretely? In processes, life force still exists. That’s clear, okay [inaudible passage]. What happens for the schizophrenic is that quite suddenly, he loses his job, he loses his wife, he loses everything. In this, a power of death is already located, which doesn’t mean that it’s completely death, that’s obvious.

Deleuze: Listen, there’s only one thing that is not right in what you are saying, in your intervention: it’s the way you repeatedly say: “it’s true, it’s true, is it true”. As for me, I never say, “it’s true” because, in a certain sense, this does not occur at this level anymore. But it was like a way you comforted yourself by telling me, “ah and then, it’s not like you are saying, it’s like I am saying it.” Indeed! So, here’s what I would answer: it’s that …

The participant: I didn’t say that.

Deleuze: And the whole time, you said, “That’s right, it’s true … it’s true, we cannot get out o that, we cannot escape that; at the extreme, we might say, well yes, there is the power of life, but there is on the same level the power of death,” and you are saying, “it’s true, it’s true, it’s true,” which showed that you’re attached to this idea.

So, if you’re attached to this idea, I have, I mean, I’ll present two answers at once, but these answers, I insist on the first as on the second, and the first one might appear insolent, but it is not at all. It is that, on a certain level, when one says something that one, in fact, thinks, the more one provides answers to what one thinks, the less one can invoke any truth whatsoever, since one is not sure about it, and that’s even one thing: when you’ve lost the certainty that you can say something, so that’s why…

So, I would say, if someone says to me, as you have — but this is only my first answer — if someone says to me: “Oh no, for me, I cannot think that a line of flight, for example, is essentially vital and creative; I cannot believe it, I do not feel that way. At most, I’d say that [the line] has two heads, life and death, and that everything is decided at that moment, but there’s no reason to privilege the vital pole over the deadly pole.” There, my answer would be, well, well, okay, go in that direction, it’s yours. I cannot say anything; I cannot say anything. Everything in this idea offends me, but I cannot say anything. There is no basis to try to show that I’m the one who is right if someone feels differently than me. The “I feel”, I mean, there is a philosophical “I feel”. The “I feel” is not only “I have the impression”; it is that there is a philosophical “I feel” that is like a kind of background of concepts. It means, well, fine, this concept, you do not like it, you do not like it, even vitally, once we’ve established that concepts have a life.

But at the same time, my second reason is almost — so this is not a desire to convince anyone at all; it’s an immediate desire; I am telling myself that, at least, it might be useful for something if there were someone who does not agree — what would I answer, for myself? For myself, I would answer this with a lot of wailing, because at the point that we’ve reached, if you will, these are really affects. We are not simply at the level of concepts; we are fully within a particular domain that I was trying somewhat to have you sense about Leibniz, namely, the affects of the concept. There are no concepts that are neutral or innocent. A concept is loaded with affective power.

And when I hear the idea that death can be a process, my whole heart, all my affects are bleeding. For — and this is why I exclude death and life from having the same status on the lines of flight, and I will never speak, for example, of a bipolar character, which would be life and death — because death is the opposite of a process; here, it would be necessary to define process better than I did, but I am deliberately insisting on the affective resonances.

For me, death is the interruption of a process. That is why I’ll never understand the phenomena of death or preparation for death in a process as such. This is even why, for me, process and life, process and the vital line, are strictly one. And what I call “line of flight” is this process insofar as being the vital creative line. If I am told about this [that] it necessarily has the correlate of death, it can be understood in two ways, so it becomes complicated.

And the two ways can almost theoretically get closer to each other infinitely; affectively, they are absolutely opposed. And I am saying that in this case, affects are even more important than concepts. Namely, if I say: death is inseparable from this process defined as vital line, I can understand it in the form: death would be part of the process, which in me I refuse to, by taste, not out of… Everything is offended by this idea, everything in me is offended, and it is even an idea that horrifies me. Or I understand something else, namely: but we have never won, and at every moment, this vital line risks being interrupted and the, not the process, but its radical cut is precisely death. And that, in fact, I cannot guarantee it, that it won’t be interrupted by death. What I can ask, which is entirely different, is that everything be put into motion so that it might not be interrupted by a voluntary death, that is, what I am calling voluntary death, in any form whatsoever, a cult of death. And by cult of death, I mean fascism as well. We recognize the fascist by the cry, once again: “Long live death!” Anyone who says: “Long live death!” is a fascist.

So, this cult of death can be represented by fascism, but can be represented, if needed, by all kinds of other things, namely, a certain suicidal complacency, a certain suicidal narcissism, by suicidal undertakings. All suicidal enterprises belong to and imply a kind of death chant, a death cult.

So, at the point that we’ve reached, I would not even try to tell you here that I’m the one who is right because, once again, that’s not at all the question. [Interruption of the audio recording; the YouTube video of the session contains the omitted text, starting from time marker 11:45; see https://www.youtube.com/watch?v=SoFrOpzrFkI] I’m just answering you that someone who would like to create a theory of the process – so here we come back to the concept – where death and life would be like two equal poles of the vital line or the line of flight in such a way that the only status of this line for itself, it would not be the vital line but, as you said, a line of apathy. I see here that [Here recommences the audio recording]

Part 3

… already death has chosen, and that in this path, we have already chosen death because, who are the guys who demand to be apathetic? They demand apathy, for example, or else it is the Sage, the ancient Sage, or else in modern times, it was de Sade and sadism. It is not at all to say: “what you are saying is sadistic” – here, I don’t care, but just to say: you cannot give to death its share on the level of process, without at that very moment, stuffing [the process] fully into death. So, I have no problem with it — I see no problem with anything — I am saying at this point: use another notion than process, because process, you understand — and here, I would like to say that if I had to justify the notion theoretically, it also refers there, to an entire thesis, but a very practical thesis in which I believe, which was in Anti-Oedipus, specifically, that desire insofar as being an emission of process, insofar as being a construction of a creation of process, that desire has absolutely nothing to do with anything negative, with lack, with whatever it might be, that desire does not lack of anything. And it is precisely in this sense that desire is process.

And if someone pushes me into death, in the idea of ​​process — yet again, process pursues its fulfillment – death is always an interruption of the process. Death cannot be part of the process; there is no process of death. Here, I say it with passion, not at all to say: “I am right”, but to say, these seems to me contradictory, death and process.

A participant: [Inaudible comment]

Deleuze: Okay then … What is… I don’t know any more what I wanted to say… Ah, right. I would like to say, precisely at the level of affects, in a sense, this is very useful, because here, if you will, I insist on [this]: [about] philosophy, I proposed as a definition, philosophy is the creation of concepts. But once again, we would have to study three concepts that form a kind of constellation: concept, affect and percept, because there are philosophers who have tried to pose the problem of philosophy at the level of percepts, for example, many American philosophers, by saying, “philosophy is something which proceeds by percepts”, and which, at the limit, changes perception. And then there are philosophers — for example, a philosopher like Nietzsche, and also [Pierre] Klossowski who saw quite well that in Nietzsche, the extent to which Nietzsche proceeds less by concepts. Concepts are a great reaction against concepts. He proceeds essentially by mobilization of affects, and affect receives within Nietzsche a very, very, very subtle, very curious philosophical status: this is a discourse by affects; this is a “pathos,” as one says, it is not a “logos”.

So, at this level, I can say that for me, then, what was I saying the last time, how is it possible today to be Spinozist, to be Leibnizian? If I ask the same question about Spinoza, I would say, what does it mean today to be Spinozist? There is no universal answer. But I feel, I really feel Spinozist, in 1980 — so I can answer the question, only for myself: what does it mean for me to feel Spinozist?

Well, that means being ready to admire, to endorse if I could, the phrase: “death always comes from outside”. Death always comes from outside. Death always comes from outside, that is, death is not a process. And whatever the beauty of the pages that, in one way or another, can be drawn back into a death chant or an exaltation of death, I can only say one thing: it’s that, for my part, I deny their beauty. That is, I am saying, whatever their beauty might be, because for me, these are insults. These are insults against what? These are insults to thought; these are insults to life. This goes without saying, but these are insults to thought, these are insults to all that has lived. And the cult of death, this seems to me really the thing… in whatever form it might be.

So, it has its psychoanalytic aspect of death; it has its fascist aspect; it has its psychotic aspect, all that. I cannot tell you, I am not saying that it does not exist, I am not even saying that I do not have it in me like everyone else. I am saying that it’s the enemy because our problem is not simply agreeing on the level of true and false. It’s not even knowing what is true or false, our collective problem. It’s knowing what our allotment is of allies and enemies. And that would also be part of a schizoanalysis. Schizoanalysis, yet again, does not ask: “what are your relationships with your father and your mother?” It asks: “who are your allies, who are your enemies”? So, if someone says to me: “Well, for me, death is my friend,” I say, “okay, okay”; I consider him to be like a mistake of nature, I consider him to be like a monster. And I know, I know that for me: “No beauty can go along this path.” Why then? I just want to finish before that point.

Why am I so attached to the line of life, the line of flight being equal to life, being equal to process, and for all of that, excluding death, death being only an interruption?

I would say that it’s not only about death that I would say that. I would also say that about pleasure, if you will. Pleasure for me, it’s fine, pleasure; and here, I would say it’s great, we even have to have it. It’s fine, pleasure, it’s fine, fine, we have to have it. But what’s so awful about pleasure, what’s so pathetic about pleasure? That’s because, by its very nature, it interrupts a process. It is odd that in the problems of desire — if you will, there is a case that seems very striking to me — it’s how in different civilizations, it’s very curious what happens in all kinds of civilizations. In all kinds of civilizations, you have, you have an odd idea. And this odd idea, it always appears in groups that are a bit isolated, a little bit on the margins. That’s how not to… This is the idea that desire is ultimately a continuous process. This is the emission, in fact, [that] pursues its fulfillment. This is continuity. Process is something continuous.

So, process has only one enemy: that’s what interrupts it. What is interrupting it? What is it? I said that it’s death. But there are some forms of “little deaths”, what else might that be? It can be pleasure. At the same time, there are necessary interruptions, “the little deaths”, these are absolutely necessary [this is a euphemism in French for orgasm]. Death is inevitable, so the process would be interrupted. It goes without saying, it will be interrupted. I am saying, everything that interrupts the process is outside the process. I’m not saying that it may not come. It will necessarily come, and in a way, it is good that it comes; maybe it is good that we die; maybe it’s good that we have fun, okay, okay. But again, what I reject is that what comes to interrupt the process might be part of the process itself as it is being accomplished.

And I am saying that pleasure interrupts process. What am I referring to? Here again, I come back to my example because this returns to me from the past, since I had once spent time on Masoch and on masochism. In masochism, I am struck by this: it’s that sometimes we are told that this is about people who seek suffering; this is what we could call the superficial interpretation of masochism, people seeking pain, who love pain, that’s it. To love pain is a funny thing; it is literally a proposition that is nonsensical. Or we are told, no, it is not that they love pain; it’s that they seek pleasure like everyone else, but they can only obtain pleasure in particularly devious ways. Why? Because they are supposed to be beaten and subjected to such anguish, that they can only obtain pleasure if they have at first relieved the anguish. How does one relieve anguish? By having oneself be punished. And it is only the punishment received that will enable them, like everyone else, to experience pleasure.

You see, it’s basically two different interpretations of masochism. Both seem to me to be false because I feel that this is not masochism. And I have historical reasons on my side.

I tell myself: the masochist is not at all someone who either seeks pain or seeks pleasure by oblique or devious means. His or her interest is entirely elsewhere. The masochist is someone who in his or her own way, only in a perverse way, — and perversity, I think it isn’t… well, we do what we can, eh? – this is someone who in a perverse way — which will no doubt lead to a dead end, a strange impasse – experiences very narrowly that the desire is a continuous process, and therefore is horrified, is horrified affectively, is horrified by anything that might come to interrupt the process.

Henceforth, pleasure that is a mode of interruption — which is the “pleasant” mode of interruption of process — the masochist does not stop rejecting this pleasure. In order to obtain what? To obtain, literally, a real “field of immanence”, field [champ, c-h-a-m-p], a field of immanence of desire, in which desire must not stop reproducing itself. So, it’s not at all pain he or she is looking for. He or she receives within; moreover, he or she receives it as the best way to repel pleasure. So, he or she receives it, moreover, like the dirty story that results from his or her attempt, but which is not part of this attempt. And that is why, when he or she begins creating delirium about history, masochism gathers, it lands on two points. It lands on the problem of courtly love.

And what was courtly love? This is a historical era, so why at a particular time? Why in a particular civilization? Courtly love, that seems to me to have been a phenomenon of very great importance; what did courtly love propose? It proposes something quite funny. It proposes to eliminate what is called today, both the Law, and the Good, and Pleasure, in exchange for what? In exchange for a permanence and a subsistence of desire, and of a desire reached at a level where desire lacks nothing and reproduces itself, to construct for desire a kind of field of immanence. And this field of immanence will have as motto the motto of courtly love: everything is allowed, everything is allowed except orgasm. Curious. Masochism will draw a lot from this. And there is no masochist who does not renew in his or her own way, and who does not take up in his or her own way the forms of courtly love, with the entire theme of courtly love, namely “the test” (l’épreuve), the test which is really in the mode of an extraordinarily sensual test since really everything is allowed, everything is allowed as long as it does not lead to orgasm. Why don’t they want orgasm? Not because it’s sinful, but because it would be the interruption of desire, and that they wager by right – I insist on “by right” – on the continuation of desire to infinity. And why? Because the continuation of desire to infinity is the construction of a field of immanence.

You will tell me, but in fact, there is always an interruption! Of course, of course, there is always an interruption. It is a question of considering that interruptions are only accidents of “fact”, and that they do not interrupt the “right” of the desire, desire not being at that moment something that lacks anything but being united with the construction of a field of immanence. And in an entirely different civilization, in a totally different world, you find the same thing in the East, in famous forms of Chinese sexuality, in which precisely orgasm is averted. What is affirmed is the kind of right of a desire to construct a plane of immanence, a field of immanence, such that nothing by right interrupts the process of desire.

So, in that sense, I would say, you understand, what interrupts process can be a thousand things. It can be pleasant things, for example, it can be pleasure. These are all facts. Death is a fact. Pleasure is a fact. But process is not simply a fact because it’s an act. And, in this sense, it is in this sense that no more, I could no more make death a component of the process than I could make pleasure a component of the process. I would say that process is quite another thing; for process, what is the word? It is neither pleasure nor death; it is life, it is life. Life is not necessarily pleasure, it’s not necessarily death, it’s not necessarily… No, life has a specificity which is that of process itself. What do I mean by that, in the end?

I am choosing two examples because that concerned, for example, the work we were doing last year. I tried to show what, for example, a line of flight meant in painting. Fine. I pretty much arrived at the definition of process at that time. As we saw, I took as an example, I took as expressions, two expressions, the line of certain very classical artists that responds to the expression, to a famous expression: “He did not paint things, he painted between things”, the line that passes between things, no longer the line that circles something, but the line that passes between things. I took another extreme in a recent artist: the so-called Pollock line, [Jackson] Pollock. And what was extraordinary about this line? It’s because, in a certain way, it challenged the abstract as well as the representative. Because what is the common ground between the abstract and the representative? In a way, the line there is still at least a virtual line of death.

What do I call “line of death” there? It is a line that determines a contour. So, it does not matter, the true difference, it is not between abstract and representative; it is between a line which closes a contour and a line which proceeds differently, which proceeds differently. Because a line that closes a contour can determine a concrete figure; it can also determine an abstract figure. Whether abstract or representative, there’s no difference; you always have the line that creates a contour. Pollock’s line, why is it – it’s not the only one — why is it neither abstract nor concrete? Because it does not form a contour. As we said about other painters, it passes “between” things. It does not move from one point to another; it is instead a point that goes from one line to another, or from one line segment to another line segment, and so on. About this, I am saying: this is a line of life, in fact. Fine.

Or else, last year, we deeply reflected on the idea of ​​a matter-movement. And, for me, matter-movement is the same thing as life. And we had tried to show — especially as this gets greatly  complicated, I just want to finish on this — it is precisely in this perspective of the line of flight that is united with the process or with life, above all, we must not — just as one did not confuse such a line with the inevitable arrival of death, with the accidental interruptions of pleasure — this must not be confused with the determinations of the organism. A line of life is not at all an organic line. There is life even when life has conquered its non-organic character. And the line of life is something that happens between organisms, because within organisms, it coils itself up, and when the line of life coils itself up within an organism, when it starts to swirl in an organism, at that moment, it becomes a search for pleasure, or even, of connection with death.

But insofar as [life] passes through organisms, ultimately I tried to discover this matter-movement in what? I found the best approximation of this inorganic life in primitive metallurgy. [9]  You remember, this matter-movement was precisely what concerned the itinerant metallurgist’s work. The metallurgist was someone who pursued the process of matter-movement, who was completely linked [indexé] to the process of matter-movement, whether this matter-movement is sonorous (consider once again the role, as we’ve seen, of the metallic within music), or whether this process is vital, that does not prevent it from being non-organic

So, I would almost say it’s in the name of all of this that I’m creating what I call process as a completely positive idea, yes, and completely affirmative, and whatever the dangers that the process encounters, even if it falls into these dangers, I can say: these dangers were not part of its inner components. These dangers, whether they are called pleasure, whether they are called death, whether they are called the rights of the organic, or the constraints of the organic, etc., that is not part of [process], for me. For me — but I still do not care about convincing anyone at all — I’m just saying, if you care so much about making death an active cause (instance) and not a consequence, if you want to make death an active cause, well it’s better then not to use the term process. It would be better to discover [the term] “structuralist” — this is still possible and allowed — because there is a place within a structure for death. Within a process, in my view, unless we use words despite good sense, within a process, there is no place for death as an internal component of process… Yes?

The initial participant intervenes: It’s really difficult to be structuralist.

Deleuze: It was just advice, [Laughter] it was a bit of advice; I’m not particularly wed to it.

The initial participant: I completely agree with not putting death into the process. That’s not the problem. I was questioning the privilege granted to the lifeline, that is, we identify it entirely with the process by saying: in any case, there is no death in the process [short inaudible passage]. But in that case, we are only shifting the problem. In what I would call for the moment the existing entity [l’existant], we extract the lifeline. In the example of the schizophrenic, we extract the lifeline, saying: whatever the lifeline may be, death always comes from outside [short inaudible passage]. If there is a problem, it is precisely that [the schizophrenic] comes up against something because all of a sudden, he or she is face to face… [inaudible passage]. It’s a crude little example. But it seems to me that we are going to come back to something more essential. Indeed, we are very close conceptually, but it’s from the perspective of affects that we don’t agree. The proof is that the examples of masochism, I absolutely would have used them as well. [Inaudible passage] But, basically, where you invoke Spinoza, I would rather invoke Kierkegaard. That’s the difference. I am completely for the knights of faith, even if it means being provocative. Why? Because the knight of faith is also apathy or indifference… or the Taoist sage… or masochistic suspense.

What I was questioning, once again, is the place of death in what you’re proposing. Sometimes you say: death is not the line of flight. In this case, you present it as segments [Brief inaudible passage]. Death is what forms the contour. Death is always referred to the outside. Sometimes you admit — in any case, you cannot do otherwise; this is where we are absolutely in agreement [Inaudible passage] — you admit that the line of flight leads to abolition, disappearance, etc. This is simply what I place the priority. That is: it leads to a disappearance that is no different from that of the outside. [Inaudible passage] Sometimes you say, it’s the segment that is bad. It’s the genealogical tree [107:00], it’s the striated space. This is where death is. Sometimes you say: that’s not it at all. In any case, death lies on both sides. I think what we really need to look at is: does death lie on both sides? That’s not structuralist. [It’s not obvious, for example, that [inaudible word] or all the examples you have given lead to that.] So, obviously, this death is different from the little death [petite mort] of the structuralist. I would call that jouissance as opposed to pleasure. [Inaudible passage, which evokes a loud laugh in the room] We must distinguish two kinds of death.

Deleuze: What are these two kinds of death?

The initial participant: For example, death is sometimes the segments, sometimes the desire for abolition. You recognize: there is death on both sides.

Deleuze: No, [Pause] no.

The initial participant: Or maybe it’s not the same death? [Inaudible passage] We must still admit that it’s a disappearance.

Deleuze: That it’s a disappearance?

The initial participant: It’s a disappearance. Simply, it’s a fearful disappearance. That’s why, here, I’m for Kierkegaard, that is, for the spiritual.

Deleuze: Yes, well, I’m afraid the difference is not there, because Kierkegaard and “to be for the spiritual”, this is a proposition on which everyone could agree. It’s not in this that Kierkegaard has an originality, Kierkegaard’s originality, and here, I would not feel Kierkegaardian. Arguing has no purpose. And in this sense, this is a matter of taste, provided that we consider that taste is philosophical. It is not philosophy that is a concern for taste; it is taste that is a concern for philosophy. The true originality of Kierkegaard is not at all a matter of the spiritual: for him, the spiritual is related to a certain very hard, very assertive, very absolute conception of transcendence. And in this, I assume you would agree, whereas I feel so much in the sense of life that all that has no interest. I feel myself being Spinozist; I feel myself believing so much in immanence, that Kierkegaard doesn’t even belong to my personal pantheon. But…

The initial participant: I think that [associating] the Tao with Kierkegaard already implies a certain…

Deleuze: Yes, it does imply a weird kind of gymnastics, yes!

The initial participant: [He finishes here with a brief comment]

Deleuze: Well, then, this implies that this becomes your business, what you do with Kierkegaard. If, in fact, if you remove from Kierkegaard the conception of transcendence, I’m afraid it will create a Kierkegaard who, in fact, could be at once Taoist, masochist, all the things he precisely was not. But, here, I believe that at the point we have reached, there is no basis for… We can conceive that we have traveled a long way together, [and] there is a moment when we separate; you must go along this road with Kierkegaard, but don’t disfigure him too much! [Laughter]

Second participant: [Inaudible comments]

Deleuze: That’s what process is.

The second participant: [His comments address the conception of death from another thinker who we discover to be Spinoza in the following comments by Deleuze]

Deleuze: But he as well, he has a marvelous conception of death; there are only finite modes that die. So, he has a great thing (truc). He said, if there was an order — Spinoza’s answer to death, it seems wonderful to me, and then so true — he says: you understand there is no natural death! There is no natural death. You can believe that you die naturally, it is even a topic there; it is according to the social criteria, one says: there is natural death or not natural. He says metaphysically — and I really like the statements of the doctor recently; it seems to me, I suspect he is Spinozist – [Léon] Schwartzenberg, Schwartzenberg [author of the book, Changer la mort [Changing Death], 1977], all the statements about… You know, the doctor who defends euthanasia, and who gets angry, who is the only one to get angry about the current phenomena of survival and their political significance. For example, he had gotten angry about the forced life support of [Joseph] Tito [former president of Yugoslavia, declared dead on 4 May 1980] which, in fact, from a medical perspective, is a scandal, a huge scandal.

But Schwartzenberg says: “You understand death, it’s not a problem as a doctor,” he says; it’s not a medical problem, it’s a metaphysical problem. So, he explains very well why, for him, this is a metaphysical problem. Because, he says: it’s still possible today, within the skills of medicine, it is still possible to make literally fragmented bodies function. With a system of tubes, you can always keep a heart beating, make them do I don’t know what, irrigate a brain, etc., and then you’ll call that Tito. Okay, fine, the first scandal, only we did not protest because we were… But we were wrong: it was the survival of [Francisco] Franco which was the first scandalous thing in this domain, you understand. The need to maintain, on the one hand… We might have believed that it wasn’t too soon for Franco to die, but that’s not the question.

There where we have a basis for protesting, medically, within modern medicine, is against this way of maintaining life, of a kind of — what can we say about it – kind of mask, right? Kind of display. This is Tito’s uniform, which has nothing to do with a living entity. That’s it, [if] we put his hat and his pants there on a dummy, fine, it looks like it’s Tito, well doing that, it would be less serious. But to maintain that someone who thought, who existed, etc., beyond his existence and thought, is something abominable and atrocious. When this happens by virtue of a natural process, for example, what has long been the [case with] general paralysis — think of Nietzsche who lived for years, for years, for years, like a wreck, indeed, like a total wreck –general paralysis has long existed — until it was cured and was treated like syphilis — general paralysis was a catastrophic thing, as important as leprosy in the Middle Ages, or the plague. [It was] general paralysis that kept you alive for years and years, in a pure state of vegetation, well the general paralysis succeeded in something that, suddenly and through a process deemed natural, medicine now succeeds in doing today artificially.

And I am saying, yes, Spinoza’s idea of ​​death is so concrete, is very good. In the end, we can say: I do not agree! It disgusts him, the idea of ​​death coming from within. You might answer: He just has to deal with it! No, he does not have to deal with it. He says: “There is no reason to believe in that!” He says: “No, death is not that!” And he proposes a kind of theory, he proposes it especially in the Letters. There are prodigious letters from Spinoza, which are part of the most beautiful aspect of his work. These are the letters to a little guy who was bothering him all the time. There was a guy, a grain merchant, a young grain merchant, who bothered him, because he wanted to convert Spinoza to Catholicism. And he was very treacherous, he was very devious, and Spinoza was a little suspicious; he was annoyed, [but] he didn’t dare not answer, telling himself: this will be even more trouble, all that. There is a splendid correspondence, it is the Letters to Blyenbergh. [See the Spinoza sessions of 16 December 1980 and 6 January 1981 on this correspondence and a detailed study of the topics therein.]

And in the Letters to Blyenbergh, he says everything about death, all he thinks. And there, you have to trust Spinoza; he lived like that. He says: Yes, yes for me, death, in fact, is very curious, but, I only conceive of death as coming from outside. The type of death, well, it is always the bus accident, that’s it, always something that rolls over you, right? And, he creates a theory; he says: [Death] cannot come from within! Why? That’s good because it’s the whole problem: is there a death instinct? all that. He says: but this, this is odious, exactly as here I believe [myself] to be a little disciple of Spinoza by saying: Everything in me is offended when I see the forms that are connected to any cult of death whatsoever. Because that’s again what fascism is, that’s what tyranny is, and Spinoza connected it to the political problem. He said that tyranny — this is very strongly stated in the Political Treatise. In the Political Treatise, he says very strongly that “the tyrant has only one possibility: it is to erect a kind of cult of death”; he says, afflicting, afflicting people, affecting them with sad passions, making them commune in sad passions.

And then, why does death always come from outside? He says, “Well it’s very simple, it’s very simple.” he says: You understand, there is an order of nature. Only what happens is never in accordance with the order of nature because there are several levels. There is an order of nature from the point of view of nature. But if I, who am in its language — each of us is, what Spinoza calls, a “finite mode”, a modification; each of us is a modification, a modification marked by finitude, a finite mode — well, the finite modes encounter each other, according to an order that is not necessarily favorable to each of them. The order of encounters between finite modes is always in accordance with nature. As a result, nature never dies.

But a finite mode that meets another can be a good meeting or a bad meeting. I can always meet a mode that does not suit my nature; even more often, I can meet a mode that suits my nature: it’s a party, it’s a joy! That’s what Spinoza will call: love, love. But I spend my time meeting modes that do not suit my nature. At the extreme, I die. If the mode that I meet and which does not suit my nature is much more powerful than me, that is, than my own nature, at that moment, all that constitutes me, all that composes me is upset, and I die.

So that provides an extraordinary interpretation that is one of the happiest things in Spinoza, where Spinoza is unleashed: that is his interpretation of sin. He does not very much like all these notions, of sin, of guilt — he hates all that — of remorse, he sees in these the cult of death. So, he says, it’s quite simple, you understand, the story of Adam: we’ve been fooled. In fact, it is exactly a case of poisoning. The apple was a poison for the first man, that is, the apple was a mode, a finite mode, which did not suit the finite mode that was Adam. Adam eats the apple; it is absolutely of the type: an animal that poisons itself. So, he dies; this is a spiritual death, but in this case, he loses paradise, whatever you want. But death is always of this type, it is always of the type: intoxication-poisoning. I die only by poisoning-intoxication, that is, by a bad encounter.

Hence the splendid definition by Spinoza when — there he changes everything — he keeps the very classic word, “reason”. I would like to close on this, always with this appeal for you to beware how a philosopher can use concepts that seem very traditional and, in fact, he renews them. When he says, “You have to live reasonably,” he means something very specific. He winks at himself because when he seriously defines reason, he defines reason in the following way: “the art of organizing good encounters”, that is, the art of taking oneself aside in relation to encounters with things that would destroy my nature, and on the contrary, the art of provoking good encounters with things that comfort, that increase my nature or my power of action (puissance). As a result, he creates a whole theory of reason subordinated to a composition of powers of action. And that’s what will not escape Nietzsche when Nietzsche, in The Will for Power, recognizes that the only one that preceded him was Spinoza. Reason becomes a calculation of powers of action, an art of avoiding bad encounters, of provoking good encounters.

So, you see, this becomes very, very concrete, because our life, our morality, well, we are all there, all of us. So, in philosophy, fine, in philosophy, there are these prodigious encounters; what is it to encounter a great philosopher nonetheless dead for centuries? So here, he just told you that he [the initial participant who commented earlier] has an encounter with Kierkegaard, good, very good, very good.

As long as you have good encounters, do not think about the bad encounters that you’ve had; protect yourself from the bad ones by creating good encounters. Find what suits you, ok?! But looking for what suits you is a platitude. It’s less of a platitude when it takes the expression of a philosophical concept and corresponding affect, namely, what suits me, which is what? It will be, for example, this composition of powers of action: to make sure precisely that the encounter, the bad encounter, is perpetually averted. I would almost say, this is a certain way again of saying: Cause the line of life to pass through, trace the line of flight, etc., etc. Find flights as a group (fuyez à plusieurs). As I’ve said, know who your allies are! Everything is good there, as long as you find them, your allies. Only one thing is bad: if you find them in death because death has no philosopher; it has no philosophy, not at all, not at all. But I should not say that.

That’s it; so next time, if it suits you, we’ll continue in the same manner … [End of the session] [2:01:56]

Notes [N.B. All notes established in 2023]

[1] See ATP V seminar 1, 11 November 1979; see also A Thousand Plateaus, plateau 14.

[2] Deleuze refers to academic year 1973-74 and work that was published by Deleuze, Guattari, Claire Parnet and André Scala as “The Interpretation of Utterances”, originally in Deleuze and Guattari’s Psychanalyse et politique (Alençon: Bibliothèque des mots perdus 1977), in Two Regimes of Madness: texts and interviews 1975-1995, trans. Ames Hodges & Mike Taormina (New York: Semiotext(e) 2006), pp. 89-112.

[3] This refers to Nerval’s novella, Aurélia (1855).

[4] This quasi-citation is a reference to Rimbaud’s A Season in Hell, the chapter titled “Bad Blood”.

[5] The reference is to Klein’s Narrative of a Child Analysis (1961).

[6] Deleuze’s Masochism: Coldness and Cruelty, (1967).

[7] This reference is to George Jackson’s prison letters, Soledad Brother, cited in A Thousand Plateaus.

[8] “The Crack-Up” (1945), studied in plateau 8 of A Thousand Plateaus.

[9] Deleuze refers to seminars in 1979, notably 27 February, and 6 and 13 November.

French Transcript

Edited

Dans la conférence du 27 mai 1980, les sujets de discussion comprennent: la schizophrénie; psychiatrie et psychanalyse; la folie comme processus; le psychiatre et philosophe germano-suisse Karl Jaspers, et son livre Strindberg et Van Gogh; les concepts de «flux» et de «processus»; les énoncés du délire selon les lignes historiques et les domaines champs sociaux, et non selon les rapports familiaux; l’écrivain et journaliste autrichien Leopold von Sacher-Masoch; le délire et les lignes de fuite des champs historico-mondiales; cartographie; l’écrivain américain F. Scott Fitzgerald et la fêlure; la segmentarité, ligne et segments; la schizophrénie et la clinique; le philosophe russe Léon Chestov; le fascisme, le totalitarisme et processus; musique et processus; la vie, la mort et processus, et les affects et les concepts; processus et l’apathie; le désir comme processus; le plaisir interrompt le processus, le désir comme processus continu; le processus (le désir, la vie) et le fait (la mort, le plaisir, les contraintes de l’organique); lignes de vie et lignes organiques; le processus de la matière-mouvement, en référence au métallurgiste primitif; le philosophe danois Søren Kierkegaard et la transcendance; le philosophe hollandais Baruch Spinoza, ses Lettres, l’immanence et la mort; et l’état clinique.

Gilles Deleuze

Sur Anti-Oedipe et d’autres réflexions

1ère séance, 27 mai 1980

Transcriptions: Voix de Deleuze, Frédéric Astier ; transcription augmentée, Charles J. Stivale

Partie 1

Pour l’U.V., je bloque cette semaine. Donc, ceux qui n’ont encore pas fait leur fiche, vous me la donnez aujourd’hui. Les résultats d’U.V. ils ne seront qu’à la fin du mois. Voilà, voilà, voilà…

Alors aujourd’hui, moi, comme j’ai fini ce que j’avais à faire cette année, et ce qui était souhaitable, parce que je crois que ça peut marcher, on verra bien. C’était, suivant le désir de certains d’entre vous, qu’il y ait des questions posées et qu’on essaye tous d’y répondre — c’est-à-dire que, ça ne soit pas forcément moi, mais encore faudrait-il que…J’ai peur que ceux qui — ça arrive très souvent — que ceux qui souhaitaient poser des questions [1:00] ne sont pas là le jour où… Ça arrive, en tout cas. On va bien voir. Je veux dire, pour moi, ce qui me soucie, ce qui m’intéresse, ce n’est pas forcément la même chose que ce qui vous intéresse vous. Encore une fois, on verra bien.

Moi ce qui m’intéresse, c’est que finalement ce qu’on a fait depuis quatre ou cinq ans. Alors il y en a qui étaient là, certaines années, y en a d’autres qui venaient ici uniquement cette année, pour la première fois — ce qui m’intéresse, ce qu’on a fait de toute manière depuis quatre ou cinq ans, ça représentait, en tout cas pour moi, un certain cheminement ayant une cohérence qui ne se révélait, à moi en tout cas, qu’assez progressivement. Alors ce n’est pas que je tienne à faire une revue de ce qu’on a fait depuis plusieurs années, mais c’est que c’est le point qui m’intéresse le plus dans nos rapports de travail, ici. Mais, tout autre chose, s’il y a des questions [2:00] sur ce qu’on a fait cette année, ou ce qu’on a fait même d’autres années, ou bien des questions tout autre, moi, je considère que ces deux dernières séances, c’est vous qui les assurez autant que moi, si ça vous convient. Voilà, voilà, alors …

Un étudiant: Je peux poser une petite question? [Deleuze: Mais oui!] Je ne lis rien, même vos bouquins, je n’arrive pas à les lire! Voilà êtes, vous, sûr que la négativité… Il y a une différenciation dans vos bouquins, même une richesse, une exubérance, une diversification importante. Croyez-vous que la négativité dans laquelle vous êtes — d’accord, négatif ? — n’est pas une possibilité de créer le réel ? Vous voyez ce que je veux dire, que si on n’admet que de “l’être”, le réel ne se crée pas? [Pause]

Une deuxième question: j’ai feuilleté hier soir les premières pages de l’Anti-Œdipe — excusez-moi, je les ai lues il y a dix ans — vous parliez [3:00] de “promenade du schizo”. Or moi, j’ai vu le film de [Alain] Jessua (1963) qui s’appelle “La vie à l’envers” avec [Charles] Denner. J’ai vu, comment dire ? Hölderlin revenant de Bordeaux; j’ai vu Artaud revenant de L’Irlande; j’ai vu Thomas Mann, le solennel Thomas Mann; j’ai vu dans Dr Faustus, cet homme qui à la fin, cet homme qui partait comme un génie, un pianiste extraordinaire, revenir dans sa [mot qui manque] natale, sous les jupons de sa mère. Est-ce que la promenade schizo, elle n’est pas des fois dangereuse ? Bien sûr, moi, je suis venu comme ça, un peu comme ça ; alors les questions ne sont pas pertinentes, je ne sais pas, j’aurai voulu savoir, je ne sais pas très bien !

Deleuze : Non, elles m’apparaissent très, très pertinentes, mais moi, voilà comment — je pense que tout le monde a compris [4:00] la question? C’était très clair. C’est que, en effet, c’est vrai que, à la suite de — puisque vous m’accordez la permission de parler de choses que Guattari, Guattari et moi, on a faites, à condition que vous le preniez vraiment en modestie réelle; je veux dire que, c’est-à-dire, que je ne pense pas que cela soit formidable.

Ce que je pense, c’est que L’Anti-Œdipe, en effet, a donné lieu à une série de critiques qui peut-être n’étaient pas absolument injustifiées. Il y a, à mon avis, des critiques qui étaient stupides. Mais il y a un genre de critique qui m’a paru toujours important et touchant, qui était : “C’est un peu facile de dire ou même d’avoir l’air de dire : Vive la schizophrénie, et puis dès que vous voyez un schizophrène” — ça rejoint un peu — Enfin laisse-moi répondre à partir de là parce que… [5:00]

L’auditeur initial: Je n’ai pas dit ça…

Deleuze: Ce n’est pas tout à fait… Si, tu me dis, par exemple, que…

L’étudiant: Je n’ai pas identifié le schizo et l’activité schizophrénie.

Deleuze: Mais, bien sûr, c’est là où il y a toutes les ambiguïtés [selon la remarque de l’étudiant], les ambiguïtés entre le schizophrène et l’activité schizophrénique. C’est évidemment très difficile de dire — “Oui, vous savez la schizophrénie…” — de faire une espèce de tableau lyrique de la schizophrénie.

Je me souviens qu’au moment de L’Anti-Œdipe, il y a une psychiatre qui était venue me voir et qui était très agressive, et qui m’a dit : Mais un schizophrène, vous en avez déjà vu ? J’ai trouvé que cette question était insolente, à la fois pour Guattari — qui est, lui qui travaille depuis des années dans une clinique où il est notoire que l’on voit beaucoup de schizophrènes — et même insolente pour moi, puisqu’il y a peu de gens au monde qui ne voient pas ou n’aient pas vu de schizophrènes. Alors j’avais répondu comme ça — mais on croit toujours être spirituel et on ne l’est jamais — j’avais répondu : “Mais jamais, jamais, je n’ai vu de schizophrène moi !” Alors après, elle avait écrit dans des journaux en disant [6:00] qu’on n’avait jamais vu de schizophrènes. [Rires] C’était très embêtant quoi.

Mais voilà ce que je veux dire, c’est que… Il y a eu plusieurs … Je reste même à un niveau … alors je prends un niveau presque trop théorique exprès : si vous voulez, dans les interprétations de la psychose, dans les grandes interprétations de la psychose, qu’est-ce qu’il y a ? Moi je crois qu’il y a eu deux grandes sortes d’interprétations. Il y a eu des interprétations en termes de dégradation, décomposition, c’est-à-dire des interprétations sous le signe du négatif, à savoir, la psychose elle arrive lorsque quelque chose se décompose, ou lorsqu’il y a une espèce de dégradation, de quoi ? Bon, du rapport avec le réel, de l’unité de la personne. Je dirais que ces interprétations par décomposition, [7:00] dégradation, elles sont en gros, — mais là, je résume énormément — on pourrait les appeler des interprétations personnologiques. Elles reviennent toujours à prendre comme référence de base le “moi”, l’unité de la personne, et à marquer une espèce de déroute du point de vue de l’unité de la personne, et de ses rapports avec le réel.

Donc, des interprétations personnologiques en gros, et j’insiste là-dessus, la personnologie, elle a eu énormément d’influence sur la psychiatrie. Par exemple, l’auteur du grand manuel de psychiatrie, Henri Ey, l’ennemi-ami de Lacan, se lançait dans la personnologie à fond. Un type comme [Daniel] Lagache était, et tentait de faire une psychanalyse personnologique. Pour mon plaisir, je pense que la thèse de Lacan, que Lacan avait éditée, sur la psychose paranoïaque, est encore mais d’un bout à l’autre traversée d’une vision [8:00] personnologique, qui sera absolument l’opposée des thèses qu’il défendra ensuite. Bon, bien, il y a, si vous voulez, ce premier grand courant.

Il y a un deuxième courant qui, lui, peut être nommé en, bon, “structuraliste”, mais qui, en effet, est complètement distinct et différent. [Pause] Cette fois-ci, la psychose est interprétée en vertu de “phénomènes essentiels de la structure”. Ce n’est plus un accident qui survient aux personnes, sous forme d’une espèce de mécanisme de décomposition, de dégradation. C’est un événement essentiel dans la structure, lié à la distribution des positions, des situations et des relations [9:00] dans une structure. Et en ce sens, tout le second Lacan, je veux dire : Lacan après sa thèse, le Lacan des Ecrits, lance par exemple une interprétation extrêmement intéressante de la psychose en fonction de la structure.

Moi, j’ai toujours été attiré par — c’est bien pour ça, j’insiste sur… ce n’est pas Félix, ni moi qui avons inventé ce point de vue — je pense plutôt qu’on s’en est servi et qu’on l’a relativement renouvelé. Il y a eu toujours un troisième type d’interprétation, qui était de concevoir la maladie mentale et son expression la psychose. Pourquoi son expression : la psychose ? il faudrait que je m’explique; j’ouvre très rapidement une parenthèse : c’est que, il va de soi que, si vous voulez, il me semble que, il n’y a pas de névrose [10:00] qui ne soit adossée sur quelque chose de l’ordre d’une psychose. On le voit bien dans ce qu’on appelle les accidents névrotiques des jeunes gens ou même des enfants. Et que donc même la névrose, il me semble doit être indexée, ne peut être pensée qu’en fonction de la psychose, comme au moins possibilité. Je veux dire l’obsession, je ne vois pas la possibilité de faire une espèce de dualisme entre les névroses et les psychoses. Les névroses, j’y verrais plutôt des points d’arrêts, pris sur une espèce de devenir psychotique potentiel. Mais ce qui m’intéresse dans cette troisième tradition à laquelle je fais allusion, c’est l’interprétation, la compréhension de la maladie mentale comme processus. Et là aussi, je n’essaye pas de dire des choses trop, trop précises, parce que là, les auteurs qui ont lancé cette idée de la maladie mentale liée à un processus, [11:00] ils sont très variés.

À ma connaissance, si j’essaie de fixer des points de repère historiques, l’idée vraiment d’un “processus maladie mentale”, c’est-à-dire, la maladie mentale n’est plus quelque chose qui se passe dans une structure, ce n’est pas non plus une affection de la personne, vous voyez, ni personnologie, ni structuralisme. C’est vraiment, c’est vraiment — comment dire — est-ce que c’est, elle, le processus même, ou est-ce que c’est un concomitant du processus ? Mais enfin, elle est pensée en termes beaucoup plus dynamiques, en termes processionnels, processus. Alors qu’est-ce que ça veut dire ? Je dis juste, bon, si vous prenez l’histoire de la psychiatrie, l’idée du “processus”, elle se distingue. Je dirais que c’est vraiment un troisième point de vue qui est complètement, [12:00] et même psychiatriquement, est tout à fait différent d’une compréhension de la psychose, du point de vue d’une personnologie ou du point de vue d’un structuralisme, d’une structure, d’une structure mentale. Ce n’est pas une notion très claire que celle du processus. J’essaie de fixer, encore une fois, ça commence, il me semble avec la psychiatrie allemande du 19e Siècle.

Et puis, le premier qui portera ça très, très loin, c’est un auteur, je crois qu’un peu oublié aujourd’hui, qui a eu beaucoup d’importance, pourtant, il y a quelques années, c’est [Karl] Jaspers. Jaspers, c’est un cas assez curieux, car c’est un psychiatre venu à la philosophie. Il a commencé comme psychiatre, il y a même un manuel traduit en français, un manuel de Jaspers, qui me paraît toujours très extraordinaire, un manuel de psychopathologie. Une des meilleures choses sur — non seulement [13:00] sur la folie comme processus, mais comme étude, étude de cas célèbres — c’est un livre que je trouve très, très beau de Jaspers, qui s’appelle “Strindberg et Van Gogh” – qui à travers une étude de cas, développe cette hypothèse de la folie comme processus. [Pause] Ouais… Et en plus, ce livre dans la traduction française a paru préfacé par Blanchot. Et il y a trente ou quarante pages de Maurice Blanchot qui sont d’une très, très grande beauté, sous le titre, je crois : “De la folie par excellence”; ça, c’est vraiment, il me semble, être un livre de base pour nous tous encore.

Alors donc pourquoi, Jaspers, il a provisoirement disparu? je ne sais pas bien, enfin il est mort. Mais pourquoi on le lit moins? Je ne sais pas bien. [14:00] Voilà, il y a eu cette voie, Jaspers, qui fait vraiment, lui qui porte vraiment l’idée de processus à une expression à la fois psychiatrique et philosophique très grande.

Et puis très bizarrement, ça a été repris par l’antipsychiatrie. Toute l’interprétation de l’antipsychiatrie, à savoir de Laing et de Cooper à leurs débuts, c’est fondamentalement l’idée d’un processus schizophrénique, qu’eux interprètent ou précisent en disant : “oui c’est un voyage”, l’idée du processus-voyage. Qu’est-ce que ça veut dire ça? Là, ils sont assez forts, voyez pourquoi Jaspers utilisait beaucoup des méthodes phénoménologiques. En effet, en quoi ça appartient un peu à la phénoménologie, cette idée du processus? C’est que ça répond assez à une espèce d’expérience vécue, par exemple, du schizophrène lui-même, [15:00] le thème du voyage qui apparaît constamment. Ce n’est pas par hasard qu’à la même époque, n’est-ce pas, les drogués ont lancé, les drogués américains, sont allés très loin dans une conception du voyage, bon tout ça. [Pause]

Alors je crois que Guattari et moi, on prenait encore “processus” dans un autre sens, mais là peu importe, il me semble que c’est à cette tradition-là qu’on se rattachait. Alors là est-ce que l’on peut avancer : si l’on dit, “la schizophrénie, ou la psychose, est fondamentalement liée à un processus”? Eh bien, je crois, qu’est-ce que ça veut dire ça ? Ça veut dire que peut-être que la schizophrénie révèle quelque chose qui nous arrive en pièces détachées ou en petite monnaie et toujours et partout et assez constamment, à savoir que l’on ne cesse pas d’être comme pris, rapté, emporté, par quoi ? [16:00] C’est là-dessus qu’on a apporté un tout petit quelque chose parce qu’on disait le mot le plus commode encore, c’est les flux; on passe notre temps à être traversé par des flux. Et le processus, c’est le cheminement d’un flux.

Qu’est-ce que ça veut dire en ce sens, processus? Ça veut dire plutôt, c’est l’image toute simple, comme d’un ruisseau qui creuse son lit, c’est-à-dire le trajet ne préexiste pas, le trajet ne préexiste pas au voyage. C’est ça un processus. Le processus, c’est un mouvement de voyage en tant que le trajet n’y préexiste pas, c’est-à-dire en tant qu’il trace lui-même son propre trajet. D’une certaine autre manière, on appelait ça ligne de fuite. C’est le tracé de “lignes de fuites”. Or les lignes de fuites, elles ne préexistent pas à leur propre trajet.

On peut toujours dire que les autres lignes, il y a en effet des voyages où le trajet préexiste. Si vous vous rappelez, par exemple, si certains d’entre vous se rappellent ce qu’on a fait l’année dernière quand j’essayais de déterminer [17:00] le “mouvement” dans un type d’espace particulier que j’appelais l’espace lisse, ça revenait au même. Dans l’espace lisse, toute ligne devient, ou tout tend à devenir une ligne de fuite parce que, précisément, les trajectoires ne préexistent pas aux projectiles mêmes. Ce n’est pas du cheminement sur rail, ce n’est pas de l’espace strié, c’est-à-dire, il n’y a pas des stries qui préexistent au mouvement. Bon.

Alors supposons que dans notre vie, je ne dis pas que nous soyons faits de ça, mais que soit il y ait des moments, soit même inconsciemment, — après tout peut-être que l’inconscient est fait de ça, de flux et de processus. — Vous comprenez qu’on s’engage déjà beaucoup, parce que si je dis l’inconscient peut-être qu’il est fait de ça, ça revient à dire : mais non, il ne marche pas sous la loi des structures, il ne marche pas sous la distribution des personnes, c’est autre chose. [18:00] C’est un monde qui est complètement dépersonnalisé, qui est déstructuré, pas du tout que quelque chose lui manque, mais son affaire est ailleurs. Le processus, c’est finalement l’émission de flux quelconques.

Alors, je peux déjà raccrocher quelque chose, par exemple, à la schizophrénie. Je peux dire : Bien oui, essayons de voir en quoi précisément le schizophrène éprouve l’impression lui-même de voyager, avec tout ce que ça implique. Chacun, chaque fois qu’on considère ou chaque fois qu’on s’occupe de quelque chose, on privilégie certains aspects. Moi, forcément, quand on rencontrait la schizophrénie, nous, qu’est-ce qu’on était amené à privilégier ? Les mille déclarations finalement des schizophrènes, où leur problème, ça n’est pas celui de la personne, leur problème, ce n’est pas celui d’une structure. Leur problème, c’est celui d’un problème, [19:00] mais… qu’est-ce qui m’emporte, et ça m’emporte où aussi ? Qu’est-ce qui m’emporte et ça m’emporte où ça ? — Ben oui, c’est… Bien.

Or à cet égard, moi ce qui me fascine, c’est la manière dont les schizophrènes, ils ont affaire à quoi ? Vous comprenez, ils passent leur temps. C’est ça qui faisait une de nos réactions contre les éternelles coordonnées de famille de la psychanalyse. C’est que moi, je n’ai jamais vu un schizophrène qui ait vraiment des problèmes familiaux; c’est même tout à fait autre chose. Enfin, c’est trop facile ce que je dis parce qu’on peut toujours dire : il y a des problèmes familiaux, mais en tout cas, au moins qu’on m’accorde qu’il ne les énonce pas et ne les vit pas comme des problèmes familiaux. Comment il les vit ? [20:00]

Une des choses fortes, il me semble vraiment là, c’est presque ce qui maintenant me plaît le plus quand je repense à L’Anti-Œdipe, une des choses fortes de L’Anti-Œdipe, à mon avis et ça, ça devrait pouvoir rester, c’est l’idée que le délire est immédiatement investissement d’un champ social historique. Je dis ça devrait pouvoir rester parce que c’est le type d’une idée simple, ce n’est pas compliqué de dire : ben vous savez, hein, qu’est-ce vous délirez finalement? Vous délirez l’histoire et la société; ce n’est pas votre famille ! Votre famille, je repense toujours au mot si satisfaisant de Charlus, dans la Recherche du temps perdu, quand Charlus arrive, pince l’oreille du narrateur et lui dit : “hein, ta petite grand-mère, tu t’en fous, tu t’en fous, canaille?” Ouais bon, d’une certaine manière, on en est tous là. Ça ne veut pas dire qu’on ne les aime pas, nos grand-mères, nos pères, nos mères; bien sûr, on les aime. Mais la question, c’est de savoir [21:00] sous quelle forme et en tant que quoi.

Moi je crois que, ce n’est jamais le champ social; si vous voulez, l’opération, toute l’opération de la psychanalyse, c’est perpétuellement de rabattre le champ social sur les personnes familiales et la structure familialiste. J’appelle « personne familiale », l’image de père, l’image de mère, etc. et c’est la tendance de la personnologie. J’appelle « structure familiale » ou « familialiste », le nom du père, la fonction-mère, définis comme fonction structurale. Or quelles que soient les différences, il y a au moins un point commun, c’est ce rabattement perpétuel sur les coordonnées familiales, qu’elles soient interprétées en termes de personnes ou qu’elles soient interprétées en termes de structure.

Or pour moi, le délire, c’est exactement le contraire. Quelqu’un qui délire, c’est quelqu’un à la lettre qui hante le champ social, le champ historique. Et la vraie question c’est : pourquoi, et comment il opère ses sélections, ses sélections [22:00] historico mondiales ? Le délire, il est historico mondial. Alors dire ça encore une fois, c’est, je crois, ce à quoi je, presque l’idée la plus simple, la plus concrète, et à laquelle je tiens le plus. Or bizarrement, elle n’a pas du tout marché finalement, parce que je me dis que, ce qui est frappant, c’est quand même que L’Anti-Œdipe, je pense que c’est un livre qui a eu beaucoup d’influence sur beaucoup, mais à titre individuel.

La défaite mélancolique, c’est que ça n’a strictement jamais empêché le moindre psychanalyste de continuer ses débilités, et sans doute c’était forcé, c’était inévitable. Mais à l’époque, c’était moins évident que c’était inévitable. Alors oui, j’insiste un peu là-dessus. Si vous prenez un délire, c’est quelqu’un qui, à travers un champ historico-mondial, à travers un champ historique et social, trace ses lignes. [23:00] Alors c’est, c’est la même chose que le processus qui nous emporte.

Encore une fois le délire, ça consiste en quoi ? Ca ne consiste pas à délirer mon père et ma mère. Ça consiste à délirer : le noir, le jaune, le grand Mongol, l’Afrique, que dirais-je, etc., etc. Et si vous prenez… Alors bien entendu, j’entends l’objection tout de suite qui peut venir; l’objection qui peut venir tout de suite c’est : « Bon, oui, mais qu’est-ce qu’il y a là-dessous ? » Moi je dis qu’il n’y a rien là-dessous, parce que c’est ça le dessous, [et] c’est ça le dessus. Et que si vous ne comprenez pas, alors je prends des exemples très, bon, des grands délirants. Et c’est pour ça qu’une année, on avait formé ici un groupe, notamment avec Claire Parnet, un autre, avec un autre qui s’appelait [André] Scala. [24:00 ] On était quelques-uns à avoir fait l’opération suivante, et qui à ce moment-là nous intéressait beaucoup : on prenait des délires, et l’on comparait des délires où des psychanalystes ont parlé ou des psychiatres, et l’on prenait l’énoncé du délire, les énoncés du délire, et les énoncés qu’en retiennent le psychiatre et le psychanalyste. Alors là on avait vraiment comme deux textes, et juste on les accolait. [Deleuze fait référence au séminaire 1973-74 et au travail publié par Deleuze, Guattari, Claire Parnet et André Scala, “L’Interprétation des énoncés”, d’abord dans Deleuze et Guattari’s Psychanalyse et politique (Alençon: Bibliothèque des mots perdus 1977), puis dans Deux régimes de fous, textes et entretiens 1975-1995 (Paris : Minuit, 2003), pp. 80-103]

Or ce n’était pas croyable. Je veux dire faire cette expérience, on ne peut pas l’oublier cette expérience tellement c’est effarant parce que là, on voit l’espèce de forcing de l’opération psychanalytique ou psychiatrique, on voit tellement ce forcing se faire, alors sur le vif ! Je prends un exemple : qu’est-ce que c’est que Schreber, le Président Schreber, le fameux Président Schreber ? Alors on l’avait étudié de très, très près; ça nous avait tenus très longtemps. [25:00] Si vous prenez ce délire, c’est quoi, vous voyez quoi ? C’est tout simple, vous voyez un type qui ne cesse de, de délirer quoi ? L’Alsace et la Lorraine. Il est une jeune Alsacienne — Schreber est allemand — il est une jeune alsacienne qui défend l’Alsace et la Lorraine contre l’Armée française. Il y a tout un délire des races. Le racisme du Président Schreber est effréné, son antisémitisme est effréné, c’est terrible, toutes sortes d’autres choses en ce sens.

C’est vrai que Schreber a un père. Ce père, qu’est-ce qu’il fait le père ? Ce n’est pas rien. Le père, c’est un homme très, très connu en Allemagne. Et c’est un homme très connu pour avoir inventé [26:00] de véritables petites machines à torture, des machines sadiques, qui étaient très à la mode au 19e siècle, et qui ont pour origine Schreber. Ensuite beaucoup de gens avaient imité Schreber. C’était des machines de torture pour enfant, pour le bon maintien des enfants. Dans les revues encore de la fin du 19e siècle, vous trouvez des réclames de ces machines. Il y a, par exemple, je cite la plus innocente, par exemple, des machines anti-masturbatoire, où les enfants couchent avec les mains liées, tout ça. Et c’est des machines assez terrifiantes, parce que la plus pure, la plus discrète, c’est une machine avec une plaque de métal dans le dos, un soutien-mâchoire là, en métal, pour que l’enfant se tienne bien à table. Ça avait beaucoup de succès, beaucoup de succès, ces machines. [Rires] Alors bon, le père, il est inventeur de ces machines.

Quand il délire, le Président Schreber, il délire aussi tout un système d’éducation. Il y a le thème de l’Alsace [27:00] et la Lorraine; il y a le thème l’antisémitisme et le racisme; il y a le thème l’éducation des enfants. Il y a enfin le rapport avec le soleil, les rayons du soleil. Je dis, mais voilà, il délire le soleil, il délire l’Alsace et la Lorraine, il délire la langue primitive du dieu primitif, il s’invente une langue de, qui renvoie à des formes de bas allemand, bon. Il délire le dieu-soleil, etc. Vous prenez le texte de Freud à côté, qu’est-ce que vous voyez ? Bien, il se trouve précisément que Schreber, il a écrit son délire, alors c’est un bon cas. Vous prenez le texte de Freud à côté, je vous assure, enfin si vous avez souvenir de ce texte – à aucune page il n’est question de rien de tout ça. Il est question du père de Schreber en tant que père, et uniquement, tout le temps, tout le temps. Le père de Schreber, et le soleil c’est le père, et le dieu c’est le père, [28:00] etc., etc.

Or moi, ce qui m’a toujours frappé, c’est que les schizophrènes, même dans leur misère et leur douleur, ils ne manquent pas d’humour. Ça ne les gêne pas tellement quand on leur dit ça, quand ils subissent ce discours-là. Ils sont plutôt d’accord; d’abord ils ont tellement envie d’être bien vus, d’être soignés, ils ont tellement…, donc ils ne vont pas… — ou alors ils se fâchent, ils disent “Oh écrase ! fous-moi la paix ! Il y a eu à la télé une émission sur la schizophrénie il n’y a pas longtemps où il y avait une schizo parfaite qui demande une cigarette; le psychiatre, je ne sais pas pourquoi, lui dit, non, non, non, pas de cigarette, alors elle se tire, elle dit : oh, bon, très bien. Or, vous comprenez, quand on dit des trucs comme ça : “Mais le soleil, tu délires le soleil, mais le soleil finalement, tu ne vois pas que c’est ton père?” Le schizophrène, qu’est-ce que vous voulez qu’il dise, qu’est-ce que vous voulez qu’il dise? C’est comme si, c’est comme quand on lui demande : comment tu t’appelles, pour inscrire son nom sur l’hôpital, [29:00] sur le carnet, sur le cahier de l’hôpital. Ça le gêne pas tellement parce qu’il dira : Oui, oui, oui Docteur, oui, le soleil c’est mon père, seulement mon père, c’est le soleil, d’accord. Il délire sur la Vierge, par exemple, Gérard de Nerval, bon. [Il s’agit du texte, Aurélia, ou la rêve et la vie, surtout le rêve neuf] On lui dit : Mais tu ne vois pas que la Vierge, c’est ta maman ? Il dira : Bien oui, mais bien sûr, c’est ce que j’ai toujours dit, j’ai toujours dit ma mère c’est la Vierge ? Il redresse son délire, il remet son délire sur ses pieds. C’est courant.

Je n’ai jamais vu quelqu’un délirer, encore une fois, délirer dans les coordonnées familiales. Comment est-ce que… Bien sûr, les parents interviennent dans le délire, le thème des parents, mais pourquoi ? Uniquement, en tant qu’ils valent comme des espèces de passeurs, de portes, c’est-à-dire, ils mettent le sujet délirant en rapport avec ces coordonnées [30:00] mondiales historiques. Oh ma mère c’est la Vierge ! mais ce qui compte ce n’est pas le rapport avec la Vierge. Ce qui compte c’est,… Vous prenez, par exemple, Rimbaud; je veux dire, il ne faut quand même pas écraser les délires. Alors, bien sûr, tous les délirants, ce n’est pas Rimbaud. Mais encore, je crois que le délire a une grande puissance. Le délire lui, il a une grande puissance; celui qui délire, il peut être réduit à l’impuissance, oui, et son délire le réduit lui-même à l’impuissance. Mais la puissance du délire, c’est quoi ça ? Rimbaud se met à délirer, pas sous la forme de ses rapports avec sa mère. Parce que quand même, [il ne] faut pas exagérer, c’est honteux la manière dont…, c’est humiliant, je ne sais pas; il y a quelque chose de tellement rabaissant à ramener ça perpétuellement à… comme si les gens qui délirent en étaient à ressasser des histoires.

Je ne peux même pas dire des histoires de petite enfance, [31:00] parce que l’enfant, il n’a jamais vécu comme ça. Vous comprenez, un enfant, il vit ses parents dans un champ historico mondial. Il ne les vit pas dans un champ familial, il les vit immédiatement. Imaginez, vous êtes un petit enfant africain pendant la colonisation. Bon. Vous voyez votre père, votre mère. Il est en rapport avec quoi votre père, votre mère, dans cette situation ? Il est en rapport avec les autorités coloniales, il est en rapport avec ceci, cela. Prenez un enfant d’immigré aujourd’hui en France. Il vit ses parents en rapport avec quoi ? Il ne vit pas simplement ses parents comme parents, jamais personne n’a vécu ses parents comme parents. Prenez quelqu’un dont la mère fait des ménages, et quelqu’un dont la mère est une riche [32:00] bourgeoise. C’est bien évident que ce que le petit enfant vise, et très vite, très tôt, vise à travers les thèmes parentaux, ce sont des vecteurs du champ historique social.

Par exemple, si un petit enfant très tôt est emmené par sa mère, chez l’étranger, c’est-à-dire chez la patronne de la mère, comme ça arrive souvent chez les femmes de ménage. C’est évident que l’enfant a une certaine vision de “lignes” d’un champ historique, d’un champ social. Si bien qu’encore une fois je saute de tous mes … c’est la même idée. Lorsque Rimbaud lance ses espèces de délires-poèmes, qu’est-ce qu’il nous dit ? il nous dit : « Je suis un nègre, je suis un nègre, [33:00] je suis un viking, je suis Jeanne d’Arc, je suis de race inférieure de toute éternité ». c’est ça délirer. Je suis un bâtard, je suis etc., et je suis un bâtard, ça ne veut pas dire: j’ai des problèmes avec mon père et ma mère. [Une référence au texte de Rimbaud, « Mauvais Sang », dans Une Saison en enfer]

Ça veut dire que le délire, c’est cette espèce d’investissement, c’est cet espèce d’investissement par le désir du champ historique et social. Si bien que nous, l’interprétation que l’on proposait, les règles pour entendre un délire, c’était essentiellement ça, essentiellement ça. C’est évident que les parents ne sont que des “poteaux indicateurs” de tous ces vecteurs qui traversent le champ social. Si bien que déjà redonner sa dignité au délire, ou redonner sa dignité au délirant, c’est, il me semble concevoir que le délirant n’est pas pris dans des problèmes d’enfant car c’est vrai déjà de l’enfant que l’enfant s’il délire, [34:00] [il] délire de cette manière.

Vous comprenez, on avait fait l’épreuve, dans la même perspective de recherche, on avait fait l’épreuve à propos de la psychanalyse qui paraît la moins compromise dans ces histoires de rabattement sur le champ familial, à savoir Mélanie Klein. Or Mélanie Klein analyse un petit garçon qui s’appelle Richard. [Psychanalyse d’un enfant (Paris : Tchou, 1973, ré-ed. 2010)] Et pour moi c’est vraiment une des psychanalyses les plus honteuses qu’on puisse imaginer. Car c’est pendant la guerre, Richard est un jeune juif, il n’a qu’une passion, les cartes géographiques de guerre. Il les fabrique, il les colorie. Ses problèmes, c’est Hitler, Churchill, qu’est-ce que c’est que tout ça, qu’est que ça veut dire la guerre? … [Commentaire inaudible de Claire Parnet] Oui, il fait progresser les bateaux, les armées, etc. Et là, c’est dit par Mélanie Klein, c’est par mauvais esprit, elle ne cesse pas de dire : Je l’arrêtais, je lui montrais que Hitler, c’est le “mauvais papa”, que Churchill, c’était [35:00] la bonne mère, etc., etc., etc. C’est d’un pénible ! et le petit craque.

C’est très intéressant cette analyse, parce qu’il y a je ne sais plus combien de séances, tout est minuté. Ça a paru en France, cette honteuse psychanalyse, ça a paru en France aux éditions Tchou. C’est effarant. Au début il tient le coup, même il fait de l’esprit. Il fait de l’esprit avec la vieille Mélanie, il dit : Oh tu as une montre ? il lui dit, ce qui veut dire clairement : j’ai envie de me tirer ! Alors elle, elle lui dit : Pourquoi tu demandes ça ? Alors elle interprète, elle dit qu’il se sent menacé dans ses défenses de l’inconscient. Tu parles, il n’a qu’une envie : se tirer, se tirer, se tirer. Et puis petit à petit, il en peut plus. Il en peut plus, il n’est pas de taille, qu’est-ce que vous voulez qu’il fasse ? Alors il accepte tout, il accepte tout. Il accepte tout, mais à quel prix ? Je ne sais pas moi. Bon.

Et pour chaque cas, c’est comme ça. Chaque fois que vous voyez un délire, [36:00] vous trouvez ces affirmations, qui sont des splendeurs du délire en même temps, ces véritables raisons d’être. C’est le rapport que quelqu’un a avec les Celtes, les Noirs, les Arabes, les etc. Et qui n’a pas… et si c’est un arabe, c’est des rapports qu’il a avec les blancs, avec etc., etc., avec telle époque historique.

Parlons du masochisme, bon, voilà, ça c’est un cas où il n’y a même pas délire, il peut y avoir délire, il n’y a pas nécessairement délire. Si vous voulez, si on ramène ça à … Je prends le cas alors, parce que c’est un cas que j’avais étudié, il y a longtemps, le cas de Sacher-Masoch lui-même. On nous raconte ensuite la psychanalyse ne cesse pas de parler du rôle du père et de la mère comme générateur du masochisme, à savoir dans quel cas et dans quelle figure toujours ce doublet père-mère va engendrer soit une structure masochiste, soit des événements masochistes. Mais c’est extrêmement [37:00] pénible tout ça. Le père de Masoch, par exemple, si on prend ce cas — je ne dis pas que ce soit un cas général — il est directeur de prison. Alors la psychanalyse, à ça, elle a une drôle de réponse, qui est toujours sa fameuse notion qui me paraît particulièrement sournoise de “par après”. Elle dit : « Ah d’accord, tout ça, ça intervient “par après”. » Mais, au niveau de la petite enfance, ça n’intervient pas. Ce qui compte, c’est la constellation familiale. [Interruption; fin de la cassette audio ; la video YouTube de la séance contient les propos perdus, dès 22 :35 du vidéo : voir https://www.youtube.com/watch?v=SoFrOpzrFkI] Mais enfin, c’est idiot. Je ne sais pas, moi ; ça me paraît tellement idiot que c’est ça là le point fort de L’Anti-Œdipe. C’est quand même d’avoir protesté contre ce truc-là parce qu’on est… Imaginez, le petit Sacher-Masoch, il naît, son père est directeur de prison, et il naît dans une prison. Ben, est-ce qu’il appréhende son père comme père ou est-ce qu’il l’appréhende comme gardien de prison ? [Ici recommence l’enregistrement audio]

Partie 2

… [Les deux], je dirais, et même déjà bébé, même avant de parler. Vous me direz, il n’y a pas de comparaison, il n’y a pas de comparaison, il n’y a pas lieu à faire une comparaison. Il ne parle pas, il ne se dit pas : “je suis dans une prison”, ou “mon père dirige la prison”. Ce qu’il éprouve, c’est une certaine constellation très, très, très, très impressionnante, qui est celui d’une puissance sure [38:00] un endroit noir et fermé. Et peu importe que il ne compare pas; au besoin il ne sache même pas qu’il y a d’autres endroits. Mais je dis, ça va de soi que tout petit déjà, il ne vit pas simplement son père comme père, il vit son père sous la puissance-père, et, E-T – et tout ça étant indissociable — père ET gardien de prison. Bon, est-ce que ça compte?

Ensuite, dans la mesure où Masoch personnellement développe, à certains moments, un véritable délire, ce délire, il consiste en quoi? Ce délire, ce n’est pas simplement un délire, c’est aussi une politique. Il vit dans l’Empire Austro-hongrois, Masoch. Toute sa vie, c’est une espèce de réflexion, mais de réflexion active et de participation aux problèmes des minorités dans l’Empire autrichien. [39:00] Et qu’est-ce que c’est que ses thèmes obsessionnels ? Ses thèmes obsessionnels, c’est l’amour courtois, avec les épreuves que l’amoureux s’impose et le rôle des femmes dans les minorités, comme quoi les mouvements de minorités — Masoch est un de ceux qui l’ont dit le plus profondément — les mouvements de minorités sont profondément animés par des femmes. Il y a tout cela qui se mêle, dans, et pour constituer cette espèce de masochisme qui délire les minorités, qui délire le Moyen Âge au niveau de l’amour courtois, et qui délire le monde des prisons. Je dis : si vous ramenez ça à un problème de Masoch enfant par rapport à son père et sa mère, alors autant dire, il n’y a plus rien à dire quoi, c’est grotesque, c’est grotesque.

Je vous demande chaque fois que vous êtes devant, soit la transcription écrite, soit devant l’audition orale de quelque chose de délirant, vous verrez que, [40:00] ce qui est investi, c’est fondamentalement, c’est-à-dire ce qui est investi par le désir, c’est fondamentalement un champ historico mondial. Et j’appellerai lignes de fuites, les lignes qui relient le délirant à telle direction, ou à telle région du champ historico mondial.

Alors si c’est comme ça, j’essaye juste de dire “processus”. Mais peut-être est-ce un peu plus clair ? Quelque chose nous arrive, quelque chose nous emporte. Toute la question d’une analyse qui ne serait pas une psychanalyse, c’est quoi? Qu’est-ce que c’est ? Mais qu’est-ce que c’est ? C’est : quelles lignes traces-tu ? Je veux dire pour moi l’analyse, ça ne peut être, ça n’est ni une interprétation, ni une opération de signifiance, c’est un tracé cartographique. [41:00] Si vous ne trouvez pas les lignes qui composent quelqu’un, y compris ses lignes de fuite, vous ne comprenez pas les problèmes qu’il pose ou qu’il se pose. Or en effet, des lignes de fuite, vous comprenez, ce n’est pas uniforme. La manière dont quelqu’un… une ligne de fuite même, c’est une opération ambiguë, je dis, c’est ça le processus, c’est ça ce qui nous emporte.

Évidemment, ça veut dire que pour moi les lignes de fuite, c’est ce qu’il y a de créateur chez quelqu’un. Les lignes de fuite, ce n’est pas des lignes qui consistent à fuir, bien que ça consiste à fuir, mais c’est vraiment la formule que j’aime beaucoup d’un prisonnier américain qui lance le cri : “Je fuis, je ne cesse pas de fuir, mais en fuyant, je cherche une arme”. [Une référence aux lettres de prison de George Jackson, Soledad Brother, citées dans Mille plateaux] Je cherche une arme, c’est-à-dire je crée quelque chose. Finalement la création c’est la panique, toujours, je veux dire, c’est sur les lignes de fuite [42:00] que l’on crée, parce c’est sur les lignes de fuite que l’on n’a plus aucune certitude, lesquelles certitudes se sont écroulées.

Alors je dis bien, voilà, le processus, mais, et là je pense répondre plus directement enfin à ta question. Je dirais, précisément parce que ces lignes ne préexistent pas au tracé qu’on en fait. Je dirais à la fois ces lignes ne préexistent pas au tracé qu’on en fait, et puis toutes les lignes ne sont pas des lignes de fuites. [Il] y a d’autres types de lignes. Alors une année ici, on s’était consacré à ça, je crois qu’on a passé pas loin d’un an à étudier les sortes de lignes qui composent quelqu’un, qui composent quelqu’un au sens individu ou groupe, dans un champ social ou dans un champ historico mondial.

À la limite on distinguait comme plusieurs types de lignes. On s’était beaucoup intéressé à une nouvelle splendide, parce que là aussi le délire [43:00] n’est pas loin, une nouvelle très belle de Fitzgerald, où il distingue, lui il a tout un langage, tout un vocabulaire, où il distingue les grandes cassures, les petites fêlures et les vraies ruptures. [Il s’agit du texte « The Crack-Up », étudié dans Mille plateaux, plateau 8] Et finalement on vit de ça. Et il essaye de montrer, il montre très bien que ces trois sortes de lignes — moi, je crois qu’il y a toujours chez tous les gens — ces trois sortes de lignes, mais les unes qui avortent, les autres qui … Alors c’est presque une analyse des lignes, presque au sens de ligne de la main, sauf que ce n’est pas dans la main, ces lignes.

Moi, je ne comprendrais rien à quelqu’un si je ne peux pas le traduire dans une espèce de dessin linéaire, avec — il faudrait trois couleurs, au moins trois couleurs, en fait beaucoup plus — et tracer les lignes dans lesquelles il se trouve, et comment il se débrouille. Je dirais oui, vous comprenez, [44:00] toutes ces lignes alors qui s’embrouillent, qui s’embrouillent terriblement,  j’avais des lignes, je proposais de les appeler “des lignes de segmentarité dure”. Et on a tous des lignes de segmentarité dure. Il ne s’agit pas de dire les unes sont mauvaises et les autres bonnes, il s’agit de se débrouiller avec toutes ces lignes. Des lignes de segmentarité dure, pour moi, c’est des choses que tout le monde connaît bien, mais déjà il y a plein de cas comme ça. Il y a des cas très très différents dans ce premier paquet de lignes.

Nous sommes, moi je voudrais vraiment presque arriver à me concevoir et à concevoir les autres comme uniquement des paquets de lignes abstraites. Alors ça ne représente rien ces lignes, mais elles fonctionnent, elles fonctionnent. Et pour moi la schizo-analyse, c’est uniquement cela : c’est la détermination des lignes qui composent un individu ou un groupe, le tracé de ces lignes. Or ça concerne tout l’inconscient. Ces lignes elles ne sont pas immédiatement données, ni dans leur importance respective ni dans leurs impasses. [45:00] C’est pour ça que plutôt qu’une histoire, je rêve d’une géographie, c’est-à-dire d’une cartographie, faire la carte de quelqu’un.

Alors oui, je dis qu’est-ce que c’est que la segmentarité dure ? Eh bien oui on est segmentarisé de partout. On est segmentarisé de partout, c’est une première sorte de ligne qui nous traverse. Je veux dire : on est d’abord segmentarisé immédiatement : le travail, le loisir, les jours de la semaine, le jour, la nuit, etc., vous voyez. C’est une ligne à segment. Le travail, le jour de vacance, le dimanche, enfin du type métro, boulot, etc. Une espèce de segmentarité. Il y a toute une bureaucratie de la segmentarité. Il y a le bureau, [46:00] on va, quand vous allez d’un bureau à un autre pour avoir le moindre papier, on voit bien ce que c’est que la segmentarité sociale. On vous envoie d’un segment à un autre.

Mais aussi, [il] y a une segmentarité encore plus troublante, plus difficile. C’est dire que déjà la ligne, je ne pourrais pas dire il y a “une” ligne de segmentarité, et ce n’est pas la même pour chacun. Ça, c’est tellement variable pour chacun d’après les métiers, d’après les modes de vie. On est segmentarisé comme des vers, quoi ! mais on ne peut pas dire que ce n’est pas bien, ça dépend, ça dépend [de] ce que vous en tirez, mais c’est une première composante de vos lignes. Un segment, un autre segment, un autre segment ! ah là, je rentre ? ah, je suis chez moi, ouf, la journée est finie. Ah ! qu’on ne vienne pas m’embêter ! Passer d’un segment à un autre. [Il] y a ceux, remarquez déjà, [il] y a ceux qui ont assez peu, où cette ligne est comme, affaiblie, [47:00] affaiblie. Ils sont très séduisants ceux-là, qui ont une segmentarité très affaiblie. On a l’impression qu’ils sont trop mobiles, qu’ils passent d’un segment à l’autre beaucoup plus vite que d’autres, qu’ils ont une segmentarité beaucoup plus souple. Bon.

Mais je dis en gros, il y a dans ce domaine de la segmentarité, il y a déjà tout un paquet de lignes, et pas une seule parce que, vous comprenez que, elle est très orientée du point de vue du temps, la ligne de segmentarité. Notamment c’est d’après les segmentarités que se fait la triste évolution de la vie par exemple : on vieillit, jeune, vieux. C’est une autre segmentarité, vous voyez qu’elles se recoupent toutes ces segmentarités, homme, femme. Là les hommes, là les femmes. C’est segmentarisé tout ça, jeune, vieux. [48:00] Alors bon ! Ah j’étais jeune, je ne le suis plus ? Ah j’avais du talent, le talent, qu’est-ce qu’il est devenu ? Vous reconnaissez le ton, mais ce n’est pas du tout un ton plaintif chez lui, le ton de Fitzgerald, pour ceux qui l’ont lu. Qu’est-ce que c’est que ce phénomène de “perte de jeunesse”, “perte de beauté”, “perte de talent”, qui se fait sur cette ligne? Et comment on va pouvoir le supporter ça ? C’est là, il y a toujours des ruptures, des cassures sur cette ligne. On passe d’un segment à un autre par une sorte de cassure. Il y a des gens qui supportent, c’est déjà très différent cette ligne pour chacun ou pour les groupes. Les groupes mais, ils donnent tout un statut déjà à cette première ligne. [49:00]

Et puis il y a une autre sorte de ligne. On sait bien que, en même temps, ce n’est pas que la première soit une apparence, mais on sait bien qu’en même temps, il se passe d’autres choses, qu’il n’y a pas simplement les hommes là et les femmes là, qu’il y a la manière dont les hommes sont des femmes, la manière dont les femmes sont des hommes dans des trucs beaucoup plus,  alors, une ligne beaucoup plus, comment dirais-je, à la lettre, beaucoup plus moléculaire. Une ligne où c’est beaucoup moins apparemment tranché que… Quelqu’un fait un geste, hein, quelqu’un dans le cadre de sa profession fait un geste et j’ai comme une impression de malaise — les romanciers, ils ont toujours beaucoup joué là-dessus — j’ai une impression de malaise, je me dis, tiens, et ce geste, il n’est pas adapté, d’où ça vient ? Il paraît un peu incongru, il vient d’ailleurs, il vient d’un autre segment. Là se fait comme une espèce de brouillage de segment. [50:00]

Ce n’est plus une ligne de segmentarité pré-établie en quelque sorte, c’est une ligne de segmentation fine en train de se faire, des petites poussées, des petits trucs, une petite grimace. Qui vient d’où ? Bizarre. Une ligne qui ne procède plus par “cassure”, espèce de binarité, dualisme — homme-femme, riche-pauvre, jeune-vieux — mais qui procède par, comment par, Fitzgerald dit par “petites fêlures,” des petites fêlures comme une assiette, qui ne se cassera que, à l’issue des petites fêlures, mais ce n’est pas le même chemin, celui de la grande cassure et celui des petites fêlures. Alors finalement on s’aperçoit qu’on a vieilli sur la première ligne, alors que vieillir est une espèce de processus qui s’est continué longtemps [51:00] sur la seconde ligne. Le temps des deux lignes n’est pas le même. Voilà un second type de lignes qui, à son tour, est très divers, c’est un second paquet de lignes.

Et puis il y a des lignes encore une fois, d’un autre type, les lignes de fuites, les lignes que l’on crée, et sur lesquelles on crée. Parfois on se dit : mais, elles sont comme ensablées, elles sont comme bouchées, parfois elles se dégagent, elles passent par de véritables trous, elles ressortent, parfois elles sont foutues, foutues, les deux autres types de lignes les ont mangées, et puis elles peuvent toujours être reprises. Qu’est-ce que c’est que ce troisième type de lignes ? Supposons que ce soit … Je dis faire une schizo-analyse de quelqu’un, ce serait arriver à déterminer ces lignes et le “processus” de ses lignes.

Or pour répondre enfin [52:00] à la question, une chose très simple : appelons “schizophrénie” selon le tracé des lignes de fuite. Et ce tracé des lignes de fuite est strictement coextensif au champ historico mondial. Moi, petit bourgeois français qui ne suis pas sorti de mon pays, qu’est-ce que je délire encore une fois ? Je délire l’Afrique et l’Asie, à charge de revanche. Et pourquoi ? Parce que c’est ça le délire, c’est ça le délire. Et il n’y a pas besoin d’être fou pour délirer.

Alors si j’appelle ça le processus, c’est ce flux qui m’emporte dans le champ historico social d’après des vecteurs. Appeler ça le voyage à la manière de Laing et Cooper, je n’y vois pas d’inconvénient, -car en effet, je peux aussi bien délirer la préhistoire, [53:00] je peux très bien avoir à faire avec la Préhistoire. De toute manière, c’est ça qu’on délire.

Alors qu’est-ce qui arrive ? Moi je dis chaque type de lignes a ses dangers. Moi je crois que le danger propre à la ligne de fuite et aux lignes de fuite, à ces lignes de délire, c’est quoi ? C’est en effet une espèce de véritable effondrement. Qu’est-ce que c’est l’effondrement ? Mais le danger propre aux lignes de fuite – et il est fondamental, il est, c’est le plus terrible des dangers – c’est que la ligne de fuite tourne en ligne d’abolition, de destruction. Que la ligne de fuite, qui normalement et en tant que processus est une ligne de vie et doit tracer comme de nouveaux chemins de la vie, [54:00] tourne en pure ligne de mort. Et finalement, il y a toujours cette possibilité-là, [il] y a toujours cette possibilité-là, que la ligne de fuite cesse d’être une ligne de création et tourne en rond, comme se mettre à tournoyer sur elle-même et s’enfonce dans ce qu’on appelait une année, “un trou noir”, c’est-à-dire devienne ligne de destruction pure et simple.

Je disais, c’est ça qui, à mon avis, explique un certain nombre de choses. Ça explique par exemple la production du schizophrène en tant que entité clinique. Le schizophrène en tant que malade — et je crois que le schizophrène est fondamentalement et profondément malade — c’est ça : c’est celui qui, saisi par le processus, emporté par [55:00] son processus, par “un” processus, eh bien, il ne tient pas le coup. Il ne tient pas le coup, c’est trop dur. C’est trop dur. Vous me direz, il faudra encore dire pourquoi, qu’est-ce qui s’est passé ? Au besoin, au besoin, rien ne s’est passé. Je veux dire rien ne s’est passé d’assignable.

Il y a un texte merveilleux de Chestov à propos du fameux écrivain russe Tchekhov. [Léon Chestov, « L’Homme pris au piège » Pouchkine, Tolstoï, Tchekhov (Éd. Union générale d’éditions, coll. 10/18 1966 ; Éditions l’Âge d’Homme, 1966]. Chestov n’aime pas Tchekhov, à tort, il ne l’aime pas, il le déteste même. Il dit la raison pour laquelle il n’aime pas Tchekhov. Il dit : Vous comprenez quand vous lisez Tchekhov, vous avez toujours l’impression que quelque chose s’est passé et vous ne pouvez même pas dire quoi ! À savoir tout se passe comme si Tchekhov avait tenté quelque chose, qui n’exigeait même pas un effort considérable [56:00] et puis comme s’il s’était foulé le pied quoi, et qu’il en ressort incapable de quoi que ce soit, que pour lui, pour lui, Tchekhov, le monde est fini et qu’il n’est plus qu’amertume. Qu’est-ce qui s’est passé ? Qu’est-ce qui s’est passé pour que quelqu’un craque ? Vous me direz craquer à la manière de Tchekhov, ce n’est pas mal hein ? Oui, mais ! Peut-être qu’on peut avoir une tout autre vision de Tchekhov. Mais qu’est-ce qui se passe quand quelqu’un craque effectivement, qu’est-ce qu’il n’a pas pu supporter ?

En tout cas, je dis, c’est là et c’est à ce niveau : qu’est-ce que quelqu’un n’a pas pu supporter ? Eh bien, c’est ce quelque chose qu’il n’a pas pu supporter qui marque, il me semble, le tournant de la ligne de fuite qui cesse d’être créatrice et qui devient ligne de mort pure et simple. Il y a deux manières de devenir ligne de mort. C’est de devenir ligne de mort pour les autres, et souvent [57:00] les deux sont très liées, et ligne de sa propre mort. Et finalement pourquoi c’est lié ça ?

C’est compliqué, mais je prends des cas, comment se fait-il que, par exemple, je prends des cas là, toujours littéraires, qu’est-ce qui se passe, qu’est-ce qui se passe dans des cas célèbres, comme Kleist. Kleist, qui vraiment écrit par un “processus”. Ce processus lui donne toute sorte de signes très schizophréniques : le bégaiement, les stéréotypies, les contractures musculaires, tout ça. Mais tout ça pendant longtemps nourrit un style. Et un style, ce n’est pas simplement quelque chose d’esthétique, un style – vous vivez comme vous parlez, ou plutôt vous parlez comme vous vivez. Un style c’est un mode de vie. Avec tout ça, il invente un style, [58:00] une espèce de, de style, qui fait qu’une phrase de Kleist est reconnaissable entre toutes.

Qu’est-ce qui se passe ? Tout ça, ça débouchera sur une idée alors très délirante, qui était là dès le début chez Kleist, à savoir : comment se tuer à deux ? Comment se tuer à deux ? Qu’est ce qui fait pour que sa ligne de fuite, il traverse l’Allemagne, on voit très bien ce que c’est que le processus dans le cas de Kleist, il saute à cheval et il traverse l’Allemagne. C’est le grand mouvement romantique allemand. Bien, vous me direz, ce n’est pas seulement ça le processus, d’accord ce n’est pas seulement ça le processus, disons que ça, c’est déjà le signe géographique du processus. Il y a des gens qui restent sur place et qui sont saisis par le processus.

Il me semble évident que les personnages de Beckett, ils vivent intensément ce qu’on pourrait appeler “le processus”. On ne peut pas, il me semble, on interprète très difficilement Beckett en termes de [59:00] personnes, de personnologie ou en termes de structure. C’est une affaire de processus là aussi. Et quelque chose tourne mal, ça veut dire quoi ? Ça veut dire le processus tourne vraiment, lui qui aurait dû, mais qu’est-ce que veut dire la formule “qui aurait dû” ? être une ligne de vie, c’est-à-dire de création, qui aurait dû être une espèce de chance supplémentaire donnée à la vie, qui tourne en entreprise mortifère. Comment se tuer à deux? Une mort exaspérée à la manière de Kleist. Ou bien une mort paisible; il y a des morts paisibles. Qu’est-ce qui fait que Virginia Woolf s’enfonce dans son lac, là, et se noie comme ça ? Donc ce n’est pas du tout une mort exaspérée, c’est que d’une certaine manière elle en a marre. Elle en a marre de quoi, elle, qui tenait en effet un processus prodigieux? Qu’est-ce qui se passe? [60:00]

Alors, je dis, sous les formes exaspérées, c’est comme ça si vous voulez, si j’essaye de donner un contenu concret, vécu, vivant, à la notion de fascisme. J’ai essayé de dire plusieurs fois à quel point pour moi, le fascisme et le totalitarisme, ce n’était pas du tout la même chose. C’est que le fascisme, ça paraît un peu mystique ce que je dis, mais il me semble que ça ne l’est pas. Le fascisme, c’est typiquement un processus de fuite, une ligne de fuite, qui tourne alors immédiatement en ligne mortuaire, mort des autres et mort de soi-même. Je veux dire, qu’est-ce que ça veut dire ? Tous les fascistes l’ont toujours dit. Le fascisme implique fondamentalement, contrairement au totalitarisme, l’idée d’un mouvement perpétuel sans objet ni but, mouvement perpétuel sans objet ni but, [61:00] d’une certaine manière, c’est, on peut dire, c’est ça un processus. En effet, le processus, c’est un mouvement qui n’a ni objet ni but, qui n’a qu’un seul objet : son propre accomplissement, c’est-à-dire l’émission des flux qui lui correspondent.

Mais, voilà qu’il y a fascisme lorsque ce mouvement sans but et sans objet, devient mouvement de la pure destruction. Étant entendu quoi ? Étant entendu qu’ on fera mourir les autres, et que sa propre mort couronnera celle des autres. Je veux dire quand je dis ça paraît tout à fait mystique, ce que je dis là sur le fascisme, en fait les analyses concrètes, il me semble, le confirment [62:00] très fort. Je veux dire un des meilleurs livres sur le fascisme, que j’ai déjà cité, qui est celui de [Hannah] Arendt, [Les Origines du totalitarisme (1951)] qui est une longue analyse, même des institutions fascistes, montre assez que le fascisme ne peut vivre que par une idée d’une espèce de mouvement qui se reproduit sans cesse et qui s’accélère, au point que dans l’histoire du fascisme, plus la guerre risque d’être perdue pour les fascistes, plus se fait l’exaspération et l’accélération de la guerre, jusqu’au fameux dernier télégramme d’Hitler, qui ordonne la destruction de l’habitat et la destruction du peuple. Ça commencera par la mort des autres, mais il est entendu que viendra l’heure de notre propre mort. Et ça, les discours de Goebbels, dès le début, le disaient, on peut toujours dire propagande, mais ce qui m’intéresse c’est pourquoi la propagande était orientée dans en sens dès le début.

C’est complètement différent d’un régime totalitaire à cet égard. Et une des raisons pour lesquelles, [63:00] il me semble, une des raisons, là, historique importante, c’est pourquoi est-ce qu’encore une fois, les Américains, et même l’Europe, n’a pas fait une alliance avec le fascisme. Eh bien, on pouvait leur faire confiance, ce n’est pas la moralité ni le souci de la liberté qui les a entraînés. Donc pourquoi ils ont préféré s’allier à la Russie, et au régime stalinien dont on peut dire tout ce qu’on veut, et c’est un régime que l’on peut appeler totalitaire, mais ce n’est pas un régime de type fasciste, et c’est très différent. C’est évidemment que le fascisme n’existe que par cette exaspération du mouvement, et que cette exaspération du mouvement ne pouvait pas donner de garanties suffisantes, enfin. Et la méfiance à l’égard du fascisme au niveau des gouvernements et au niveau des États qui ont fait l’alliance pendant la Guerre, c’est, il me semble, si vous voulez, c’est là où il y a toujours un fascisme potentiel là lorsqu’une ligne de fuite tourne en [64:00] ligne de mort.

Alors presque, c’est pour ça que vous comprenez, la distinction que je ferais entre schizophrénie comme processus et schizophrène comme entité clinique. C’est que la schizophrénie comme processus c’est l’ensemble de ces tracés de lignes de fuites. Mais la production de l’entité clinique, c’est lorsque précisément quelque chose ne peut pas être tenu sur les lignes de fuites, quelque chose est trop dur, quelque chose est trop dur pour moi, et à ce moment-là, ça va tourner en ligne, soit en ligne d’abolition, soit en ligne de mort.

Prenez une chose, une expérience objective aussi simple que celle de la musique, la musique que vous écoutez. En quoi est-ce qu’on peut parler d’un fascisme potentiel dans la musique, si l’on peut parler d’un fascisme potentiel ? C’est que, [65:00] il me semble que la musique c’est le processus à l’état pur. C’est par là que de tous les arts, ce serait sans doute l’art, il me semble, le plus adéquat, le plus immédiatement adéquat. Pour saisir sous la peinture un processus de la peinture, il faut beaucoup plus d’effort. C’est-à-dire les flux, saisir les flux de la peinture, c’est beaucoup plus difficile, que de saisir immédiatement le flux sonore de la musique. Et là encore, je dirais pour moi que la musique, ce n’est pas affaire de structure, ni même de forme, c’est affaire de processus. Tiens, je pense tout d’un coup pour faire des rapprochements, qu’un des musiciens qui a le plus pensé la musique en termes de processus, c’est Cage. Bon et bien je veux dire, la musique, elle est processus et d’une certaine manière, elle est amour de la vie, fondamentalement. Elle est même création de la vie. [66:00]

Or est-ce que c’est par hasard que, en même temps je dois dire le contradictoire – que la musique nous inspire à certains moments, et qu’il n’y a pas de musique qui ne nous inspire pas ça à certains moments, une très bizarre, très bizarre désir, qu’il faut appeler d’abolition, un désir d’extinction, un désir d’extinction sonore, une mort paisible, et que dans l’expérience musicale la plus simple — et là je ne privilégie pas une musique sur telle autre; je pense que c’est vrai de toute musique, que c’est vrai de la pop musique, que c’est vrai de la musique classique, que c’est vrai de… — que c’est les deux à la fois et l’un pris dans l’autre, une création vitale sous forme de ligne de fuite ou sous forme de processus, et greffée là-dessus, risquant constamment de se convertir le processus, une espèce de [67:00] désir d’abolition, de désir de mort, et que la musique emporte aussi bien ce désir de mort qu’elle ne charrie le processus. Si bien qu’à ce niveau c’est vraiment une partie très, très incertaine que chacun de nous joue sans le savoir. Jamais personne n’est sûr que ça ne sera pas son tour de craquer, qui peut le dire ? Et encore une fois il ne craquera pas sous de très fortes secousses visibles. Il craquera peut-être au moment où, d’un certain point de vue, ça va mieux. On ne sait pas, on ne sait pas.

Simplement je dis que la psychiatrie et la psychanalyse, il me semble, ne rendent pas service, chaque fois qu’ ils proposent à ces phénomènes des interprétations que l’on peut appeler des interprétations puériles. Ça déshonore les gens. Ça déshonore les gens. Il se trouve que les gens, ils sont contents, ils supportent d’écouter ça, c’est leur affaire puisque ça marche, c’est leur affaire. [68:00] Mais je trouve que c’est être déshonoré que d’accepter d’entendre des heures et des heures — du moins il faut beaucoup souffrir pour le supporter — d’entendre pendant des heures et des heures, tout ça ; c’est parce que : “t’es pas d’accord avec ton père et ta mère, tout ça c’est parce qu’y a quelque chose qui s’est passé du côté du père, c’est parce que…” Que ce soit en termes de structure, que ce soit en termes d’image de personne, encore une fois, personnologie ou structure, ça me paraît tellement, tellement semblable, alors que quand même, nous avons, il me semble, l’élémentaire dignité de tomber malade ou de devenir fou. au besoin, sous de bien d’autres pressions et bien d’autres aventures que ça.

Alors voilà oui, en ce sens je réponds bien sûr, si j’ai bien compris la question. L’idée de la schizophrénie comme processus, [69:00] implique que ce processus côtoie sans cesse la production d’une espèce de victime du processus. On peut être à chaque instant victime d’un processus qu’on porte en soi. Et par processus encore une fois, j’invoque, parce que pour, parce que là ça devient un langage commun, qu’il nous appartienne à tous, j’invoque de grands noms comme Kleist, Rimbaud, etc. Bien.

Rimbaud, que dire de Rimbaud, qu’est-ce que c’est cet homme? Il fout le camp en Éthiopie, c’est-à-dire il prolonge sa ligne de fuite, mais il la prolonge de quelle manière? Là-dessus, cet espèce de reniement de tout son passé, c’est quelque chose qui n’est plus supportable pour lui. Qu’est-ce que ça va devenir ? Comment, qu’est-ce qu’il devient ? C’est sur cette ligne-là qu’il y a un véritable devenir, encore une fois. Or ce devenir, ça peut devenir aussi un devenir mortifère. [70:00]

Alors s’il y a une leçon, c’est qu’il ne s’agit pas seulement de débrouiller les lignes qui composent quelqu’un, il s’agit au niveau de chaque paquet de lignes qui composent quelqu’un, d’essayer, par n’importe quel moyen que, ça ne tourne pas en ligne de mort. Moi, c’est la… or, il n’y a pas de solution, il n’y a pas de solution miracle. Je crois juste que, il y a une espèce de complaisance qui est extrêmement redoutable, la complaisance au discours psychanalytique fait notre déshonneur. Ça supprime finalement, ça supprime… Il y a longtemps que le romancier [D.H.] Lawrence le disait, lui qui avait une espèce de réaction fraîche à la psychanalyse. Il disait : mais tout ça c’est dégoûtant – tout ça, ce n’est pas du tout, Lawrence, vous comprenez, il est très fort, parce que ce n’est pas quelqu’un à qui l’on puisse dire : “Ah tu es choqué par la sexualité”; il n’était pas très choqué par la sexualité; il est même [71:00] à la tête d’une espèce de découverte et de singulières découvertes de la sexualité.

Mais il a l’impression que la psychanalyse c’est dégoûtant. Qu’est-ce qu’il veut dire ? Puisque ça ne veut pas dire, quand même, ce n’est pas Lawrence qui dirait : je proteste contre l’idée que tout soit sexuel, au contraire ça ne me gêne pas ! Il dit : ” Mais, vous vous rendez compte de ce qu’ils font de la sexualité, vous vous rendez compte” ? “Mais c’est une honte” ? il dit. : Il dit : La sexualité ? ça a rapport avec quoi ? Bien, il dit la même chose que ce que je viens de dire du processus. Il dit, la sexualité, c’est évident que ça a à faire avec le soleil. Ça a à faire avec délirer le monde, ça a à faire, et pas du tout qu’on se fasse une conception, là, romantique de la sexualité, c’est comme ça, c’est comme ça, qu’est-ce que vous voulez. Ce qu’on aime, le type par exemple de femme ou d’homme que l’on poursuit, ce qu’on en attend. [72:00] C’est bien au-delà des personnes ça. Ça délire le monde en effet, ça peut-être aussi bien une oasis qu’un désert que tout ce que vous voulez.

En tout cas l’idée même que tout ça se ramène à Œdipe, c’est-à-dire à une constellation père-mère, et même si on y ajoute loi, il y a quelque chose de scandaleux, c’est déshonorant tout ça. C’est évident que ce n’est pas ça la sexualité. Quand le Président Schreber dit à la lettre : J’ai les rayons du soleil dans le cul. Il sent, il sent les rayons du soleil. Il les sent comme ça. Bon, et là, si on essaye d’expliquer ses rapports à son père, je trouve qu’on ne risque pas d’y comprendre quelque chose. À ce moment-là, tout ce qu’est la sexualité alors…

Quand Lawrence proteste contre la psychanalyse, il dit : “Mais ils ne voient rien d’autre que le sale petit secret”. [73:00] Un petit secret minable, vraiment minable, cette histoire de vouloir tuer son père et de vouloir coucher avec sa mère, c’est minable. Alors on aura beau l’interpréter en structure, ça reste minable, parce que ça l’est. Vous vous rendez compte ? Quel enfant a fait ça ? Non mais. Jamais, jamais, c’est une idée de tordu ça, au nom de la sexualité. Je veux dire, il faut réagir contre la psychanalyse et contre la psychiatrie psychanalysante, au nom de la sexualité. C’est tout à fait autre chose, parce que dans la sexualité il y a un véritable processus, et là aussi qui peut tourner à la mort, qui peut tourner à… Alors, bien, tout cela c’est ce que je voulais dire. Alors je continue, c’est pour ça que une année, je m’étais tellement… Alors, je pourrais m’arrêter s’il y a d’autres questions… Oui?

Longue intervention d’un auditeur: Je voudrais relancer une question sur laquelle on s’était arrêtés la dernière fois [passage inaudible]. Pourquoi par exemple dire qu’un processus, c’est d’abord une ligne de vie sur laquelle vient ensuite se greffer une ligne mortifère ? Là, vraiment, je me bloque. Je refuse, un peu comme Lawrence qui disait refuser la psychanalyse. Là, je ne marche pas [bref passage inaudible]. Il n’y a aucune raison de privilégier la ligne de vie. Ça me semble purement tactique. Il n’y a rien à dire, rien à faire. Il y a l’apathie. […] En parlant de ligne de vie, on ne fait que déplacer le problème […]. Un schizophrène, soit il y croit, soit il marche dans le truc de la psychanalyse, tant mieux pour lui. C’est l’illusion de l’interprétation. Très bien. Ça peut très bien l’en sortir. Soit il marchera dans la schizo-analyse. Pourquoi pas ? Si on s’en tient à un niveau théorique, il y a une espèce de grand cercle lyrique pour finalement arriver à : il y a autant de puissance de mort d’un côté que de l’autre. C’est vrai. Pourquoi ne pas commencer par cette apathie d’égalisation, de neutralisation ? [74:00-76:00]

Deleuze: Écoute…

L’auditeur: J’avais annoncé au début de ma question que je renvoyais ça au cours de la dernière fois. La der nière fois, vous disiez : on en a assez du philosophe-héros. Quelle est l’autre image ? Ma question a déjà sa réponse, vous l’avez donnée maintes fois. En même temps, elle me semble vide, votre réponse.

Deleuze: Et qu’est-ce que c’était ma réponse? [77:00]

L’auditeur: C’était une réponse par les lignes de fuite, par les rhizomes. Mais ça ne change rien. Oui, il y a des processus. Qu’est-ce que ça veut dire concrètement ? Dans les processus, il y a encore de la force de vie. C’est clair, d’accord [passage inaudible]. Ce qui se passe pour le schizophrène, c’est que d’un jour à l’autre, il perd son travail, il perd sa femme, il perd tout. Là, il y a déjà une puissance de mort, ce qui ne veut pas dire que c’est tout à fait la mort, c’est évident

Deleuze: Ecoute, il n’y a qu’une chose qui n’est pas bien dans ce que tu dis, dans ton intervention, c’est la manière dont tu as répété beaucoup: “c’est vrai, c’est vrai, c’est vrai”. Moi je ne dis jamais, “c’est vrai” parce que, en un certain sens, ça ne se pose plus à ce niveau. Mais c’était comme une manière dont tu te [78:00] réconfortais en me disant “ah et puis ce n’est pas comme tu dis, c’est comme je dis.” Voire ! Voilà moi ce que je répondrais : c’est que…

L’auditeur: Je n’ai pas dit ça.

Deleuze: Et tu as dit tout le temps, “C’est vrai, c’est vrai”… c’est vrai, on ne peut pas sortir de là, on ne peut pas sortir, on peut à la rigueur dire, ben oui, il y a la puissance de la vie, mais il y a la puissance de la mort au même niveau,” et tu dis, c’est vrai, c’est vrai, c’est vrai, ce qui montrait que tu tenais à cette idée.

Alors si tu tiens à cette idée, moi, j’ai, je veux dire, je fais deux réponses à la fois, mais ces réponses, je tiens à l’une comme à l’autre, et la première hélas, a l’air insolente, mais elle l’est pas du tout. C’est que, à un certain niveau, quand on dit quelque chose que l’on pense justement, plus ce qu’on dit répond à ce qu’on pense, moins on peut invoquer une vérité quelconque, puisqu’on n’en est pas sûr, et c’est même une seule chose c’est lorsqu’on a perdu les certitudes qu’on peut dire quelque chose, donc c’est pour ça que… [79:00]

Alors je dirais si quelqu’un me dit comme toi, mais ce n’est que ma première réponse, si quelqu’un me dit : « ah bien non, pour moi, je n’arrive pas à penser qu’une ligne de fuite, par exemple, soit essentiellement vitale et créatrice, je n’arrive pas à le croire, je le sens pas comme ça », je dirais tout au plus qu’elle a deux têtes : vie et mort, et que tout se décide à ce moment-là, mais qu’il y a aucune raison de privilégier le pôle vital sur le pôle mortuaire. Là, ma réponse ce serait, bon, bien, d’accord, vas dans cette direction, c’est la tienne, je ne peux rien dire, je ne peux rien dire. Tout en moi s’offusque à cette idée, mais je ne peux rien dire. Il n’y a pas lieu d’essayer de montrer que c’est moi qui ai raison si quelqu’un sent autrement que moi. Le “Je sens”, je veux dire, il y a un “Je sens” philosophique. Le “Je sens,” ce n’est pas seulement “J’ai l’impression,” c’est qu’il y a un “Je sens” philosophique qui est comme une espèce de fond des concepts. Ça veut dire, bon, bien, ce concept, il ne te plaît pas, [80:00] il ne te plaît pas, même vitalement, une fois dit que les concepts ont une vie.

Mais en même temps, ma seconde raison, c’est presque — alors ce n’est pas un désir de convaincre qui que ce soit, c’est un désir, du coup; je me dis au moins que ça serve à quelque chose si [il] y a quelqu’un qui n’est pas d’accord — qu’est-ce que je répondrais, pour moi-même ? Pour moi-même, je répondrais ceci avec beaucoup de gémissements, parce que au point où on en est, si vous voulez, c’est vraiment les affects. On n’est pas au niveau simplement des concepts, on est en plein dans un domaine particulier que j’essayais un peu de faire pressentir à propos de Leibniz, à savoir des affects du concept. Il n’y a pas des concepts qui soient neutres ou innocents. Un concept est chargé de puissance affective.

Or moi quand j’entends l’idée que la mort puisse être un processus, c’est tout mon cœur, tous mes affects qui saignent. Car, et c’est pour ça que j’exclue que mort et vie aient le même statut sur les lignes de fuites, et je ne parlerai jamais, [81:00] par exemple, d’un caractère bipolaire qui serait vie et mort. Parce que la mort, c’est le contraire d’un processus, là il faudrait définir processus mieux que je ne l’ai fait, mais je m’en tiens juste à des résonances affectives exprès.

Pour moi la mort, c’est l’interruption d’un processus. C’est pour ça que, jamais je ne comprendrai les phénomènes de mort ou de préparation de mort dans un processus en tant que tel. C’est même pour ça que pour moi, processus et vie, processus et ligne vitale, ne font strictement qu’un. Et ce que j’appelle ligne de fuite, c’est ce processus en tant que ligne de création vitale. Si on me dit là-dessus, il a nécessairement pour corrélat la mort, ça peut se comprendre de deux façons [82:00] tellement ça devient compliqué.

Or les deux façons peuvent presque théoriquement se rapprocher l’une de l’autre à l’infini, affectivement, elles s’opposent absolument. Et je dis, dans ce cas-là, les affects ont plus d’importance encore que les concepts. À savoir, si je dis : la mort est inséparable de ce processus défini comme ligne vitale, je peux le comprendre sous la forme : la mort ferait partie du processus, ce que, en moi, je refuse de, par goût, pas par, pas par… tout s’offense à cette idée, tout s’offense en moi, et c’est même une idée qui me fait horreur. Ou bien je comprends tout autre chose, à savoir : mais on n’a jamais gagné, et chaque instant cette ligne vitale risque d’être interrompue et le, non pas le processus, mais sa coupure [83:00] radicale, c’est précisément la mort. Or ça, en effet, je ne peux pas le garantir, qu’elle ne sera pas interrompue par la mort. Ce que je peux demander, ce qui est tout à fait différent, c’est que tout soit mis en œuvre pour qu’elle ne soit pas interrompue par une mort volontaire, c’est-à-dire, j’appelle mort volontaire, sous quelque forme que ce soit, un culte de la mort. Et par culte de la mort, j’entends aussi bien le fascisme. On reconnaît le fasciste au cri, encore une fois : “Vive la mort !” Toute personne qui dit “Vive la mort!” est un fasciste.

Donc, elle peut être interrompu… non, ce culte de la mort peut être représenté par le fascisme, mais peut être représenté au besoin par de toutes autres choses, à savoir, une certaine complaisance suicidaire, un certain narcissisme suicidaire, par les entreprises suicidaires. Toutes les entreprises suicidaires font partie [84:00] et impliquent une espèce de chant de mort, de culte de la mort.

Alors au point où on en est, moi, je n’essayerais même pas de te dire là que c’est moi qui aie raison parce que, encore une fois, ce n’est pas du tout la question. [Interruption; fin de la cassette audio ; la vidéo YouTube de la séance contient les propos perdus, dès 11 :45 de la vidéo : voir https://www.youtube.com/watch?v=SoFrOpzrFkI] Je te réponds juste que quelqu’un qui voudrait faire une théorie du process – alors là, on revient au concept – où mort et vie seraient comme deux pôles égaux de la ligne vitale ou de la ligne de fuite de telle manière que le seul statut de cette ligne pour elle-même, ce ne serait pas la ligne vitale mais comme tu l’as dit, ligne d’apathie. J’y vois [L’enregistrement audio continue ici]

Partie 3

…déjà que la mort a choisi et que dans cette voie, on a déjà choisi la mort parce que, qui c’est, les types qui se réclament de l’apathie? Ils se réclament de l’apathie, par exemple, ou bien c’est le Sage, le Sage ancien, ou bien dans l’époque moderne, ce fut Sade et le sadisme. Ce n’est pas du tout pour dire : “ce que tu dis est sadique”, ça — ça m’est égal — mais pour dire : tu ne peux pas donner à la mort sa part au niveau du processus sans que, à ce moment-là, tu l’enfournes tout entier dans la mort. Alors je n’y vois pas d’inconvénient — je vois d’inconvénient à rien — je dis à ce moment-là : sers-toi d’une autre notion que celle de processus. Parce que le processus, vous comprenez, et là je voudrais dire que si j’avais à justifier la notion théoriquement, ça renvoie aussi là, à toute une thèse, [85:00] mais une thèse très pratique là, je crois, qui était dans L’Anti-Œdipe, à savoir que le désir, en tant que émission de processus, en tant que fabrication et de création de processus, que le désir n’a strictement rien à voir avec rien de négatif, avec le manque, avec quoique ce soit, que le désir ne manque de rien. Et c’est précisément en ce sens que le désir est processus.

Or, si on me flanque de la mort, dans l’idée de processus — encore une fois, le processus, il poursuit son accomplissement — la mort, elle est toujours interruption du processus. La mort ne peut pas faire partie du processus, il n’y a pas de processus de la mort. Voilà, je le dis avec passion, non pas du tout pour dire “j’ai raison”, pour dire, ça me paraît contradictoire la mort et le processus.

Un participant : [Commentaire inaudible]

Deleuze : D’accord, alors… [86:00] Qu’est-ce que… Je ne sais plus bien ce que je voulais dire… Ah, oui. Je voudrais dire, oui, justement au niveau des affects, en un sens, c’est très utile, parce que là, si vous voulez, j’insiste sur [ceci] : la philosophie, je proposais comme définition, la philosophie, c’est la création de concepts. Mais encore une fois il faudrait bien étudier trois notions qui forment une espèce de constellation: concept, affect et percept, parce qu’il y a des philosophes qui ont essayé de poser le problème de la philosophie au niveau des percepts. Par exemple, beaucoup de philosophes américains, en disant : “la philosophie mais c’est quelque chose qui procède par percepts”, et qui à la limite changent la perception. Et puis il y a des philosophes — par exemple un philosophe comme Nietzsche, et ça Klossowski a très, très bien vu ça dans Nietzsche, — à quel point Nietzsche, il procède moins par concepts. Les concepts, c’est une grande réaction contre les concepts. Il procède essentiellement par mobilisation d’affects, [87:00] et l’affect reçoit chez Nietzsche un statut philosophique très, très, très subtil, très curieux, c’est un discours par affects, c’est un “pathos” comme on dit, ce n’est pas un “logos”.

Alors, à ce niveau, moi, je peux dire que, pour moi, alors, en quoi je disais la dernière fois, comment est-ce possible aujourd’hui d’être spinoziste, d’être leibnizien ? Si je pose la même question à propos de Spinoza, je dirais, qu’est-ce que ça veut dire aujourd’hui être spinoziste ? Il n’y a pas de réponse universelle. Mais je me sens, je me sens vraiment spinoziste en 1980 ; alors je peux répondre à la question, uniquement pour mon compte : qu’est-ce que ça veut dire pour moi me sentir spinoziste?

Eh bien ça veut dire être prêt à admirer, à signer si je le pouvais, la phrase : “la mort vient toujours du dehors”. La mort vient toujours du dehors. [88:00] La mort vient toujours de dehors, c’est-à-dire la mort n’est pas un processus. Et quelle que soit la beauté des pages qui, d’une manière ou d’une autre, peuvent se ramener à un chant de mort ou à une exaltation de la mort, je ne peux dire qu’une chose: pour ma part, j’en dénie la beauté. C’est-à-dire je dis, quelle qu’en soit la beauté, parce que pour moi, c’est des offenses. C’est des offenses à quoi ? C’est des offenses à la pensée, c’est des offenses à la vie, ça va de soi, mais c’est des offenses à la pensée, c’est des offenses à tout vécu. Et le culte de la mort, moi ça me paraît vraiment la chose…. sous quelle que forme qu’elle soit.

Alors elle a son aspect psychanalytique de la mort, il a son aspect fasciste, il a son aspect psychotique, tout ça. Je ne peux pas vous dire, je ne dis pas que [89:00] ça n’existe pas, je ne dis même pas que je ne l’ai pas en moi comme tout le monde. Je dis, c’est ça l’ennemi, parce que notre problème, ce n’est pas simplement être d’accord au niveau du vrai et du faux, ce n’est même pas savoir ce qui est vrai ou faux, notre problème à tous. C’est savoir quelle est notre répartition de nos alliés et de nos ennemis. Et ça ferait partie aussi d’une schizo-analyse. La schizo-analyse encore une fois, ça ne demande pas : “qu’est-ce que c’est tes rapports avec ton père et ta mère ?”. Ça demande : “quels sont tes alliés, quels sont tes ennemis ?” Alors si quelqu’un me dit : “eh bien moi la mort est mon amie”, je dis d’accord, d’accord, je le regarde comme une erreur de la nature, je le regarde comme un monstre. Et je sais, je sais que pour moi: nulle beauté ne peut passer par ce chemin-là. Pourquoi alors? Je veux juste terminer avant de ce point.

Pourquoi est-ce que je tiens à tellement à ce que ligne de vie, ligne de fuite [90:00] égale vie, égale processus, et que tout ça exclut la mort, la mort n’étant qu’une interruption?

Je dirais, mais il n’y a pas que de la mort que je dirais ça. Je dirais également ça du plaisir si vous voulez. Le plaisir pour moi, c’est bien, le plaisir, alors vous voyez là, je dirais c’est formidable le plaisir, il en faut même, c’est bien, ça fait plaisir le plaisir, c’est bien, c’est bien, il en faut. Mais qu’est-ce qu’il y a de moche dans le plaisir, qu’est-ce qu’il y a de minable dans le plaisir ? C’est que par nature, ça interrompt un processus. C’est curieux que dans les problèmes de désir, si vous voulez, il y a un cas qui me paraît très frappant, c’est comment dans les civilisations différentes, c’est très curieux ce qui se passe dans toutes sortes de civilisations. Dans toutes sortes de civilisations, vous avez, vous avez une idée curieuse. Et cette idée curieuse, elle apparaît toujours dans des groupes un peu isolés, [91:00] un peu en marge. C’est comment ne pas… C’est l’idée que le désir est finalement un processus continu. C’est l’émission, en effet, il poursuit son accomplissement. C’est la continuité. Le processus, il est continu.

Donc le processus n’a qu’un ennemi, c’est ce qui vient l’interrompre. Ce qui vient l’interrompre, c’est quoi? Je disais c’est la mort. Mais il y a des formes de “petites morts”, ça peut être quoi aussi? Ça peut être le plaisir. En même temps, il y a des interruptions nécessaires : “les petites morts”, elles sont absolument nécessaires. La mort, elle est inévitable, donc le processus serait interrompu. Ça va de soi, il sera interrompu. Je dis: tout ce qui interrompt le processus est extérieur au processus. Je ne dis pas que ça peut ne pas venir. Ça viendra nécessairement, et d’une certaine manière, il est bon que ça vienne, peut-être qu’il est bon qu’on meure, peut-être qu’il bon qu’on ait du plaisir, d’accord, d’accord. Mais, encore une fois ce que je nie, c’est que ce qui vient [92:00] interrompre le processus puisse faire partie du processus lui-même en tant qu’il s’accomplit.

Or je dis le plaisir, il interrompt le processus. Je fais allusion à quoi ? Là encore je reviens à mon exemple parce que c’est du passé qui me revient, puisque je m’étais occupé de Masoch et du masochisme à un moment. Le masochisme, je suis frappé par ceci : c’est que, tantôt on nous dit, c’est des gens qui cherchent la souffrance, c’est ce que l’on pourrait appeler l’interprétation grossière du masochisme, des gens qui cherchent la douleur, qui aiment la douleur, voilà. Aimer la douleur, c’est un drôle de truc, c’est à la lettre une proposition qui est un non sens. Ou bien on nous dit : non, ce n’est pas qu’ils aiment la douleur, c’est qu’ils cherchent comme tout le monde le plaisir, mais ils ne peuvent obtenir le plaisir que par des voies particulièrement détournées. Pourquoi ? Parce qu’on les suppose frappés et sujets à une telle angoisse, qu’ils ne peuvent obtenir le plaisir, que si ils ont d’abord déchargé [93:00] l’angoisse. Comment décharger l’angoisse? En se faisant infliger un châtiment. Et c’est seulement le châtiment reçu qui les rendra capables comme tout le monde, d’éprouver le plaisir.

Vous voyez, c’est en gros deux interprétations différentes du masochisme. L’une et l’autre me paraissent fausses. Parce que moi j’ai le sentiment que ce n’est pas ça le masochisme. Et j’ai des raisons historiques pour moi.

Je me dis, le masochiste, ce n’est pas du tout quelqu’un qui, ni cherche la douleur, ni cherche le plaisir par des moyens obliques ou détournés. Son affaire, elle est tout à fait ailleurs. Le masochiste, c’est quelqu’un qui à sa manière, seulement d’une manière perverse, — or la perversité, moi, je trouve que ce n’est pas… mais on fait ce qu’on peut, hein ! — c’est quelqu’un qui d’une manière perverse — qui va sans doute le conduire à une impasse, à une drôle d’impasse — vit très étroitement que le désir est un processus continu, et donc a horreur, a une horreur affective, [94:00] a horreur de tout ce qui pourrait venir interrompre le processus.

Dès lors, le plaisir qui est un mode d’interruption – qui est le mode d’interruption “agréable” du processus – le plaisir, le masochiste ne cesse pas de le repousser. Au profit de quoi ? Au profit, à la lettre, d’un véritable “champ d’immanence”, champ, c-h-a-m-p, champ d’immanence du désir, où le désir doit ne pas cesser de se reproduire lui-même. Donc ce n’est pas du tout la souffrance qu’il cherche. La souffrance, il la reçoit en lui, il la reçoit en plus comme le meilleur moyen de repousser le plaisir. Il la reçoit en plus comme, alors, la sale histoire qui découle de sa tentative, mais qui ne fait pas partie de cette tentative. [95:00] Et voilà pourquoi le masochisme recueille, quand il se met à délirer l’histoire, pique deux points. Il pique le problème de l’amour courtois.

Or l’amour courtois, c’était quoi ? C’est là une époque historique, pourquoi à telle époque? pourquoi dans telle civilisation ? L’amour courtois qui me semble avoir été un phénomène ayant une très, très grande importance, l’amour courtois se propose quoi ? Il se propose une drôle de chose. Il se propose d’éliminer ce qu’on appelle aujourd’hui, et la Loi, et le Bien, et le Plaisir, au profit de quoi? Au profit d’une permanence et d’une subsistance du désir, et d’un désir arrivé à un plan où le désir ne manque de rien et se reproduit lui-même. Construire pour le désir une espèce de champ d’immanence. Et ce champ d’immanence aura comme formule [96:00] la formule de l’amour courtois: “tout est permis, tout est permis sauf l’orgasme”. Curieux. Le masochisme en tirera beaucoup. Et il n’y a pas de masochiste qui ne renouvelle à sa façon, et qui ne reprenne à sa manière les formes d’amour dit courtois, avec tout le thème de l’amour courtois, à savoir “l’épreuve”, l’épreuve qui est vraiment sur le mode d’une épreuve extraordinairement sensuelle, puisque réellement tout est permis. Tout est permis à condition que ça ne mène pas à l’orgasme. Pourquoi qu’ils ne veulent pas de l’orgasme ? Pas parce que c’est fautif. Parce que ce serait l’interruption du désir, et qu’ils parient en droit — j’insiste sur “en droit” — la continuation du désir à l’infini. Et pourquoi ? Parce que la continuation du désir à l’infini, c’est la construction d’un champ d’immanence.

Vous me direz, mais en fait il y a toujours interruption ! Bien sûr, il y a toujours interruption. Il s’agit de considérer que les interruptions ne sont que des accidents de “fait”, [97:00] et qu’elles n’interrompent pas le “droit” du désir, le désir n’étant pas à ce moment-là quelque chose qui manque de quoi que ce soit, mais ne faisant qu’un avec la construction d’un champ d’immanence. Et dans une tout autre civilisation, dans un tout autre monde, vous trouvez en Orient, la même chose. Dans des formes célèbres de sexualité chinoise, où précisément là aussi, l’orgasme est conjuré, est affirmé l’espèce de droit d’un désir à construire un plan d’immanence, un champ d’immanence, tel que rien en droit ne vient interrompre le processus du désir.

Alors en ce sens je dirais, ben, vous comprenez, ce qui interrompt le processus, ça peut être mille choses. Ça peut être des choses agréables, par exemple, ça peut être le plaisir. [98:00] Tout ça c’est des faits. La mort, c’est un fait. Le plaisir, c’est un fait. Mais le processus lui, ce n’est pas simplement un fait parce que c’est un acte. Or, en ce sens, c’est en ce sens, que pas plus, je ne pourrais pas plus faire de la mort une composante du processus que je ne peux faire du plaisir une composante du processus. Je dirais, c’est tout à fait autre chose ; le processus, c’est quel mot? Ça n’est ni plaisir ni mort, c’est la vie, c’est vie. Vie, ce n’est pas forcément plaisir, ce n’est pas forcément mort, ce n’est pas forcément … Non, la vie, elle a une spécificité qui est celle du processus même. Qu’est-ce que je veux dire par là enfin?

Je prends deux exemples parce que ça concernait par exemple le travail que l’on faisait l’année dernière. J’ai essayé de montrer ce que c’était par exemple que, une ligne de fuite en peinture. Bon. J’arrivais à peu près à la définition du processus, à ce moment-là. [99:00] Je prenais comme exemple, on avait vu, je prenais comme devise, deux devises : la ligne de certains artistes très classiques, qui répond à la formule, à une formule célèbre : “Il ne peignait pas les choses, il peignait entre les choses”, la ligne qui passe entre les choses, non plus la ligne qui cerne quelque chose, mais la ligne qui passe entre les choses. Je prenais un autre extrême chez un artiste récent : la ligne dite de Pollock, Pollock. Et que ce qu’il y avait d’extraordinaire de cette ligne ? c’est que, d’une certaine manière, elle récusait aussi bien l’abstrait que le représentatif. Parce que qu’est-ce qu’il y a de commun entre l’abstrait et le représentatif ? C’est que d’une certaine manière, la ligne y est encore une ligne au moins virtuelle de mort.

Qu’est-ce que j’appelle “ligne de mort” là? C’est une ligne qui détermine un contour. Alors peu importe, [100:00] la vraie différence, elle n’est pas entre abstrait et représentatif, elle est entre ligne qui ferme un contour et ligne qui procède autrement, qui procède autrement. Parce qu’une ligne qui ferme un contour, elle peut déterminer une figure concrète, elle peut déterminer aussi une figure abstraite. Que ce soit de l’abstrait ou que ce soit du représentatif, pas de différence, vous avez toujours la ligne qui fait contour. La ligne de Pollock, pourquoi est-ce que — ce n’est pas le seul — pourquoi est-ce qu’elle ne ni abstraite ni concrète ? Parce qu’elle ne forme pas contour. Comme on disait à propos d’autres peintres, elle passe “entre” les choses. Elle ne va pas d’un point à un autre, c’est au contraire un point qui va d’une ligne à une autre, ou d’un segment de ligne à un autre segment de ligne, etc. Je dis de cela : c’est une ligne de vie, bon, en effet.

Ou bien, l’année dernière, [101:00] on s’est beaucoup interrogé sur l’idée d’une matière-mouvement. Et la matière-mouvement pour moi, c’est la même chose que la vie. Et on avait essayé de montrer — surtout alors là ça se complique beaucoup, je voudrais juste terminer là-dessus — c’est que précisément, dans cette perspective de la ligne de fuite qui ne fait qu’un avec le processus ou avec la vie… il ne faut surtout pas — de même que on ne confondait pas une telle ligne avec l’échéance même inévitable de la mort, avec les interruptions accidentelles du plaisir — là, il ne fallait pas confondre avec les déterminations de l’organisme. Une ligne de vie ce n’est pas du tout une ligne organique. Il y a même vie que lorsque la vie a conquis son caractère non organique. Et la ligne de vie, c’est quelque chose qui passe entre les organismes, parce que dans les organismes, ça s’enroule, et la ligne de vie quand elle s‘enroule dans un organisme, quand elle se met à tourbillonner dans un [102:00] organisme, elle devient, à ce moment-là, recherche du plaisir, ou même, fréquentation avec la mort.

Mais la vie en tant qu’elle passe à travers les organismes, cette matière-mouvement, finalement, j’avais essayé de la trouver dans quoi? La meilleure approximation de cette vie non organique, je l’avais trouvée dans la métallurgie primitive. [Deleuze fait référence aux séminaires de 1979, le 27 février et le 6 et 13 novembre] Vous vous rappelez, c’était précisément cette matière-mouvement qui faisait l’affaire du métallurgiste itinérant, à savoir le métallurgiste, c’était celui qui suivait le processus de la matière-mouvement, qui était complètement indexé sur le processus de la matière-mouvement. Et que cette matière-mouvement soit sonore – voyez le rôle encore une fois, on l’avait vu, du métallique en musique — que ce processus soit vital, ça n’empêche pas qu’il est non organique.

Alors, je dirais presque c’est au nom de tout ça, que [103:00] je me fais de ce que j’appelle le processus, une idée complètement positive, si, et complètement affirmative, et quels que soient les dangers que rencontre le processus, même si il tombe dans ces dangers, je peux dire : ces dangers ne faisaient pas partie de ses composantes intérieures. Ces dangers, qu’on les appelle plaisir, qu’on les appelle mort, qu’on les appelle les droits de l’organique, ou les contraintes de l’organique, etc., ça n’en fait pas partie, pour moi. Pour moi, mais je ne tiens pas du tout encore une fois à convaincre qui que ce soit. Je dis juste, si vous tenez tellement à faire de la mort une instance et non pas une conséquence, si vous tenez à faire de la mort une instance, eh bien il vaut mieux, à ce moment-là, ne pas employer le terme de processus. Il vaut mieux vous découvrir “structuraliste” — c’est toujours possible et permis — parce qu’il y a une place dans une structure pour la mort. Dans un processus, à mon avis, à moins qu’on emploie les mots en dépit [104:00] du bon sens, dans un processus, il n’y a pas de place pour la mort comme composante intérieure du processus… Oui ?

L’auditeur initial: Bon, c’est très difficile d’être structuraliste.

Deleuze: C’était un conseil, [Rires] c’était un conseil, je n’y tiens pas.

L’auditeur: Je suis tout à fait d’accord pour ne pas mettre la mort dans le processus. Le problème n’est pas là. Je mettais en cause le privilège accordé à la ligne de vie, soit qu’on l’identifie tout à fait au processus en disant : de toute façon, il n’y a pas de mort dans le processus [bref passage inaudible]. Mais dans ce cas-là, on ne fait que déplacer le problème. Dans ce que j’appellerais pour l’instant l’existant, on extrait la ligne de vie. Dans l’exemple du schizophrène, on extrait la ligne de vie, en disant : quelle que soit la ligne de vie, [105 :00] la mort vient toujours du dehors [bref passage inaudible]. S’il y a un problème, c’est précisément que [le schizophrène] se heurte à quelque chose parce que tout d’un coup il est face à face… [passage inaudible]. C’est un petit exemple grossier. Mais il me semble qu’on va revenir à quelque chose de plus essentiel. Je crois que, effectivement, on est très proches sur le plan conceptuel, mais c’est sur le point de vue des affects qu’on n’est pas d’accord. La preuve, c’est que les exemples du masochisme, je les aurais absolument repris. [Passage inaudible] Mais, au fond, là où vous invoquez Spinoza, moi j’invoquerais plutôt Kierkegaard. C’est là, la différence. Moi, je suis carrément pour les chevaliers de la foi, quitte à être provocateur. Pourquoi ? Parce que le chevalier de la foi, c’est aussi l’apathie ou l’indifférence… ou le sage taoïste… ou le suspens masochiste. [106 :00]

Ce que je mettais en cause, encore une fois, c’est la place de la mort dans ce que vous proposez. Tantôt vous dites : la mort n’est pas la ligne de fuite. Dans ce cas-là, vous la présentez comme des segments [Bref passage inaudible]. La mort, c’est ce qui fait contour. La mort est toujours renvoyée à l’extérieur. Tantôt vous avouez — de toute façon, vous ne pouvez pas faire autrement, c’est là où on est absolument d’accord [passage inaudible] —, vous avouez que la ligne de fuite aboutit à l’abolition, la disparition, etc. C’est simplement ce que je place en premier. C’est-à-dire : ça mène à une disparition qui n’est pas différente de celle du dehors. [Passage inaudible] Tantôt vous dites, c’est le segment qui est mauvais. C’est l’arbre [107 :00] généalogique, c’est l’espace strié. C’est là qu’est la mort. Tantôt vous dites : pas du tout. De toute façon, il y a de la mort des deux côtés. Je crois que ce qu’il faut regarder vraiment, c’est : est-ce qu’il y a de la mort des deux côtés ? Ça, ce n’est pas structuraliste. Ce n’est pas évident, par exemple, que [mot inaudible] ou tous les exemples que vous avez donnés mènent à cela. Alors, évidemment, cette mort se différencie de la petite mort du structuraliste. Moi, j’appellerais ça la jouissance par opposition au plaisir. [Passage inaudible, qui évoque un gros rire dans la salle] Il faut distinguer deux sortes de morts.

Deleuze: Qu’est-ce c’est les deux sortes de mort? [108:00]

L’auditeur: Par exemple, la mort, c’est tantôt les segments, tantôt le désir d’abolition. Vous reconnaissez : il y a de la mort des deux côtés.

Deleuze: Non, non.

L’auditeur initial: Ou alors, ce n’est peut-être pas la même mort ? [Passage inaudible] Il faut quand même avouer que c’est une disparition.

Deleuze: Que c’est une disparition?

L’auditeur initial: C’est une disparition. Simplement, c’est une disparition peureuse. C’est pour ça que, là, je suis pour Kierkegaard, c’est-à-dire pour le spirituel.

Deleuze: Oui, j’ai peur que la différence ne soit pas là, parce que Kierkegaard et “être pour le spirituel”, c’est une proposition sur laquelle tout le monde pourrait s’entendre. Ce n’est pas là que Kierkegaard ait une originalité, l’originalité de Kierkegaard, [109:00] et là, moi je ne me sentirais pas kierkegaardien. La discussion n’a plus d’objet. Et en sens c’est affaire de goùt à condition de considérer que le goût est philosophique, ce n’est pas la philosophie qui est affaire de goût, c’est le goût qui est affaire de philosophie. La vraie originalité de Kierkegaard c’est pas du tout affaire de spirituel : pour lui le spirituel est liè à une certaine conception trés dure, trés affirmée, trés absolue de la transcendance. Et là, je suppose que vous seriez d’accord, tandis que moi, je me sens tellement dans le sens de la vie que ça n’a aucun intérêt. Je me sens tellement spinoziste, je me sens tellement croyant dans l’immanence, que Kierkegaard ne fait pas partie de mon panthéon à moi! Mais…

L’auditeur initial: Je pense que [rapprocher] le Tao et Kierkegaard, ça implique déjà une certaine…

Deleuze: Ça implique une gymnastique bizarre, oui !

L’auditeur initial: [Il termine ici avec un bref commentaire]

Deleuze: Mais alors, ça implique que ça devient votre affaire, ce que [110:00] vous faites de Kierkegaard. Si en effet, si vous supprimez de Kierkegaard la conception de la transcendance, j’ai peur que cela fasse un Kierkegaard qui, en effet, pourrait être aussi bien taoïste, masochiste, toutes choses qu’il n’était pas exactement. Mais, là, je crois qu’au point où l’on est, il y a pas lieu de .., on peut concevoir que l’on a fait un long bout de chemin ensemble, il y a un moment où l’on se sépare; il faut que vous alliez ce chemin avec Kierkegaard, mais ne le defigurez pas trop! [Rires]

L’auditeur second: [Commentaires inaudibles]

Deleuze: C’est ça le processus. [111:00]

L’auditeur second: [Les commentaires portent sur la conception de mort d’un autre penseur qui se révèle, dans les commentaires suivants, être Spinoza]

Deleuze: Mais, lui aussi, il a une conception merveilleuse de la mort; il n’y a que les modes finis qui meurent. Alors il a un truc formidable. Il dit s’il y avait un ordre. La réponse de Spinoza sur la mort, elle me paraît merveilleuse, et puis tellement vraie alors. Il dit : vous comprenez il n’y a pas de mort naturelle ! Il n’y a pas de mort naturelle, vous pouvez croire que vous mourez naturellement, c’est même une affaire là, c’est d’après les critères sociaux, on dit : il y a mort naturelle ou pas naturelle. Il dit métaphysiquement — et j’aime beaucoup les déclarations du médecin actuel, il me semble, je soupçonne qu’il est spinoziste – [Léon] Schwartzenberg, Schwartzenberg, [auteur d’un livre Changer la mort (1977)] toutes les déclarations sur… Vous savez le médecin qui défend l’euthanasie, et qui s’indigne, qui est le seul à s’indigner sur les phénomènes de survie actuels et leur signification politique. Par exemple, il s’indigne contre la survie imposée à Tito [ancien président de la Yougoslavie, déclaré mort le 4 mai 1980] qui, en effet, du point de vue médical, un scandale quoi, une espèce de prodigieux scandale.

Or Schwartzenberg, il dit: “vous comprenez la mort, ce n’est pas un problème en tant que médecin “, il dit, : ça ce n’est pas un problème médical, c’est un problème métaphysique. Alors il explique [112:00] pourquoi très bien, pour lui c’est un problème métaphysique. Parce qu’il dit : c’est toujours possible actuellement dans l’acquis de la médecine, c’est toujours possible de faire fonctionner, mais à la lettre, des organes morcelés. Avec un système de tubes, on peut toujours continuer à faire battre un cœur, faire je ne sais pas quoi, irriguer un cerveau, etc., et puis vous appellerez ça Tito. Bon, d’accord. Le premier scandale, seulement on n’a pas protesté parce qu’on était… Mais on avait tort : ça été la survie de [Francisco] Franco, qui a été la première chose scandaleuse dans ce domaine, vous comprenez. La nécessité de maintenir, d’une part, on pourrait trouver que ce n’était pas trop tôt que Franco meurt, mais ce n’est pas la question.

Ce contre quoi il y a lieu de protester là, médicalement, dans la médecine moderne, c’est cette manière de maintenir la vie, d’une espèce de — qu’est-ce qu’on peut dire? – [113:00] de masque quoi, de panoplie, c’est l’uniforme de Tito, ça n’a plus rien à voir avec un vivant. C’est, on mettrait son chapeau et son pantalon là sur un mannequin, bon, on dirait c’est Tito, bien là, ce serait moins grave. Mais maintenir quelqu’un qui a pensé, qui a été, etc., au-delà de son être et de sa pensée, c’est quelque chose d’abominable et d’atroce. Quand ça arrive en vertu d’un processus naturel, par exemple, ce qu’a longtemps été la paralysie générale — pensez à Nietzsche qui a vécu des années, des années, des années, comme une loque quoi bon, comme une véritable loque — la paralysie générale a longtemps été, jusqu’à ce que l’on guérisse et que l’on traite la syphilis, la paralysie générale a été une chose catastrophique, aussi importante que la lèpre au Moyen Âge, ou que la peste. La paralysie générale qui vous maintenait en vie pendant des années, des années, à l’état [114:00] de pure loque, eh bien, la paralysie générale réussissait ce que, d’un coup, et par un processus dit naturel, ce que la médecine arrive à faire aujourd’hui artificiellement.

Or, je dis, oui, l’idée de Spinoza sur la mort, elle est tellement concrète, elle est très bien. Enfin on peut dire : Je ne suis pas d’accord !” Lui, ça le dégoûte, l’idée d’une mort qui vient du dedans, vous me direz: Il n’a qu’à s’y faire ! Non, il ne s’y fait pas. Il dit : “Il n’y a aucune raison de croire à ça !” Il dit : “Non la mort, ce n’est pas ça !” Et il lance une espèce de théorie, il la lance surtout dans les Lettres. Il y a des lettres prodigieuses de Spinoza, qui font partie du plus beau de son œuvre, c’est les lettres à un petit gars qui l’embêtait tout le temps, il y avait un type, un marchand de grains, un jeune marchand de grains qui l’embêtait, parce qu’il voulait convertir Spinoza au catholicisme. Et il était très traître, il était très sournois, et Spinoza, il se méfiait un peu, il était embêté, il n’osait pas ne pas répondre en disant : ça va être encore des ennuis, tout ça. Il y a une correspondance splendide, c’est les “Lettres à Blyenbergh”. [115:00] [Voir les séances du 16 décembre 1980 et 6 janvier 1981 sur cette correspondance]

Et dans les Lettres à Blyenbergh, il dit tout sur la mort, tout ce qu’il pense. Et là il faut faire confiance à Spinoza, il vivait comme ça. Il dit : Bien oui, pour moi, la mort, en effet, c’est très curieux, mais, moi je ne conçois de mort qu’arrivant du dehors. Le type de la mort, bien c’est toujours l’accident d’autobus, c’est ça, toujours un truc qui vous passe dessus quoi ! Et il fait une théorie, il dit : Elle ne peut pas venir du dedans ! Pourquoi ? C’est bien parce que c’est tout le problème : y a-t-il un instinct de mort ? tout ça. Il dit : mais c’est, mais c’est odieux ! Exactement comme je crois là, être un petit disciple de Spinoza en disant : tout en moi s’offense lorsque je vois des formes qui se rattachent à un culte de la mort quelconque. Parce que c’est ça encore une fois le fascisme, c’est ça la tyrannie, et Spinoza le liait au problème politique. Il disait qu’une tyrannie — ca c’est très fortement dit dans le Traité politique. — Dans le Traité politique, il dit très fort que “le tyran n’a qu’une possibilité : c’est ériger une espèce de culte de la mort “. Affliger, dit-il, affliger les gens, les affecter de passions tristes, les faire communier dans des passions tristes.

Et alors pourquoi que la mort, elle vient toujours du dehors? Il dit : “Bien c’est très simple, c’est très simple. Il dit : Vous comprenez, il y a un ordre de la nature. Seulement ce qui se passe n’est jamais conforme à l’ordre de la nature parce qu’il y a plusieurs niveaux. Il y a un ordre de la nature du point de vue de la nature. Mais si moi, qui suis dans son langage — chacun de nous est, ce que Spinoza appelle, un “mode fini”, une modification — chacun de nous est une modification, une modification marquée de finitude, un mode fini — Eh bien, les modes finis se rencontrent les uns les autres, suivant un ordre [117:00] qui ne leur est pas forcément favorable à chacune. L’ordre des rencontres entre modes finis est toujours conforme à la nature. Si bien que la nature, elle, elle ne meurt jamais.

Mais un mode fini qui en rencontre un autre, ça peut être une bonne rencontre ou une mauvaise rencontre. Je peux toujours rencontrer un mode qui ne convient pas avec ma nature ; je peux rencontrer, même c’est beaucoup plus fréquent, rencontrer un mode qui convient avec ma nature : c’est une fête, c’est une joie ! c’est ça ce que Spinoza appellera : amour, amour. Mais je passe mon temps à rencontrer des modes qui ne conviennent pas avec ma nature. À la limite, je meurs. Si le mode que je rencontre et qui ne convient pas avec ma nature est beaucoup plus puissant que moi, c’est-à-dire que ma propre nature, à ce moment-là, tout ce qui me constitue, tout ce qui me compose est bouleversé, et je meurs. [118:00]

Alors ça donne une interprétation extraordinaire qui est une des choses les plus joyeuses dans tout Spinoza, là où Spinoza se déchaîne, c’est son interprétation du péché. Il n’aime pas beaucoup toutes ces notions-là, de péché, de culpabilité, il déteste tout ça, de remords, il y voit le culte de la mort. Alors il dit : c’est tout simple, vous comprenez, l’histoire d’Adam : on nous trompe. En fait, c’est exactement un cas d’empoisonnement. La pomme était un poison pour le premier homme. C’est-à-dire, la pomme était un mode, un mode fini, qui ne convenait pas avec le mode fini qu’était Adam. Adam mange la pomme, c’est absolument du type : un animal qui s’empoisonne. Alors il meurt, c’est une mort spirituelle, mais en ce cas-là il perd le paradis, tout ce que vous voulez, mais la mort, c’est toujours de ce type, [119:00] c’est toujours du type : intoxication-empoisonnement. Je ne meurs que par empoisonnement-intoxication, c’est-à-dire par mauvaise rencontre.

D’où la définition splendide de Spinoza lorsque — là il change tout — il garde le mot très classique de raison. Je voudrais terminer sur ceci, toujours cet appel à vous méfier de la manière dont un philosophe peut employer des concepts qui paraissent très traditionnels, et en fait les renouveler. Quand il dit : “Il faut vivre raisonnablement”, il veut dire quelque chose de très précis. Il se fait un clin d’œil à lui-même parce que lorsqu’il définit sérieusement la raison, il définit la raison de la manière suivante : “L’art d’organiser les bonnes rencontres”, c’est-à-dire l’art de me tenir à l’écart, vis-à-vis des rencontres avec des choses qui détruiraient ma nature, et au contraire l’art de provoquer les bonnes rencontres, avec des choses qui confortent, qui augmentent [120:00] ma nature ou ma puissance. Si bien qu’il fait toute une théorie de la raison subordonnée à une composition des puissances. Et c’est ça qui ne trompera pas Nietzsche lorsque Nietzsche dans La volonté de puissance, reconnaîtra que le seul qui l’a précédé c’était Spinoza. La raison devient un calcul des puissances, un art d’éviter les mauvaises rencontres, de provoquer les bonnes rencontres.

Alors vous voyez, ça devient très, très concret, parce que notre vie, notre morale, bien, on en est là tous, tous. Alors en philosophie, bon, en philosophie il y a ces rencontres prodigieuses, qu’est-ce que rencontrer un grand philosophe pourtant mort depuis des siècles ? Alors là, il vient de vous dire que lui [l’auditeur initial], il a une rencontre avec Kierkegaard bon, très bien, très bien.

Du moment que vous avez de bonnes rencontres, ne pensez pas aux mauvaises rencontres que vous faites, protégez-vous des mauvaises en faisant de bonnes rencontres. Cherchez ce qui vous convient, quoi! Mais chercher ce qui vous convient, c’est une platitude. [121:00] C’est moins une platitude quand ça prend l’expression de concept philosophique et d’affect correspondant, à savoir, ce qui me convient, c’est quoi ? Ce sera, par exemple, cette composition de puissance : faire en sorte que précisément la rencontre, la mauvaise rencontre, soit perpétuellement conjurée. Je dirais presque, c’est une certaine manière à nouveau de dire: Faites passer la ligne de vie, tracez la ligne de fuite, etc., etc. Fuyez à plusieurs. Je disais : Sachez qui sont vos alliés ! Tout est bon là, du moment que vous les trouvez, vos alliés. Une seule chose est mauvaise: si vous les trouvez dans la mort, parce que la mort, elle n’a pas de philosophe, elle n’a pas de philosophie, pas du tout, pas du tout. Mais je ne devrais pas dire ça.

Voilà, alors la prochaine fois, si ça vous va, on continue sur le même… [Fin de l’enregistrement] [2:01:56]

Notes

The excellent transcription by Frédéric Astier of this session provides the basis for replacing the anonymous translation with an updated one, completed in February-March 2020, with additional updates to the translation and transcription completed in July 2023 and a revised description completed in September 2023. Thanks to the new transcription developed by David Lapoujade for Sur les lignes de vie (Paris: Minuit, 2025), the session’s transcript and translation were updated, October 2025, with additional updates in February 2026.

December 2, 1980

I am simply leaving this blank ; all beings are equal, as regards what ? From what point of view ? On what basis ? What does this mean then, a stone and a wise man, a pig and a philosopher, all are equal ? It is enough to state on what basis. Certainly, all of them are equal. Insofar as [they have] existence, all are equal ; all are equal. And here, Spinoza will never renounce this. He will state it formally, the wise man and the madman – there’s a point of view, an “on the basis of”, in which we see quite evidently that one is not superior to the other.

Seminar Introduction

“Spinoza: The Velocities of Thought” was a 15-lecture seminar given from November 1980 to March 1981. In the first semester teaching at the new location in St. Denis, after the destruction (by the Ministry of Education) of the Vincennes University campus, In this seminar, Deleuze revisits his examination of Baruch Spinoza’s philosophy. Deleuze previously published two books on Spinoza: Expressionism in Philosophy: Spinoza (Spinoza et le problème de l’expression, 1968), and a brief manual, Spinoza. Textes choisis (Paris: Presses Universitaires de France, 1970), subsequently revised and republished as Spinoza: Practical Philosophy (Spinoza Philosophie pratique, Paris: Minuit, 1981). The majority of these lectures were given the same year as the publication of the  latter title, and hence these sessions were clearly informed by the new editorial preparation. The Seminar included here provides a sixteenth session, from 1978, on the themes of affect and idea as well as “continuous variation” in which Deleuze addresses Spinoza.

Please note that these transcriptions and hence the translations have benefited immensely from the work undertaken by David Lapoujade in editing these sessions for publication as Sur Spinoza (Paris: Minuit, 2024).

English Translation

Edited

Emphasizing Spinoza’s “lightning thought” in the Ethics (especially book V), Deleuze indicates that while the speeds in the early books are relative, the use of “scholia” alongside propositions, proofs and corollaries also introduces discontinuous affects in contrast to the continuous chain of propositions. Then, Deleuze insists that to discuss Spinoza, one should understand where Spinoza starts, not with Being as Being, or with God, but with the attributes, i.e., the constituent elements of substance. Locating Spinoza’s philosophical “cries” in the scholia, notably “we do not know what the body can do”, Deleuze emphasizes that Spinoza discussed the soul and its relation to the body, but then returning to the basic ontological proposition of Being, Deleuze states that, first, our only two known attributes are of God, namely extension and thought, and second, “I” am not substance in the same sense as God is substance, “substance” hence being an equivocal term. Yet, given Spinoza’s implication that what there is other than Being qua Being is that of which Being is expressed, l’étant or the existent (be-ing), which is not substance, Spinoza’s world emerges as anti-hierarchical: all be-ings as equal. Moreover, we are modes or manners of being within the immanence of all manners of being, and consequently, I am two through the attributes I implicate, but I am one through the substance that envelops me. In this light, Deleuze distinguishes between an ethics and a morality, the latter being inseparable from a hierarchy of values, whereas since no morality exists for “everything being equal”, it corresponds to an ethics. In this, philosophy’s task as ethics is to reach the knowledge of the body and consciousness of the soul which escapes our natural knowledge and consciousness.

Hence, Spinoza’s book is Ethics, not Ontology, and Deleuze shifts the focus to consider the question of morality implying the position of something superior to Being by discussing the question of evil from an historical perspective. He first traces the tradition of philosophers as blissful optimists as well as evil’s two forms, misfortune and wickedness, also drawing on Nicholas of Cusa, who introduces the philosopher as idiot, i.e., without knowledge and possessing only the faculty of reason, a natural light. Then tracing this through Descartes’s cogito, Deleuze considers the theme of the idiot at its climax in Russia with Dostoyevsky. After returning to the Greeks’ view, for whom evil is necessarily nothing, Deleuze considers Spinoza who also says “evil is nothing”, the wicked man as someone in error, and Deleuze refers to Spinoza’s treatment of the question of evil in letters with William de Bleynbergh, thereby presenting a different viewpoint than the path of “Good is the One above Being”. Spinoza’s view is that while there’s neither good nor evil, there is some good and some bad, hence the link between ethics and ontology, ethics as speed taking us quickly to ontology, i.e., to life within Being, implying an ethical difference between the distinction with good-evil. For Spinoza, from the ethical point of view, the wicked is not one who judges badly (as is the case for morality) but is one who is false, not in judgement, but as the inadequacy of the idea of the thing, i.e., of the thing’s manner of being in itself, as authentic. Deleuze maintains that this perspective is opposite the judgment system, more akin to a world of “tests” (épreuves) as in assaying a coin, enduring the acid as authentic gold. So, Deleuze’s task is to examine the authentic-inauthentic distinction in contrast to the distinction of good-evil.

Gilles Deleuze

Seminar on Spinoza: The Velocities of Thought

Lecture 02, 2 December 1980

Initial Transcription by Web Deleuze; Paris 8 transcription: Part 1, no credit transcriber; Part 2, Christina Roski; augmented transcription and translation, Charles J. Stivale (duration, 2:04:16)[1]

Part 1

[I start with the problem] which I had sketched out and which was this sort of problem: this problem of the velocities of thought and the importance of these speeds in Spinoza, from the point of view of Spinoza himself. And I was saying that, after all, intellectual intuition — what Spinoza will present as the intuition of the third kind of knowledge — is kind of a lightning thought (pensée comme éclair). It’s indeed a thinking at absolute speed, that is, that goes simultaneously to the deepest level and that embraces, that possesses a maximum amplitude proceeding like a bolt of lightning. There is quite a good book by Romain Rolland called L’éclair de Spinoza [Spinoza’s Lightning Bolt], very well written.

Now I was saying, when you read or reread the Ethics, you must be sensitive or at least think about this question that I only ask, namely that it indeed seems to me, as I said the last time, that book V proceeds differently. That is, it seems to me that, in the last book of the Ethics, and especially from a certain moment onward, [as] Spinoza himself signals, the moment when he claims to enter the third kind of knowledge, the proofs no longer have the same scheme as in the other books because in the other books, the proofs were developed under the second order of knowledge. But when he moves into the third genre or into an exposition according to the third kind of knowledge, the demonstrative mode changes, the proofs undergo contractions. There are all kinds, there are areas of proof which, in my opinion, have disappeared. Everything is contracted. Everything is going at full speed. Well, it is possible. But that’s only a difference in speed between Book V and the others, the absolute speed of the third kind [of knowledge], that is, of the book V, in contrast to the relative speeds of the first four books.

I was also saying something else the last time: if I focus on the area of ​​relative speeds of thought, a thought that goes more or less quickly, I must explain — you understand this problem. I insist that it’s a kind of practical problem — I do not mean to say that one should hardly think about this. Of course, thinking is something that takes an extraordinary amount of time. It takes a lot of time. I am talking about the speeds and slowness produced by thought, just as a body has effects of speed and slowness depending on the movements it undertakes. And there are times when it’s good for the body to be slow. There are even times when it is good for the body to be still. It’s not about relations of value. And maybe absolute speed is absolute immobility, that they merge absolutely. If it is true that Spinoza’s philosophy proceeds as and through spreading over a kind of fixed plane, if there is indeed this kind of Spinozist fixed plane where all his philosophy is inscribed, it is obvious that, at the limit, absolute immobility and absolute speed simply become one. But, in the domain of the relative within the first four books, it is sometimes necessary for thought to produce slowness, the slowness of its own development, and it is sometimes necessary for it to go faster, the relative speed of its development relative to one concept or another, to one topic or another. [Pause]

And I was saying that, if you look at the whole of the first four books, then it seems again, I am making, I was making another hypothesis on which I do not want to dwell too much, which is that, in the Ethics, there is this unusual thing that Spinoza calls “scholia”, alongside and in addition to the propositions, proofs, corollaries. He writes scholia, that is, kinds of additions to the proofs. And I was saying, if you even read them out loud — there’s no reason to treat a philosopher worse than you treat a poet — if you read it out loud, you will be immediately sensitive to this: that the scholia do not have the same tone, do not have the same timbre as the aggregate of propositions and proofs, and that the timbre becomes, how would I say, a kind of pathos, passion. And [I was saying] that Spinoza reveals therein kinds of aggressivity, of violence to which such a sober, so wise, so reserved a philosopher had not necessarily accustomed us. And there is a speed of the scholia which is really a speed of affect in contrast to the relative slowness of the proofs which is a slowness of the concept as if, within the scholia, affects were projected, whereas in the proofs, concepts are developed.

So this practical, passionate tone — perhaps one of the secrets of the Ethics is in the scholia – I was opposing at that point a kind of continuous chain of propositions and proofs, a continuity which is that of the concept, to the discontinuity of the scholia which operates as a kind of broken line and which is the discontinuity of affects. Fine, so let’s assume… All of that, it’s for you to… These are impressions gleaned from reading. Understand that if I insist on this, it may be that the form after all is so adequate to the very content of philosophy that the way in which Spinoza proceeds formally already has something to tell us about the concepts of Spinozism.

And finally, I was still making a final remark within this order of relative speeds and slownesses. It’s that if I only take the order of the proofs in their progressive development, the order of the proofs, there is not a uniform relative speed. Sometimes it stretches and it develops; sometimes it contracts, and it envelops itself more or less. So, there is, in the succession of proofs of the first four books, not only the great difference in rhythm between the proofs and the scholia, but differences in rhythm in the course of successive proofs. They don’t go at the same pace. And there, I would then like to find fully – and it’s in this way that these are not merely formal remarks — to find fully, to complete these remarks on speed, to find fully the problem of … well, almost the problem of ontology. In what form?

I am taking the start of the Ethics. How can we start into an ontology? In an ontology, from the point of view of immanence where, literally, Being is everywhere, wherever there is Being, the existents, the be-ings [étants], are within Being, which is what seemed to us to define ontology in our previous meetings. Where and how can we start? This [is] the problem of the beginning of philosophy which has dragged on throughout the history of philosophy and which seems to have received very different answers: What to start with? In a way, here as elsewhere, following the ready-made idea where we say that philosophers do not agree with each other, each philosopher seems to have his answer. It is obvious that Hegel has a certain idea of ​​where and how to start in philosophy, Kant has another, Feuerbach has another and takes Hegel to task about it.

Well, if we apply this problem to Spinoza, how does he start? Where does he start? We would seem to have an answer imposed on us. In an ontology, one can only start with Being. [Pause] Yes maybe. And yet … And yet, Spinoza, the fact is, he does not start with Being. This becomes important for us; it will be a problem. How is it that in a pure ontology, in a radical ontology, one does not start where we’d have expected the beginning to be occur, namely with Being as (en tant que) Being?

We have seen that Spinoza determines Being as Being as an absolutely infinite substance and that is what he calls God. Now, the fact is that Spinoza does not start with absolutely infinite substance; he does not start with God. And yet, it’s like a ready-made proverb, eh, to say that Spinoza begins with God. There is even a ready-made expression to distinguish Descartes and Spinoza: “Descartes begins with the self, Spinoza begins with God.” Well, it’s not true. It’s not true. At least this is only true of one of Spinoza’s books, and it is a book which, literally, is not his. Indeed, in his youth, Spinoza was already doing, according to the method that I described to you — the method of study groups (collégiants) – he taught some kind of private lessons to different groups. And we possess these courses. We possess them in the form of notes from participants. We can’t exclude the possibility that Spinoza wrote some of these notes, some very obscure. Studying the manuscript is very, very complicated and has an entire history. In the end, all of these notes exist under the title of The Short Treatise (Le Court Traité). The Short Treatise. And, in The Short Treatise, chapter One is thus titled: “That God is”. I can say, literally, that The Short Treatise begins with God. But afterwards, not at all; afterwards, not at all.

And there that poses a problem because it is very often said that the Ethics begins with God and indeed, “Book I” is titled “De Deo”, of God, about God. But if you look in detail — all of these being prompts for you to pay close attention to the letter of the text — if you look in detail, you will see that God in Book I, at the level of definitions, is only reached in definition Six — so five preceding definitions were needed — and at the proof level, [God] is only reached around Nine, Ten, propositions Nine and Ten. So five prior definitions were required and eight prior propositions / proofs were required. I can conclude that, by and large, the Ethics begins with God, [but] literally, literally, it does not start with God. And indeed, where does it start? It begins with the status of the constituent elements of the substance, namely, the attributes.

But even better, before the Ethics, Spinoza wrote a book, Treatise on the Emendation of the Intellect. In this treatise, – this treatise, he did not complete it, for mysterious reasons which we will be able to discuss later, but anyway, it does not matter, he did not complete it. Now I am reading this because I attach great importance to it, you will see, because I would like to raise certain translation problems very quickly.

Paragraph 46: [Pause] I am reading the translation — the best translation of the Treatise on the Emendation is the translation by [Alexandre] Koyré in Éditions Vrin, but those who have the Pleïade, you are fine with what you find, it does not matter. Paragraph 46 — in all editions, the numbering of the paragraphs is the same – “If anyone asks why I have not at the starting-point set forth all the truths of nature in their due order, inasmuch as truth is self-evident, I reply” – and here, there’s a series of three small points indicating a lacuna – [Deleuze rereads the citation up to this point] “I reply by warning him not to reject as false any paradoxes he may find here.”

Understand, I am saying: it’s still funny: the editors are not bothered at all, and they are right not to be bothered: when something does not suit them, they throw in a lacuna. [Laughter] There is the indication of a lacuna which is not at all in the manuscript, and it’s very weird! Do you grasp what I mean? Suppose an editor who is convinced that Spinoza, even nervously persuaded, that Spinoza “must” begin with Being, that is, with absolutely infinite substance, that is, with God, he encounters texts where Spinoza says, on the contrary, that he’s not going to start with God, at that point, the editor is faced with several possibilities: either to say that this is a moment in Spinoza’s thought that has not yet reached maturity, that is, to say that Spinoza has not reached his true thought; or to presume that there’s a gap in the text that would change the meaning of the sentence; or else, a third possibility — in a sense, it is the best — barely tampering with the translation.

In this text 46 – and I would just like to expand on this point because it is part of the internal criticism of the texts — in this paragraph 46, Spinoza tells us formally: there is indeed a due order that is the order that begins with God, but I cannot follow it from the start. It is a clear thought: there is due order, in necessary order; it is that which goes from the substance to the modes; it is that which goes from God to the things, but this necessary order I cannot follow it from the beginning. This is a very clear thought! We are so persuaded that Spinoza must follow it from the start that when we find a text that does not correspond to this, one assumes there’s a gap; this isn’t right, this just can’t be right!

Paragraph 49, I am reading — and there the editors didn’t dare to correct it — I am reading: “From the beginning, therefore” — end of paragraph 49 – “from the beginning, therefore, we will principally have to see to it that we arrive as quickly as possible” — quanto ocius – “that we arrive as quickly as possible at the knowledge of the Being.”[2] So here, my heart throbs with joy, you understand. He says it formally. It is a matter of arriving as quickly as possible, as quickly as possible, at the position of the Being and at the knowledge of the Being. But not from the start. The ontology will have a beginning: as the Being is everywhere, the ontology precisely has to have a distinct start from the Being itself. As a result, you understand, this becomes a technical problem for me because this beginning cannot be anything more than Being, superior to Being. There isn’t any. The great One superior to Being does not exist from the point of an ontology; we saw this at our other sessions.

What is this mysterious beginning going to be? I continue my review of the treatise. Paragraph 49… No, I just did that. Paragraph 75… No, there’s nothing. Ah yes! “For us, on the contrary, if we proceed as little abstractly as possible and if we start as early as possible” – in Latin, as early as might occur, quam primum fieri potest, as early as might occur – “if we start as early as possible from the first elements” — from the first elements — “i.e. with the source and the origin of nature.” See! We start with the first elements, that is, with the source and origin of nature, the absolutely infinite substance with all attributes, but we only start there “as soon as possible”. Fine… There are indeed… We will get there as quickly as possible. It’s the order of relative speed.[3]

And finally, because it’s the most beautiful case, paragraph 99, in which the translation is tampered with, which, it seems to me, is the worst! This is what the text translated by Koyré says and the translators there follow Koyré. I am quoting Koyré because he was a very prodigious man of immense knowledge. I am reading Koyré’s translation: “In order that all our perceptions be ordered and unified, it is necessary that as quickly as might be possible” — we find it again — “we must act as quickly as might be possible,” and Koyré translates: “[hyphen] – reason requires it [hyphen] – we seek out whether there is a Being, and also what It is”. See the translation that Koyré provides: “it is necessary that as quickly as might be possible — reason requires it – we seek out whether there is a Being”; in other words, [Koyré] situates “reason requires it” onto the necessity for discovering if there is a Being.

This is strange for a man who knew Latin admirably since the text doesn’t say that at all. I am translating the text into bad French, but word for word: “It is necessary, it is required (requis) that as fast as possible and as reason requires it”. See, this is not such a big thing, but it is enormous; this changes everything. In Latin: quam primum fieri potest et ratio postulat, as fast as possible and as reason requires it. In other words, it is reason which requires that we not start with Being but that we get there as quickly as possible.

And why does that matter to me? It’s because of this question of agreement. There is a relative speed. “As fast as possible” is the first ten proofs of the Ethics, from book I. He goes as fast as possible. That’s the relative speed of thought. Reason demands that there be a rhythm of thought. You will not start with Being; you will start with what gives you access to Being. But what can give me access to Being? Is it something that “is not “. It is not the One. We saw that it could not be the One. What is it? This is a problem. This is a problem. I would venture my conclusion: if it is true that Spinoza is a philosopher for whom thought is so productive of speeds and slownesses, [then it] is itself caught in a system of speeds and slownesses. This is strange. Again, it goes much further than to tell ourselves, “Thought takes time.” Thought takes time. Descartes might have said it, as I pointed out the last time. Descartes might have said it. But thought produces speeds and slownesses and is itself inseparable from the speeds and slownesses it produces. There is a speed of the concept, there is a slowness of the concept. What is that? Well, fine. What do we usually call “fast” or “slow”?

What I’m saying there is very loose (libre). This is to make you want to go read this author. I don’t know if I’m succeeding; maybe the result will be the opposite. I’m not yet producing word-by-word commentary. I sometimes do that, like [omit: as] I just did but, [Pause] you understand me.

What do we usually refer to in saying about something, “It’s going fast, it’s not fast”, “It’s slowing down, it’s rushing, it’s speeding up”? We are saying that about bodies. We are saying that about bodies. And I already told you – with the condition that I only comment on it later — that Spinoza has a very extraordinary conception of bodies, that is, a truly kinetic (cinétique) conception. Indeed, he defines the body, each body, and much more. He makes the individuality of the body depend on it. The individuality of the body for him, of each body, is a relationship of speeds and slownesses between elements, and I have emphasized, between unformed elements. Why? Since the individuality of a body is its form, and if he tells us the form of the body — he will himself use the word “form” in this sense — the form of the body, it is a relation of speeds and slownesses between its elements. The elements must have no form, otherwise the definition would make no sense. So, this has to be unformed material elements, that have no form by themselves. It will be their relation of speeds or slownesses that will constitute the form of the body. But, in themselves, these elements between which the relationships of speeds and slownesses are established are formless, unformed, unformed and informal. What I mean here, I will consider later. But for him, that’s what a body is.

And I was saying to you a table, [Deleuze smacks the desk] well, that’s what it is. Fine, think of physics. Physics will talk to us [of] a system of molecules moving in relation to each other, a system of atoms. This is [Arthur] Eddington’s desk, the physicist’s desk. Fine. And [Spinoza] has this vision. Again, it is not at all that he anticipates atomic or electronic physics. That’s not it. That’s not it. It’s this: as a philosopher, he has a concept of the body of the kind that philosophy produced at that era, a determination of the body that physics with entirely different means will discover or produce on its own account. These things happen all the time.

And so, it’s very odd, because it makes me think of some of Spinoza’s particularly beautiful texts. You will find, for example, you will find at the beginning of book III of the Ethics, [where] Spinoza really proposes some things that look like… [Deleuze does not finish this] Last year I tried to discover or indicate — not discover, I did not discover – certain relations between a philosopher’s concepts and kinds of cries — basic cries, kinds of cries, kinds of cries in thought.[4] And well, that’s how it is from time to time, there are cries emerging from Spinoza. This is all the more interesting since, yet again, this philosopher is one who exudes an image of serenity, so it’s odd.

When does he start crying out? He cries out a lot precisely in the scholia, or else in the introductions to a book. He does not shout in the proofs. A proof is not a place or a site where you can cry out. And what are Spinoza’s screams? I’ll quote one. He says — he’s talking about the little baby, the sleepwalker, and the drunkard – There we are, there we are. Ah! The little baby, the sleepwalker, the little baby on all fours, the sleepwalker who gets up at night while sleeping and who’s going to murder me, and then the drunkard who launches into a big speech. Fine. And [Spinoza] says — sometimes he’s very funny, you know, he has a Jewish humor, Spinoza — he says: “Oh! In the end, we do not know what the body can do.” We don’t know what the body can do. So there, in your reading, when you come across this kind of sentence in Spinoza, you must not move on as if … First, you have to laugh a lot; these are funny moments. There is no reason why philosophy should not have its very own comic. “We don’t know what the body can do”. See a baby there crawling; see an alcoholic talking to you who is completely drunk, and then you see a sleepwalker passing by there. Oh yes! It’s true, we don’t know “what the body can do.”

After all, this is a rather special preparation for another cry that will reverberate long afterward and that will be similar but more contracted when Nietzsche exclaims, “How astonishing the body is.” Which means what? This is a reaction to certain philosophers who say: listen, just drop the soul, consciousness, etc. Instead, you should first try to see “what the body can do”. What is… You don’t even know what the body is and here you come talking to us about the soul. Well, no, you just need to move on.

Fine, what does he mean here? How astonishing the body is, the other [Nietzsche] will say. And Spinoza already says, literally, “You don’t yet know what the body can do.” They certainly have some idea if they are saying that. It’s odd, they are proposing to us a “model” of the body; obviously, it’s quite mean for the other philosophers who still have not stopped talking about consciousness and the soul. They are saying, and after that – when they treat Spinoza as being materialist, saying, “that’s just materialism!” – of course, this isn’t literal; he also never stops talking about the soul, but how does he speak about the soul? He speaks about it in a strange way, and it’s quite comprehensible about the soul and its relations with the body; he has a doctrine that will be known by the name – he didn’t create the term – that will be known by the name of parallelism. And what is parallelism? I am saying that it’s odd because this isn’t his term, but comes from Leibniz who uses it in a completely different context, and yet this term suits Spinoza quite well.

Let’s get back to his basic ontological proposition, his basic ontological proposition, which finally is Being — it includes several articulations. First of all, “Being is substance, but absolutely infinite substance, having, possessing” — there I leave a word very vague – “all the attributes,” absolute substance possessing all the infinite attributes. For reasons that we will see later, it turns out that “we”, who are not absolute substance, we only know two attributes; our knowledge is only of two attributes: extension and thought, and in fact, these are attributes of God. There are many “whys” in all this, but this isn’t what I am dealing with at the moment; we will see it later. Why are extension and thought attributes of God? I am mentioning it to you in passing, but it’s not what I’m dealing with today. That doesn’t prevent absolute substance from having an infinity of attributes; it doesn’t have merely two. We only know two of them, but it has an infinity.

What are we? We are not substance. Why? Here we’ll completely fall right back into a problem that I already tried to raise the last time, in the previous classes.[5] If we also were substance, substance would be understood in at least two senses; it would be understood in several senses. It would be understood in a first sense: God, the infinite substance. It would be understood in a second sense: Me, finite being. In fact, in the first sense, God, the substance, this would be something like that which exists through itself. But if I were a substance, it would be in a very different sense since I do not exist through myself, being a finite creature, being a finite being. I exist, let us assume, through God. I do not exist through myself. Thus, I am not substance in the same sense as God is substance.

Third sense: if my body itself is “substance”, it’s in yet another sense since the body is divisible, whereas the soul is not supposed to be so, etc. In other words, understand: if I am substance, it’s quite simple. I am only substance in one sense of the word “substance”, and henceforth, the word “substance” has several senses. In other words, the word “substance” is “equivocal”. It’s necessarily equivocal. “Substance” will be stated by analogy. If you recall the notions that I vaguely tried to define at the other meetings, “substance” will be stated by analogy since analogy is the status of the concept insofar as it has several senses: this is equivocity. “Substance” will be an equivocal term, having several senses. These senses will have relations by analogy. “Just as God only needs the self to exist”, first sense of substance, “me, finite being, I only need God in order to exist,” second sense. There is analogy between the meanings, and at that point, “substance” is an equivocal term.

See, in fact, Descartes says it explicitly. Descartes remains at least a Thomist despite Descartes’s ruptures with St. Thomas [Aquinas]. He absolutely remains a Thomist on a fundamental point, to wit: Being is not univocal. In other words, there are several senses of the term “substance,” and as Descartes says, here employing vocabulary from the Middle Ages, substance is expressed through analogy. Notice what these mysterious terms mean, in fact; they mean something quite rigorous.

We’ve seen this, so I won’t go back over it; we’ve seen that, on the contrary, Spinoza develops, deploys the fixed plane of the univocity of Being, univocal Being. If Being is substance, it is absolutely infinite substance, and there is nothing other than this substance. This substance is the only one, in other words, the univocity of substance, no other substances than absolutely infinite Being, that is, no other substance than Being insofar as it is Being. Being insofar as it is Being is substance. That immediately implies that nothing else may be substance. Nothing else? What else is there than Being? We’ve seen this at the previous meetings, and this is perhaps the departure point for the ontology we were looking for. So, maybe we are going to have a possible answer to our question!

What else is there than Being, than Being insofar as it is Being, from the viewpoint of ontology itself? We have seen this from the start: what there is other than Being insofar as it is Being, from the viewpoint of ontology itself, is what Being is expressed of, that is, be-ing (l’étant), the existent. Being is expressed of what “is”, of be-ing, of the existent. Notice the immediate consequence, what is: be-ing is not substance. Obviously, this is scandalous, scandalous, from a certain viewpoint, scandalous for Descartes, for all of Christian thought, for the entire thought of creation. That which is, is not substance.

So what is it? We no longer even have any choice! What “is” is neither substance, nor attribute since substance is Being. Attributes are the elements of Being. All the attributes are equal; there’s no superiority from one attribute to another. And, in fact, you indeed notice that Spinoza fully deepens his opposition to an entire philosophical tradition, the tradition of the One superior to Being. What he is going to create is philosophy. I believe that it’s almost a Spinozan characteristic, the most anti-hierarchical philosophy that has ever been created. There are few philosophers who, one way or another, either explicitly state or even suggest, at least in general explicitly state, that the soul had greater value than the body, that thought had greater value than extension, and all that, belonging to levels of Being starting from the One. This is inseparable; the hierarchical difference is inseparable from theories or conceptions of emanation, of the emanative cause. I reminded you [that] effects emerge from the cause; there’s a hierarchical order from cause to effect: the One is superior to Being; Being, in its turn, is superior to the soul; the soul is superior to the body. This is a descending slope.

The world of Spinoza is very odd, indeed. It is truly the most anti-hierarchical world that philosophy has ever produced! In fact, if there is a univocity of being; if it is the One which depends on Being and not Being which depends on the One, which results from Being; if there is only Being and that which is expressed of Being, and if that which is expressed of Being is in being; if Being encompasses that which is expressed of [Being], containing it from the point of view of immanence, in a certain way that we will have to determine, [then] all beings are equal. I simply leave a blank space: all beings are equal, as what? From what point of view? As what? So, what does that mean, a stone and a sage, a pig and a philosopher, all are of equal value? It’s enough to state “as what”. Of course, they’re of equal value. As existence, they’re of equal value; they’re equal. And here, Spinoza will never give up on that. He will say it formally, the wise man and the madman, there is indeed a point of view, an “insofar as”, in which one sees quite evidently that one is not superior to the other. That aspect is very odd, very astonishing! I’ll try to explain it, but I don’t pretend to explain it yet, right?!

So fine, Being, unequivocal Being, is necessarily an equal Being. It’s not necessarily that all be-ings (étants) are equal, but that Being, Being is stated equally of all be-ings; Being is expressed equally of all that is, whether a pebble or a philosopher, eh! In any case, Being has only one meaning. A great idea, right?! But just having the idea is not enough. One must build the landscape in which the idea works, and he knows how to do it, Spinoza! And univocal Being is necessarily a lost being. Never has anyone advanced farther the criticism of all hierarchy. Extension is like thought; it is an attribute of substance, and you cannot say that one attribute is greater than the other: perfect equality of all attributes.

So, simply put, if there is perfect equality, what must be done? What does parallelism mean? We are modes, right? We are modes; we aren’t substances, that is, we are manners of being, we are modes, which means manners of being. We are manners of being, we are modes. In other words, what is Being expressed of? It is expressed of the be-ing, but what is the be-ing? The be-ing is the manner of being. You are manners of being, that’s what it is! You aren’t persons; you are manners of being, you are modes. Does that mean, as Leibniz pretended to believe, as many commentators have said, that in the end, Spinoza didn’t believe in individuality? On the contrary, I believe that there are few authors who have so greatly believed in and grasped individuality, but we have the individuality of a manner of being. And you are worth what your manner of being is worth. Oh! All that is really funny!

So, am I a manner of being? Yes indeed, I am a manner of being. That means a manner of being, a mode of being. A manner of being is a mode of being. I am not a substance. You understand, a substance is a person. Well no, I am not a substance. I am a manner of being. Maybe this is a lot better! We don’t know! So, necessarily, I am a being since I am a manner of being. Necessarily, there is immanence, there’s the immanence of all manners of being. [Spinoza] is in the process of creating a thought, but we realize at once, well obviously, finally we realize, if that appeals to you, you realize, quite obviously, he’s right, but this story is completely twisted. It’s quite astounding! He’s introducing a completely strange aspect of this! Try for a moment to think of yourself in that way! You have to repeat it over and over: No, no, I’m not a substance; I’m a manner of being. Eh? Yeah, so fine! A manner of what? Well yeh, a manner of being. Huh! So, does a manner of being endure, having a personality, an individuality? Maybe it has no personality, but a manner of being has a very strong individuality, a manner of being.

So, what are the consequences of that? Well, that means that I am within. What am I within? I am within the Being of which I am a manner. And someone else? Someone else too, is within the Being of which he/she is a manner. But then, if we get in a fight, are these two manners of being that are fighting? Yes, these are two manners of being that are fighting. Why? No doubt they are not compatible. Why? Maybe there is an incompatibility of speeds and slownesses. Huh! Why am I bringing back speeds and slownesses? Because manners of being or a manner of being, a mode of being, that’s what it is! That’s what it is! It’s a relation of speed and slowness; these are relations of speed and slowness on the fixed plane of absolutely infinite substance.

Okay, well fine, if that’s a manner of being, okay; we’re going forward a little bit here — and I’m nothing else! I’m a relation of speed and slowness between the molecules that compose me. What a world! One must think that obviously, every believer, every Christian, jolted upright when he read Spinoza; he said, but what is that? Even every Jew, I don’t know … Any man of religion. [Spinoza] kept going on, without any worries. He kept going on.

So then, what manner of being am I, what way of being, if I am a manner of being? We will say, it is not complicated! So there, you understand, I have a body and a soul; there he seems to say, he seems to fall back as well, stepping on everyone. I have a body and a soul. Finally, we’ll discover, he is saying something like everyone else; this is not going to last long. He says: this is very true, I have a body and a soul, and I even only have that! And there, from one perspective, this is annoying. It’s annoying since there’s an infinity of attributes of absolute substance, and I simply have a body and a soul.

And in fact, what is it a body? A body is a mode of extension (étendue). A soul is a mode of thought. Maybe here, there is already an answer or an initial answer to the question: why, of all the attributes of absolute substance, am I familiar with only two of them? This is a fact. This is the fact of my limitation. This is how I am made. You will say to me: if you are made, you are a substance. No, I’m made as a manner. Well, I am made in the following way: Body and soul, that is, I am both a mode of extension through my body and a mode of thought through my soul. That is, my soul is a way of thought; my body is a manner of extending, of being extended.

So, in the attributes with which I’m not familiar, whose names I can’t even say, since there’s an infinity of them, there are other manners of being. There, there is the whole domain of a broad Spinozist science fiction, of what’s happening in the other attributes that we do not know. But fine, he’s very discreet about it. He says, apart from that, one can’t say anything. There is a fact of the limitation of knowledge. I only know two of its attributes, because I myself am a mode of extension and thought, period, that’s all. But the attributes are strictly equal. This is how, you see, that hardly has he said — like everyone else — I have a body and a soul, than he’s already said something different from everyone else: I am the double mode of the two attributes with which I’m familiar. I am a body, I am a soul, but all attributes are equal, no superiority of one attribute over another. So, you will never be able to say that my body is less than my soul, no. Moreover, it is strictly the same, it is the same manner of being. My body and soul are the same manner of being. Why?

There, I’m going too quickly, but I’ll clarify. There, you can have in a flash the deepest vision of thought, one of the deepest thoughts of Spinoza, to wit: yes, how are my body and my soul distinguished? They are distinguished by the attribute they imply: the body is the mode of extension; the soul is the mode of thought. That’s the distinction between soul and body. They are distinguished by the attribute they imply. These are two modes, two manners of being of different attributes, but the attributes are strictly equal. As a result, at the very moment when I say I have a soul and I have a body which are distinguished by the attribute to which they refer, I am also saying, I am one. Why am I one? Because I am one through the unique substance, since all the equal attributes are attributes of a single and same absolutely infinite substance.

So, I am two modes of two attributes: body, mode of extension; soul: mode of thought, but I am a single and same modification of substance. I am single and same modification of substance, which is expressed in two attributes, in the extended attribute as body, in the attribute thought as soul. I am two through the attributes that I implicate; I am one through the substance that envelops me. In other words, I am a modification of substance, insofar as it is expressed, that is, a manner of being, a manner of being of Being. I am a modification of substance, that is, a manner of being of Being insofar as this modification is expressed as body in the attribute extended and expressed as soul in the thought attribute, such that soul and body are the same thing. It’s a single and same thing, not a substance; it is single and same manner or modification related to two distinct attributes which therefore appears as body and is body in the extended attribute and soul in the thought attribute. What a strange vision! So, that removes any possible privilege of the soul over the body, or vice versa.

And there, in a sense, it’s the first time that we can understand how an ethics is not the same thing as a morality. It is not at all the same thing as a morality, necessarily so, for a very simple reason: there is something which belongs fundamentally to morality. It is the idea of ​​an inverse reason, an inverse rule in the relation of soul and body, necessarily so, since morality is inseparable from a kind of hierarchy, if only the hierarchy of values. Something has to … There is no morality if something is of no greater value than something else. There is no morality of “everything is of the same value”; there is no morality of “everything is equal”. Strangely, I’d say, there is an ethics of “everything is equal”. And there, we will see it well later. [Spinoza] says, there is no such thing as “everything is of the same value”, of “everything is equal”. A hierarchy of values is required ​​for morality, and the simplest expression of the hierarchy of values ​​is the kind of tension, of inversely proportional relation, namely, if it is the body that acts, it is the soul that suffers, and if the soul acts, it is the body that suffers. One acts on the other and one suffers when the other acts such that the wise man’s effort is to have the body obey.

That goes so far that it is almost an axiom of all the moralities of the era, in the 17th century. For example, Descartes writes a big book called The Passions of the Soul,[6] and The Passions of the Soul begins with the following affirmation: when the body acts, it is the soul which has a passion, which suffers; when the soul acts, it is the body which has a passion, which suffers. You understand that at the point we’ve reached in Spinoza’s point of view, this proposition is unintelligible. If I am a manner of being which is equally expressed as a manner of extension and as a manner of thought, that is, as body and as soul; either my body and my soul suffer equally or else they also act equally. Never has the fate of man been better welded to the body. If my body is fast, with any nuance of speed since it can be a purely interior speed, it can be … It’s a speed, we have seen, it’s a molecular speed, it is a molecular velocity. If my body is fast, my soul is fast; if my body is slow, my soul is slow. And perhaps it’s good: sometimes my soul is slow, sometimes fast, but in any case, one will go along with the other. My soul will not be fast or slow without my body being as fast or slow.

In other words, you always have both together! You can never play your soul off of your body and your body off of your soul! Never! Both are the same manner expressed in two attributes. Thus, just forget betting on one against the other! There’s no point in trying! In the end, it will never work like that! So, I come back to this: where does this cry come from, “how astonishing the body is” which seems to contradict parallelism? You see why it’s called parallelism! In fact, two modes of different attributes, a body of extension, a soul in thought, two bodies of the different attribute, the attributes are strictly independent and equal, therefore parallel, and this is the same modification which is expressed in one mode or the other.

Fine, so how can he tell us “how amazing the body is”, which seems to construct a model of the body? “You don’t even know what a body can do”! What can … You don’t even know that! We do not know! In fact, the prodigious things that a baby, an alcoholic or a sleepwalker can do when their reason is asleep, when their consciousness is asleep — you don’t even know what a body can do! That doesn’t correspond to all that precedes! Yes, it does! That obviously corresponds quite well! [Spinoza] is telling us, you see, something very important. He is telling us: the body goes beyond the knowledge that you think you have of it. Your body goes infinitely beyond the knowledge that you think you have, obviously, since you do not even know that the body is only a manner of being of extension; that under the heading “manner of being of extension”, it is made up of all kinds of relations of speeds and slownesses transformable into each other, and you know nothing about all that, we know nothing about all that at all, he says. Even today, we can say that we know nothing about all this.

We are making progress. It’s odd, I am struck that contemporary biology develops so much within a certain Spinozism but that, we will see, we will see later. So then, so then, so then… He says: your body goes beyond the knowledge that you have of it, and in the same way — that’s what must be added — and in the same way — let’s try, since there is the parallelism, since body and soul are the same thing, and well – just as your soul infinitely goes beyond the knowledge that you have of it, all that is directed entirely against Descartes, of course. Just as with your body, you had to go through the body to understand what he meant, and thus, the statements “how amazing the body is!”, “We don’t even know what a body can do”, you see; what he means fully is: just as your body goes beyond the knowledge that you have of it, your soul and your thought go beyond the knowledge that you have of them. As a result, what will be philosophy’s task as ethics? It will be to reach this knowledge of the soul and this consciousness of the body — No! Dammit! (Non! Zut alors!) — this knowledge of the body and this consciousness of the soul that go beyond the so-called natural knowledge that we have of our body and the natural consciousness that we have of our soul. We will have to go all the way to discover this unconsciousness of thought and this unknown of the body, and the two are but one and the same. The unknown of the body … [Interruption of the recording] [1:02:07]

Part 2

… And the unknown of the body and the unconsciousness of thought. You are a manner; you are a manner of being. That means, you are an aggregate of relations of speeds and slownesses between thinking molecules; you are an aggregate of relations of speeds and slownesses between extended molecules. And all this is the unknown of the body and it is the unconscious of thought. So, fine, how is [Spinoza] going to manage all this?

Hence, I can move on to a second problem. [Pause] Ah yes, because my second problem imposes itself; quite obviously, it is linked. But, after all, why does he call this [book] Ethics and not Ontology, his grand book? Why call it Ethics instead of calling it Ontology? He should have called it Ontology! No! He should have called it Ethics. He surely did well. He knew what he was doing, right? He had a reason for calling it Ethics. So, if you will, it’s going to be the same problem. I will give you some relief; we’ll reset to zero. We completed an entire segment during the previous two meetings, and here, we’ve just completed an entire first segment on ontology, moving to a second segment: why does Spinoza call this ontology the Ethics?

Fine, and here too you sense that we are going to fall right into the problem: is an ethics the same thing as a morality? Does this amount to the same thing? If it doesn’t come down at least to the same thing, to some extent wouldn’t ethics be the only way that ontology has something to tell us about how to live, how to act? Whereas morality isn’t what this is. Perhaps morality still implies – but we’d have to see why – perhaps morality still implies the position of something superior to Being. Perhaps a morality is inseparable from the position of the One superior to Being, to the point that if one believes in or if one creates ontology, Being insofar as it is Being, or the One far from being superior to Being, [this] is, on the contrary, a derivative (dérivé) of Being. Only here, it can no longer have any morality. But in what way?

So here we are. I’d like to begin with a story that is not difficult, but I’d like to consider it quickly for itself. It seems to me, all the morality, all the morality of the 17th century – no, I would say from Plato to the 17th century, what could have happened after? We will see all that. My expressions, you correct them by yourself. – For a long time, morality consisted, in a certain way, in telling us, what? In telling us, what? Well, evil is nothing! Evil is nothing. And why was that morality? First, we were not told: above all, do good. We were first told: evil is nothing. Strange! What is this optimism? Is this optimism? So, what then, what? It occurred that these philosophers have to be some kinds of blissful optimists to be saying: is evil nothing? What did they mean? There were all the misfortunes in the world. And then, these guys kept saying evil is nothing. So, I would like to reflect on this. You see, we are restarting from zero. What did they mean, all these people who were saying, “evil is nothing”, since Socrates spent his time saying that?

So yes, misfortune existed. Evil always had two forms: misfortune and wickedness, the evil of the unfortunate and the evil of the wicked. And this was not lacking from the Greeks onward, the wicked and the unfortunate. And moreover, at first glance, what is the reason for there being evil? The reason there is evil at first glance is that the wicked and the unfortunate are not the same. Well, if the wicked and the unfortunate were the same, evil would indeed be nothing; it would destroy itself. The scandal is that the wicked are not necessarily unfortunate, and the unfortunate are not necessarily wicked. It happens from time to time, but not often enough. [Laughter] In other words, if the wicked were unfortunate and the unfortunate wicked, evil would destroy itself; there would be auto-suppression of the evil. That’s great.

There’s an author who, late in life, considered this. He said:  well no, you can’t do anything else. The law of the world is that the wicked are happy insofar as they’re wicked and the unfortunate innocent. He said: that’s what evil is. And he said, that’s what evil is. And lost in this vision, he was tantalized by it.  This is the Marquis de Sade, hence the two great titles, right, of de Sade’s two great novels: The Misfortunes of Virtue and The Prosperities of Vice. There would be no problem of evil if there was not an irreducibility between the wicked man who was happy by himself and the innocent man who was by himself unhappy. For it’s her virtue that keeps making Juliette — is Juliette the nice one? [Students whisper “yes”] — that keeps making Juliette unhappy.  — It’s Justine? No, she’s wicked, Justine. So, fine.

It is no coincidence that Socrates himself already, in the Platonic dialogues, never ceases to introduce a series of propositions which, at first sight, seem feeble to us and which consist in saying: basically, the wicked man is basically unhappy and the virtuous man is basically happy. Of course, it doesn’t show, it doesn’t show; it doesn’t show, but he says: “I will prove it to you “. He’s going to prove it. I emphasize why I am making this long and also somewhat feeble parenthesis: it is to have you sense that, in a certain way, one should not assume people are morons — that would be my plea — and when very serious philosophers say, “Evil is nothing, only the wicked man is unhappy”, they may have a very bizarre idea in mind and such an idea that they are delighted if they are told: “but you’re a dreamer!” Maybe we are wrong about what they’re up to. Perhaps at the very moment when they are saying that, they are very singularly diabolical because you can’t think that Socrates believes in his thing. That’s not what he believes in. He does not believe that the wicked are unhappy insofar as they are wicked. He knows that it doesn’t happen like that.

So, my question is — that’s why I am saying let’s not take Socrates for an idiot — we’re going to ask: but why does he tell us that? What is he up to in order to tell us that, when obviously that’s not how things are? One must not imagine Socrates so lost in ideas and in the clouds that he believes that the wicked are unhappy. The Greek city abounds with very happy villains. So, does he mean they will be punished afterwards? Yes, he says it like that. He says it splendidly; this is how he even invents myths. But no, no, no, that’s not it. What does he want? What is he looking for? Do you already sense it?

He projects a kind of cry: “So, evil is nothing”. But he throws out a kind of provocation in a way that the fate of philosophy is at stake within this. Literally, I would say: they’re playing the fool, playing the fool. Playing the fool has always been a function of philosophy. The fool, in what sense? In a sense that really comes from the Middle Ages, when the theme of the idiot is constant, for the Russians, I mean, for Dostoyevsky, for a successor of Dostoyevsky who died not too long ago, namely [Léon] Chestov. However, this doesn’t form a tradition; Chestov doesn’t recognize himself in Descartes.

But I am trying to trace this tradition very quickly; I am not tracking it from the beginning. — Here, if someone had ideas on this, it would be very good, even randomly within the readings. Research surely has been done on this, but I have not had the time. — I randomly refer to Nicholas of Cusa, a very, very important philosopher; he was also Cardinal. Nicholas of Cusa is a very, very important man of the Renaissance, a very great philosopher. Cardinal of Cusa introduces the subject of the idiot, and in what sense? It has a very simple meaning: It is the idea that the philosopher is the one who has no knowledge at hand and who has only one faculty, natural reason. The idiot is the man of natural reason. He possesses nothing but a kind of natural reason, natural light, you see, as opposed to the light of knowledge and also as opposed to the revealed light. The idiot is the man of natural light. So, it starts by being Nicholas of Cusa.

Descartes will write a little text which is, in fact, hardly known, but that is in the complete works, in which contains the idiot in its title and which is an exposition of the cogito. And in fact, when Descartes introduces his great statement, “I think therefore I am”, in what way is this an idiot’s expression? It is presented by Descartes as the idiot’s expression because this is the man reduced to natural reason. And in fact, what does Descartes tell us literally? He tells us: “I cannot even say man is a reasonable animal.” He says this verbatim; I’m not interpreting. He tells us: “I cannot even say man is a reasonable animal, as Aristotle said, because to be able to say ‘man is a reasonable animal’, we would first have to know what ‘animal’ means and what ‘reasonable’ means. In other words, the phrase ‘reasonable animal’ has explicit assumptions that must be clarified. And I am incapable of doing it.”

And Descartes adds: “I say, I think therefore I am.” Ah, well? The opponent would be quite ready to say: well say, you don’t have any problem with that, do you, because when you say “I think therefore I am”, you have to know “to think” means, what “to be” means. I think; I am. What does it mean: I? Here, Descartes becomes very, very odd, but these are the best pages of Descartes, it seems to me. He becomes very subtle because he says: “No, it’s not the same at all, not at all the same.” Here’s why it’s not the same: it’s because, in the case of “reasonable animal”, there are explicit presuppositions, namely, you aren’t obliged to know what animal and reasonable mean, whereas when I say “I think therefore I am”, Descartes claims, it is quite different. There are many presuppositions, but there they are implicit, namely, you cannot think without knowing what it means to think; you cannot “be” without at least confusedly knowing what it means to think; you cannot “be” without knowing at least confusedly what it means to be. You sense it from a feeling that would be the feeling of thought. In other words, “reasonable animal” refers to explicit presuppositions on the order of the concept; “I think therefore I am” refers only to implicit presuppositions on the order of feeling, of inner feeling.

This is very, very odd, this… This interests me, all the more so since modern linguistics rediscovers this distinction between explicit presuppositions and implicit presuppositions. They are Cartesian without knowing it; it’s very, very odd. There is a linguist named [Oswald] Ducrot today who is creating an entire theory from the distinction between explicit presuppositions and implicit presuppositions. No matter. Look at the idiot: he is the man of implicit presuppositions. That’s it, reason as a natural function, natural reason. You cannot think without knowing what it means to think, even confusedly. So, you don’t have to explain yourself. Descartes said: I don’t have to explain what it means “I think therefore I am”; everyone experiences it in himself, whereas what “reasonable animal” means, that’s written in books, and the idiot is the opposite of the man of books. The man of natural reason is the opposite of the man of learned reason, such that the cogito will be the idiot’s statement.

So, this topic of the Idiot is entirely grounded in a Christian, philosophical tradition which is the tradition of natural reason. So, by what means — since it continued throughout the West; it does belong to Western tradition — by what means does it emigrate to Russia to be pushed to the climax and to take on a new look, [Pause] a new look obviously favored by Russian orthodoxy, by Russian Christianity? So, there I have all kinds of links that I am missing about the comparison between the subject of the Russian idiot since the idiot is a truly fundamental figure of Russian literature, not only in Dostoyevsky. And there too, in a way, the character of Dostoyevsky, whom Dostoyevsky will call “the Idiot”, he precisely is much more dramatic than Descartes’s idiot, of course, his illness etc. But he retained something of that, the power of natural reason reduced to itself, so reduced to itself that [reason] is ill. And yet it retained some bolts of lightning. The prince, the idiot, he knows nothing. But he is the man of implicit presuppositions. He understands everything. This figure of the idiot continues to say: “I think therefore I am” at the very moment when he is rather mad, or distracted, or a bit enfeebled.

But Descartes already agreed to pass for someone feeble. What is it with these philosophers, wanting to play at being the moron? It’s very odd as a business already. They oppose this philosophical feebleness to philosophy since Descartes opposed that to Aristotle. He says: “No, no, I am not the man of knowledge, I know nothing”, etc. Socrates said it already: “I know nothing, I am the idiot and the utility idiot (idiot de service)”. Why? What do they have in mind? Okay then, what does he want?

I am starting over. What does Socrates want when he says: “Ah, you know … but yes, look carefully: there’s only the wicked man that’s unhappy.” He poses a kind of paradox, the auto-suppression of evil. We have to see: if the wicked are unhappy, there is no more evil. But why would there be no evil or no longer any evil? “Evil is nothing”! What does that mean? There we are; that means: you think you’re so clever. You talk about evil, but you can’t think of evil. If philosophers meant that, that would be interesting. In the end, that would be interesting. You cannot think that. Why would a philosopher need to say that? You can’t think of evil. And I’m going to show you that you can’t think of evil. “Evil is nothing”, that wouldn’t mean that evil is nothing. That would mean evil is nothing from the point of view of thought. You cannot think it. It is a nothingness. Might as well try to think nothingness.

In Socrates’s texts, or rather Plato’s, the subject, “evil is nothing,” traverses two levels, a grand objective level and a subjective level. Evil is nothing objectively; what does that mean? It means: all evil comes down to deprivation, and deprivation comes down to negation. So “evil is nothing” is a pure negation. Evil is not. In fact, there is no being of the negative. There is no being of the negative.

There, this is very simple. It is very simple and very difficult at the same time. This reduction, you understand, of evil or of contradiction, if you will, to deprivation and of deprivation to simple negation.

Let’s suppose [that] he does that, he develops his thesis. And subjectively, evil is nothing; what does that mean? Subjectively, it means — and here Socrates develops all his talent — he says: “Well, yes, listen, I’m going to show you through dialogue.” He brings in a wicked man. He says to him, “You want to kill, right?” The other said, “Yes, yes I want to kill. [Laughter] I want to kill everyone”. “Ah”, says Socrates, “Fine, you want to kill everyone. But why do you want to kill everyone?” Then the wicked man says: “Because it makes me happy. Like that, it makes me happy, Socrates, I want to. It makes me happy.” “Ah, you want to. But pleasure, tell me, wicked man, is it good or is it bad?” Then the wicked man says: “Obviously it is good, it feels good.” [Laughter] And Socrates says: “But you’re contradicting yourself! You’re contradicting yourself because what you want is not to kill everyone. Killing everyone is a means. What you want is your pleasure. It happens that your pleasure is to kill everyone, fine. But what you want is your pleasure. And you told me yourself, pleasure is good, so you want good. You’re simply fooling yourself about the nature of good.” [Laughter] So the wicked man says: “Socrates, nobody can talk with you!” [Laughter] See, it’s extremely simple.

The wicked man, subjectively, is someone who is in error, and this is going to be very important for us, this expression, “the wicked man.” Hence Socrates’s expression: “No one is voluntarily wicked,” which means, by definition, all will is will of a good. There are simply some who are in error about the nature of good, so they are not voluntarily wicked. They are seeking good. He says: “I am seeking ‘my’ good.” But Socrates says: “You are right. You must seek your good. Obviously, it is your good. So, for you, it is murder, very good, but it’s always good, your good. So, then, you can’t be seeking evil.” Then, the wicked man goes mad. Socrates hopes that, in this way, he will himself be destroyed, but in the end, that only works at a certain level.

So, you see? What do I already understand about this? It’s that this philosophy tells us: evil is nothing, which tells us this in two modes, on two registers: objectively, evil is pure negation, there is no being of the negative; and which tells us subjectively: you will not be able to want evil because it is contradictory. You can only want something good. No one is willfully wicked. What are they doing? What are these philosophers already slogging through? No, not slogging. They already entered into what element? They’re in the element of judgment.

In fact, the wicked man is the one who judges badly. The whole philosophy will be brought into the system of judgment, and perhaps that’s what philosophy first invented, even if it’s going to be ruinous, catastrophic, I don’t know here. I am making no value judgment. I believe that philosophy was born with a system of judgment. And the wicked man is the one who judges badly. And the philosopher may be a fool, but he is good because he claims to judge well.

Let’s suppose — I’m still far from being able to say what I would like to have you feel; it takes so many words to come up with a tiny little feeling – fine, what does it mean that philosophy would be and would merge with the constitution of a system of judgment? Perhaps it was for better or for worse. Perhaps that’s what certain philosophers then tried to shake off and to escape, philosophy as a system of judgment, a judgment without sanction. Philosophy has never hurt anyone, but it is true that philosophers have not stopped judging. What is it that authorized them? No doubt by the fact that they were the ones who invented the system of judgment. They had made a system out of judgment. Why and how? What does that mean? There I tell you almost the substance because these are extremely simple things. But I am so unhappy, I am so dissatisfied with what is generally said about the origin of philosophy, and including the Hellenists, Heideggerians, etc., that I am trying to work this out on my own account.

Here’s what I would like to say: it seems to me that philosophy has always started by taking a very curious form that it will never abandon, namely, the paradox, the paradox. The philosopher is a guy who arrives and, in a sense, he’s a good for nothing; it’s true. It’s… Imagine, in the Greek city, the philosopher: he walks onto the public square; he is always ready, he is always ready to chat. “Ah well, where are you going?”, it’s Socrates who begins: “where are you going?” “What is happening to you?” And then the conversation begins. But it is not just any conversation: we will call the philosophical conversation one in which the paradox emerges that designates a certain power. A certain power or a certain impotence? And what is the paradox at the simplest level? Really, here I am saying rudimentary things; I am not wondering about what the paradox is. I’m looking for a little common thread.

And I believe that the paradox at the simplest level consists in saying to you: “there is something which ‘is’ and, at the same time, you cannot think it. Go work this out”. X is, and yet, what a wonder, admire that: It is unthinkable. In technical terms, I would say: the paradox is a proposition that consists in posing the unthinkability of a be-ing [étant]. This would be a good definition of the paradox. That, the philosopher does not say; it is not. You have to be there; the commentators are really lamentable.

I’m choosing an example, an example apparently different from what I’m discussing, but it’s the same thing. For example, there is a famous paradox from one of the first philosophers who called themselves philosophers. Moreover, he is considered to be the inventor of dialectics, it is Zeno. There are two Zenos: there is Zeno the Stoic and Zeno of Elea. I’m talking about Zeno of Elea, disciple of Parmenides, the one who said: “Being is,” so there we are, the founder of ontology. Zeno creates some famous paradoxes concerning movement, and he explains that Achilles, for example, can’t catch the tortoise. He explains that the arrow cannot hit the target. In other words, Zeno is an idiot. That’s what it is to be an idiot. So, he explains: the arrow cannot reach the target, cannot find the target, nor can Achilles catch the tortoise. You recall how he explains it: he divides Achilles’s path or the arrow’s arc in half. The second half, he divides it in half, etc., etc., infinitely, and there will always be a distance, however small it may be, between the arrow and the target. Similarly, Achilles jumps forth, and he covers half of his difference with the tortoise; he will have to cover half of what is left, half the rest of the rest, endlessly: he’ll never catch up with the tortoise.

You will tell me, ah fine, but Zeno has a strong Greek mathematical background. It’s very interesting. This is very interesting because it involves what the Greeks had set up as a method of exhaustion, that is, the analysis of the infinitely small. It’s less nonsense than it would seem, but in what way is this philosophy? You understand, Zeno is no idiot, nor Socrates. He’s an idiot in another way, but not in the way you would think because he knows things move. He certainly knows that Achilles catches the tortoise. He certainly knows that the arrow hits the target. He knows all that. Likewise, Socrates knows that there are wicked people.

So, what they want to tell us is something quite different: evil or movement are be-ings (étants). Only the problem is how to think about be-ing. What Zeno is trying to show is that movement as movement is unthinkable. It’s not that the movement as a movement “is not” as many commentators have him say. That’s foolish. It is that movement as movement cannot be thought. What Socrates wants to show is that evil as evil cannot be thought. Well, here it’s getting more interesting; that’s what a paradox is. A paradox states the unthinkability of a be-ing.

But why does that give them intense pleasure, these paradoxes? They are delighted. The more they were told: “But you are stupid to say that: the movement does not exist! What do you mean?”, they reply: “Ah well, whatever. How are getting along with my paradox?” Hence, the reputation that philosophers have always had for being talkative. They are not talkative; they are the quietest men in the world since they think that ultimately be-ing is fundamentally unthinkable. That can be comforting because if be-ing is unthinkable, perhaps it may be because Being itslef is thinkable, but that thinking of Being isn’t easy either. And that would be philosophy, then. But no matter, there we are. Why are they saying that? Why are they so happy? At first glance, it is not a triumph for thought, it is not a victory for thought, far from that. It cannot think movement, it cannot think evil, it cannot think anything.

What can thought think then? It will think “Being is”: Parmenides. Only justice is just. Righteous men are only righteous, second; what is truly and totally just is justice. Justice is just. We can create litanies: Virtue is virtuous, wisdom is wise. This is what Socrates does in a series of dazzling dialogues, but that infuriate everyone. A lengthy discussion occurs in order to come to the revelation: justice is just, and there is only justice that is just. There is only the being that “is”. We’d like to say: “but it really didn’t require 40 pages on that.” But yes, it did, on the contrary; 40 pages were needed since, and this is inseparable: be-ing is unthinkable.

What is thinkable? Pure ideality, the idea, the idea. But in the end, it’s not so brilliant. Why do philosophers rejoice? The less they can think of be-ing, the happier they are, the more they laugh in their own way. They annoy everyone, all that, and then they explain that you can’t think anything, you can’t think movement, you can’t think Being, no, you can’t think evil, you can’t think becoming, we can’t think everything that is the object of paradox. And they proceed to say: yes, we can think: “justice is just, being is”, etc. What are they doing? Understand! They are really fulfilling the destiny of philosophy, it seems to me, in its original emergence, namely, to constitute a system of judgment. It’s about judging everything that is.

And what is the possibility of judging all that is? Ultimately, it is to rise to the position of something which is beyond Being. We will judge what is, and we will judge Being itself as a function of something which is above Being. We fall back on the One above Being. In other words, the basic idea of ​​this whole philosophy is that Good alone, with a capital G – and this is how it produces this optimistic appearance – only Good creates Being and makes acting. Only Good makes one be objectively and makes one act subjectively. So Good is above Being. Good is One. Henceforth, we can judge all that is. It was less about decreeing as unthinkable movement [or] becoming than of submitting them to the system of judgment as a function of criteria which do not become, which are the criteria of Good, which are not in motion, etc. So Good is both reason for being (raison d’être) and reason for acting (raison d’agir). In Latin, it will become Good as ratio essendi and ratio agendi. Evil is necessarily nothing. And that’s what they mean: Evil is necessarily nothing since only the Good creates Being and creates acting. Good is above Being. This is the condition of the judgment system.

So, in the end, if you will, this is not in the name of stupid optimism. This is in the name of logic, of a logos taken to the extreme. The power of paradox is the logos. It’s not the philosopher who is optimistic; it’s logic that is. [Logic] cannot think of Evil; it cannot think of movement; it cannot think of becoming. It is much later, much later, much later that logic will make a considerable movement over itself in order to try to think evil, being, and movement… No, to think evil, movement and becoming. And the reconciliation of evil, movement and becoming with logic and with the power of logic will mark a turning point for philosophy. — [Interruption, noise from outside the class] Someone better close that door…. What did I do with my watch? What time is it? [Answers from students] Quarter past twelve. —

That will mark a very important date. Overall, we can say that the reconciliation of logic with be-ing as such, with evil, becoming, movement, what will this be? This will be high German Romanticism. This will be Hegel. At that point, logic will find a way to bring a being into accord with the negative. There is a being of the negative. It will be the reconciliation of logic, if you will, and of the tragic. Up until then, logic had been incurably optimistic and in the service of good. So fine, here’s what I would like to say, and I would like to finish quickly because you have had enough, but I don’t know what… Ah, yes, right…

Finally, here’s what I mean: well yes, I seemed to have given up on Spinoza completely. Now is the time or never to come back to this. I’m going to ask you, how does he fit into all this? I seem to be creating a history of philosophy that goes off in all directions. And it’s very odd because Spinoza keeps telling us, like everyone else at the time, evil is nothing. He doesn’t stop. He constantly tells us evil is nothing, objectively and subjectively: objectively because the opposition comes down to deprivation, and deprivation comes down to negation. There is no being of the negative; subjectively because the wicked man is a mistake; wickedness is a mistake. The wicked man is someone who is in error. So, he keeps telling us that.

Moreover, he treats for own account the problem of evil in an enthralling text that I spoke of last time, namely his exchange of letters with [William van] Blyenbergh and which relates solely to the question of evil. And yet, if you will then, on the first reading, one says: Yes, he is saying what we’d already been told for centuries before Socrates, what many others have said: this is the system of judgment; it’s this logic that refuses, that cannot think of evil. This is the famous paradox of logos. And then, when we read at the same time, when we read, we have a completely different impression at the same time. – [Noises from outside] They really are infuriating! (chiants) – One has a completely different impression. It’s because, in words that have been said a thousand times, Spinoza tells us something completely different, entirely different. What is he telling us?

This is what he tells us: evil is nothing! And so far, that works very well. Until then, it can be endorsed, it’s like in petitions, you know? You can sign the first sentence, and then comes the second sentence, and so there, I can no longer sign, no, no, no, that’s just not right. Well, it’s the same thing in the story that I’m telling you. Evil is nothing, who does that refer to? If we run a contest, then we answer: Who can say that? Socrates! Descartes! Leibniz! Spinoza! Fine, from there, the sentence branches off. Is evil nothing? This is a proposition that is not yet complete. If you are told evil is nothing, you must above all be careful; you wait, you wait – the sentence hasn’t ended. As it is, it’s without sense since evil can be nothing for the most opposite of reasons.

You require some directional arrows, and some people follow the first fork: evil is nothing because only Good “creates Being” and “creates acting”. That’s the road: Good, that is the One above Being. Good creates Being, that is, Being derives from Good; the One is more than Being. – [Interruption; someone leaves the room] You’re coming back, right? [Answer: Yes] – This is because evil is nothing, because only Good “creates Being” and reason for being (raison d’être) and reason for acting (raison d’agir). This is also signed Plato; it’s signed Leibniz who, moreover, completely renews the expression: “Good creates Being and creates acting”. He gives a very, very curious, and very, beautiful interpretation, but finally, it is completely within this first bifurcation.

And then, there are a certain number of the philosophers who say: “Of course, evil is nothing.” See, I am not creating limits because there are also those who say: “Yes, evil is something.” There is a being of the negative. So, there’s a lot of variety. But I’m interested in the second fork, a race of strange philosophers telling us what? They tell us: “Yes, yes, fine, evil is nothing.” They add very quickly, so that their meaning won’t be mistaken, they add: “because neither is good.” [Laughter] In other words, evil is nothing, of course, since there is neither good nor evil. This draws reactions (ça rebondit). What do they mean? These are complete madmen. There’s neither good nor evil? So what, murdering people, let’s go right ahead! Anything at all! There’s no good nor evil. It’s equality of being, yes? Okay, fine! It’s equality of being. Can we do anything at all? Well no, they say, you can’t do just anything. We answer them: “Shut up, it comes down to the same thing.” No, it doesn’t come down to the same thing; these are not the same things that I am going to defend and that the others are going to defend. They are not the same things. And then it becomes more interesting. But to defend why? What does that mean, to defend? It is a system of judgment. Ah, fine, I said one word too many. It’s not “to defend” that one must say. So, what is it?  Aaahh, we shall see, it’s a completely different world.

“Evil is nothing”, that doesn’t mean either good or evil. So, Spinoza uses — he’s very sneaky Spinoza, you see it in his philosophical loyalty, in his greatness; he speaks like everyone else to say something completely different — evil is nothing, yes, but I am the man who announces to you that there is neither good nor evil, and this why evil is nothing. And there again, long afterwards, long afterwards, it will be taken up, this will be taken up by someone who titles one of his main books: Beyond Good and Evil. And the writer who titled this main book Beyond Good and Evil is so misunderstood, like Spinoza, that he feels the need to write another main book titled The Genealogy of Morals, in which he shows that morality is, he says, something vile, but that, but that, but that, but his previous book was still misunderstood, Beyond Good and Evil.  And he proposes this expression that, I swear to you, could literally be signed by Spinoza, that corresponds to the letter of “Spinozism” which is: beyond good and evil, understand, that there’s neither good nor evil, that there is no more good than there is evil, at least that does not mean beyond the good and the bad. At least that doesn’t mean beyond the good and the bad. It means: okay, there is neither good nor evil, but there is some good and some bad. You might tell me, is that all you’re trying to say?… Just stay with me and grant me the minimum of confidence; this may well make a huge difference.

In ethics, there’s neither good nor evil; there is some good and some bad. This is exactly the link between ethics and ontology. It has neither good nor evil; that means the Good is not superior to Being. There is only Being, there is only Being. Good and evil are meaningless words. [Pause] There is no less of good and of bad whereas morality is the art of good and evil and of their distinction or of their opposition and of the triumph of one over the other. Ethics is the art of the good and of the bad and of their distinction insofar as the distinction does not overlap with that of good and evil.

So, ethics is directly connected to ontology. Moreover, I would say that [ethics] accompanies it constantly, but [ethics] is its necessary starting point, this beginning that resulted in us not being immediately able to settle into Being. This means that only the unraveling of the good and the bad can transport us to Being with the greatest speed. Ethics is the speed that transports us as quickly as possible to ontology, that is, to life within Being, hence the importance of the problem. Fine. So, what we must emphasize is the good and the bad as an introduction to ontology, namely: what is the ethical difference between the good and the bad as distinguished from the moral difference between good and evil?

There this seems very simple to me, that is, I’d just like to finish this point, just propose this point, and postpone its continuation because I have to go to vote. I’d just like to propose the analysis, I’d say, so that you might think about it; all of you, think about it. I’d like to indicate what direction I want to develop now. For me, there are two differences. There are two basic differences between morality and ethics, that is, between the art of the good and the bad and the discipline of good and evil.

I believe that good and bad imply two things which are not at all, which are even unintelligible for morality. The good and the bad imply, first of all, the idea that there is a quantitative distinction between be-ings, that is, existents. The good and the bad is the idea of ​​a quantitative distinction between be-ings, between existents, which amounts to the same, quantitative, but what quantity, what bizarre quantity? Ethics is fundamentally quantitative. And my second idea, but it’s the same, is that the good and the bad designate an opposition between, a qualitative opposition between modes of existence. See, quantitative distinction between be-ings, qualitative opposition between modes of existence. What does that mean?

From the ethical point of view, the wicked, I would say, what is it? In finishing this, I would just like to make you sense some very concrete things, not at all developed philosophically. We were told earlier, from the point of view of morality, the wicked man is someone who is in error, that is, who judges badly. He is in error about the nature of the good. He judges badly, he makes a false judgment. From an ethical point of view, I believe that the wicked, what is called the bad, is also about being false. But this is not at all the same conception of the false because in the previous case, the false was a determination of the judgment, and indeed, a judgment is false when it takes that which is not as being that which is. This table is not red, [but] I say: “the table is red”, I take it for what it is not, or the reverse. There we have the false as a qualification of judgment, the false as a qualification of false judgment.

Isn’t there another meaning of the word false? And in a sense, it’s very complicated because all the meanings get mixed together. I say, for example: So, someone gives me a gold coin, and I say: look at the first meaning of the word false. False means what? The inadequacy of the thing and the idea in the judgment. I would say : a judgment is false when there is no adequacy of the idea and of ​​the thing, and in all philosophies of judgment, the false has very often been defined like this: the true is the adequacy of the idea and of the thing, the false is the inadequacy and of the idea of the thing.

I am saying, there is a whole different meaning of the word “false” which specifically no longer concerns judgment. Someone gives me a gold coin, and I touch it, I bite it like in the movies, I bite it, it bends, or else, I take my little bottle of acid, and I say, “this is false. This piece is false. It’s counterfeit”. You will tell me, this is related to the judgment. Of course, that means, this coin has such an appearance that it will arouse the judgment in me: “it is gold” when it is not. But what I just said just now, this is the way in which the judgment system interprets the falsity of the coin, because in order for the fake gold coin to yield a judgment according to which it would be true, therefore for the false to signify here an adequacy of the object and the idea, there must have been a false precondition: it is in itself that the gold coin is false. It is not simply in relation to the judgment; it yields an erroneous judgment only because it is false in itself, it is false. False is no longer the qualification of a judgment over the thing; it is a manner of being of the thing.

I don’t pretend to say anything philosophical; I am trying to say, really, what I am saying is about feeling. I say about someone, well this guy is a phony (faux); he’s not genuine (du vrai). It’s odd; you will tell me that it is still judgmental. It’s strange because this is a kind of judgment of preference (jugement de goût). I weigh the thing; I say: this is just not right! I sometimes have this impression when facing a lie. When faced with a lie, I feel that something is wrong with this. Think of the prodigious pages by Proust, the way he assesses a lie from Albertine, something that’s rings falsely. It’s strange, what did she just say? He doesn’t even remember what she said. There is a tiny thing that makes him tell himself: “But she’s telling me a lie; this is abominable. What is she saying?” He can’t decide what it is.

So, we can always say [that] this is in the domain of judgment or prejudice. Sense that one might say, one might say: yes, a philosopher of judgment will bring it back to judgment, that is, to the relationship of idea and thing. But I am saying it’s something else as well. It is in itself that the thing is true or false. True no longer designates, true and false no longer designate a relation to the idea of ​​the thing, but true and false designate a manner of being of the thing, a manner of being of the thing in itself. It’s completely different.

Why do we risk confusing the two, true and false as qualification of judgment over the thing and the true and the false as qualification of the manner of being of the thing? We necessarily risk confusing them. I would say that the second sense of true and false is the deepest sense, it seems to me. True and false as a manner of being of the thing, the manner in which the thing exists [in relation] to Being. It can exist truly (vraiment) or falsely. It’s the ethics here that interests us, being true to Being. This is not for judging what’s true. It’s really a mode of existence, being true to Being. [It’s] very complicated. Or being false to Being.

I would say that there we have the meaning of true and false: it means authentic and inauthentic. The authentic comes from a complicated Greek word. It is really one who holds himself so as to be truly in Being. Fine, in a way, I get this impression on occasion when faced with existences: they are not authentic. Once again, this doesn’t mean having a personality; it’s a manner of being authentic and inauthentic, for example, feeling that someone is forcing themselves. You will tell me [that] to feel is a judgment. No, we will try to say a little more than that. It’s not a judgment; it’s exactly like you are weighing a letter. You toss a coin in your hand: too light, too heavy, what? Maybe we are returning to the topic of speed and slowness. Hey, he spoke too quickly, he spoke too quickly. Surely he is lying. Or else, he draws it out; he is looking for what he wants to say. That’s not right, that’s not right, it’s way too slow. It’s not working today, it’s just not working, he’s not doing well. What is this assessment? It’s like assessing the weight of things. That’s not judging. That’s not confronting the idea and the thing. It’s weighing the thing in itself. What is this?

I would say [that] this is something that’s the opposite of the judgment system. It’s like a world of tests (épreuves). A test what? Let’s return to the model of the body, “how amazing the body is”. These tests are physical-chemical. And you don’t test someone; rather, it’s someone who keeps undergoing the test.  He lacks his speed; he lacks slownesses. He’s inauthentic. On the contrary, you know, the days when everything is awful for us, from the moment we get up, we bump into things, we collide, we fall down, we slip and slide, we get yelled at everywhere. So, you get more and more mean yourself. [Laughter throughout this description] We are always in discord. These days, being in discord is a manner of being of doom; nothing works. It started in the morning, oh la la, when is this going to end? What a day! These are the days of the inauthentic. Every time I go too fast, I collide; every time I go slow, I slide. There is nothing to be done. Better go back to bed, but when I go back to bed, I don’t know what’s going on. Even there it’s awful. Nothing is going right. It’s the long complaint, the long complaint of the inauthentic. Oh la la, I’m unhappy. Nothing’s going right, fine. Like the gold coin, you stick some acid on it. Ah, this is the test! This is not a judgment, it’s a test. What can the gold coin do? We don’t know what “the body can do”. What can the gold coin do, the one I just received? It endures testing with acid; if it’s authentic gold, it endures it.

See, the physical-chemical test is opposed to moral judgment. And I would say you recognize, yes – in the end, we have to call those who think in this way immoralists — they make a distinction between authentic and inauthentic. That does not at all obscure the distinction between good and evil. It’s a completely different distinction. It’s very different. And how do you recognize them, these authors? [End of the recording, before end of the session] [2:04:24]

 

Notes [N.B. All notes established in 2023]

[1] Despite the session starting in mid-sentence, this is the first complete session transcript based on the Suzuki recording and corresponding translation for this seminar. However, see note 5 regarding internal references to previous sessions for which no recordings exist.

[2] The corresponding Gutenberg Project text reads somewhat differently: “This is an observation which should be made at the outset, in order that we may arrive at the knowledge of such a being more quickly.”

[3] Again, the Gutenberg Project text from paragraph 75 varies significantly from this, omitting Deleuze’s key phrase: “However, if we proceed with as little abstraction as possible, and begin from primary elements — that is, from the source and origin of nature.” Deleuze seems to attribute this phrase, “as quickly as possible” to paragraph 75, whereas it’s located in paragraph 49.

[4] On the cry, see especially the Leibniz session 4 (May 6, 1980).

[5] This reference to previous sessions obviously suggests that at least two meetings took place before the 2 December 1980 session, one for which we have at least a partial transcript (25 November), the other for which neither a recording nor a transcript exists in the archives.

[6] Deleuze employs the title Le traité des passions (The Treatise on Passions).

French Transcript

Edited

Deleuze continue le séminaire avec une double problématique, celui du problème d’ontologie vis-à-vis du problème d’éthique, et comment ces problèmes très liés se chevauchent généralement à travers la philosophie, et plus particulièrement chez Spinoza. Deleuze aborde l’Éthique, Livre V et Tractatus de Intellectus Emendatione (Traité de la réforme de l’entendement), § 46, 49 et 75. Les sujets abordés sont: le troisième genre de connaissance dans l’épistémologie de Spinoza; concept et affect; continuité et discontinuité; la doctrine du Parallélisme; l’équivocité du mot substance; les modes et les attributs; le fini et l’infini; la raison naturelle; Descartes et le Cogito; Socrate; le commencement de la philosophie et le paradoxe; Zénon d’Elée; l’histoire de la logique en philosophie; et l’être du négatif. Deleuze parle aussi de l’écrivain français Romain Rolland et de son L’éclair de Spinoza; le marquis de Sade; la philosophe et théologien allemand Nicolas de Cues; et l’écrivain russe Fiodor Dostoïevski.

 

Gilles Deleuze

Séminaire sur Spinoza, Les Vitesses de la pensée

Séance 2, le 2 décembre 1980

Transcriptions: Partie 1, aucun transcripteur crédité (durée = 1:02:10); partie 2, Christina Roski (durée = 1:02:07); transcription augmentée, Charles J. Stivale

[La transcription suivante et l’horodatage se basent sur l’enregistrement disponible sur YouTube attribué à SocioPhilosophy (et aussi disponible sur le site des Deleuze Seminars et à la BNF) qui est celui de Hidenobu Suzuki. Voir aussi l’enregistrement disponible sur YouTube attribué à WebDeleuze qui suit à peu près le même horodatage.]

 

Partie 1

[Je commence avec ce problème] que j’avais comme esquissé et qui était un problème comme ça : ce problème des vitesses de la pensée et de l’importance de ces vitesses chez Spinoza, du point de vue de Spinoza lui même. Et je disais après tout, l’intuition intellectuelle – ce que Spinoza présentera comme l’intuition du troisième genre de connaissance, – c’est bien une espèce de pensée comme éclair. C’est bien une pensée à vitesse absolue. C’est à dire qui va à la fois le plus profond et qui embrasse, qui a une amplitude maximum et qui procède comme en un éclair.  Il y a un assez beau livre de Romain Rolland qui s’appelle « L’éclair de Spinoza », [1 :00] très bien écrit.

Or je disais, quand vous lirez “L’Ethique” ou quand vous la relirez, il faut que vous soyez sensible ou au moins que vous pensiez à cette question que je pose uniquement, à savoir qu’il semble bien, comme je disais la dernière fois, que le livre Cinq procède autrement. C’est à dire que dans le dernier livre de “l’Ethique” et surtout à partir d’un certain moment que Spinoza signale lui-même, le moment où il prétend entrer dans le troisième genre de connaissance, les démonstrations n’ont plus du tout le même schéma que dans les autres livres parce que dans les autres livres, les démonstrations étaient et se développaient sous le second genre de connaissance. Mais quand il accède au troisième genre ou à une exposition d’après le troisième genre de connaissance, le mode démonstratif change. Les démonstrations subissent des contractions. Il y a de toutes sortes, [2 :00] il y a des pans de démonstration qui, à mon avis, ont disparu. Tout est contracté. Tout va à toute allure. Bon, c’est possible. Mais ça, ce n’est qu’une différence de vitesses entre le livre Cinq et les autres. La vitesse absolue du troisième genre, c’est à dire du livre Cinq, par différence aux vitesses relatives des quatre premiers livres.

Je disais aussi autre chose la dernière fois. Si je m’installe maintenant dans le domaine des vitesses relatives de la pensée, une pensée qui va plus ou moins vite. Je m’explique — vous comprenez ce problème, j’y tiens parce que c’est une espèce de problème pratique — je ne veux pas dire qu’il faille mettre peu de temps à la pensée. Bien sûr la pensée est une chose qui prend extraordinairement de temps. [3 :00] Ça prend beaucoup de temps. Je veux parler des vitesses et des lenteurs produites par la pensée, tout comme un corps a des effets de vitesse et de lenteur suivant les mouvements qu’il entreprend. Et il y a des moments où il est bon pour le corps d’être lent. Il y a même des moments où il est bon pour le corps d’être immobile. Ce n’est pas des rapports de valeur. Et peut-être que la vitesse absolue est une immobilité absolue ; ça se rejoint absolument. S’il est vrai que la philosophie de Spinoza procède comme et par un étalement sur une espèce de plan fixe, s’il y a bien cette espèce de plan fixe spinoziste où toute sa philosophie s’inscrit, c’est évident que à la limite l’immobilité absolue et la vitesse absolue ne font plus qu’un. Mais dans le domaine du relatif des quatre premiers livres, parfois il faut que la pensée produise de la lenteur, la lenteur de son propre développement et parfois, il faut [4 :00] qu’elle aille plus vite, la vitesse relative de son développement relatif à tel ou tel concept, à tel ou tel thème. [Pause]

Or je disais, si vous regardez l’ensemble alors des quatre premiers livres, il me semble, à nouveau, je fais — je faisais une autre hypothèse sur laquelle je ne veux pas trop m’étendre — qui est que, dans l’Ethique, il y a cette chose insolite que Spinoza appelle des “scolies”, à côté, en plus des propositions démonstrations, corollaires. Il écrit des scolies, c’est-à-dire des espèces d’accompagnement des démonstrations. Et je disais, si vous les lisez même à haute voix — il n’y a pas de raison de traiter un philosophe plus mal qu’on ne traite un poète – [5 :00] si vous le lisez à haute voix, vous serez immédiatement sensibles à ceci : c’est que les scolies n’ont pas la même tonalité, n’ont pas le même timbre que l’ensemble des propositions et démonstrations. Et que là le timbre se fait, comment dirais-je, pathos, passion. Et que Spinoza y révèle des espèces d’agressivité, de violence auxquelles un philosophe aussi sobre, aussi sage, aussi réservé, ne nous avait pas forcément habitués. Et qu’il y a une vitesse des scolies qui est vraiment une vitesse de l’affect, par différence avec la lenteur relative des démonstrations qui est une lenteur du concept, [6 :00] comme si dans les scolies des affects étaient projetés, alors que dans les démonstrations des concepts sont développés.

Donc ce ton passionnel pratique – or, peut-être qu’un des secrets de l’Ethique est dans les scolies — et j’opposais à ce moment-là une espèce de chaîne continue des propositions et démonstrations, continuité qui est celle du concept, à la discontinuité des scolies qui opère comme une espèce de ligne brisée et qui est la discontinuité des affects. Bon, supposons … Tout ça, c’est à vous de – c’est des impressions de lecture. Comprenez que si j’insiste là-dessus c’est peut-être que la forme après tout est tellement adéquate au contenu même de la philosophie [7 :00] que la manière dont Spinoza procède formellement a déjà quelque chose à nous dire sur les concepts du spinozisme.

Et enfin, je fais toujours dans cet ordre des vitesses et des lenteurs relatives, une dernière remarque. C’est que si je prends uniquement l’ordre des démonstrations dans leur développement progressif, l’ordre des démonstrations, il n’y a pas une vitesse relative uniforme, tantôt ça s’étire et ça se développe, tantôt ça se contracte et ça s’enveloppe plus ou moins. Il y a donc, dans la succession des démonstrations des quatre premiers livres, non seulement la grande différence de rythme entre les démonstrations et les scolies, mais des différences de rythme dans le courant des démonstrations successives. Elles ne vont pas à la même allure. Et là, je voudrais alors [8 :00] retrouver en plein – c’est par là que ce n’est pas seulement des remarques formelles – retrouver en plein, pour finir avec ces remarques sur la vitesse, retrouver en plein le problème de … Hé ben, presque, le problème de l’ontologie. Sous quelle forme ?

Je prends le début de l’Ethique. Comment est-ce qu’on peut commencer dans une ontologie ? Dans une ontologie, du point de vue de l’immanence où, à la lettre, l’Etre est partout, partout où il y a de l’Etre. Les existants, les étants sont dans l’Etre, c’est ce qui nous a paru définir l’ontologie dans nos trucs précédents. Par quoi et comment peut-on commencer ? — Ce problème du commencement de la philosophie qui a traîné dans toute l’histoire de la philosophie et qui semble avoir reçu des réponses très différentes. — Par quoi commencer ? [9 :00] D’une certaine manière, là comme ailleurs, suivant l’idée toute faite où on se dit que les philosophes ne sont pas d’accord entre eux, chaque philosophe semble avoir sa réponse. C’est évident que Hegel a une certaine idée sur par quoi et comment commencer en philosophie, Kant en a une autre, Feuerbach en a une autre et prend à partie Hegel à propos de ça.

Ben si l’on applique ce problème à Spinoza, lui, comment il commence, par quoi il commence ? On semblerait avoir une réponse imposée. Dans une ontologie on ne peut commencer que par l’Etre. [Pause] Oui, peut-être. Et pourtant … Et pourtant, Spinoza – le fait est – ne commence pas par l’Etre. Ça devient important pour nous, ça sera un problème. Comment se fait-il que dans une ontologie pure, dans une ontologie radicale, [10 :00] on ne commence pas par là où l’on se serait attendu que le commencement se fasse, à savoir par l’Etre en tant qu’Etre ?

On a vu que Spinoza déterminait l’Etre en tant qu’Etre comme substance absolument infinie et que c’est ça qu’il appelle Dieu. Or, le fait est que Spinoza ne commence pas par la substance absolument infinie, il ne commence pas par Dieu. Et pourtant, c’est comme un proverbe tout fait, hein, de dire que Spinoza commence par Dieu. Il y a même une formule toute faite pour distinguer Descartes et Spinoza : « Descartes commence par le moi, Spinoza commence par Dieu. » [Pause] Hé bien ! ce n’est pas vrai. Ce n’est pas vrai. Du moins ce n’est vrai que d’un livre de Spinoza et c’est un livre qui, à la lettre, n’est pas de lui. [11 :00] En effet, Spinoza dans sa jeunesse faisait déjà, suivant la méthode que je vous aie dite – la méthode des collégiants, – faisait des espèces de cours privés à des groupes de types. Et ces cours, on les a. On les a sous forme de notes d’auditeurs. Pas exclu que Spinoza ait rédigé certaines de ces notes, très obscures. L’étude du manuscrit est très, très compliquée et a toute une histoire. Enfin, l’ensemble de ces notes existe sous le titre de « Le cours traité », « Le cours traité ». Or dans “Le cours traité”, le chapitre I est ainsi intitulé : « Que Dieu est ». Je peux dire, à la lettre, “Le cours traité” commence par Dieu. [12 :00] Mais ensuite, pas du tout, ensuite pas du tout.

Et là ça pose un problème. Parce que l’on dit très souvent que l’Éthique commence par Dieu et en effet, le “livre Un” est intitulé « De Deo, » De Dieu, au sujet de Dieu. Mais si vous regardez en détail – tout ceci étant des invites pour que vous fassiez très attention à la lettre du texte – si vous regardez en détail, vous verrez que Dieu dans le livre I, au niveau des définitions n’est atteint qu’à la définition Six – donc il a fallu cinq définitions – et au niveau des démonstrations n’est atteint que vers Neuf, Dix, propositions Neuf et Dix. Il a donc fallu cinq définitions préalables et il a fallu huit propositions/ démonstrations préalables. Je peux en conclure [13 :00] que, en gros, l’Éthique commence par Dieu, littéralement, à la lettre, elle ne commence pas par Dieu. Et en effet, elle commence par quoi ? Elle commence par le statut des éléments constituants de la substance, à savoir, les attributs.

Mais bien mieux, avant l’Éthique, Spinoza avait écrit un livre, Le traité de la réforme de l’entendement.  Dans ce traité, – ce traité, il ne l’a pas achevé, pour des raisons mystérieuses dont on pourra parler plus tard, mais enfin là peu importe. Il ne l’a pas achevé. Or je lis parce que j’y attache beaucoup d’importance vous allez voir, parce que je voudrais soulever [14 :00] certains problèmes de traduction très rapidement.

Paragraphe 46 : [Pause] je lis la traduction – la meilleure traduction du traité de la réforme c’est la traduction de [Alexandre] Koyré aux éditions Vrin mais ceux qui ont la Pléiade, vous vous contentez de ce que vous trouvez, ce n’est pas grave. Paragraphe 46 – dans toutes les éditions le numérotage des paragraphes est le même ; paragraphe 46 – “si par hasard quelqu’un demande pourquoi moi même, puisque la vérité se manifeste d’elle-même, je n’ai pas tout d’abord et avant tout [15 :00] exposé dans l’ordre dû, les vérités de la nature, » [Deleuze relis la citation jusqu’ici] « je lui réponds” – et là-dessus une série de trois petits points indiquant une lacune – “je lui réponds et en même temps je l’exhorte de ne pas rejeter comme fausses les choses que je viens d’exposer à cause de paradoxes qui peut être se trouvent ça et là”.

Vous comprenez. Je dis : c’est quand même marrant. Les éditeurs, ils ne sont pas gênés et ils ont raison de ne pas être gênés — quand quelque chose ne leur convient pas, ils flanquent une lacune. [Rires] [16 :00] Là il y a l’indication d’une lacune qui n’est pas du tout dans le manuscrit. Et c’est très bizarre ! Est-ce que vous sentez ce que je veux dire ? Supposez un éditeur qui soit persuadé que Spinoza — même nerveusement persuadé — que Spinoza “doit” commencer par l’Etre, c’est à dire par la substance absolument infinie c’est à dire par Dieu. Il rencontre des textes où Spinoza dit le contraire : qu’il ne va pas commencer par Dieu ; l’éditeur à ce moment-là se trouve devant plusieurs possibilités :
ou bien dire que c’est un moment de la pensée de Spinoza qui n’est pas encore au point, c’est-à-dire que Spinoza n’a pas atteint sa véritable pensée ; ou bien conjecturer [17 :00] une lacune dans le texte qui changerait le sens de la phrase ; ou bien troisième possibilité, en un sens c’est la meilleure, trafiquer à peine la traduction.

Dans ce texte 46 — et je voudrais juste m’étendre sur ce point car cela fait partie de la critique interne des textes — dans ce paragraphe 46, Spinoza nous dit formellement : ” il y a bien un ordre dû c’est l’ordre qui commence par Dieu mais je ne peux pas le suivre dès le début. C’est une pensée claire : “il y a un ordre dû, un ordre nécessaire, c’est celui qui va de la substance aux modes, c’est celui qui va de Dieu aux choses mais cet ordre nécessaire, [18 :00] je ne peux pas le suivre dès le début”. C’est une pensée très claire ! on est tellement persuadé que Spinoza doit le suivre dès le début que quand on rencontre un texte qui ne colle pas, on présuppose une lacune, ça ne va pas, ce n’est pas bien.

Paragraphe 49, je lis – parce que là les éditeurs n’ont pas osé corriger je lis : « Dès le début donc » — fin du paragraphe 49 – « dès le début donc, il nous faudra veiller principalement à ce que nous arrivions le plus rapidement possible » – quanto ocius – « à ce que nous arrivions le plus rapidement possible à la connaissance de l’Etre. » [19 :00] Alors mon cœur bondit de joie vous comprenez. Il le dit formellement. Il s’agit d’arriver le plus rapidement possible, le plus vite possible à la position de l’Etre et à la connaissance de l’Etre, mais pas dès le début. L’ontologie aura un début : comme l’Etre est partout, il faut précisément que l’ontologie ait un début qui soit distinct de l’Etre lui-même. Si bien que vous comprenez que ça devient un problème technique pour moi, parce que ce début, ça ne peut pas être quelque chose de plus que l’Etre, de supérieur à l’Etre. Il n’y a pas. Le grand Un supérieur à l’Etre ça n’existe pas du point d’une ontologie, on l’a vu les autres fois.

Qu’est-ce que ça va être, ce mystérieux début ? Je continue mon recensement du traité. [20 :00] Paragraphe 49 –non, ça je viens de le faire ; paragraphe 75. [Pause] Non, il n’y a rien. Ah oui ! « Pour nous, au contraire, si nous procédons de la façon aussi peu abstraite que possible et si nous commençons aussi tôt que faire se peut » — en latin, aussi tôt que faire se peut … quam primum fieri potest … [21 :00] aussi tôt que faire se peut — si nous commençons aussi tôt que faire se peut par les premiers éléments, » par les premiers éléments, c’est-à-dire « par la source et l’origine de la nature. » Voyez ! Nous commençons par les premiers éléments, c’est à dire par la source et l’origine de la nature, la substance absolument infinie avec tous les attributs, mais nous ne commençons par là que “aussitôt que faire se peut”. Bon … Il y a bien… On y arrivera le plus vite possible. C’est l’ordre de la vitesse relative.

Et enfin parce que c’est le plus beau cas, paragraphe 99 où là, la traduction est trafiquée, ce qui est, il me semble, le pire ! [22 :00] Voilà ce que dit le texte traduit par Koyré et les traducteurs là, suivent Koyré ; je cite Koyré parce était un homme très prodigieux d’une science immense — je lis la traduction de Koyré : “Pour que toutes nos perceptions soient ordonnées et unifiées il faut [23 :00] que aussi rapidement que faire se peut” — on le retrouve – “il faut faire aussi rapidement que faire se peut” et Koyré traduit : “- la raison l’exige – nous recherchions s’il y a un Être et aussi quel Il est”. Voyez la traduction que Koyré donne : “il faut que aussi vite que possible – la raison l’exige – nous recherchions s’il y a un Etre » — en d’autres termes, il fait porter “la raison l’exige” sur la nécessité de rechercher « s’il y a un Être. »

C’est bizarre pour un homme qui savait le latin admirablement car le texte ne dit pas ça du tout. Je traduis le texte en mauvais français mais mot à mot : “il faut que, il est requis que aussi vite que possible et que la raison l’exige. » Voyez ce n’est pas grand-chose mais c’est énorme ; ça change tout. En latin : quam primum fieri potest et ratio postulat, aussi vite qu’il est possible et que la raison l’exige, en d’autres termes : c’est la raison qui exige que nous ne commencions pas [24 :00] par l’Etre mais que nous y arrivions le plus vite possible.

Or pourquoi ça m’importe ça ? C’est qu’alors cette question d’accord. Il y a une vitesse relative. Aussi vite que possible c’est les dix premières démonstrations de l’Éthique, du livre I. Il va aussi vite que possible. C’est ça la vitesse relative de la pensée. La raison exige qu’il y ait un rythme de la pensée. Vous ne commencerez pas par l’Etre, vous commencerez par ce qui vous donne accès à l’Etre. Mais qu’est-ce qui peut me donner accès à l’Etre ? Est-ce quelque chose qui “n’est pas”. Ce n’est pas l’Un. On a vu que ça ne pouvait pas être l’Un. C’est quoi ? C’est un problème. C’est un problème. Je dirais ma conclusion : si c’est vrai que Spinoza c’est un philosophe pour qui la pensée est tellement productrice de vitesses et de lenteurs, [25 :00] est prise elle-même dans un système de vitesses et de lenteurs. C’est bizarre ça. Encore une fois, ça va beaucoup plus loin que de nous dire, « La pensée prend du temps. » La pensée prend du temps, Descartes l’aurait dit, je l’ai rappelé la dernière fois, Descartes l’aurait dit. Mais la pensée produit des vitesses et des lenteurs et elle-même est inséparable des vitesses et des lenteurs qu’elle produit. Il y a une vitesse du concept, il y a une lenteur du concept. Qu’est-ce que c’est que ça ? Hé ben, bon. De quoi dit-on « vite » ou « lent » d’habitude ?

C’est très libre ce que je dis là. C’est pour vous donner envie d’aller voir cet auteur. Je ne sais pas si je réussis, peut-être que j’obtiens le contraire. Donc je ne fais pas encore de commentaire lettre à lettre. J’en fais parfois comme je viens d’en faire mais … Vous me comprenez.

De quoi est-ce qu’on dit « ça va vite, ça ne va pas vite », « ça se ralentit, ça se précipite, ça s’accélère » ? On dit ça des corps. [26 :00] On dit ça des corps. Et je vous ai dit déjà, quitte à ne le commenter que plus tard, que Spinoza se fait une conception très extraordinaire des corps, c’est-à-dire une conception vraiment cinétique. En effet, il définit le corps, chaque corps, et bien plus, il en fait dépendre l’individualité du corps. L’individualité du corps, pour lui, de chaque corps, c’est un rapport de vitesses et de lenteurs entre éléments, et j’insistais : entre éléments non formés. Pourquoi ? Puisque l’individualité d’un corps c’est sa forme, et s’il nous dit la forme du corps – il emploiera lui-même le mot forme en ce sens – la forme du corps, c’est un rapport de vitesses et de lenteurs entre ses éléments, il faut que les éléments n’aient pas de forme, sinon la définition n’aurait aucun sens. Donc il faut que [27 :00] ce soient des éléments matériels non formés, qui n’ont pas de forme par eux-mêmes. Ce sera leur rapport de vitesses ou de lenteurs qui constituera la forme du corps. Mais en eux-mêmes, ces éléments entre lesquels s’établissent les rapports de vitesse et de lenteur sont sans forme, non formés, non formés et informels. Qu’est-ce que je peux vouloir dire ? On remet à plus tard. Mais pour lui, c’est ça un corps.

Et je vous disais une table, hé ben c’est ça. Bon, pensez à la physique. La physique nous dira système de molécules en mouvement les unes par rapport aux autres, système d’atomes. C’est le bureau de [Arthur] Eddington, le bureau du physicien. Bon. Or il a cette vision. Encore une fois, ce n’est pas du tout qu’il précède la physique atomique ou électronique. Ce n’est pas ça. Ce n’est pas ça ! C’est que, en tant que philosophe, il a un concept du corps tel que la philosophie produit à ce moment là une détermination du corps que la physique avec de tout autres moyens retrouvera ou produira pour son propre compte. Ca arrive tout le temps ces trucs-là. [28 :00]

Et donc, c’est très curieux. Car ça me fait penser à des textes particulièrement beaux de Spinoza. Vous trouverez par exemple au début du livre III de l’Éthique où Spinoza lance vraiment des choses qui ressemblent. L’année dernière, j’avais essayé de trouver ou d’indiquer — pas de trouver, je n’avais pas trouvé — un certain rapport entre les concepts d’un philosophe et des espèces de cris — de cris de base, des espèces de cris — de cris de la pensée. Hé ben, il y a comme ça, de temps en temps, il y a des cris qui sortent de Spinoza. C’est d’autant plus intéressant qu’encore une fois ce philosophe qui passe pour une image de sérénité, curieux.

Quand est-ce qu’il se met à crier ? [29 :00] Mais il crie beaucoup justement dans les Scolies, ou bien dans les introductions à un livre. Il ne crie pas dans les démonstrations. La démonstration, ce n’est pas un endroit ou un lieu où on peut crier. Et qu’est-ce que c’est les cris de Spinoza ? J’en cite un. Il dit : il parle du petit bébé, du somnambule et de l’ivrogne … Voilà, voilà … Ah ! Le petit bébé, le somnambule ; le petit bébé à quatre pattes, le somnambule qui se lève la nuit en dormant et qui va m’assassiner, et puis l’ivrogne qui se lance dans un grand discours. Bon. [30 :00] Et il dit — parfois il est très comique, vous savez, il a l’humour juif, Spinoza. – Il dit : « Oh ! Finalement, on ne sait pas ce que peut le corps. » On ne sait pas ce que peut le corps. Là, il faut dans votre lecture, quand vous tomberez sur ce genre de phrase chez Spinoza, il ne faut pas passer comme si .. D’abord il faut beaucoup rire, c’est des moments comiques. Il n’y a pas de raison que la philosophie n’ait pas son comique à elle. “On ne sait pas ce que peut le corps”. Voyez … un bébé là qui rampe. Voyez un alcoolique qui vous parle, qui est complètement ivre. Et puis vous voyez un somnambule qui passe là. Oh oui ! C’est vrai, on ne sait pas “ce que peut le corps”.

Après tout, ça prépare singulièrement à un autre cri qui retentira longtemps après et qui sera comme la même chose en plus contracté lorsque Nietzsche lance : [31 :00] « L’étonnant c’est le corps. » Ce qui veut dire quoi ? Ce qui est une réaction de certains philosophes qui disent : écoutez, arrêtez avec l’âme, avec la conscience, etc. Vous devriez plutôt essayer de voir un peu d’abord “ce que peut le corps”. Qu’est-ce que … Vous ne savez même pas ce que c’est le corps et vous venez nous parler de l’âme. Alors non, il faut passer là.

Bon, qu’est-ce qu’il veut dire là ? L’étonnant c’est le corps, dira l’autre. Et Spinoza dit déjà littéralement : “vous ne savez pas encore ce que peut un corps”. Ils ont bien une idée pour dire ça. C’est curieux, ils nous proposent un “modèle” du corps, évidemment c’est d’une grande méchanceté pour les autres philosophes qui encore une fois n’ont pas cessé de parler de la conscience et de l’âme. Eux, ils disent et après ça — quand on traite Spinoza de matérialiste, qu’on dit, c’est du matérialisme ! – [32 :00] bien sûr, ce n’est pas à la lettre, il ne cesse pas lui aussi de parler de l’âme mais comment il en parle de l’âme ? Il en parle d’une drôle de façon et ça se comprend très bien sur l’âme et ses rapports sur le corps ; il a une doctrine qui sera connue sous le nom – le mot n’est pas de lui – qui sera connue sous le nom de parallélisme. Or le parallélisme, c’est quoi ? Je dis, c’est curieux parce que le mot il ne vient pas de lui, il vient de Leibniz qui s’en sert dans un tout autre contexte et pourtant ce mot même conviendrait très bien à Spinoza.

Revenons à sa proposition ontologique de base, sa proposition ontologique de base, c’est l’Etre, enfin — elle comporte [33 :00] plusieurs articulations — c’est premièrement : “l’Etre est substance mais substance absolument infinie ayant, possédant – là je laisse un mot très vague – tous les attributs”, substance absolue possédant tous les attributs infinis. Il se trouve pour des raisons que l’on verra plus tard que “nous”, qui ne sommes pas la substance absolue, nous ne connaissons que deux attributs, nous n’avons connaissance que de deux attributs : l’étendue et la pensée, et en effet, ce sont des attributs de Dieu. [34 :00] Il y a beaucoup de “pourquoi” là-dedans, mais ce n’est pas ce que je traite pour le moment, on verra plus tard. Pourquoi l’étendue et la pensée sont-ils des attributs de Dieu ? Je vous en informe comme ça mais ce n’est pas ce que je traite aujourd’hui. Ça n’empêche pas que la substance absolue a une infinité d’attributs, elle n’en a pas que deux, elle, nous n’en connaissons que deux, mais elle, elle en a une infinité.

Nous, qu’est-ce que nous sommes ? Nous ne sommes pas substance. Pourquoi ? Là on va retomber en plein dans un problème que j’ai déjà essayé d’agiter la dernière fois, les dernières fois. Si nous aussi nous étions substance, la substance se dirait en deux sens [35 :00] au moins ; elle se dirait en plusieurs sens. Elle se dirait en un premier sens : Dieu, la substance infinie. Elle se dirait en un second sens : Moi, être fini. En effet au premier sens : Dieu, la substance ce serait quelque chose comme ce qui existe par soi-même. Mais si j’étais une substance, ce serait en un sens très différent puisque je n’existe pas par moi même étant une créature finie, étant un être fini. J’existe supposons par Dieu, je n’existe pas par moi-même. Donc je ne suis pas substance au même sens que Dieu est substance.

Troisième sens: si mon corps [36 :00] lui-même est “substance” c’est encore en un autre sens, puisque le corps est divisible tandis que l’âme n’est censée pas l’être, etc. En d’autres termes, comprenez : si je suis substance, c’est tout simple : je ne suis substance que dans un sens du mot substance dès lors le mot “substance” a plusieurs sens ; en d’autres termes, le mot substance est “équivoque”. Il est forcément équivoque. « Substance » se dira par analogie. Si vous vous rappelez les notions que j’ai essayé vaguement de définir les autres fois, substance se dira par analogie puisque l’analogie c’est le statut du concept en tant qu’il a plusieurs sens : c’est l’équivocité. Substance sera un mot équivoque ayant plusieurs sens. Ces sens auront des rapports d’analogie. [37 :00] “De même que Dieu n’a besoin que de soi pour exister” – premier sens de substance – “moi, être fini je n’ai besoin que de Dieu pour exister” – deuxième sens. Il y a analogie entre les sens, et à ce moment-là substance est un mot équivoque.

Voyez, et en effet Descartes le dit explicitement : Descartes reste au moins thomiste quelque soit les ruptures de Descartes avec Saint Thomas. Il reste absolument thomiste sur un point fondamental à savoir : l’Être n’est pas univoque. En d’autres termes il y a plusieurs sens du mot substance et comme dit Descartes qui reprend là le vocabulaire du Moyen Âge, la substance se dit par analogie. Voyez ce que ces termes mystérieux veulent dire en fait cela veut dire des choses très rigoureuses.

On a vu, et je ne reviens pas [38 :00] là-dessus, que, au contraire, Spinoza développe, déploie le plan fixe de l’univocité de l’être, de l’être univoque. Si l’être est substance, c’est la substance absolument infinie, et il n’y a rien d’autre que cette substance. Cette substance est la seule, en d’autres termes univocité de la substance, pas d’autres substances que l’être absolument infini, c’est-à-dire pas d’autre substance que l’être en tant qu’être. L’être en tant qu’être est substance. Ça implique immédiatement que rien d’autre ne soit substance. Rien d’autre ? qu’est ce qu’il y a d’autre que l’être ? On l’a vu les dernières fois et c’est peut-être ça le point de départ de l’ontologie qu’on cherchait. Donc on va peut-être avoir une réponse possible à notre question !

Qu’est-ce qu’il y a d’autre que l’être, que l’être en tant qu’être du point de vue d’une ontologie même ? [39 :00] On l’a vu depuis le début ; ce qu’il y a d’autre que l’être en tant qu’être, du point de vue de l’ontologie même, c’est ce dont l’être se dit, c’est-à-dire l’étant, l’existant. L’être se dit de ce qui “est”, de l’étant, de l’existant. Voyez la conséquence immédiate, ce qui est : l’étant n’est pas substance. Evidemment c’est scandaleux, scandaleux, d’un certain point de vue, scandaleux pour Descartes, pour toute la pensée chrétienne, pour toute la pensée de la création. Ce qui est, n’est pas substance.

Alors c’est quoi ? On n’a même plus le choix ! Ce qui “est” n’est ni substance ni attribut puisque [40 :00] la substance, c’est l’être. Les attributs, c’est les éléments de l’Être. Tous les attributs sont égaux : il n’y aura pas de supériorité d’un attribut sur un autre. Et en effet vous voyez bien que Spinoza creuse au maximum son opposition à toute une tradition philosophique c’est la tradition de l’Un supérieur à l’Être. Ce qu’il va faire, c’est la philosophie. Je crois que c’est presque une caractéristique de Spinoza, la philosophie la plus antihiérarchique qu’on n’ait jamais faite. Il y a peu de philosophes qui, d’une manière ou d’une autre, mais ou bien explicitement dit ou bien suggéré, au moins mais en général explicitement dit, que l’âme valait mieux que le corps, que la pensée valait mieux que l’étendue et tout ça, fait partie des niveaux de l’Être à partir de l’Un. C’est inséparable ; la différence [41 :00] hiérarchique est inséparable des théories ou des conceptions de l’émanation, de la cause émanative. Je vous rappelais, les effets sortent de la cause ; il y a un ordre hiérarchique de la cause à l’effet : l’Un est supérieur à l’Être ; l’Être, à son tour, est supérieur à l’âme ; l’âme est supérieure au corps. C’est une descente.

Le monde de Spinoza est très curieux, en effet. C’est vraiment le monde le plus antihiérarchique qu’ait jamais produit la philosophie ! En effet, s’il y a univocité de l’être, si c’est l’un qui dépend de l’être et pas l’être qui dépend de l’un, qui découle de l’être, s’il n’y a que l’être et ce dont l’être se dit et si ce dont l’être se dit, [42 :00] est dans l’être, si l’être comprend ce dont il se dit, le contient du point de vue de l’immanence, d’une certaine manière qu’il faudra arriver à déterminer, tous les êtres sont égaux. Simplement, je laisse en blanc, tous les êtres sont égaux, en tant que quoi ? De quel point de vue ? En tant que quoi ? Qu’est-ce que cela veut dire alors, une pierre et un sage, un cochon et un philosophe ça se vaut ? Il suffit de dire en tant que quoi. Bien sûr, ça se vaut. En tant qu’existence, ça se vaut ; ça se vaut. Et là, Spinoza ne renoncera jamais à ça. Il le dira formellement, le sage et le dément, il y a bien un point de vue, un “en tant que”, où l’on voit de toute évidence que l’un n’est pas supérieur à l’autre. Très curieux, très étonnant, ça, ce truc là ! J’essaierai de l’expliquer, là, je ne prétends pas de l’expliquer encore, hein ! [43 :00]

Alors, bon, l’être, l’être univoque, c’est forcément un être égal. Ce n’est pas forcément que tous les étants se valent là, mais que l’être, l’être se dira également de tous les étants, l’être se dit également de tout ce qui est, que ce soit un caillot ou un philosophe, hein ! De toute manière, l’être n’a qu’un seul sens. Une belle idée, hein ? Mais il ne suffit pas d’avoir l’idée. Il faut construire le paysage où elle fonctionne, l’idée, et ça, il sait le faire, Spinoza ! Et l’être univoque, c’est forcément un être égaré. Jamais on n’a poussé plus loin la critique de toute hiérarchie. L’étendue est comme la pensée, c’est un attribut de la substance et vous ne pourrez pas dire qu’un attribut est supérieur à l’autre : égalité parfaite de tous les attributs. [44 :00]

Alors, simplement, s’il y a égalité parfaite, qu’est-ce qu’il faut dire ? Qu’est-ce que c’est, le parallélisme ? Nous sommes des modes, hein ? Nous sommes des modes, nous ne sommes pas des substances, c’est-à-dire nous sommes des manières d’être, nous sommes modes, ça veut dire manières d’être. Nous sommes des manières d’être, nous sommes des modes. En d’autres termes, l’être se dit, de quoi ? Il se dit de l’étant, mais qu’est-ce que l’étant ? L’étant, c’est la manière d’être. Vous êtes des manières d’être, c’est bien ça ! Vous n’êtes pas des personnes, vous êtes des manières d’être, vous êtes des modes. Est-ce que ça veut dire, comme Leibniz fait semblant de le croire, comme beaucoup de commentateurs ont dit, que finalement Spinoza ne croyait pas à l’individualité ? Au contraire, je crois qu’il y a peu d’auteurs qui ont autant cru et saisi l’individualité, mais on a l’individualité d’une manière d’être. [45 :00] Et vous valez ce que vaut votre manière d’être. Oh ! Comme c’est rigolo tout ça !

Alors, je suis une manière d’être ? Bien oui, je suis une manière d’être. Ça veut dire une manière de l’être, un mode de l’être. Une manière d’être, c’est un mode de l’être. Je ne suis pas une substance. Vous comprenez, une substance, c’est une personne. Eh bien, non, je ne suis pas une substance. Je suis une manière d’être. C’est peut-être bien mieux… ! On ne sait pas ! Alors forcément, je suis dans l’être puisque je suis une manière d’être. Forcément, il y a l’immanence, il y a immanence de toutes les manières à l’être. Il est en train de faire une pensée, mais on se dit à la fois, mais évidemment, en fin on se dit, si vous avez le goût de ça on se dit, bien évidemment, il a raison mais c’est tout biscornu, cette histoire ; c’est tout étonnant ! Il nous introduit dans un truc tout à fait bizarre ! Essayez de vous penser un instant comme ça ; il faut que vous le répétiez beaucoup : Non, non, [46 :00] je ne suis pas une substance ; je suis une manière d’être. Hein… ouais, Tiens ! Ah bon ! Une manière de quoi ? Bien ouais, une manière de l’être. Tiens… ! Alors ça dure une manière d’être, ça a une personnalité, une individualité ? Ça n’a peut-être pas de personnalité, ça a une très forte individualité, une manière de l’être, une manière d’être.

Alors, ça engage à quoi ? Eh bien, ça veut dire que je suis dans. Je suis dans quoi ? Je suis dans l’être dont je suis la manière. Et l’autre ? L’autre aussi, il est dans l’être dont il est la manière. Mais alors, si on se tape dessus, c’est deux manières d’être qui se battent ? Oui, c’est deux manières d’être qui se battent. Pourquoi ? Sans doute qu’elles ne sont pas compatibles. Pourquoi ? Peut-être qu’il y a une incompatibilité des vitesses et des lenteurs. Tiens ! Pourquoi je ramène des vitesses et des lenteurs ? Parce que manière d’être ou manière de l’être, mode d’être… C’est ça… ! C’est ça… ! [47 :00] C’est un rapport de vitesse et de lenteur ; c’est des rapports de vitesse et de lenteur sur le plan fixe de la substance absolument infinie.

Bon, alors, si c’est d’une manière d’être, d’accord, on avance un peu, là, et je ne suis rien d’autre ! Je suis un rapport de vitesse et de lenteur entre les molécules qui me composent. Quel monde ! Il faut penser qu’évidemment, tout croyant, tout chrétien, bondissait quand il lisait du Spinoza, il se disait mais c’est quoi ça ? Même tout juif, je ne sais pas… tout homme de religion. Lui, il continuait… il ne s’en faisait pas ! Il continuait…

Alors donc, quelle manière de l’être je suis, d’être je suis, si je suis une manière d’être ? [48 :00] On va dire, ce n’est pas compliqué ! Voilà, vous comprenez, j’ai un corps et une âme ; là, il semble dire… il semble retomber en plus, sur le pied de tout le monde… J’ai un corps et une âme ; enfin, on s’y trouvera enfin, il dit quelque chose comme tout le monde, ça ne va pas durer longtemps. Il dit c’est très vrai ça, J’ai un corps et une âme et même Je n’ai que ça ! Et là, d’un certain côté, c’est embêtant. C’est embêtant puisqu’il y a une infinité d’attributs de la substance absolue ; et moi, j’ai simplement un corps et une âme.

Et en effet, qu’est-ce que c’est, un corps ? Un corps, c’est un mode de l’étendue ; une âme, c’est un mode de la pensée. Peut être ici, il y a déjà, une réponse ou une première réponse à la question pour quoi de tous les attributs [49 :00] de la substance absolue je n’en connais que deux ? Ça, c’est un fait. C’est le fait de ma limitation. Je suis ainsi fait. Vous me direz : si tu es fait, tu es une substance. Non, je suis fait comme une manière. Eh bien, je suis fait à la manière suivante : Corps et âme, c’est-à-dire je suis à la fois un mode de l’étendue par mon corps et un mode de la pensée par mon âme. C’est-à-dire mon âme, c’est une manière de penser ; mon corps, c’est une manière d’étendre, d’être étendu.

Alors, dans les attributs que je ne connais pas, dont je ne peux même pas dire le nom, puisqu’il y en a une infinité, il y a d’autres manières d’être. Là, il y a tout le domaine d’une large science-fiction spinoziste : [50 :00] qu’est-ce qui se passe dans les autres attributs qu’on ne connaît pas ? Mais d’accord, il est très discret là-dessus. Il dit en dehors de ça, on ne peut rien dire. Il y a un fait de la limitation de la connaissance. Je n’en connais que deux attributs, parce que, moi-même, je suis un mode de l’étendue et de la pensée, un point, c’est tout. Mais les attributs sont strictement égaux. C’est par-là, vous voyez, que à peine il a dit, comme tout le monde, j’ai un corps et une âme, il a déjà dit autre chose que tout le monde : je suis le double mode des deux attributs que je connais ;
je suis un corps ; je suis une âme, mais tous les attributs sont égaux, aucune supériorité d’un attribut sur un autre. Donc, jamais on ne pourra dire mon corps, c’est moins bien que mon âme. [51 :00] Non. Bien plus, c’est strictement pareil, c’est la même manière d’être. Mon corps et mon âme sont la même manière d’être. Pourquoi ?

Là, je vais trop vite, mais je vais préciser… là, vous pouvez avoir, en un éclair, la vision de pensée la plus profonde, une des pensées les plus profondes de Spinoza, à savoir que… oui, comment se distinguent mon corps et mon âme ? Ils se distinguent par l’attribut qu’ils impliquent : le corps est le mode de l’étendue ; l’âme est mode de la pensée. C’est ça, la distinction de l’âme et du corps. Ils se distinguent par l’attribut qu’ils impliquent. Ce sont deux modes, deux manières d’être d’attributs différents mais les attributs sont strictement égaux. [52 :00] Si bien qu’au moment même où je dis j’ai une âme et j’ai un corps qui se distinguent par l’attribut auxquels ils renvoient, je dis aussi bien je suis un.
Pourquoi je suis un ? Parce que je suis un par la substance unique, puisque, tous les attributs égaux sont les attributs d’une seule et même substance absolument infinie.

Donc, je suis deux modes de deux attributs, corps : mode de l’étendue, âme : mode de la pensée mais je suis une seule et même modification de la substance. Je suis une seule et même modification de la substance qui s’exprime dans deux attributs, [53 :00] dans l’attribut étendue comme corps, dans l’attribut pensé comme âme. Je suis deux par les attributs que j’implique, je suis un par la substance qui m’enveloppe. En d’autres termes, je suis une modification de la substance, en tant qu’exprimée, c’est-à-dire une manière d’être, une manière d’être de l’être. Je suis une modification de la substance, c’est-à-dire, une manière d’être de l’être en tant que cette modification est exprimée comme corps dans l’attribut étendue et exprimé comme âme dans l’attribut pensée, si bien que l’âme et le corps, c’est la même chose ; c’est une seule et même chose, non pas une substance, c’est une seule et même manière ou modification rapportée à deux attributs distincts [54 :00] qui donc apparaît comme corps et est corps dans l’attribut étendue et âme dans l’attribut pensée. Quelle curieuse vision ! Alors ça supprime tout privilège possible de l’âme sur le corps ou inversement.

Et là, en un sens, c’est la première fois que l’on peut comprendre en quoi une éthique, ce n’est pas la même chose qu’une morale. Ce n’est pas du tout la même chose qu’une morale, forcément, pour une raison très simple, il y a quelque chose qui appartient fondamentalement à la morale ; c’est l’idée d’une raison inverse, une règle inverse dans le rapport de l’âme et le corps. Forcément, puisque la morale, elle est inséparable d’une espèce de hiérarchie, ne serait-ce que la hiérarchie [55 :00] des valeurs. Il faut que quelque chose… il n’y pas de morale si quelque chose ne vaut pas mieux qu’autre chose. Il n’y a pas de morale de “tout se vaut” ; il n’y a pas la morale de “tout est égal”. Bizarrement, je dirais, il y a une éthique de “tout est égal”. Et là, on le verra bien après. Il dit il n’y a pas la morale de “tout se vaut”, de “tout est égal”. Il faut une hiérarchie des valeurs pour la morale. Et l’expression la plus simple de la hiérarchie des valeurs, c’est l’espèce de tension, de rapport inversement proportionnel, à savoir, si le corps agit, c’est l’âme qui pâtit et si l’âme agit, c’est le corps qui pâtit. L’un agit sur l’autre et l’un pâtit quand l’autre agit si bien que l’effort du sage, c’est faire obéir le corps. [56 :00]

Ça va tellement loin ça que c’est presque un axiome de toutes les morales de l’époque, au 17ème siècle ; par exemple Descartes, il écrit un gros livre qui s’appelle Le traité des passions, et Le traité des passions commence par l’affirmation suivante : quand le corps agit, c’est l’âme qui a une passion, qui pâtit ; quand l’âme agit, c’est le corps qui a une passion, qui pâtit. Vous comprenez qu’au point où on en est du point de vue de Spinoza, c’est inintelligible, cette proposition. Si je suis une manière d’être qui s’exprime également comme manière de l’étendue et comme manière de la pensée, c’est-à-dire comme corps et comme âme, ou bien mon corps et mon âme pâtissent également ou bien ils agissent également. [57 :00] Jamais on n’a mieux soudé le destin de l’homme au corps. Si mon corps est rapide, avec toute nuance de la rapidité puisque ça peut être une rapidité purement intérieure, ça peut être… c’est une rapidité, on l’a vu, c’est une rapidité moléculaire, c’est une vitesse moléculaire. Si mon corps est rapide, mon âme est rapide, si mon corps est lent, mon âme est lente. Et peut-être il est bon, tantôt que mon âme soit lente, tantôt rapide mais en tout cas l’un ira avec l’autre. Mon âme ne sera pas rapide ou lente sans que mon corps soit aussi rapide ou lent.

En d’autres termes, vous avez toujours les deux à la fois ! Vous ne pourrez jamais jouer votre âme sur votre corps et votre corps sur votre âme ! Jamais ! L’un et l’autre sont la même manière exprimée dans deux attributs. Donc renoncez à parier [58 :00] sur l’un contre l’autre ! [Ce n’est] pas la peine d’essayer ! Enfin, ça ne marchera jamais comme ça ! Alors j’en reviens à ceci : d’où vient ce cri : “l’étonnant c’est le corps” qui a bien l’air de démentir le parallélisme. Vous voyez pourquoi ça s’appelle le parallélisme ! En effet deux modes d’attributs différents, corps de l’étendue, âme dans la pensée, deux corps de l’attribut différent, les attributs sont strictement indépendants et égaux donc parallèles et c’est la même modification qui s’exprime dans un mode ou dans l’autre.

Bon, alors comment est-ce qu’il peut nous dire l’étonnant c’est le corps, qui semble ériger un modèle du corps… ? “Vous ne savez même pas [59 :00] ce que peut un corps” ! Qu’est ce qui peut… Vous ne savez même pas ça ! On ne sait pas ! En effet, les choses prodigieuses qu’un bébé, un alcoolique ou un somnambule peuvent faire quand leur raison est assoupie, quand leur conscience est endormie. Vous ne savez même pas ce que peut un corps ! Ça ne va pas, avec tout ce qui précède ! Si, ça va évidemment très bien ! Il est en train de nous dire, vous voyez, quelque chose de très important ; il est en train de nous dire : le corps dépasse la connaissance que vous croyez en avoir. Votre corps dépasse infiniment la connaissance que vous croyez en avoir, évidemment, puisque vous ne savez même pas que le corps n’est qu’une manière d’être de l’étendue ; [60 :00] qu’à titre de manière d’être de l’étendue, il est constitué par toutes sortes de rapports de vitesses et de lenteurs transformables les uns dans les autres et vous ne savez rien de tout ça, on ne sait rien de tout ça, dit-il. On peut le dire encore aujourd’hui qu’on ne sait rien de tout ça.

On fait des progrès… c’est curieux, je suis frappé que la biologie actuelle va tellement dans un certain Spinozisme, mais ça, on verra, on verra plus tard. Eh bien, eh bien, eh bien… Il dit : votre corps dépasse la connaissance que vous en avez et de même – c’est ça qu’il faut ajouter- et de même – essayons puisqu’il y a le parallélisme, puisque le corps et l’âme, c’est la même chose et bien – de même votre âme dépasse infiniment la conscience que vous en avez ; tout ça, c’est dirigé tout droit contre Descartes, évidemment. [61 :00] De même que votre corps, il fallait passer par le corps pour comprendre ce qu’il va dire, d’où la phrase : “l’étonnant, c’est le corps qui”… “on ne sait même pas ce que peut un corps”, vous voyez, ce qu’il veut dire complètement c’est : de même que votre corps dépasse la conscience que vous en avez, votre âme et votre pensée dépassent la conscience que vous en avez, si bien que la tâche de la philosophie comme éthique, ça sera quoi ? Ça sera accéder à cette connaissance de l’âme et à cette conscience du corps… non ! Zut alors ! … à cette connaissance du corps et à cette conscience de l’âme qui dépassent la connaissance dite naturelle que nous avons de notre corps et la conscience naturelle que nous avons de notre âme. Il faudra aller jusqu’à découvrir cette inconscience de la pensée [62 :00] et cet inconnu du corps et les deux ne font qu’un. L’inconnu du corps… [Interruption de l’enregistrement] [1 :02 :07]

Partie 2

… et l’inconnu du corps et l’inconscient de la pensée. Vous êtes une manière, vous êtes une manière d’être. Ça veut dire, vous êtes un ensemble de rapports de vitesses et de lenteurs entre molécules pensantes, vous êtes un ensemble de rapports de vitesse et de lenteur entre molécules étendues. Et tout ça c’est l’inconnu du corps et c’est l’inconscient de la pensée. Alors bon, comment il va s’en tirer lui ?

D’où je peux passer à un second problème. [Pause] [63 :00] Ah oui, parce qu’ il s’impose mon second problème, c’est évidemment, il s’enchaîne. C’est mais après tout pourquoi il appelle ça éthique et pas ontologie ? Son grand livre, pourquoi il l’appelle Éthique au lieu de l’appeler “Ontologie” ? Il devrait l’appeler ontologie ! Non, il devrait l’appeler l’Éthique, il a sûrement bien fait. Il savait ce qu’il faisait, quoi. Il avait une raison pour appeler ça “Ethique”. Donc, si vous voulez, ça va être le même problème. Je vous soulage, on répart à zero. On a fini là tout un pan les deux dernières fois. [Cette référence suggère qu’au moins deux séances précèdent celle du 2 décembre, l’une dont nous possédons au moins une partie de la transcription (du 25 novembre) et l’autre dont ni le texte ni l’enregistrement n’existe dans les archives qui nous sont disponibles.] Et là, on vient de finir tout un premier pan sur l’ontologie, Passe un second pan, pourquoi est-ce que cette ontologie Spinoza l’appelle-t-il éthique ? [64 :00]

Bon, et là aussi vous sentez qu’on va tomber en plein dans le problème : est-ce qu’une éthique est la même chose qu’une morale ? Est-ce que ça revient au même ? Si ça ne revient pas au même, d’une certaine manière, est-ce que l’Éthique ce ne serait pas la seule manière dont l’Ontologie a quelque chose à nous dire sur comment vivre, que faire ? Tandis que la morale, ce n’est pas ça. La morale, peut-être que ça implique toujours — mais il faudrait voir pourquoi — peut-être est-ce que la morale, ça implique toujours la position de quelque chose de supérieur à l’Être. Peut-être qu’une morale c’est indissociable de la position de l’Un supérieur à l’Être au point que si on croit, ou si on fait de l’ontologie, l’Être en tant qu’Être, ou l’Un loin d’être supérieur à l’Être est, au contraire, un dérivé de l’être. [65 :00] Seulement là, il ne peut plus avoir exactement de morale. Mais en quoi ?

Voilà, je voudrais commencer par une histoire qui n’est pas difficile, mais je voudrais la considérer rapidement pour elle- même. Toute la morale, il me semble, toute la morale du dix-septième siècle – Non, je dirais de Platon au dix-septième. Qu’est-ce qui a pu se passer après ? On verra tout ça. Mes formules, vous les corrigez de vous- même. — Depuis longtemps, la morale consistait, d’une certaine manière, à nous dire quoi, à nous dire quoi ? Eh bien, le mal n’est rien ! Le mal n’est rien. Et pourquoi c’était ça, la morale ? On ne nous disait pas : avant tout, fais le bien. On nous disait d’abord : le mal n’est rien. [66 :00] Curieux ! Qu’est-ce que c’est cet optimisme ? Est-ce que c’est de l’optimisme ? Quoi, alors quoi ? Voilà que les philosophes étaient des espèces d’optimistes béats pour dire : le mal n’est rien ? Qu’est-ce qu’ils voulaient dire ? Il y avait tous les malheurs du monde. Et voilà, ces types qui continuaient à dire le mal n’est rien. Je voudrais donc réfléchir là. Vous voyez, on repart à zéro. Qu’est-ce qu’ils voulaient dire tous ces gens qui disaient “le mal n’est rien,” depuis Socrate qui passe son temps à dire ça ?

Alors que oui, le malheur était là. Le mal il a toujours eu deux formes : Le malheur et la méchanceté, le mal du malheureux et le mal du méchant. Or ça ne manquait pas dès les Grecs, des méchants et des malheureux. Et en plus, qu’est-ce qui fait qu’il y a du mal à première vue ? Ce qui fait qu’il y a du mal à première vue, c’est que les méchants et les malheureux, [67 :00] ce n’est pas les mêmes. Tiens, si les méchants et les malheureux c’étaient les mêmes, en effet le mal ne serait rien, il se détruirait lui-même. Le scandale c’est que les méchants ne soient pas forcément malheureux et les malheureux pas forcément méchants. Ça arrive de temps en temps mais pas assez souvent. [Rires] En d’autres termes, si les méchants étaient malheureux et les malheureux méchants, le mal se détruirait, il y aurait une autosuppression du mal. C’est formidable ça.

Il y a un auteur qui a beaucoup joué de ça tardivement. Il a dit : bein non, vous ne pouvez pas faire autrement. La loi du monde c’est que les méchants soient heureux en tant que méchants et que les malheureux soient innocents. Il a dit : et c’est ça le mal. [68 :00] Et perdu dans cette vision, il y prit goût. C’est le marquis de Sade. D’où les deux grands titres, n’est-ce pas, de deux grands romans de de Sade c’est “Les malheurs de la vertu“ et “Les prospérités du vice“. Il n’y aurait pas de problème du mal s’il n’y avait pas une irréductibilité entre le méchant par lui-même heureux et l’innocent par lui-même malheureux. Car c’est sa vertu qui ne cesse de rendre Juliette, — c’est Juliette la gentille ? [Les étudiants indiquent “oui”] — qui ne cesse de rendre Juliette malheureuse. — C’est Justine ? Non, c’est la méchante, Justine. D’accord, bon.

Ce n’est pas par hasard que Socrate, lui, [69 :00] déjà dans les dialogues platoniciens, ne cesse de se lancer dans une série de propositions qui, à première vue, nous paraissent débiles et qui consistent à dire : dans le fond des choses, le méchant est fondamentalement malheureux et le vertueux est fondamentalement heureux. Bien sûr, ça ne se voit pas, ça ne se voit pas. [Rires] Ça ne se voit pas mais il dit : “je vais vous le démontrer“. Il va le démontrer. Je précise pourquoi je fais cette longue parenthèse, alors aussi un peu débile : c’est pour vous faire sentir que d’une certaine manière il ne faut pas prendre les gens pour des crétins. Ce serait ça mon appel. Et que quand les philosophes très sérieux disent : “le mal n’est rien, seul le méchant est malheureux”, ils ont peut-être une idée très bizarre derrière la tête et une idée telle qu’ils sont ravis si on leur dit : “mais [70 :00] t’es un rêveur !” Peut-être qu’on se trompe sur leur entreprise. Peut-être qu’au moment même où ils disent ça ils sont très singulièrement diaboliques parce qu’on ne peut pas penser que Socrate croit à son truc. Il n’y croit pas comme ça. Il ne croit pas que les méchants sont malheureux en tant que méchants. Il sait bien que ça ne se passe pas comme ça.

Donc, ma question c’est — c’est pour ça que je dis si on ne prend pas Socrate pour un idiot — on va se dire mais pourquoi il nous dit ça ? Dans quelle entreprise il est pour nous dire ça, alors que manifestement ce n’est pas comme ça ? Il ne faut s’imaginer Socrate tellement perdu dans les idées, dans les nuages qu’il croit que les méchants sont malheureux. La cité grecque abonde de méchants très heureux. Alors est-ce qu’il veut dire qu’ils seront punis après ? Oui, il le dit comme ça. Il le dit splendidement, comme ça il invente même des mythes. Mais non, non, non, ce n’est pas ça. Qu’est-ce qu’il veut ? Qu’est-ce qu’il cherche ? [71 :00] Vous sentez déjà ?

C’est qu’il lance cette espèce de cri : “alors le mal n’est rien”. Mais il lance une espèce de provocation telle que le sort de la philosophie est en jeu là-dedans. A la lettre, je dirais : ils font les idiots. Faire l’idiot. Faire l’idiot, ça a toujours été une fonction de la philosophie. L’idiot, en quel sens ? En un sens qui va vraiment du Moyen-Âge, où le thème de l’idiot est constant, aux Russes, je veux dire, à Dostoïevski, [à] un successeur de Dostoïevski qui est mort il n’y a pas très longtemps, à savoir [Léon] Chestov. Ça ne forme pas pourtant une tradition ; Chestov ne se reconnaît pas dans Descartes.

Mais j’essaie de marquer très vite cette tradition ; [72 :00] je ne la repère pas au début. Là, si quelqu’un avait des idées là dessus, ce serait très bien même au hasard des lectures, il y a sûrement des travaux faits mais je n’ai pas eu le temps.) Je repère au hasard Nicolas de Cuses, un philosophe très, très important, il était cardinal en plus. Nicolas de Cuses est un type très, très important de la Renaissance. Un très grand philosophe. Le Cardinal de Cuses lance le thème de l’idiot. Et ça a quel sens ? Ça a un sens très simple. C’est l’idée que le philosophe, c’est celui qui ne dispose d’aucun savoir et qui n’a qu’une faculté, la raison naturelle. L’idiot c’est l’homme de la raison naturelle. Il n’a rien qu’une espèce de raison naturelle, de lumière [73 :00] naturelle. Voyez, par opposition à la lumière du savoir et aussi par opposition à la lumière révélée, l’idiot, c’est l’homme de la lumière naturelle. Ça commence donc à être Nicolas de Cuses.

Descartes écrira un petit texte qui est d’ailleurs peu connu mais qui est dans les œuvres complètes où il y a l’idiot dans le titre et qui est un exposé du cogito. Et en effet, lorsque Descartes lance sa grande formule “je pense donc je suis“, en quoi c’est la formule de l’idiot ? Elle est présentée par Descartes comme la formule de l’idiot parce que c’est l’homme réduit à la raison naturelle. Et en effet qu’est-ce que Descartes nous dit à la lettre ? Il nous dit : “moi, je ne peux même pas dire l’homme est un animal raisonnable.” Il le dit textuellement, je n’interprète pas. Il nous dit : “Je ne peux même pas dire [74 :00] l’homme est un animal raisonnable, comme Aristote le disait, parce que pour pouvoir dire l’homme est un animal raisonnable, il faudrait d’abord savoir ce que veut dire “animal’ et ce que veut dire ‘raisonnable’. En d’autres termes la formule ‘animal raisonnable’ a des présupposés explicites qu’il faudrait dégager. Or je suis incapable de le faire.”

Et Descartes ajoute : “je dis, je pense donc je suis.” Ah bon ? Alors, le contradicteur serait tout prêt à dire : “eh bien dis, t’es pas gêné toi parce que quand tu dis “je pense donc je suis”, il faut savoir ce que veut dire penser, ce que veut dire être”. Je pense, je suis. Ce que veut dire : je. Là, Descartes devient très, très curieux, mais ce sont les meilleures pages de Descartes, il me semble. Il devient très subtil parce qu’il dit : “non, ce n’est pas pareil du tout, pas pareil du tout.” [75 :00] Voilà pourquoi ce n’est pas pareil : c’est que dans le cas “animal raisonnable”, il y a des présupposés explicites, à savoir, vous n’êtes pas forcé de savoir ce que veut dire : animal et raisonnable. Tandis que lorsque je dis “Je pense donc je suis“, prétend Descartes, c’est tout à fait différent. Il y a bien des présupposés, mais là ils sont implicites, à savoir, vous ne pouvez pas penser sans savoir ce que veut dire penser. Vous ne pouvez pas “être” sans savoir au moins confusément ce que veut dire penser, vous ne pouvez pas “être” sans savoir au moins confusément ce que veut dire être. Vous le sentez d’un sentiment qui serait le sentiment de la pensée. En d’autres termes, [76 :00] “animal raisonnable” renvoie à des présupposés explicites de l’ordre du concept ; “je pense donc je suis“ ne renvoie qu’à des présupposés implicites de l’ordre du sentiment, du sentiment intérieur

C’est très, très curieux, cette… Ça m’intéresse, d’autant plus que la linguistique moderne retrouve cette distinction des présupposés explicites et des présupposés implicites. Ils sont cartésiens sans le savoir, c’est très, très curieux. Il y a un linguiste qui s’appelle Ducrot aujourd’hui qui fait toute une théorie à partir de la distinction des présupposés explicites et des présupposés implicites. Peu importe, voyez l’Idiot, c’est l’homme des présupposés implicites. C’est ça, la raison comme fonction naturelle, la raison naturelle. Vous ne pouvez pas penser sans savoir ce que veut dire penser, même confusément. Donc vous n’avez pas à vous expliquer. Descartes disait : [77 :00] je n’ai pas à expliquer ce que veut dire “je pense donc je suis” ; chacun l’expérimente en lui-même. Tandis que ce que veut dire : “animal raisonnable”, ça, c’est écrit dans les livres, et l’idiot s’oppose à l’homme des livres. L’homme de la raison naturelle s’oppose à l’homme de la raison savante si bien que le cogito sera l’énoncé de l’Idiot.

Donc, ce thème de l’Idiot est très fondé dans une tradition chrétienne, philosophique qui est la tradition de la raison naturelle. Alors par quel biais puisqu’il a continué dans tout l’Occident ? Il appartient bien à la tradition occidentale. Par quel biais est-ce qu’il émigre en Russie pour être poussé au paroxysme et pour prendre une nouvelle allure, [Pause] [78 :00] une nouvelle allure évidemment favorisée par l’orthodoxie russe, par le christianisme russe ? Là donc, j’ai toutes sortes de maillons qui me manquent sur la comparaison entre le thème de l’idiot russe puisque l’idiot est une figure de la littérature russe vraiment fondamentale, pas seulement chez Dostoievski. Et là aussi, d’une certaine manière, le personnage de Dostoievski, que Dostoievski appellera “l’Idiot”, précisément lui, il est beaucoup plus dramatique que l’idiot de Descartes bien sûr, sa maladie etc. Mais il a gardé quelque chose de ça, la puissance de la raison naturelle réduite à soi, tellement réduite à soi qu’elle est malade. Et pourtant elle a gardé des éclairs. [79 :00] Le prince, l’idiot, il ne sait rien. Mais c’est l’homme des présupposés implicites. Il comprend tout. Cette figure de l’idiot continue à dire : “je pense donc je suis” au moment même où il est comme fou, ou bien distrait, ou bien un peu débile.

Mais déjà Descartes acceptait de passer pour le débile. Qu’est-ce qu’ils ont, ces philosophes, à vouloir être le débile ? C’est très curieux comme entreprise déjà. Ils opposent cette débilité philosophique à la philosophie puisque Descartes, il oppose ça à Aristote. Il dit : “Non, non, moi je ne suis pas l’homme du savoir, moi je ne sais rien“ etc. Socrate le disait déjà : “je ne sais rien, je suis l’idiot et que l’idiot de service“. Pourquoi ? Qu’est-ce qu’ils ont à la tête ? Bon alors, qu’est-ce qu’il veut ?

Je recommence : qu’est-ce qu’il veut, Socrate, quand il dit : [80 :00] “Ah, vous savez… Mais si, regardez bien : il n’y a que le méchant qui soit malheureux.” Il pose une espèce de paradoxe, de l’autosuppression du mal. Il faut voir : si les méchants sont malheureux, il n’y a plus de mal. Mais pourquoi il n’y aurait pas de mal ou plus de mal ? Le mal n’est rien ! Ça veut dire quoi ? Voilà, ça veut dire : vous vous croyez malin, vous. Vous parlez du mal, mais vous ne pouvez pas penser le mal. Si les philosophes voulaient dire ça, ça serait intéressant. Enfin, ça serait intéressant. Vous ne pouvez pas penser ça. Pourquoi un philosophe aurait besoin de dire ça : vous ne pouvez pas penser le mal ? Et je vais vous montrer que vous ne pouvez pas penser le mal. Le mal n’est rien, ça ne voudrait pas dire que le mal n’est rien ; ça voudrait dire le mal n’est rien du point de vue de la pensée. Vous ne pouvez pas le penser. C’est un néant. Autant essayer de penser [81 :00] le néant.

Dans les textes de Socrate, ou plutôt de Platon, le thème “le mal n’est rien” parcourt deux niveaux, un niveau grandiose objectif et un niveau subjectif. Le mal n’est rien objectivement, ça veut dire quoi ? Ça veut dire : tout mal se ramène à une privation et la privation se ramène à une négation. Donc “le mal ce n’est rien“, c’est une pure négation. Le mal n’est pas. En effet il n’y a pas d’être du négatif, il n’y a pas d’être du négatif. Voilà c’est très simple. [82 :00] C’est très simple et très difficile en même temps. Cette réduction, vous comprenez, du mal ou de la contradiction, si vous voulez, à la privation et de la privation à la simple négation.

Supposons qu’il fasse ça, il développe sa thèse. Et subjectivement le mal n’est rien, ça veut dire quoi ? Subjectivement, ça veut dire — Et là Socrate développe tout son talent — il dit : “Et bien, oui, écoutez, je vais vous le montrer par le dialogue.” Il fait venir un méchant. Il lui dit : “Tu veux assassiner, non ?” L’autre dit : “Oui, oui je veux assassiner. [Rires] Je veux tuer tout le monde.” “Ah”, dit Socrate, “Bon, tu veux tuer tout le monde. Mais pourquoi tu veux tuer tout le monde ?” Alors le méchant dit : “Parce que ça me fait plaisir. Comme ça, ça me fait plaisir, Socrate, [83 :00] j’ai envie, ça me fait plaisir.” “Ah, tu as envie. Mais le plaisir, dis-moi, méchant, le plaisir, c’est un bien ou c’est un mal ?” Alors le méchant dit : “Evidemment c’est un bien, ça fait du bien.” [Rires] Et Socrate dit : “Mais tu te contredis ! Tu te contredis parce que ce que tu veux, ce n’est pas tuer tout le monde. Tuer tout le monde, c’est un moyen. Ce que tu veux, c’est ton plaisir. Il se trouve que ton plaisir, c’est de tuer tout le monde, d’accord. Mais ce que tu veux c’est ton plaisir. Et tu m’as dit toi-même, le plaisir est un bien, donc tu veux le bien. Simplement tu te trompes sur la nature du bien.” [Rires] Alors le méchant dit : “Socrate, on ne peut pas parler avec toi !” [Rires] Voyez c’est extrêmement simple. [84 :00]

Le méchant, subjectivement, c’est quelqu’un qui se trompe. Et ça va être très important pour nous cette formule, “le méchant”. D’où la formule de Socrate : “Nul n’est méchant volontairement.” Ce qui veut dire par définition : toute volonté est volonté d’un bien. Simplement il y en a qui se trompent sur la nature du bien donc ils ne sont pas méchants volontairement. Ils cherchent le bien. Il dit : “Je cherche “mon” bien.” Mais Socrate dit : “T’as raison. Il faut chercher ton bien. Evidemment c’est ton bien. Alors toi, c’est assassiner, très bien, mais c’est toujours un bien, ton bien. Alors, quoi ! tu ne peux pas chercher le mal.” Alors le méchant devient fou. Socrate espère qu’il va par là même se détruire lui-même, mais enfin, cela ne marche qu’à un certain niveau.

Donc, vous voyez. Qu’est-ce que j’en retire déjà ? C’est que cette philosophie-là, qui nous dit : le mal n’est rien, qui nous le dit sur deux modes, [85 :00] sur deux registres – objectivement, le mal est pure négation, il n’y a pas d’être du négatif ; et qui nous le dit subjectivement, vous ne pourrez pas vouloir le mal parce que c’est contradictoire. Vous ne pouvez vouloir qu’un bien. Nul n’est méchant volontairement. Qu’est-ce qu’ils font ? Ils pataugent déjà dans quoi ces philosophes ? Non, pas pataugent ; ils sont déjà dans quel élément ? Ils sont dans l’élément du jugement.

En effet, le méchant c’est celui qui juge mal. Toute la philosophie va être apportée au système du jugement, et c’est peut-être ça que la philosophie a inventé d’abord, même si ça va être ruineux, catastrophique, je ne sais pas là. Je ne fais aucun jugement de valeur. Je crois que la philosophie est née avec un système du jugement. Et l’homme méchant c’est celui qui juge mal. [86 :00] Et le philosophe, il est peut-être idiot mais il est bon parce qu’il prétend juger bien.

Supposons… — J’en suis loin encore d’arriver à dire ce que je voudrais vous faire sentir, il faut tellement de mots pour arriver à un petit sentiment minuscule – bon, qu’est-ce que ça veut dire que la philosophie serait et se confondrait avec la constitution d’un système du jugement ? Ça a été peut-être pour le meilleur et pour le pire. C’est peut-être ça que, ensuite, certains philosophes ont essayé de secouer, et d’y échapper à la philosophie comme système du jugement, un jugement sans sanction. La philosophie n’a jamais fait mal à personne, mais c’est vrai que les philosophes n’ont pas cessé de juger. Qu’est-ce qui les autorisait ? Sans doute, de ce que c’était eux qui avaient inventé le système du jugement. Ils avaient fait du jugement un système. Pourquoi et comment ? Qu’est-ce que ça veut dire, ça ? [87 :00] Là, je vous dis presque le fond parce que ce sont des choses extrêmement simples. Mais je suis tellement mécontent, je suis tellement peu satisfait de ce que l’on dit généralement sur l’origine de la philosophie et y compris les hellénistes, les heideggériens, etc., que j’essaie de me débrouiller là pour mon compte.

Voilà ce que je voudrais dire : il me semble que la philosophie, elle a toujours commencé en prenant une forme très curieuse qu’elle n’abandonnera jamais, à savoir, le paradoxe, le paradoxe. Le philosophe est un type qui arrive, et en un sens, c’est un bon à rien, c’est vrai.  C’est… Imaginez, dans la cité grecque, le philosophe : il se balade sur la place publique, il est toujours prêt, il est toujours prêt à causer. “Ah bon, où tu vas ?”, Socrate qui commence : “où tu vas ?” “Qu’est-ce qui t’arrives ?” et puis la conversation s’engage.  [88 :00] Mais ce n’est pas n’importe quelle conversation : on appellera la conversation philosophique celle où surgit le paradoxe qui désigne une certaine puissance. Une certaine puissance ou une certaine impuissance ? Et qu’est-ce que c’est le paradoxe au niveau le plus simple ? Vraiment, là je dis des choses rudimentaires, je ne me demande pas ce qu’est le paradoxe, je cherche un petit fil conducteur.

Et je crois que le paradoxe au niveau le plus simple, ça consiste à vous dire : “il y a quelque chose qui ‘est’ et en même temps vous ne pouvez pas le penser. Débrouillez-vous avec ça.” X est, et pourtant merveille admirez ça : C’est impensable. En termes techniques je dirais : le paradoxe, c’est une proposition qui consiste à poser l’impensabilité d’un “étant”. [89 :00] Ce serait une bonne définition du paradoxe. Ça le philosophe ne le dit pas : ce n’est pas. Il faut être là ; là, les commentateurs sont vraiment lamentables.

Je prends un exemple, un exemple en apparence différent de ce dont je parle, mais c’est la même chose. Par exemple, il y a un paradoxe fameux d’un des premiers philosophes qui s’appellent philosophes ; bien plus il est considéré comme l’inventeur de la dialectique, c’est Zénon. Il y a deux Zénon, il y a Zénon le stoïcien et Zénon d’Élée. Je parle de Zénon d’Élée, disciple de Parménide, celui qui disait : “l’Être est.” Voilà, donc le fondateur de l’ontologie. Zénon fait de fameux paradoxes qui concernent le mouvement. Et il explique qu’Achille par exemple ne peut pas rattraper la tortue. Il ne peut pas. [90 :00] Il explique que la flèche ne peut pas atteindre la cible. En d’autres termes, Zénon est un idiot. C’est ça être un idiot. Il explique donc : la flèche ne peut pas attraper la cible, ne peut pas joindre la cible, ni Achille rattraper la tortue. Vous vous rappelez comment il fait pour l’expliquer : il divise le parcours d’Achille ou le parcours de la flèche en deux. La seconde moitié, il la divise en deux etc., etc., à l’infini. Et il y aura toujours une distance si petite qu’elle soit, entre la flèche et la cible. De même, Achille fait un bond, et il couvre la moitié de sa différence avec la tortue ; [91 :00] il faudra qu’il couvre encore la moitié de ce qui reste, la moitié du reste du reste, à l’infini : il ne rattrapera jamais la tortue.

Vous me direz, ah bon, quand même Zénon a une forte culture mathématique grecque. C’est très intéressant. C’est très intéressant parce que ça fait intervenir ce que les Grecs avaient monté comme méthode d’exhaustion, c’est-à-dire de l’analyse de l’infiniment petit. C’est moins pitrerie qu’il ne semblerait mais en quoi c’est de la philosophie ça ? Vous comprenez, Zénon n’est pas idiot. Socrate non plus. Il est idiot d’une autre manière, mais pas à la manière dont on penserait parce qu’il sait bien que les choses bougent. Il sait bien qu’Achille rattrape la tortue. Il sait bien que la flèche touche la cible. Il sait tout ça. [92 :00] De même Socrate sait bien qu’il y a des méchants.

Donc ce qu’ils veulent nous dire c’est tout à fait autre chose : le mal ou le mouvement sont des étants. Seulement le problème, c’est comment penser l’étant ? Ce que Zénon tente de montrer c’est que le mouvement en tant que mouvement est impensable. Ce n’est pas que le mouvement en tant que mouvement “n’est pas” comme le font dire beaucoup de commentateurs. C’est idiot ça. C’est que le mouvement en tant que mouvement ne peut pas être pensé. Ce que Socrate veut montrer c’est que le mal en tant que mal ne peut pas être pensé. [93 :00] Bon, voilà ça devient plus intéressant, c’est ça un paradoxe. Un paradoxe énonce l’impensabilité d’un étant.

Mais pourquoi est-ce que ça leur donne un plaisir intense, ces paradoxes ? Ils sont ravis. Plus on leur dit : “Mais tu es débile de dire ça : le mouvement n’existe pas, quoi, qu’est-ce que tu veux dire ?”. Ils disent : “Ah bon, comme tu peux toi. Alors comment tu te débrouilles de mon paradoxe ?” D’où la réputation que les philosophes ont toujours eu d’être des bavards. Ce ne sont pas des bavards, ce sont des hommes les plus silencieux du monde puisqu’ils pensent que finalement à la limite l’étant est fondamentalement impensable. Ça peut être consolant parce que si l’étant est impensable, c’est peut-être parce que l’Être est pensable lui, mais penser l’Être, ce n’est pas [94 :00] facile non plus. Et ça serait ça la philosophie alors. Mais peu importe, voilà. Pourquoi ils disent ça ? Pourquoi ils sont tellement contents ? A première vue ce n’est pas un triomphe pour la pensée, ce n’est pas une victoire pour la pensée. Loin de là. Elle ne peut pas penser le mouvement, elle ne peut pas penser le mal, elle ne peut rien penser.

Qu’est-ce qu’elle peut penser alors, la pensée ? Elle va penser “l’être est“ : Parménide.
Seule la justice est juste. Les hommes justes ne sont justes qu’en second, ce qui est vraiment et totalement juste, c’est la justice. La justice est juste, on peut faire des litanies : La vertu est vertueuse, la sagesse est sage. C’est ce que Socrate fait dans une série de dialogues éblouissants mais qui exaspère tout le monde. [95 :00] On discute très longtemps pour arriver à la révélation : la justice soit juste et il n’y a que la justice qui est juste. Il n’y a que l’être qui “est”. On a envie de dire : il ne fallait quand même pas 40 pages. Mais si, il fallait 40 pages parce qu’il fallait 40 pages puisque, et c’est inséparable de ceci, l’étant est impensable.

Qu’est-ce qui est pensable ? La pure idéalité, l’idée, l’idée. Mais enfin ce n’est pas tellement brillant. Pourquoi est-ce que les philosophes se réjouissent ? Moins ils arrivent à penser l’étant, plus ils sont contents, plus ils rigolent à leur manière. Ils embêtent tout le monde, tout ça, [96 :00] et puis ils expliquent qu’on ne peut rien penser, on ne peut pas penser le mouvement, on ne peut pas penser l’être, non, on ne peut pas penser le mal, on ne peut penser le devenir, on ne peut pas penser tout ce qui fait objet de paradoxe. Et ils arrivent en disant : ben oui, on peut penser : la Justice est juste, l’Être est, l’Un est un, etc. Qu’est-ce qu’ils ont en train de faire ? Comprenez ! Ils accomplissent vraiment le destin de la philosophie dans son surgissement il me semble originel, à savoir constituer un système du jugement. Il s’agit de juger tout ce qui est.

Et la possibilité de juger tout ce qui est c’est quoi ? C’est, à la limite, s’élever à la position de quelque chose qui est au-delà de l’Être. On jugera ce qui est et on jugera l’Être [97 :00] lui-même en fonction de quelque chose qui est au-dessus de l’Être. Bon, on retombe sur l’Un au-dessus de l’Être. En d’autres termes, l’idée de fond de toute cette philosophie, c’est seul le Bien avec un grand B — et c’est par là qu’elle a cette apparence optimiste — Seul le Bien fait être et fait agir. Seul le Bien fait être objectivement et fait agir subjectivement. Donc le Bien est au-dessus de l’Être. Le Bien c’est l’Un. Dès lors, on peut juger tout ce qui est. Il s’agissait moins de décréter le mouvement, le devenir impensable, que de les soumettre au système du jugement en fonction de critères qui eux ne deviennent pas, qui sont les critères du Bien, qui ne sont pas [98 :00] en mouvement etc. Donc le Bien est à la fois raison d’être et raison d’agir. En latin ça deviendra le Bien comme : ratio essendi et ratio agendi. Le Mal n’est rien forcément. Et c’est ça qu’ils veulent dire, le Mal n’est rien forcément puisque seul le Bien fait être et fait agir. Le Bien est au-dessus de l’Être. C’est la condition du système du jugement.

Alors finalement, si vous voulez, ce n’est pas au nom d’un optimisme niais, c’est au nom d’une logique, d’un logos poussé à l’extrême. La puissance du paradoxe, c’est le logos. [99 :00] Ce n’est pas le philosophe qui est optimiste, c’est la logique qui l’est. Elle ne peut pas penser le Mal, elle ne peut pas penser le mouvement, elle ne peut pas penser le devenir. C’est bien plus tard, bien plus tard, bien plus tard, que la logique va faire un mouvement considérable sur soi-même pour essayer de penser le mal, l’être, et le mouvement… Non, penser le mal, le mouvement et le devenir. Et la réconciliation du mal, du mouvement et du devenir avec la logique et avec la puissance de la logique marquera un tournant pour la philosophie. [Interruption, bruits de l’extérieur] — Faudrait la fermer cette porte. Qu’est ce que j’ai fait de ma montre ? [100 :00] Quelle heure il est ? [Réponses des étudiants] Midi et quart.

Ça marquera une date très importante. En gros on peut dire que la réconciliation de la logique avec l’étant comme tel, avec le mal, le devenir, le mouvement, ce sera quoi ? Ce sera le grand romantisme allemand. Ce sera Hegel. A ce moment-là, la logique trouvera le moyen d’accorder un être au négatif. Il y a un être du négatif. Ce sera la réconciliation d’une logique, si vous voulez, et du tragique. Jusque-là, la logique avait été incurablement optimiste et au service du bien. Bon, voilà [101 :00] ce que je voudrais dire et je voudrais terminer vite parce que vous en avez assez, mais je ne sais plus ce que … Ah, oui…

Voilà ce que je voudrais dire enfin : eh bien, oui, j’ai eu l’air d’abandonner complètement Spinoza. Le moment ou jamais d’y revenir c’est ceci. Je vais vous dire, comment il s’insère là-dedans ? j’ai l’air de faire une histoire de la philosophie qui s’en va par tous les bouts. Et c’est très curieux parce que Spinoza ne cesse pas de nous dire comme tout le monde à l’époque : le mal n’est rien. Il ne cesse pas. Tout le temps, il nous dit le mal n’est rien, objectivement et subjectivement : objectivement parce que l’opposition se ramène à la privation et la privation se ramène à la négation. [102 :00] Il n’y pas d’être du négatif ; subjectivement parce que le méchant, c’est une erreur, la méchanceté c’est une erreur. Le méchant c’est quelqu’un qui se trompe. Donc il n’arrête pas de nous dire ça.

Bien plus, le problème du mal, il le traite pour lui-même dans un texte passionnant dont j’ai parlé la dernière fois, à savoir son échange des lettres avec Blyenbergh et qui porte uniquement sur la question du mal. Et pourtant, si vous vous voulez alors, à la première lecture, on se dit : Oui, il dit ce que nous disait déjà des siècles avant Socrate, ce que beaucoup d’autres ont dit, c’est le système du jugement, c’est cette logique qui se refuse, qui ne peut pas penser [103 :00] le mal. C’est le fameux paradoxe-là du logos. Et puis, quand on lit en même temps qu’on lit on a une tout autre impression en même temps. – [Bruits de l’extérieur] Ils sont chiants ! – On a une tout autre impression. C’est que Spinoza, sous des mots qui ont été mille fois dits, nous dit complètement autre chose, tout à fait autre chose. Qu’est-ce qu’il nous dit ?

Voilà ce qu’il nous dit : le mal n’est rien ! Et jusque-là, ça va très bien. Jusque-là, ça peut être signé ; c’est comme dans les pétitions, vous savez ? Vous pouvez signer la première phrase, et puis vient la seconde phrase, alors là, je ne peux plus signer, non… [104 :00] non, non, ça ne peut pas aller. Eh bien, c’est la même chose dans l’histoire que je vous raconte. Le mal n’est rien, ça renvoie à qui ? Si on fait un concours, alors on répond : Qui peut dire ça ? Socrate ! Descartes ! Leibniz ! Spinoza ! D’accord, à partir de là la phrase bifurque. Le mal n’est rien ? c’est une proposition qui n’est pas complète encore. Si on vous dit le mal n’est rien, il faut surtout être prudent, vous attendez, vous attendez – la phrase n’est pas finie. [Rires] Tel quel, c’est un non-sens puisque le mal ne peut être rien pour des raisons les plus opposées.

Vous exigez des flèches de bifurcation et les uns prennent la première bifurcation : le mal n’est rien parce que seul le Bien “fait être” et “fait agir”. Ça c’est la voie : le Bien c’est à dire l’Un au-dessus de l’Être. Le bien fait être, c’est-à-dire l’Être dérive du Bien, l’Un est plus que l’Être. [Pause, quelqu’un s’en va] On va y retourner, hein ?? [Réponse : oui] – Ça, parce que le mal n’est rien, parce que seul le Bien “fait être” et raison d’être et raison d’agir, c’est aussi signé Platon, c’est signé Leibnitz, qui bien plus, lui renouvelle complètement la formule : “le bien fait être et fait agir”. Lui donne une interprétation très, très curieuse, très, belle. Mais enfin elle est complètement dans cette première bifurcation. [106 :00]

Et puis il y a un certain nombre des philosophes qui disent : “bien sûr, le mal n’est rien”. Voyez, je ne suis pas limitatif parce qu’il y a en plus ceux qui disent : “Si, le mal est quelque chose.” Il y a un être du négatif. Donc il y a beaucoup de variété. Mais je m’intéresse à la seconde bifurcation. Une race des philosophes étranges nous disent quoi ? Ils nous disent : “Oui, oui, d’accord le mal n’est rien.” Ils ajoutent très vite, pour ne pas trop se faire entendre, ils ajoutent : “parce que le bien non plus.”[Rires] En d’autres termes, le mal n’est rien, bien sûr puisqu’il n’y a ni bien ni mal. Ça rebondit. Qu’est-ce qu’ils veulent dire ? C’est des fous complets. Il n’y a pas de bien ni de mal ? Alors quoi, assassiner les gens – on peut y aller… n’importe quoi ! [107 :00] Il n’y a pas de bien ni de mal. C’est l’égalité de l’être, quoi ? Bon, d’accord ! C’est l’égalité de l’être. Est-ce qu’on peut faire n’importe quoi ? Ah non, ils disent on ne peut pas faire n’importe quoi. On leur répond : « Tais-toi, ça revient au même. » Non, ça ne revient pas au même, ce ne sont pas les mêmes choses que moi je vais défendre et que les autres vont défendre. Ce ne sont pas les mêmes choses. Et là ça devient plus intéressant. Mais défendre pourquoi ? Ça veut dire quoi défendre ? C’est un système du jugement. Ah, d’accord ; j’ai dit un mot de trop ; ce n’est pas défendre qu’il faut dire. Alors c’est quoi ? Aaaahhh, on va voir, c’est un mot complètement différent.

Le mal n’est rien qui ne signifie ni bien ni mal. Donc Spinoza se sert, il est très sournois Spinoza, vous voyez dans sa loyauté philosophique, dans sa grandeur. Il parle comme tout le monde pour dire quelque chose de complètement différent : le mal n’est rien, oui, mais moi je suis l’homme qui vous annonce [108 :00] qu’il n’y a ni bien ni mal, et c’est pour ça que le mal n’est rien. Et là encore, longtemps après, longtemps après, ce sera repris, ce sera repris par quelqu’un qui intitule un de ses livres principaux, Par-delà le bien et le mal. Et celui qui intitule ce livre principal, Par-delà le bien et le mal est si mal compris, tout comme Spinoza, qu’il éprouve le besoin d’écrire un autre livre principal intitulé La généalogie de la morale, où il montre que la morale est une chose, selon lui, immonde, mais que, mais que, mais que, mais qu’on a quand même mal compris son précédent livre Par-delà le bien et le mal. Et il lance cette formule qui pourrait, je vous jure, à la lettre, qui pourrait être signée par Spinoza, qui répond à la lettre du “spinozisme” qui est, par-delà le bien et le mal, comprenez, [109 :00] qu’il n’y ait ni bien ni mal, qu’il n’y ait pas plus de bien qu’il y ait de mal, cela du moins ne veut pas dire par-delà le bon et le mauvais. Cela du moins ne veut pas dire par-delà le bon et le mauvais. Ça veut dire, d’accord, il n’y a ni bien ni mal, mais il y a du bon et du mauvais. Vous me direz, si c’est pour dire ça… Donnez-moi le minimum toujours de confiance, peut-être que c’est énorme comme différence.

L’éthique, il n’y a ni bien ni mal, il y a du bon et du mauvais, voilà exactement la soudure entre l’éthique et l’ontologie. Il n’y a ni bien ni mal pour une raison simple : c’est que le Bien n’est pas supérieur à l’Être. [110 :00] Il n’y a que de l’Être, il n’y a que de l’Être ; bien et mal sont des mots dénués de sens. [Pause] Il n’y en a pas moins du bon et du mauvais. Alors que la morale est l’art du bien et du mal et de leur distinction ou de leur opposition et du triomphe de l’un sur l’autre, l’éthique est l’art du bon et du mauvais et de leur distinction dans la mesure où la distinction ne recoupe pas à celle du bien et du mal. [Pause]

Donc, l’éthique est directement branchée sur l’ontologie ; bien plus, je dirais qu’elle l’accompagne [111 :00] tout le temps mais elle en est le point de départ nécessaire. Ce début qui faisait qu’on ne pouvait pas s’installer immédiatement dans l’être, c’est que seul le débrouillage du bon et du mauvais peut nous porter jusqu’à l’être le plus vite possible. L’éthique est la vitesse qui nous conduit le plus vite possible à l’ontologie, c’est-à-dire à la vie dans l’être, d’où l’importance du problème. Bon. Alors, ce qu’il faut commenter c’est : le bon et le mauvais comme introduction à l’ontologie, à savoir : qu’est-ce que la différence éthique du bon et du mauvais par distinction de la différence morale du bien et du mal ?

Là ça me paraît très simple, c’est-à-dire que je voudrais juste achever ce point, lancer juste ce point et remettre [112 :00] la suite parce qu’il faut que j’aille voter. Je voudrais juste lancer l’analyse, je dirais, pour que vous y pensiez, pensez-y, vous ; je voudrais dire dans quel sens je veux développer maintenant. Pour moi, il y a deux différences, il y a deux différences fondamentales entre la morale et l’éthique, c’est-à-dire entre l’art du bon et du mauvais et la discipline du bien et du mal.

C’est que je crois que le bon et le mauvais impliquent deux choses qui ne sont pas du tout, qui sont même inintelligibles pour la morale. Le bon et le mauvais impliquent d’abord l’idée qu’il y a entre les [113 :00] étants, c’est-à-dire les existants, une distinction quantitative. Le bon et le mauvais, c’est l’idée d’une distinction quantitative entre les étants, entre les existants. Ce qui revient au même, quantitative, mais quelle quantité, quelle quantité bizarre ? L’éthique est fondamentalement quantitative. Et ma seconde idée, mais c’est la même, c’est que le bon et le mauvais désignent une opposition entre, une opposition qualitative entre des modes d’existence. Voyez : distinction quantitative entre les étants, opposition qualitative entre des modes d’existence. Qu’est-ce que ça veut dire ?

Du point de vue de l’éthique, le mauvais, je dirais c’est quoi ? Je voudrais juste vous faire sentir en finissant, je voudrais vous faire sentir des choses alors très concrètes, pas du tout mises au point philosophiquement. On nous disait tout à l’heure, du point de vue de la morale, le méchant c’est quelqu’un qui se trompe, c’est-à-dire qui juge mal. Il se trompe sur la nature du bien. Il juge mal, il fait un faux jugement. Du point de vue de l’éthique, je crois que le mauvais, ce que l’on appelle le mauvais, c’est aussi du faux. Mais voilà ce n’est pas du tout la même conception du faux. Parce que dans le cas précédent, le faux c’était une détermination du jugement, et en effet un jugement est faux lorsqu’il prend ce qui n’est pas pour être pour ce qui est. Cette table [115 :00] n’est pas rouge, je dis : “la table est rouge”, je le prends pour ce qu’il n’est pas, ou l’inverse. Ça, c’est le faux comme qualification du faux jugement, le faux comme qualification du jugement.

Est-ce qu’il n’y a pas un autre sens du mot faux ? Et en un sens c’est très compliqué parce que tous les sens se mélangent. Je dis par exemple : Tiens, on me rend une pièce d’or, et je dis : voyez le premier sens du mot faux : Faux désigne quoi ? L’inadéquation de la chose et de l’idée dans le jugement. Je dirais : un jugement est faux quand il n’y a pas adéquation de l’idée et de la chose, et le faux a été très souvent dans toutes les philosophies de jugement, a été défini comme ça : le vrai, c’est l’adéquation de l’idée et de la chose, [116 :00] le faux c’est l’inadéquation de l’idée et de la chose.

Je dis, il y a un tout autre sens du mot faux, qui précisément ne concerne plus le jugement. On me donne une pièce d’or et je la touche, je la mords comme dans les films, je la mords, elle se plie, ou bien alors, je prends ma petite bouteille d’acide, et je dis, elle est fausse. Cette pièce est fausse. C’est du toc. Vous me direz, c’est lié au jugement. Bien sûr, ça veut dire, cette pièce a une telle apparence qu’elle va susciter en moi le jugement : c’est de l’or, alors que ce n’en est pas. Mais ce que je viens de dire à l’instant c’est la façon dont le système du jugement interprète [117 :00] la fausseté de la pièce. Car pour que la pièce d’or fausse suscite un jugement d’après laquelle elle serait vraie, donc pour que faux signifie ici une adéquation de l’objet et de l’idée, il faut qu’il y ait eu un faux préalable : c’est en elle- même que la pièce d’or est fausse. Ce n’est pas simplement par rapport au jugement, elle ne suscite un jugement erroné que parce qu’elle se tient fausse en elle-même. Elle est fausse. Faux n’est plus la qualification d’un jugement sur la chose, c’est une manière d’être de la chose.

Je ne prétends rien dire de philosophique, je prétends indiquer, vraiment c’est du sentiment ce que je dis : je dis de quelqu’un, mais ce type-là, il est faux ce n’est pas du vrai. [118 :00] Curieux, vous me direz que c’est encore du jugement, bizarre, parce que c’est une espèce de jugement de goût. Je pèse la chose, je dis : ça, ça ne va pas ! J’ai parfois cette impression devant un mensonge ; devant un mensonge, je sens quelque chose ne va pas là-dedans. Pensez aux pages prodigieuses de Proust, sur la manière dont il évalue un mensonge d’Albertine, quelque chose qui cloche. C’est bizarre, qu’est-ce qu’elle vient de dire ? Il ne se rappelle même plus ce qu’elle a dit. Il y a un rien qui fait qu’il se dit : “Mais elle est en train de mentir, c’est abominable. Qu’est-ce qu’elle raconte-là ?” Il ne peut pas l’assigner.

Alors, on peut dire toujours c’est du domaine du jugement ou du préjugement. Sentez que ça peut se dire, ça peut se dire, oui, un philosophe du jugement ramènera ça au jugement, c’est-à-dire au rapport de l’idée et de la chose. Mais je dis c’est autre chose [119 :00] aussi. C’est en elle même que la chose est vraie ou fausse. Vrai ne désigne plus, vrai et faux ne désignent plus un rapport de l’idée de la chose mais vraie et fausse désignent une manière d’être de la chose. Une manière d’être de la chose en elle-même. C’est complètement différent.

Pourquoi on risque de confondre les deux, le vrai et le faux comme qualification du jugement sur la chose et le vrai et le faux comme qualification de la manière d’être de la chose ? On risque de les confondre forcément. Je dirais que le second sens de vrai et faux, c’est le sens le plus profond, il me semble, le vrai et faux comme manière d’être de la chose, la manière dont la chose est à l’Être. Elle peut l’être vraiment ou faussement. Ça nous intéresse pour l’éthique : être vrai à l’être. Ce n’est pas juger vrai, ça. C’est vraiment un mode d’existence. [120 :00] Être vrai à l’être. Très compliqué. Ou être faux à l’être.

Je dirais ça c’est le sens du vrai et du faux, ça veut dire authentique et inauthentique. L’authentique ça vient d’un mot grec compliqué, c’est vraiment : celui qui se tient en lui-même de manière à être vraiment à l’être. Bon, j’ai comme ça l’impression, devant des existences : elles ne sont pas authentiques. Ça ne veut pas dire avoir une personnalité, encore une fois, c’est une manière d’être l’authentique et l’inauthentique. Par exemple, sentir que quelqu’un se force. Vous me direz sentir c’est un jugement. Non on va essayer de dire un peu plus que ça. [121 :00] Ce n’est pas un jugement, c’est exactement comme vous soupesez une lettre. Vous faites sauter dans votre main une pièce : trop legère, trop lourde, quoi ? Peut-être qu’on rejoint le thème de la vitesse et de la lenteur. Tiens, il a parlé trop vite, il a parlé trop vite, il ment sûrement. Ou bien il traîne, il cherche ce qu’il veut dire. Ça ne va pas, ça ne va pas : trop lent, là. Ça ne marche pas aujourd’hui, ça ne marche pas : il ne va pas bien. Qu’est-ce que cette évaluation ? C’est comme si on pesait le poids des choses. Ce n’est pas juger ça. Ce n’est pas confronter l’idée et la chose. C’est peser la chose en elle-même. C’est quoi ?

Je dirais, c’est quelque chose qui est le contraire du système du jugement. C’est une espèce de monde d’épreuves. D’épreuve quoi ? [122 :00] Reprenons le modèle du corps : “l’étonnant c’est le corps”. Ce sont des épreuves comme physico-chimiques. Et on n’éprouve pas quelqu’un, c’est le quelqu’un qui ne cesse pas de se mettre à l’épreuve. Il rate sa vitesse, il rate ses lenteurs. C’est inauthentique. Au contraire, vous savez, les jours où tout est malheur pour nous, dès le moment où on se lève, on se cogne, on se cogne, on tombe, on glisse, on se fait engueuler partout ; alors on devient de plus en plus méchant soi-même. [Rires pendant toute cette description] On est toujours en discordance. L’être en discordance c’est une manière d’être nos jours de malheur, rien ne marche. Ça a commencé dès le matin, oh là là, quand est-ce que ça va finir ? quelle journée ! C’est les journées de l’inauthentique. Chaque fois que je vais trop vite, [123 :00] je me cogne, chaque fois que je vais lentement, je glisse, Il n’y rien à faire. Vaut mieux se recoucher, mais en me couchant je ne sais pas ce qui se passe. C’est affreux aussi. Rien ne va, c’est la longue plainte, la longue plainte de l’inauthentique. Oh là là, je suis malheureux. Rien ne va, bon. Comme la pièce d’or : vous lui foutez la goutte d’acide, ah ! C’est l’épreuve ! Ce n’est pas un jugement, c’est l’épreuve. Qu’est-ce que peut la pièce d’or ? On ne sait pas ce que “peut le corps”. Qu’est-ce qu’elle peut, la pièce d’or qu’on vient de me remettre ? Elle supporte l’épreuve de l’acide, si elle est de l’or authentique, elle supporte.

Voyez, l’épreuve physico-chimique s’oppose au jugement moral. Et je dirais vous reconnaissez, oui, — finalement ceux [124 :00] qui pensent dans ce sens, on les a toujours appelés les immoralistes — ils font passer une distinction entre authentique et inauthentique. Ça ne recouvre pas du tout la distinction du bien et du mal. Pas du tout. C’est une tout autre distinction. C’est très différent.  Et vous les reconnaissez à quoi, ces auteurs ? … [Fin de l’enregistrement, la séance interrompue] [2 :04 :24]

 

Notes

For archival purposes, the French transcript originates in documents available at Web Deleuze, reviewed and revised based on the BNF recording made available by Hidenobu Suzuki, and translated here for the first time in January 2020 for posting on this site, with additions and a revised description completed in September 2023. In fall 2024-winter 2025, the transcript and translation have been additionally corrected in light of revisions in Gilles Deleuze, Sur Spinoza, ed. David Lapoujade (Paris: Minuit, 2024).

Lectures in this Seminar

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Reading Date: January 24, 1978
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Reading Date: November 25, 1980
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Reading Date: December 2, 1980
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Reading Date: December 9, 1980
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Reading Date: December 16, 1980
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Reading Date: January 6, 1981
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Reading Date: January 13, 1981
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Reading Date: January 20, 1981
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Reading Date: January 27, 1981
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Reading Date: February 3, 1981
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Reading Date: February 10, 1981
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Reading Date: February 17, 1981
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Reading Date: March 10, 1981
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Reading Date: March 17, 1981
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Reading Date: March 24, 1981
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Reading Date: March 31, 1981
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